Frantz F.Ozon

Drame 2016, France-Allemagne, 113mn avec Pierre Niney, Paula Beer, Ernst Stötzner, Marie Gruber.« N'ayez pas peur de nous rendre heureux », supplie la mère de Frantz en s'adressant à ce Français tombé du ciel. Anna, elle-même, sent, pour la première fois ­depuis longtemps, la vie s'infiltrer, avec ses sourires possibles, ses rêves permis, ses espoirs annoncés.... Mais, un soir, dans le même cimetière où il l'avait rencontrée, Adrien s'explique. Et, dès le lendemain, il fuit. Alors, comme il était venu à elle, Anna part le retrouver. En France...

En 1919, dans le cimetière de sa petite ville allemande, sur la tombe de son fiancé, mort au combat quelques mois auparavant, elle découvre des fleurs. Et un homme en pleurs. Anna ne savait pas que Frantz avait eu un ami français, avant la guerre. Un complice. Presque un frère... Les parents du mort repoussent, d'abord, ce jeune homme dont la vie même ajoute à leur chagrin. Mais Adrien est touchant, si triste... Il évoque avec tant de flamme sa vie avec Frantz, à Paris — leurs fréquentes visites au Louvre devant les toiles de Manet, leurs virées joyeuses dans des cabarets enfumés, les leçons de violon qu'Adrien, déjà engagé dans l'Orches­tre de Paris, donnait à son pote débutant —, qu'ils en redemandent :

Inspiré du film d'Ernst Lubitsch, Broken Lullaby à qui il emprunte quelques scènes Ozon joue sur l'illusion et la désillusion, le pacifisme, le mensonge et la charité du mensonge. Un film assez réussi et admirablement interpreté par Pierre Niney et Paula Beer.

Cespedosa. Juan Manuel Castro Prieto

Juan Manuel Castro Prieto, Premio Nacional de Fotografía 2015 expone en este proyecto su historía de 39 años. El fotógrafo centra este trabajo en Cespedosa de Tormes un pequeño pueblo del que proceden y en el que vivieron sus padres.

La muestra, comisariada por Chema Conesa, se compone de más de 200 fotografías agrupadas en seis apartados que se complementan con tres vídeos. Castro Prieto nos muestra en estas imágenes una ‘Cespedosa’ que “trasciende la mera descripción fotográfica, que va más allá del documentalismo al uso y que actúa como lugar mágico para el autor donde da rienda suelta a sus ensoñaciones y sus pulsiones creativas”.

Bajo el peso de la ley J.Jarmusch

1986 Comedia. USA Jack (John Lurie), un proxeneta, y Zack (Tom Waits), un disc-jockey de radio, son encarcelados por dos delitos que no han cometido. Ambos compartirán celda con Roberto (Roberto Benigni), un simpático inmigrante italiano que apenas sabe hablar inglés.Tragicomedia carcelaria en blanco y negro (extraordinaria fotografía de Robby Müller, por entonces colaborador habitual de Wim Wenders) que funciona como fábula sobre la libertad, el compañerismo, la marginalidad o la pérdida del sueño americano. La película se estructura en tres partes : presentación de los personajes y sus conflictos en la ciudad de Nueva Orleans; estancia en prisión; y huida a través de los pantanos de Luisiana. A Jarmusch le interesa la relación que se establece entre unos personajes condenados a entenderse, y la interacción de estos con el espacio que habitan, ya sea la habitación de un apartamento urbano, la mugrienta celda de la prisión o el espacio “abierto” de los pantanos de Luisiana.

La resistencia intima JM Esquirol

El plato en la mesa, el aceite y el pan. La mesa servida, la olla humeando y los vasos empañados por el vapor del caldo. ¿Qué es lo que aleja esta imagen cotidiana de la experiencia nihilista? ¿Por qué no se aviene con los escenarios del vacio y del absurdo? ¿Con qué la asociamos? ¿Hacia dónde nos conduce? El plato en la mesa, con lo que se cocina -o se solía cocinar- en casa; nada sibarita ni sofisticado. Asociamos la imagen, sobretodo con el cuidado que supone cocinar para los demás, la compañía y el amparo casero. También, naturalmente, con el placer de comer. Y con la memoria de los "elementos".

El filósofo nos anima a volver a la sencillez, a cuidarse y cuidar de los demás protección frente al narcisismo y al nihilismo. Sólos somos más frágiles, anima a compartir, AMPARAR, hablar para fortalecernos y hacer frente a las amenazas. La vida no es sólo expandirse, ascender, es también refugio. No dejarse llevar por lo que se lleva, resistir para vivir mejor.

