Francesca Woodman On being an angel

De ella se ha dicho que era excéntrica, introvertida, apasionada, carismática, provocadora, muy teatral, que estaba frenéticamente obsesionada con su imagen y con la búsqueda del yo…Francesca Woodman (Denver, 1958 - Nueva York, 1981) exposición monográfica que incluye lo más representativo de su obra a través de 102 fotografías y 6 cortometrajes.

 Con un talento innato y precoz, Woodman creó un corpus fotográfico impregnado de simbolismo.  Sus imágenes están centradas fundamentalmente en el cuerpo de la mujer en general y en ella misma en particular. Se autorretrató desnuda, retorcida, semi oculta, disfrazada y desdibujada en lugares abandonados, casi fantasmagóricos. En sus fotografías encontramos referencias a una belleza frágil y etérea, a la vez de tenebrosa y, en muchos casos, en escenarios bucólicos y decadentes. Tras su trágico suicidio en 1981, Francesca Woodman se convirtió en una fotógrafa de culto que, a día de hoy, sigue generando debate y preguntas sin respuesta. Todo ello forma parte de ese halo de misterio que rodea a su figura y que está presente en cada una de las fotografías de esta exposición, cuyo título hace referencia a uno de los temas preferidos de la artista: “ser un ángel”.

La vérité Kore-eda

2019 France Japon, 1h47 mn Comédie dramatique Réalisateur Hirokazu kore-eda. Avec Ludivine Sagnier, Catherine Deneuve, Juliette Binoche, Ethan Hawkw, Christian Crahay

Fabienne, icône du cinéma, est la mère de Lumir, scénariste à New York. La publication des mémoires de cette grande actrice incite Lumir et sa famille à revenir dans la maison de son enfance. Mais les retrouvailles vont vite tourner à la confrontation : vérités cachées, rancunes inavouées, amours impossibles se révèlent sous le regard médusé des hommes. Fabienne est en plein tournage d’un film de science-fiction où elle incarne la fille âgée d’une mère éternellement jeune. Réalité et fiction se confondent obligeant mère et fille à se retrouver...

Catherine Deneuve, plus grave et radieuse que jamais, incarne une très grande comédienne, dont on suppose les ravages de l’âge sur son état cognitif. S’agit-il d’un récit testamentaire ? C’est toute la question qui, posée par le long-métrage du japonais Hirokazu Kore-eda, regarde cette grande dame du cinéma français à travers son œil exotique. Pendant ces presque deux heures, le spectateur se demande hagard si Catherine joue à la Deneuve, dans ce qu’il y peut avoir de pire en matière de starlette vieillissante, ou si Catherine Deneuve adopte un ton délibérément ironique sur la profession de acteurs qu’elle connaît si bien. Toujours est-il que le film s’avère une profonde réussite dans cette façon de contourner la réalité en permanence, à travers un jeu de dupes dont seuls les acteurs détiennent les clés.

El irlandés M. Scorsese

2019 USA 3h29 min Suspense, Biografía Dirigida por Martin Scorsese Guión basado 'I Heard You Paint Houses: Frank 'The Irishman' Sheeran and the Inside Story of the Mafia, the Teamsters, and the Final Ride by Jimmy Hoffa', escrito por Charles Brandt.

Con Robert de Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel.

"Una saga épica sobre el crimen organizado en Estados Unidos durante la época de la post-guerra, vista a través de los ojos del veterano de la Segunda Guerra Mundial, Frank Sheeran, un buscavidas y asesino a sueldo que trabajó junto a algunas de las figuras más notables del siglo XX. A través de varias décadas, la película relata uno de los grandes misterios sin resolver de la historia americana, la desaparición del legendario Presidente del Sindicato, Jimmy Hoffa, y ofrece un viaje a través de los entresijos del crimen organizado: su funcionamiento interno, rivalidades y conexiones con las principales corrientes políticas".

El director ha usado efectos especiales para envejecer o rejuvenecer al elenco con el fin de abarcar una historia que transcurra a lo largo de varias décadas. Buen cine.

Mientras dure la guerra A. Amenabar

2019 España y Argentina 107 min Dirigida por Alejandro Amenabar Con Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, Patricia López, Tito Valverde, Luís Bermejo.

España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la sublevación militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca. Mientras, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros provoca que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios. Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado en la zona nacional, Unamuno acude a su Palacio, decidido a hacerle una petición.

 
"Estoy hablando de las dos Españas o de las tres Españas. No quería hacer una película de confrontación porque no está en mi naturaleza. Yo entiendo que las personas que viven en mi bloque van a votar a distintos grupos políticos. Es lo normal, es lo sano, que no todos pensemos igual. Pero sí quiero tener la libertad y la capacidad de poder discutir con la persona que tengo delante sin llegar a las manos. Creo que eso está reflejado en la película, por ejemplo, en la escena de la discusión entre Unamuno y su amigo Salvador. Sí reivindico esa capacidad para discutir serenamente las cosas. " Amenabar en Cinemania

Los impresionistas y la fotografía

Desde los primeros daguerrotipos de finales de la década de 1830 y, sobre todo, tras el descubrimiento en años posteriores de las técnicas de impresión fotográfica en papel, la relación de la fotografía y la pintura fue muy estrecha.

El ojo artificial de la cámara de fotógrafos como Le Gray, Cuvelier, Nadar o Disderi, por citar a unos cuantos, estimuló en Manet, Degas y en los jóvenes impresionistas el desarrollo de un nuevo modo de mirar el mundo.

La fotografía le valió al impresionismo no solo como fuente iconográfica sino también como inspiración técnica, tanto en la observación científica de la luz o en la representación de un espacio asimétrico y truncado como en la exploración de la espontaneidad y la ambigüedad visual.

Asimismo, por influencia de la nueva factura impresionista, algunos fotógrafos comenzaron a preocuparse por la materialidad de sus imágenes y a buscar fórmulas para hacer sus fotografías menos precisas y con un efecto más pictórico.

El papel primordial que ha adquirido hoy la fotografía en el panorama del arte contemporáneo ha hecho resurgir el interés de la historiografía artística por el impacto que su invención provocó en las artes plásticas.

La exposición Los impresionistas y la fotografía se suma a esta línea historiográfica, planteando una reflexión crítica sobre las afinidades e influencias mutuas entre fotografía y pintura, sin olvidar la fructífera polémica entre críticos y artistas que su aparición desencadenó en Francia durante la segunda mitad del siglo XIX.

La muestra, comisariada por Paloma Alarcó, se articula en nueve capítulos temáticos - El bosque, Figuras en el paisaje, El agua, En el campo, Los monumentos, La ciudad, El retrato, El cuerpo y El archivo - en los que confluyeron los intereses de pintores y fotógrafos.

Vídeo explicativo.

Sorry, we missed you K.Loach

2019 reino Unido 101 min. Drama Dirección Ken Loach, Con  Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone, Katie Proctor.

Ricky (Kris Hitchen) y su familia han estado peleando para salir adelante económicamente desde la crisis de 2008. Un día se presenta una nueva oportunidad cuando aparece una brillante furgoneta antigua, ofreciendo a la familia la posibilidad de crear su propio negocio. Sin embargo, la tarea no será fácil, especialmente debido al trabajo de su mujer (Debbie Honeywood) como cuidadora. Aunque los lazos de la familia son muy fuertes, pronto aparecerán las primeras fisuras...

Tal vez el film definitivo sobre la patraña del trabajo colaborativo, la historia no puede ser más sucinta: un obrero en tiempos postsindicales (todo lo que vemos tiene que ver más con el ‘yo’ que con el ‘nosotros’) es empleado por una gran empresa de paquetería. Él sabe que las condiciones son draconianas, pero no tiene elección… Y lo que vemos, en un crescendo dramático implacable, es cómo va de cabeza a la ruina. La suya, la de su pareja, la de su familia. Loach lo dota de una humanidad considerable, al tiempo que cada personaje tiene sus motivos para hacer lo que hace, hasta el más abyecto: como denunciara hace décadas Guy Débord, el Sistema es mucho más poderoso que las decisiones individuales, y responde a un mecanismo que más que facilitar la vida, la tritura. 

La soledad absoluta de los protagonistas marca un cambio entre esta y la anterior película. Angustioso.

La vida en cuatro letras. C. López-Otín

Cierro los ojos y, mientras llego al infinito, me distraigo escuchando Spiegel im Spiegel. Su sonido sencillo y repetitivo, basado en acordes de tres notas, me invita a viajar al centro de la vida. Visualizo el abrazo helicoidal de la estructura de mi ADN, el material genético portador de todos mis secretos, y percibo que ahora mismo algunos de mis genes se están leyendo de manera armónica e incansable en grupos de tres unidades químicas llamadas "nucleótidos".

Carlos López-Otín es catedrático de Bioquímica en la Universidad de Oviedo, donde investiga sobre el cáncer y el envejecimiento. Su grupo de investigación ha secuenciado el genoma de cientos de pacientes con cáncer u otras enfermedades. Este es un libro muy personal que combina la divulgación científica con una autobiografía centrada en las contribuciones del autor.

Partiendo de que hay que buscar el ikigai, propósito vital, y que este nos facilita llegar a la felicidad, que no es otra cosa que la ausencia de enfermedad, de miedo o de dolor. [Las] cinco claves de la felicidad son imperfección, reparación, observación, introspección y emoción. [Aceptar] la imperfección es entender la vida, asumir nuestro humilde pasado microbiano y reconocer nuestras actuales limitaciones, incluyendo la presencia de la enfermedad y la muerte. [Somos] seres vulnerables y lo vamos a seguir siendo, los humanos no somos inmortales y nunca lo seremos. [La] felicidad no es una ciencia sólida y perfecta, sino más bien un arte líquido e imperfecto en cuya construcción hay que trabajar duramente cada día”.

López-Otín nos describe a las personas más felices que conoce, como Sammy Basso, cuyo ejemplo “demuestra que, incluso en condiciones tan adversas como las de una enfermedad incurable y devastadora, la vida encuentra argumentos para sostenerse y para abrir nuevas ventanas a la felicidad total”. El libro también está impregnado de filosofía oriental, próxima al budismo. La búsqueda del “equilibrio perfecto entre el modo sapiens y el modo sentiens. 

Parásitos B.Joon Ho

2019 Corea del Sur 132' Comedia negra Suspense Director Bong Joon Ho Con  Song Kang Ho, Lee Sun Kyun, Cho Yeo Jeong, Choi Woo Shik, Park So Dam, Lee Jung Eun, Chang Hyae Jin. 

 Ki-taek (Kang-ho Song) es el patriarca de una familia pobre que malvive en un piso bajo en Seúl, pagando las facturas a base de trabajos precarios y robando el wi-fi de los vecinos. Su situación cambia un día en el que su hijo logra que le recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park, una familia acaudalada. Utilizando su ingenio, el joven conseguirá ganarse la confianza de la señora de la casa, y así irá introduciendo, poco a poco, al resto de sus familiares en distintos trabajos del servicio doméstico. Será el comienzo de un engranaje incontrolable, del cual nadie saldrá realmente indemne.

Joon-ho plantea una relación entre miembros de clases sociales antagónicas sirviéndose de elementos previos que hemos visto en otras películas de la modernidad europea sobre sumisiones pero lo hace desde una perspectiva distinta en la que abunda el sentido del humor sin que ello le haga perder un ápice de severidad.

Poco a poco, con una estrategia casi geométrica, los cuatro miembros de una familia que malvive en los suburbios en un piso a ras de tierra que haría las delicias de los primeros Jeunet & Caro -el wáter colocado encima de una tarima, el agua de lluvia que lo inunda todo, el hecho de abrir las ventanas cuando hay exterminadores de insectos en la calle para así eliminar las chinches del piso- se instalan, simulando ser quienes no son (un profesor de inglés, una profesora de arte, un chófer y una sirvienta), en la confortable casa de un moderno arquitecto, su esposa y dos hijos con aspiraciones artísticas. Hay un elemento disonante en esa estrategia geométrica, el de la antigua ama de llaves de la familia del arquitecto que reaparece cuando no debería hacerlo, lo que lleva el relato hacia los confines subterráneos de una nueva moralidad.

Es divertida y es inquietante. Se ríe de la violencia sin banalizarla. Compone meticulosamente una serie de arquetipos sociales para después dinamitarlos.

Lujo de los asirios a Alejandro Magno

La exposición presenta un total de 217 piezas de las destacadas colecciones que atesora el British Museum. Los objetos van desde delicadas piezas de marfil y joyas, pasando por ornamentos de mobiliario, vidrios, cerámica y metales preciosos, hasta relieves asirios de gran tamaño. Entre los objetos, destacan los relieves de pared del famoso palacio de Nínive así como las exquisitas piezas y miniaturas procedentes del tesoro del Oxus, el tesoro mejor conocido de objetos de oro y plata de la antigua Persia, y de extraordinaria importancia por la calidad de sus piezas.

 

Entre los años 900 y 300 a. C. los poderosos gobernantes de Oriente Medio crearon grandes imperios y acumularon enormes riquezas. Construyeron suntuosos palacios y jardines llenos de inmensas cantidades de tesoros. Desde la aparición del Imperio asirio hasta las conquistas de Alejandro Magno, este fue un mundo conectado a través de miles de kilómetros, desde la India hasta la actual España, por medio de artesanos, comerciantes y consumidores de objetos preciosos. La estabilidad política y económica fue crucial para la producción de artículos de lujo: los reyes asirios guerrearon por construir un imperio que abarcaba desde el Mediterráneo o hasta el golfo Pérsico. Su dominio reavivó las rutas comerciales y la demanda de artículos de lujo, así como más tarde sucedió con otros imperios fuertes, como el babilónico y el aqueménida.
Alejandro Magno fue una pieza clave en esta historia: ávido de las riquezas del Imperio aqueménida, fue conquistando tierras hasta que llegó a Oriente Medio. Su triunfo aportó prosperidad y refinamiento a Grecia, y dio lugar a una mezcla ecléctica de elementos culturales: la helenización.
Los objetos de esta exposición, dividida en siete ámbitos, no solo tienen un gran valor artesanal sino que también fueron realizados con exquisito gusto y gran refinamiento. Asimismo permiten percibir el contexto político en el que fueron creados y las redes donde se comerciaba, unas redes que se extendían desde la India hasta la península Ibérica.
Para muchos gobernantes, la adquisición de objetos de lujo era un objetivo militar importante. En concreto, los reyes asirios obtenían grandes cantidades de objetos valiosos y lujosos a través de saqueos y de exigentes tributos. La exhibición del lujo y la riqueza conseguidos reforzaba el poder político e intimidaba a los enemigos. El equipamiento militar también se embellecía para convertirlo en objeto de lujo.
Los encargados de cubrir la demanda de artículos de lujo por parte de la élite gobernante fueron artesanos y comerciantes fenicios que hicieron de intermediarios. La costa levantina era el feudo de los fenicios, pero expandieron sus colonias y asentamientos por todo el Mediterráneo y por el norte de África. Su estilo artístico reflejaba las conexiones y el comercio con Grecia, Egipto y Oriente Próximo.
La demanda de artículos de lujo se extendió a todos los niveles de la sociedad, por lo que se produjeron copias y versiones más baratas de este tipo de objetos. La imitación, la adaptación y la creación de nuevos objetos inspirados en los originales fueron la respuesta de la élite a los nuevos contactos entre diferentes zonas, lo que generó nuevas formas de lujo.
La élite compartía el gusto por la ostentación sensorial y los entornos lujosos (incluidos los jardines), acompañados de aromas exóticos y bellos sonidos. También le gustaban los buenos manjares, y la corte aqueménida era conocida por sus lujosas cenas.
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Sobre el poder y la ideología N.Chomsky

Al examen del papel de la guerra en la economía mundial, y del lugar ocupado en ella por Estados Unidos, están dedicadas las páginas de Sobre el poder y la ideología, que reúne cinco conferencias pronunciadas por el autor en Managua en 1986.

Los textos pese a datar ya de más de  treinta año contienen dosis difíciles de asimilar (lo mismo por su precisión que por su crudeza) de una clarividente descripción del funcionamiento global de la economía y la política, lo que hace que sus textos mantengan una prolongada vigencia. En sus menos de doscientas páginas, no es sólo un compendio del saber de su autor acerca del poder y la ideología, que es mucho, sino también sobre la historia contemporánea y los conflictos geoestratégicos presentes y futuros.

Frente al designio del poder que “ejerce abiertamente el terrorismo”, Noam Chomsky apela “al valor ético de las acciones de cada uno”, y a la deseable propagación de la conciencia de que lo aquí comentado no es producto de que “estemos gobernados por bandidos, ya que es posible que las cosas no cambiaran mucho si los dirigentes actuales fueran reemplazados por ‘gente mejor’. Las razones son institucionales: debemos afrontar los problemas sin ilusiones, entendiendo las realidades sociales. Lo que tiene que hacerse es cambiar las instituciones. Es una tarea enorme”.

Carlos Fotógrafo

A la imagen en movimiento accedió desde la fotografía, desde el análisis de formas con que esta disciplina se enfrentó a la modernidad gráfica en busca de estilo y sintaxis propia, y ya en sus comienzos destacó junto a los mejores. Fue en los años cuarenta del pasado siglo, cuando una cámara fotográfica le permitió explorar su mundo, el familiar y el paisaje mesetario de su Cuenca de referencia. Desde entonces, no se ha separado de un artilugio que le permite construir imágenes en forma de diario íntimo de toda su actividad afectiva y creadora. Nacido en una familia de múltiples lazos con la pintura y la música, Carlos se asemeja en su quehacer cotidiano a una esponja incansable y feliz, aglutinadora de técnicas múltiples.
En torno a su primera pasión, la fotografía, Carlos Saura ha construido un universo ecléctico en el que caben todas sus vivencias, desde el relato de pobreza y frío de la España autárquica a su pasión final por las fotografías coloreadas e intervenidas por su mano; de las imágenes constructoras de escenografías, ensayos y análisis estéticos de su filmografía, a todo lo que ha poblado sus afectos, su vida más íntima, su familia. Es tal la variedad de caminos explorados que debemos rendirnos ante lo inclasificable de su obra fotográfica y, al mismo tiempo, reconocer que cualquier cliché le haría un traje demasiado estrecho a este creador. Su producción funciona más bien como un diario personal que jalona los acontecimientos de su vida sin distinción, ya sean afectivos o profesionales. Es como si este artista confiara a la imagen toda su capacidad expresiva para cualquier uso, para cualquier técnica o formato, para cualquier forma de comunicación humana.
Para desarrollar un discurso gráficamente coherente con la variedad de su producción, esta exposición traza un recorrido paralelo a su vida, que pretende simultanear pasiones y realidades bajo la guía de su propia mirada.

La vida invisible de Euridice Gusmao K. Aïnouz

2019 Brasil Drama 139 min Dirección: Karim Ainouz Con Fernanda Montenegro, Carol Duarte, Gregório Duvivier, Cristina Pereira, Flavio Bauraqui
Río de Janeiro, 1950. Dentro de la conservadora casa de la familia portuguesa Gusmão, Eurídice, de 18 años, y Guida, de 20, son dos inseparables hermanas que se procuran un espacio seguro para sus esperanzas y aspiraciones. Mientras Guida tiene en su hermana pequeña una fiel confidente de sus aventuras románticas, Eurídice encuentra en su enérgica hermana mayor el aliento que necesita para perseguir su sueño de convertirse en pianista profesional.

«Lo que me llevó a adaptar esta novela fue el deseo de hacer visibles muchas vidas invisibles, como las de mi madre, mi abuela, mis tías y muchas otras mujeres de esa época», dice el director. «Estaba decidido a contar una historia de solidaridad, una historia que subraye el hecho de que somos mucho más fuertes juntos que solos, sin importar cuán diferentes seamos. Me imaginé una película llena de sensualidad, de música, de drama, lágrimas, sudor y rímel, pero también una película llena de crueldad, violencia y sexo; una película que no temiera ser sentimental, más grande que la vida, una película que late con el corazón de mis dos queridas protagonistas: Guida y Eurídice»

21 lecciones para el siglo XXI Y.N.Harari

Las veintiuna lecciones giran en torno a un problema de escala: Yuval Harari está genuinamente convencido de que la convergencia global de catástrofes que se avecinan no se puede afrontar con éxito a partir de las identidades tradicionales y las tendencias innatas de pensar desde el ombligo.

Se trata de expandir el círculo o perecer. Y ello por más que Harari no disponga de la doctrina persuasiva definitiva para sustituir al viejo liberalismo triunfante, el último de los metarrelatos. La última “decepción ideológica”, según su opinión. Por esto puede permitirse alabar la Unión Europea como experimento orientado a una sociedad global basada en la democracia, los mercados libres, la paz y los derechos humanos, y simultáneamente admitir que el fin de las identidades nacionales puede traernos de vuelta a la tribu, en lugar de conducirnos suavemente a la utopía progresista. Harari teme que lo que llama “disrupción tecnológica”, vinculada a los hallazgos de la neurociencia y la revolución de la tecnología informacional, esté poniendo en aprietos a nuestras amadas teorías sobre la libre elección de los votantes, y sobre la eficacia del gobierno ilustrado.

Harari aventura sombríamente que la democracia liberal, en su forma actual, “no sobrevivirá a la fusión de la biotecnología y la infotecnología” y especula con que la soberanía del futuro pase de la ciudadanía ignorante a los algoritmos inteligentes. La misma especie humana podría dividirse en nuevas castas biológicas, si sigue ahondándose la brecha entre la élite cognitiva y el resto de la población [como advirtieron Charles Murray y Richard J. Herrnstein hace más de dos décadas en The Bell curve (1994), y confirmaron en su secuela más reciente, Coming apart, (2013)].

Las cosas que sé que son verdad J.Fuentes

Autor Andrew Bovell, dirigida por Julián Fuentes Reta e interpretada por Verónica Forqué, Julio Vélez, Pilar Gómez, Jorge Muriel, Borja Maestre y Candela Salguero.120 min

Cuenta la historia de una familia que, en el transcurso de un año, asiste al crecimiento personal y a la emancipación de los cuatro hijos (dos varones, y dos chicas), con el consiguiente trastorno personal y familiar porque los padres no tienen más remedio que aceptar el camino que toma cada uno de ellos que, como casi siempre, no tiene nada que ver con el que ellos le habían ido marcando sutilmente.

Verónica Forqué y Julio Vélez interpretan a los padres de la familia (unos 60 años, casados hace ya desde hace cuatro décadas; ella enfermera y él mecánico, ya prejubilado ); Pilar Gómez (casada, dos hijos, decide abandonar a su marido y emigrar a Canadá en busca de otro hombre, también casado y con tres hijos, al que conoció recientemente); Jorge Muriel (el mayor de los hijos, que comunica a la familia su firme decisión de cambiar de sexo); Borja Maestre (economista, aparente triunfador, pero que acaba de confesar a sus padres que ha cometido un importante desfalco en la empresa donde trabaja), y Candela Salguero (la benjamina del grupo, que sufre un fuerte revés amoroso en su primera salida por Europa, y eso le obliga a interrumpir el soñado viaje y a volver a casa).

La historia de ese año crucial en la familia se desarrolla en el jardín de la casa, situada en las afueras de la ciudad, y que preside un árbol crecido y las numerosas plantas que lo adornan. Los acontecimientos se suceden uno tras otro, del mismo modo que llegan la primavera, el verano, el otoño y el invierno –cuatro estaciones, cuatro hijos…-, y tanto el jardín como el núcleo familiar van adoptando tintes muy distintos en función de las circunstancias vividas. Nada es. Todo cambia. Pero la vida sigue porque la naturaleza es una máquina implacable, unas veces profundamente hermosa, y otras dolorosamente triste.

En medio del tiempo J.A. Carrera

Fascinado por Manhattan, donde vuelve año tras año y por el paso del tiempo que cambia el aspecto de la ciudad, Carrera quiere plasmar en sus fotografías un testimonio de la realidad que desaparece. Cada foto lleva como único título el lugar donde fue realizada. Todas, menos una, en Manhattan. Las imágenes de la muestra fueron tomadas en dos tiempos, que se relacionan con los tres ámbitos de la muestra: entre 1993 y 1996, en blanco y negro y con gran angular, muestran el lugar que ocupa el hombre en la ciudad; entre 2009 y 2014, con planos más cortos y un espacio más íntimo, en imágenes a todo color. A este período pertenece también la serie nocturna (tercer ámbito de la exposición), con fotografías digitales que dejan que la noche, junto con las luces de la ciudad, permita adentrarse en el interior de los retratados, allí donde la cámara ve lo que no se había apreciado antes.

En la mayoría de las fotografías aparece una persona, a pesar del gentío que pasea por las calles, aísla al personaje para buscarle una intimidad en el espacio público. Las fotos no son amables, nadie sonríe. Tampoco hay humor en la composición, son personajes mudo. A veces la cámara capta lo que el fotógrafo no ha visto. En los primeros planos sin decorado, impersonales, el autor pide permiso.

Video del autor

El monarca de las sombras J. Cercas

Se llamaba Manuel Mena y murió a los diecinueve años en la batalla del Ebro. Fue el 21 de septiembre de 1938, hacia el final de la guerra civil, en un pueblo catalán llamado Bot. Era un franquista entusiasta, o por lo menos un entusiasta falangista, o por lo menos lo fue al principio d ela guerra: en esa época se alistó en la 3ª. Bandera de Falange de Cáceres, y al año siguiente, recién obtenido el grado de alférez provisional, lo destinaron al Primer Tabor de Tiradores de Ifni, una unidad de choque perteneciente al cuerpo de Regulares. Doce meses más tarde murió en combate, y durante años fue el héroe oficial de mi familia.

Intento de rescatar el pasado de Manuel Mena, para regalárselo a su madre, para contar el héroe franquista que le avergüenza,  para que su herencia no se pierda. Sorprende la extraordinaria búsqueda de información que ha realizado, la asepsia del narrador. Triple perdedor este niño enviado a la guerra por adultos asesinos, hubiera preferido no ser el héroe de su familia, no tener una calle en su pueblo ya haber vivido.

Requiem pour L. Platel/Cassol

Música: Fabrizio Cassol, a partir del Requiem de Mozart
Dirección y escenografía: Alain Platel
Dirección musical: Rodriguez Vangama
Interpretación: Rodriguez Vangama (guitarra y bajo eléctrico), Boule Mpanya, Fredy Massamba, Russell Tshiebua (voces), Nobulumko Mngxekeza, Owen Metsileng, Stephen Diaz/Rodrigo Ferreira (voces líricas), Joao Barradas (acordeón), Kojack Kossakamvwe (guitarra eléctrica), Niels Van Heertum (bombardino), Bouton Kalanda, Erick Ngoya, Silva Makengo (likembe), Michel Seba (percusión). Duración 1h30
Espectáculo donde la música de Mozart y los cantos africanos se conjuran para afrontar el último viaje. Acompañados de las imágenes de la muerte de Lucie,  admiradora del trabajo de Platel que luchó en los años 80 por la legalización de la eutanasia en Bélgica y permitió que el creador la grabara mientras fallecía. Había decidido no luchar contra una enfermerdad incurable y optó por una muerte programada, con ayuda de paliativos. 
Platel (Gante, 1956) recalcó que Requiem pour L. es “una celebración de la vida”. La música de Mozart, dijo, es el origen del espectáculo junto con una conversación que tuvieron él y Cassol sobre la muerte. “Quisimos hacer algo sobre cómo afrontarla y el Réquiem nos ofrecía una puerta abierta”. Explicó que han pretendido crear “otra ceremonia del duelo, un nuevo ritual” a partir de la misa de difuntos de Mozart y de tradiciones musicales africanas interpretadas por unos artistas del continente que viven la muerte de otra manera, con una enorme vitalidad desconocida en Europa pero que se corresponde con la música luminosa de Mozart.

Il cielo non è un fondale Deflorian/Tagliarini

Texto y dirección: Daria Deflorian y Antonio Tagliarini

Interpretación: Francesco Alberici, Daria Deflorian, Monica Demuru, Antonio Tagliarini

VO en italiano con subtítulos.

Duración 1h30

Testigos contemporáneos de la vida en la ciudad, confrontando lúcidamente el espacio cerrado del teatro con el mundo exterior, Daria Deflorian y Antonio Tagliarini describen con precisión las tensiones del espacio urbano. El escenario alberga un diálogo entre lo que somos dentro y fuera, entre el espacio ficticio del escenario y el espacio real exterior. Es también albergue para las preguntas: "Cuando estamos en casa y llueve fuera, ¿qué pensamos del hombre que está bajo la lluvia? ¿Cómo podemos no preguntarnos hoy sobre los flujos migratorios de decenas de miles de personas que abandonan todo lo que tenían para escapar de una situación impensable, la guerra, la miseria? ¿Cómo hacerlo desde nuestro pequeño y afortunado punto de observación?".

El último barco D. Villar

La mujer alta dejó de leer, se tumbó boca arriba y notó que le vencía el sueño. Incluso con los ojos cerrados, sentía el destello del sol en los párpados. Le gustaba la soledad de aquella playa en la que podía pasar las horas sin otra compañía que el libro, el rumos de las olas y el canto de las aves que tenían su nido entre las dunas.

Aún no se había dormido cuando creyó percibir una risa de niño. Se incorporó y vio la sombra de un pájaro que se movía en la arena. Levantó la mirada y lo vio pasar planeando con las alas muy quietas. Detrás, con los brazos levantados como si pudiese alcanzarlo, había llegado corriendo el chiquillo. Se había detenido al descubrirla entre las dunas y ahora la miraba fijamente con sus grandes ojos oscuros. Tendría unos ocho años y solo llevaba puesto un traje de baño verde mar. En el lugar en el que debía estar su mano izquierda no había más que un muñón.

El último barco, en sus más de setecientas páginas, nos trae un nuevo caso de Leo Caldas, el inspector de policía de Vigo, ambientado en la Escuela de Artes y Oficios. A través de los diálogos se van presentando los distintos personajes que aparecen perfilados, a veces solo intuidos, en sus palabras, en sus gestos, en silencios y miradas, incluso en el tono que emplean, mostrado todo ello con una certera habilidad literaria.

Destaca aquí el enigmático Camilo, un joven impenetrable cuyos silencios, extraños balanceos y un don especial describen sus peculiaridades personales, contradictorias y quizá claves en la investigación.

El vagabundo que mendiga apostado con su perro, testigo de mucho más que el deambular de los transeúntes, y que acostumbra a ofrecer breves enseñanzas de latín a cambio de unas monedas.

El impulsivo y malhumorado agente Estévez, ayudante del inspector Caldas, con su fondo de bondad, al que se le hace difícil comprender el carácter indeciso de los gallegos.

El padre de la chica desaparecida, el fotógrafo y naturalista inglés, un viejo pescador amante de los jilgueros, los profesores de la escuela, el comisario, el locutor sin escrúpulos… componentes, junto a otros muchos secundarios fundamentales, de un paisaje humano muy ligado a la tierra en que se desarrolla la historia.

La crueldad en esta novela negra queda fijada en los prejuicios, en la hipocresía, la mentira y el engaño; en el encubrimiento de la degradación humana bajo una apariencia de normalidad.

Novela redonda, alejada siempre de rebuscados artificios literarios que se devora en un fin de semana.

Los asquerosos S. Lorenzo

Nació en Madrid en 1991. Su padre era uno que le daba igual, a todo el mundo. Su madre, que lo mismo, era la hermana de mi exmujer, que no veo desde hace ya ni sé. No tenía más tíos que yo.

Impresionaba verle, con once años, buscando trabajo en Internet. Ni se lo iban a dar ni él lo iba a pedir, por su edad. Pero desde crío, Manuel ya estaba indagando sobre cómo sería verse a sí mismo metido en el mundo. 

Manuel es nombre falso. pero es que no debo dar el verdadero.

Era uno de esos críos a los que ahora llaman "niños de la llave". Sus padres, por trabajo o relaciones, nunca estaban en casa. Manuel llevaba la llave de su domicilio colgada al cuello porque no tenía a nadie que se ocupara de él a la salida del colegio. Se supone que esta es situación carencial y penosa. Muchos, en su tesitura de desasistencia, se tirarían con los años por la autolesión, el juego de rol insano, el hostión en moto, la anorexia o el romanticismo salido de rosca.

No fue el caso de Manuel. Él alineó los pros y los contras de la incuria de la que era objeto y luego reflexionó. Para él, la falta de atenciones era una clara tajada de suerte.

Manuel, que impremeditadamente hiere con un destornillador a un policía que le quería pegar, y ante el futuro desastroso que imagina huye y se esconde en una aldea abandonada, donde su cuerpo sobrevive gracias a las entregas de un supermercado que le gestiona su tío, y su alma a través de los libros de la colección Austral que encuentra abandonados en la casa…Muy divertido,
se percibe cierto pitorreo ante la moda de la ‘nature writing’, pero abordado con enorme gracia. Lo más curioso es que el personaje acaba por inspirar envidia, dan ganas de vivir como él, liberado de todo lo social y lanzado a una aventura gozosa, neomística (“su amor por la pobreza empezaba a ser lujuria”…) en un lugar donde ”a veces llovía tanto que olía a sardinas”… Y hasta se podría rastrear un homenaje cervantino: no podemos desvelar mucho, pero, como la de don Quijote, la segunda salida de Manuel es la definitiva, en un desenlace realmente hermoso…

Una novela estupenda, en fin, que además nos habla de la despoblación en las zonas rurales, de la posibilidad de vivir con menos, del “postureo” de la vida en el campo. Para disfrutar y discutir.

El palacio de los sueños. I.Kadaré

A través de las cortinas se derramaba la luminosidad turbia de la mañana. Como de costumbre quiso arrebujarse bajo el embozo para prolongar unos instantes más la somnolencia, pero enseguida supo que no sería posible. El pensamiento de que el día que amanecía iba a ser excepcional para él bastó para acabar de despabilarlo. 

Poco después, mientras buscaba las pantuflas en el suelo, tuvo la impresión de que su rostro aún abotagado ostentaba una suerte de sonrisa irónica. Abandonaba el sueño para incorporarse al trabajo en el Tabir Saray, el famoso organismo que se ocupaba del dormir y de los sueños, cosa que habría bastado para provocar en cualquiera que se encontrara en su lugar una especie muy particular de sonrisa. Sólo que él estaba demasiado asustado para sonreír verdaderamente.

En el Palacio de los Sueños, escrito a mediados de los 70’s, con ciertos elementos que recuerdan a Kafka, Orwell o Huxley, el autor plantea una realidad en la que los sueños del pueblo son burocratizados por el Tabir Saray donde son analizados, catalogados, estudiados y adueñados por la maquinaria de un Estado opresivo y controlador, que obliga a los ciudadanos a recoger sus sueños por escrito y trasladarlos a una vasta red burocrática que alcanza todos los rincones del país. Toda la acción transcurre en un Estado que, presuntamente imaginario, presenta evidentes similitudes con la Albania y Tirana de la época. Con esta obra, el autor destacar el valor de los sueños como una expresión del inconsciente colectivo del país, como algo poderoso y, por lo tanto, un peligro para el autoritarismo. "Hace ya largo tiempo que el mundo reconoció la importancia de los sueños y del papel que éstos han desempeñado y desempeñan en los destinos de los Estados y de quienes los gobiernan" (Kadare 1999:53)

Colección Masaveu

Silencio Jaume Plensa

Los Masaveu, originarios de Cataluña (Castellar del Vallés) se trasladaron a Asturias a principios del siglo XIX. En 1840, Pedro Masaveu Rovira fundó Banca Masaveu. Desde el principio fueron aficionados al arte, pero el grueso de la coleeción actual se debe al empresario asturiano Pedro Masaveu Masaveu (1886-1968), asesorado por Lafuente Ferrari, y que continuaron sus herederos.

Tras la muerte, sin descendencia, de Pedro Masaveu Peterson en 1993, quedó al frente de la corporación su hermana María Cristina que, pocos meses antes de morir, en 2006, creó una fundación con su nombre.

El comisario de la exposición, Javier Barón, jefe de Conservación de Pintura del Siglo XIX del Museo del Prado, destaca de este recorrido, iniciado con Goya con obras como Banderilleros (Suerte de banderillas), de 1793, “que recoge a los grandes artistas españoles nacidos en el XIX antes de Picasso”. Destaca la presencia de Sorolla, con 25 obras, y 10 de Anglada Camarasa. “Hay tres zuloagas, tres madrazos, cuatro piezas de Vicente López, tres regoyos… Es una visión cronológica pero que se diversifica en los temas: el paisaje realista, el ocio, la mujer… hasta llegar a la antesala de las vanguardias en el siglo XX”, añade. Rosales, Mariano Fortuny, Ramón Casas, Santiago Rusiñol o Isidro Nonell son otros de los artistas que completan esta visita a la pintura española del XIX, “hoy considerada como un documento histórico de valía porque representaba la realidad, a las mujeres y hombres y las ciudades”, subraya.

La familia de don Rafael Errázuriz Urmeneta', (1905),Sorolla

“Es una aproximación a un siglo que, aunque no lo parezca, no es tan conocido como el Siglo de Oro, Goya o Picasso. Se va a poder comprender bien su riqueza, poco valorado a veces”. Otro aspecto que Barón destaca del conjunto es que “muchas obras fueron recuperadas de subastas en el extranjero, por lo que hay varias que se podrán ver por primera vez en España”.

Además, el visitante se encontrará con la sorpresa de varios ejemplos de arte contemporáneo en el interior y los patios del palacete. “Están separadas del recorrido expositivo. Una es Silencio, que representa el rostro de una niña que se cubre la boca y cierra los ojos, de 14 metros de altura, del artista barcelonés Jaume Plensa, hecha para uno de los patios”.

Francisco Ontañón Oficio y creación

Andalucía/Familia andaluza 1960

Encuentros en Canal, visita con el comisario Alberto Martín Expósito.

220 fotografías forman parte de la exposición que repasa la trayectoria de uno de los mejores exponentes de la fotografía española. Muchas de las primeras fotografías que realizó Ontañón, en blanco y negro, muestran la miseria de los que más sufrieron la resaca de la Guerra Civil, tanto en Barcelona —donde nació—, como en Madrid, donde se trasladó con 23 años para desarrollar su carrera profesional. “Captó con crudeza y ternura la denominada España gris demostrando un gran compromiso y una enorme empatía hacia la realidad social”, explica el comisario de la muestra, Alberto Martín.

La trayectoria profesional de Ontañón recorre cinco décadas de la historia de España con una ecléctica selección de temas. De la Barcelona sucia y triste que dejó la guerra, al franquismo y sus planes desarrollistas. Ontañón retrató a famosos, artistas y políticos del momento. Alternaba sus publicaciones en medios con fotolibros que describían la vida de la calle —como Vivir en Madrid— o con escenas más bucólicas como las de El libro de la caza menor, con Miguel Delibes. Por delante de su objetivo desfilaron toreros, trashumantes, boxeadores, proletarios: “En sus imágenes sobre el trabajo de la gente humilde es donde anida la derrota, el dolor, el fracaso o los sueños”, describe el comisario.

Realizó reportajes fotográficos para Europa Press, Ama, Actualidad española, El País semanal.

 “La exposición reivindica el papel de las revistas ilustradas, que es donde se forjó toda una generación de fotógrafos a la que pertenece Ontañón”, explica Martín.

 Los retratos y las descriptivas imágenes para los medios se tornaron en fotografías borrosas, oscuras, con encuadres surrealistas… En definitiva, fotografía de autor. La exposición profundiza en ese viaje de Ontañón: del reportaje informativo al ensayo; de lo objetivo y universal a lo subjetivo y personal.

Colaboró con Daniel Gil en las portadas de Alianza Editorial; realizó muchas de las portadas de discos de los 60 y 70.

"Siempre pensé que tenía que dedicarme a una actividad útil; nada inútil, nada gratuito. La utilidad es comparable a la belleza, y en este mundo, los fotógrafos de talento son los capaces de embellecerlo."

Video presentación.

“La caída y otras formas de vida” Sara Ramo

Una muestra para un espacio

La exposición plantea una falsa pared que desestabiliza el espacio expositivo, genera asimetría y pone de manifiesto su propia condición de simulacro. La muestra se articula en dos espacios: la planta baja y la primera planta.

En la planta baja la artista trabaja de manera intensiva las columnas de la sala desde un punto de vista estructural, pero también simbólico. De esta manera, genera una nueva interpretación de este elemento característico de la Sala Alcalá 31, a partir de materiales heterogéneos y, en su mayor parte, descartables o considerados ‘menores’.

En la primera planta, Sara Ramo propone un orden ligeramente diferente pero complementario, a través de un conjunto de collages textiles que tienen algo de carnavalesco. A la manera de banderas o estandartes, entre la manifestación y la procesión, respetan y parodian a la vez las formas de exhibición de una galería de arte clásica.

Los collages, a modo de telones, ofrecen cierta cualidad teatral que replica el conjunto de la puesta en escena, de la misma manera que la instalación principal constituye un collage espacial. Las obras se interrelacionan de forma no lineal, esbozando un comentario sobre el poder, su apuntalamiento y las formas de vida que este no puede prever ni controlar.

Video presentación.

Madre coraje y sus hijos E.Caballero

Texto: Bertolt Brecht Traducción: Miguel Sáenz Versión y dirección: Ernesto Caballero

Reparto: David Blanco, Bruno Ciordia, Raquel Cordero, Paco Déniz, Ángela Ibáñez, Paula Iwasaki, Ignacio Jiménez, Jorge Kent, Blanca Portillo, Janfri Topera, Jorge Usón y Samuel Viyuela  Escenografía: Paco Azorín Duración 2h10

«Madre Coraje y sus hijos» cuenta la historia de una cantinera, Anna Fierling, que en medio de la guerra va tirando de un carro de una trinchera a otra, de un bando a otro. «No quiere -explica Ernesto Caballero- que termine la guerra, pues de ella depende el sostenimiento de su pequeño comercio. La guerra, ese gran negocio, que con su aciaga factura de muerte y destrucción se va cobrando la vida de sus hijos, no parece despertar a Madre Coraje de su propia alienación. ¿O tal vez no sea así? Acaso cuando al final, reemprende su marcha arrastrando su carro en soledad, lo haga desde una conciencia alentada por esa “rabia de mecha larga” que ella misma preconiza en un momento de la obra».
Es un montaje esencial, en el que el carro que arrastra la protagonista constituye el centro de la escenografía, en el que juega un papel fundamental la iluminación: aquí es parte del espacio escénico»

Derrière les panneaux il y a des hommes J.Incardona

Pierre Castan ouvre les yeux.

Derrière le pare-brise sale, le monde est toujours là: une aire de repos écrasée par la chaleur.

Herbe jaune piétinée jusqu'à la trame. Poubelles débordant de déchets. Tables de pique-nique en ciment dont les angles révèlent des moignons de métal rouillé. Mouchoirs tachés de merde, recouvrant la merde elle-même, au gré des buissons longeant la clôture de l'autoroute. Au-delà: des champs moissonnés happés par l'horizon.

Thriller: non. Pas de rebondissements soudains, peu d'actions et le tueur est connu dés le début du livre.
Polar: non. Même si à l'enlèvement de la troisième adolescente, on assiste à l'enquête de la gendarmerie, celle çi n'est pas prépondérante dans ce roman.
Roman noir: oui. Pourquoi?
L'acteur central n'est pas un personnage mais une portion d'autoroute. 4 voies de béton sans cesse en mouvement, plus ou moins fluide, où le sujet principal n'existe pas: seulement un objet, voiture ou camion ou camping car puisque l'action se déroule pendant le pont du 15 août.Des aires de repos, nature reconstruite et aménagée contenant des angles morts où une faune interlope survit. Des stations essences avec cafétéria, royaume du néon et de la malbouffe.Fort contraste entre l'immobilisme de ceux qui y travaillent et le flot continue des voyageurs. Et une clôture formant le périmètre. Au delà, des champs, la nature : la liberté.

Grand Finale Hofesh Shechter Company

Coreografía y música: Hofesh Shechter Escenografía y vestuario: Tom Scutt Iluminación: Tom Visser Bailarines: Robinson Cassarino, Chien-Ming Chang, Frédéric Despierre, Rachel Fallon, Mickaël Frappat, Natalia Gabrielczyk, Yeji Kim, Kim Kohlmann, Erion Kruja, Attila Ronai, Hannah Shepherd y Bruno Guillore, director artístico asociado.

El humo es denso, la luz intensa y el sonido estridente. No cabe duda, estamos ante una obra de Hofesh Shechter, el coreógrafo israelí que con sus creaciones para su compañía británica ha cultivado hordas de fieles seguidores que deliran ante sus espectáculos de calculada belleza y corte apocalíptico. Grand Finale habla del caos de nuestro mundo, del colapso de la civilización, del derrumbamiento y quizá, la reconstrucción. Da credibilidad al supuesto que vincula el desplome con una nube de humo. Y es del humo, justamente, de donde surge, cada uno por su lado, un grupo interconectado de bailarines que parecen reflejar la angustia y el terror en sus cuerpos y un ensamble de música que parece ignorarlo todo. No es casual que vagamente recuerde a esa escena desasosegante de Titanic, con los pasajeros histéricos intentando salvarse y los músicos tocando plácidos mientras el barco se hunde, porque fue esa, justamente, la imagen que le vino a la cabeza a Shechter y al diseñador Tom Scutt durante las primeras discusiones sobre la pieza, que terminaría alcanzando dimensiones apocalípticas.

La danza, histérica y distorsionada, pero milimétricamente calculada, continúa siendo el camino expresivo del coreógrafo de Israel. Su equipo de bailarines, donde se cuentan hasta nueve nacionalidades, responde a las exigencias creando este caos perfectamente organizado, en el que hay lugar para el humor y la esperanza, muy a pesar de la premisa pesimista de autodestrucción de la que parte. La interacción de los músicos con los danzantes es una novedad y el manejo coral de la masa, con duetos y tríos en clave de técnica contact-release que se desprenden de ella, otra de las innovaciones de este nuevo trabajo de Shechter.

 FABULOSO ESTRENO DE TEMPORADA!!


Grand Finale Production Trailer from Hofesh Shechter Company on Vimeo.

La daronne H. Cayre

Mes fraudeurs de parents aimaient viscéralement l'argent. Pas comme une chose inerte qu'on planque dans un coffre ou que l'on possède inscrit sur un compte. Non. Comme un ètre vivant et intelligent qui peut créer et tuer, qui est doué de la faculté de se reproduire. Comme quelque chose de formidable qui forge les destins. Qui distingue le beau du laid, le loser de celui qui a réussi. L'argent est le Tout; le condensé de tout ce qui s'achète dans un monde où tout est à vendre. Il est la réponse à toutes les questions. Il est la langue d'avant Babel qui réunit tous les hommes.

Portrait désabusé d’une femme n’ayant plus rien à perdre. Une quinqua lestée d’un excédent de bagage mémoriel, fille d’un truand tyrannique et d’une ancienne déportée cadenassée dans son passé, mère peu maternelle de deux gentilles filles auxquelles elle n’a rien à dire. Sa parfaite maîtrise de la langue arabe la fait vivoter comme traductrice, à transcrire des dépositions, des interrogatoires ou des heures d’écoutes téléphoniques. C’est là, dans les coulisses d’une enquête des stups, entre deux visites à sa mère en fin de vie, qu’elle déniche deux pépites. Une famille de trafiquants marocains en panique a dû se délester d’une cargaison de cannabis près d’une sortie d’autoroute. Et le chauffeur n’est autre que le fils de la brave aide-soignante qui assiste sa propre mère.

Poulets grillés S.Hénaff

Debout devant la fenêtre de sa cuisine, Anne Capestan attendait l'aube. D'une gorgée, elle vida la tasse en porcelaine et la posa sur la toile cirée en vichy vert. Elle venait de boire son dernier café de flic. Peut-être.

La très brillante commissaire Capestan, étoile de sa génération, championne toutes catégories des ascensions fulgurantes, avait tiré une balle de trop. De puis, elle avait été traduite devant le conseil de discipline, avait écopé de divers blâmes et de six mois de suspension administrative. Puis silence radio, jusqu'au coup de téléphone de Buron. Son mentor, devenu patron du 36, était enfin sorti de sa réserve. Capestan était convoquée. Un 9 août. C'était bien dans les manières de l'homme. Une façon subtile de signifier qu'elle n'était pas en vacances, mais inemployée. Elle ressortirait de cet entretien flic ou virée, à Paris ou en province, mais au moins ressortirait-elle fixée. 

Un roman qui se lit tout seul..
Une bande de flics se retrouvent unis dans le même commissariat. Ce sont tous des parias de la flicaille... on ne peut pas les virer alors on les a regroupés. C'est une sacrée bande de bras cassés d'ailleurs.. très stéréotypés mais bien sympas et humains. Drôle.

Eamonn Doyle

Esta exposición muestra una selección de cada una de las series fotográficas de Eamonn, (Dublín, 1969)  que, vistas como un todo, revelan sus dinámicas y sus inquietudes interconectadas, desde el mundo flotante de Dublín hasta el mundo espectral de K. La exposición incluye también la vídeo obra Made In Dublin y algunas de sus copias tempranas hechas en el cuarto oscuro, así como obras más recientes fruto de su colaboración con otros artistas. 

Fotografía de calle: Doyle fotografía la capital irlandesa desde ángulos inesperados, revelando una visión original de la ciudad y sus habitantes. Sus series i, ON, y End., conocidas también como la trilogía de Dublín, con su uso estratégico del recorte y el encuadre, transmiten momentos de quietud y de energía frenética, de soledad y de comunidad. Con esas fotos Doyle contribuye al género clásico de fotografía de calle.

El mundo flotante de Dublín: en la trilogía de Eamonn (i, ON, End.) nos movemos por una especie de mundo flotante de Dublín. Vemos a los habitantes de la ciudad maniobrando a través de una serie de obstáculos en inéditas representaciones solistas de una coreografía colectiva inconsciente; vemos a la ciudad aplanándose frente a ellos, pero también convirtiéndose en ellos, o levantándose a su alrededor como escenarios de perspectiva falsa.

Música: la música está ligada al tejido de la obra fotográfica de Eamonn, de manera bastante literal como una cuarta dimensión de la misma, que se refleja en las actuales colaboraciones con el músico David Donohoe, cuyas composiciones se han convertido en parte integral de su obra y de su difusión. Música compuesta por Donohoe complementa la vídeo obra Made In Dublin y las fotos de la serie K.

El viento: en las imágenes de Eamonn, sobre todo en la serie K, el viento es el agente que activa la figura. Al instigar el movimiento y el gesto en la ropa, el aire de alguna manera revela y oculta al mismo tiempo a la persona que la lleva. El viento aporta a la figura una variación animada de pliegues, ondulaciones, curvas y plisados, y por tanto actúa como un dador auxiliar de forma, muy a menudo en conflicto con el empuje primario de la posición o la postura. Es quizás esta conciencia subyacente de dos agentes enfrentados lo que tanto inquieta.

La corte de Carlos IV Pérez Galdos

Sin oficio ni beneficio, sin parientes ni habientes, vagaba por Madrid un servidor de ustedes, maldiciendo la hora menguada en que dejó su ciudad natal por esta inhospitalaria Corte, cuando acudió a las páginas del Diario para buscar ocupación honrosa. La imprenta fue mano de santo para la desnudez, hambre, soledad y abatimiento del pobre Gabriel, pues a los tres días de haber entregado a la publicidad en letras de molde las altas cualidades con que se creía favorecido por la Naturaleza, le tomó a su servicio una cómica del Teatro del Príncipe, llamada Pepita González. Esto pasaba a fines de 1805; pero lo que voy a contar ocurrió dos años después en 1807, y cuando yo tenía, si mis cuentas son exactas, dieciséis años, lindando ya con los diecisiete. 

Gabriel es testigo del ambiente agitado por la incertidumbre y la desconfianza, y del enfrentamiento de la sociedad : los que apoyaban a Godoy, los que preferían al Príncipe de Asturias, Fernando VII, traiciones y conspiración del Principe para derrocar a su padre, Carlos IV. Tratado de Fontainebleau 1807: repartición de Portugal entre Francia y España, que permite a Napoleón invadir España. 

Aparece Inés, una joven de quince años de la que el protagonista se enamora.

Leurs enfants après eux N.Mathieu

Debout sur la berge, Anthony regardait droit devant lui. 

A l'aplomb du soleil, les eaux du lac avaient des lourdeurs de pétrole. Par instants, ce velours se froissait au passage d'une carpe ou d'un brochet. Le garçon renifla. L'air était chargé de cette même odeur de vase, de terre plombée de chaleur. Dans son dos déjà large, juillet avait semé des taches de rousseur. Il ne portait rien à part un vieux short de foot et une paire de fausses Ray-Ban. Il faisait une chaleur à crever mais ça n'expliquait pas tout.

Anthony venait d'avoir quatorze ans. Au goûter, il s'enfilait toute une baguette avec des Vache qui Rit. La nuit, il lui arrivait parfois d'écrire des chansons, ses écouteurs sur les oreilles. Ses parents étaient des cons. A la rentrée, ce serait la troisième.

Le cousin, lui, ne s'en faisait pas. Etendu sur sa serviette, la belle achetée au marché de Calvi, l'année où ils s'étaient partis en colo, il somnolait à demi. Même allongé, il faisait grand. Tout le monde lui donnait facile vingt-deux ou vingt-trois ans. le cousin jouait d'ailleurs de cette présomption pour aller dans des endroits où il n'aurait pas dû se trouver. Des bars, des boîtes, des filles.

Avec ce livre, Nicolas Mathieu écrit le roman d’une vallée, d’une époque, de l’adolescence, le récit politique d’une jeunesse qui doit trouver sa voie dans un monde qui meurt. Quatre étés, quatre moments, de Smells Like Teen Spirit à la Coupe du monde 98, pour raconter des vies à toute vitesse dans cette France de l’entre-deux, des villes moyennes et des zones pavillonnaires, de la cambrousse et des ZAC bétonnées. La France du Picon et de Johnny Halliday, des fêtes foraines et d'Intervilles, des hommes usés au travail et des amoureuses fanées à vingt ans. Un pays loin des comptoirs de la mondialisation, pris entre la nostalgie et le déclin, la décence et la rage.

Los millones S.Lorenzo

La cárcel de Palencia se llama La Moraleja. El nombre le hacía mucha gracia a Francisco García. El resto de reclusos no entendía el chiste, porque ninguno era de Madrid. La Moraleja es uno de los barrios más postineros de la capital.

hacía tres semanas que la sala de Modelismo Ferroviario de la prisión albergaba la exposicición "En- Cárcel-Arte 88". La componían treinta y dos cuadros realizados con todo tipo de material escolar (ceras, Plastidecor, rotuladores gordos y finos, témperas Pelikán, etc.). Malos a rabiar, parecían reírse de tantos cumplidos que recibían de los visitantes, destinados a que los presos se animaran, recobraran sus puntos de autoestima y sopesaran la posibilidad de dejar de delinquir. 

Primera novela del escritor vizcaino (Portugalete, 1964) 

A Francisco, hombre gris y solitario, miembro de los GRAPO le toca la Primitiva. No tiene DNI, así que tiene 90 días por delante para apañárselas como pueda e intentar cobrar el dinero del premio. Novela tierna con mucho humor, describe bien la época de los 80-90.

Trafálgar Pérez Galdos

Se me permitirá que antes de referir el gran suceso de que fui testio diga algunas palabras sobre mi infancia, explicando por qué extraña manera me llevaron los azares de la vida a presenciar la terrible catástrofe de nuestra marina. 

Al hablar de mi nacimiento, no imitaré a la mayor parte de los que cuentan hechos de su propia vida, quienes empiezan nombrando su parentela, las más de veces noble, siempre hidalga por lo menos, si no se dicen descendientes del mismo emperador de Trapisonda. Yo, en esta parte, no puedo adornar mi libro con sonoros apellidos; y, fuera de mi madre, a quien conocí por poco tiempo, no tengo noticia de ninguno de mis ascendientes, si no es de Adán, cuyo parentesco me parece indiscutible. Doy principio, pues, a mi historia como Pablos, el buscón de Segovia: afortunadamente Dios ha querido que en esto sólo nos parezcamos.

Con la batalla de Trafalgar (1805) —combate naval que precede a la Guerra de la Independencia (1808) y en el que, junto a los barcos, se hundió el poderío naval español— comienza Galdós la serie de los Episodios Nacionales, ese gran friso histórico del azaroso siglo XIX en España. Una hábil conjunción de historia y fábula sirve a Galdós para narrrar los hechos históricos propiamente dichos, dotándolos de vida, de calor humano. El resultado es Trafalgar , una obra maestra que nadie puede leer sin conmoverse.

La quinta mujer H. Mankell

La femme au perroquet. G.Courbet 1866

La noche en que salieron para llevar a cabo su misión sagrada reinaba una gran tranquilidad.

El que se llamaba Farid y era el más joven de los cuatro hombres pensó después que ni siquiera los perros habían hecho el menor ruido. Habían estado envueltos por la tibia noche y el viento que llegaba acariciante en débiles ráfagas desde el desierto era casi imperceptible. Luego esperaron la caída de la noche. El coche que les había llevado por el largo camino desde Argel hasta el lugar de encuentro en Dar Aziza era viejo y tenía mala suspensión. Dos veces tuvieron que interrumpir el viaje. La primera vez, para arreglar un pinchazo en la rueda trasera de la izquierda. Para entonces no habían hecho ni siquiera la mitad del camino. Farid, que nunca antes había salido de la capital, se había sentado en la sombra de un bloque de piedra junto a la carretera y contemplaba asombrado los notables cambios de paisaje. 

1993 Un atentado terrorista en Argelia mata a una mujer sueca que se encontraba en el lugar por casualidad, nadie investigará esa muerte. Su hija se erige en justiciera de mujeres maltratadas.

Siroco S. Ghayour

Siroco trae a las cocinas los fabulosos sabores de oriente, la frescura de las hierbas aromáticas, la acidez de los cítricos y la intensidad de las especias.Sabrina Ghayour, la chef británica de origen iraní, fusiona en este libro sus 2 culturas culinarias y ofrece más de 100 recetas en las que combina productos occidentales con los sabores de Oriente Medio. 

Este libro cuenta con capítulos dedicados a: la despensa de la autora, desayunos y brunches, bocados ligeros y aperitivos salados, ensaladas y guarniciones, platos principales y pasteles y dulces.

Todo tiene una pinta muy apetitosa, algunos parecen sencillos, pensados para público norteamericano, al que probablemente, no le suponga problema encontrar los ingredientes.