El tesoro C.Porumboiu

Rumanía, 2015. Comoara. 89mn Director: Corneliu Porumboiu.Con Toma Cuzin, Adrian Purcarescu, Corneliu Cozmei, Radu Banzaru, Florin Kevorkian, Iulia Ciochina, Dan Chiriac, Cristina Toma.

El tesoro del título es en apariencia real y se le presenta como posibilidad a Costi cuando su vecino Adrian viene a pedirle prestados 800 euros. Costi le dice que no tiene, pero el hombre insiste y termina contándole para qué lo necesita: quiere comprar un detector de metales para descubrir un tesoro de la época de la Segunda Guerra que supuestamente está escondido en los jardines de la casa de campo de sus abuelos. Y si le presta la plata promete darle la mitad de lo que encuentren allí. Y Costi entra en el juego.

Claro que la tarea no es fácil y cada complicación en el camino será detallada por Porumboiu a través de los protagonistas hasta el absurdo. Sintetizando, más allá de las dificultades específicas de encontrar el tesoro o no –cosa que hacen con la ayuda de un “especialista”– está un edicto que existe en el país por el cual todo tipo de material encontrado de antes de la guerra (imaginemos, monedas de oro) debe ser declarado y entregado al gobierno, que luego les devuelve un pequeño porcentaje.

Hay un poco de intriga, un poco de comedia y mucho de absurdo.

Sorolla en Pais

A finales del siglo XIX, Sorolla (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923), era un artista enormemente reconocido en España ,pero si algo caracteriza la personalidad del artista valenciano es la ambición internacional que tuvo desde muy joven. Quería ser famoso en todo el mundo y supo introducir su obra en los grandes salones internacionales.

Las comisarias, María López Fernández y Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista y catalogadora oficial de su obra (unas 4.000 pinturas) explican "las obras son las que él hubiera escogido, porque formaron parte de los grupos de pinturas que mandó a los salones, a las bienales y a las exposiciones que le dedicaron en París, Viena y en Berlín”. De las 66 pinturas la mitad pertenece al museo y el resto han sido prestadas por una docena de colecciones internacionales.

Estructurada en cuatro grandes secciones, la exposición arranca con una serie de pinturas realizadas para concursar: Cosiendo la vela (1896) y Triste herencia (1899). Conseguidos los primeros grandes premios internacionales, al valenciano empezaron a lloverle los encargos de retratos, capítulo al que se dedica una gran parte de la exposición. Su elegante esposa, Clotilde, y sus tres hijos le sirvieron de modelos y de enganche para que la alta sociedad demandara sus servicios. Con el éxito económico y el reconocimiento social asegurado, Sorolla se permitió experimentar los temas que de verdad le apasionaban y que tenían que ver con el mar Mediterráneo junto al que se había criado.  La cumbre de este período está representada en la serie pintada en Jávea, durante el verano de 1905. La muestra concluye con una tanda de pinturas en las que retrata elegantes paisajes y jardines.

La noche de los alfileres S.Roncagliolo

No eramos unos monstruos. Quizá nos pusimos un tanto.... extremos. Y sólo durante un momento. Unos días. Un par de noches.

Eso no es nada. A nuestro alrededor, todo el mundo era mucho peor.

Es verdad: lo que hicimos no aparece en los manuales de buena conducta. Si acaso, en las páginas policiales, entre los crímenes sexuales y los asaltos a mano armada. Pero, como abogado penalista, puedo citar numerosos atenuantes: minoría de edad, defensa propia, prescripción del delito. Y eso si hubo delito. Ni siquiera estoy tan seguro al respecto. En un par de horas podría tener un dictamen aqui mismo desbaratando cualquier acusación.

Aunque, para empezar, yo me acogería a mi derecho a no declarar.

No tengo ganas de sentarme frente a una cámara y contarlo todo, como si fuera una aventura adolescente o un paseo por la playa. ¿Por qué ahora? ¿Después de tanto tiempo? ¿Y por qué recordar todo le horror? Me he pasado la vida tratando de olvidarlo.

Ya sé, ya sé.

No tengo opción.

Será peor si no, ¿verdad?

Hablaré. Diré todo lo que quieras. Pero ésta será la primera y la última vez.

Empecemos pues. Así acabamos antes.

Santiago Roncagliolo (Lima, 1975) Cuatro muchachos de quince años de un colegio de clase alta. Los típicos perdedores o lornas de la clase. Es el año 1992 y ellos viven aislados en la burbuja que les representa el colegio. Sólo tienen las preocupaciones cotidianas de un adolescente promedio: el sexo, el reconocimiento d elos demás y el cariño de sus padres. Cada uno de los cuatro protagonistas muestra un problema distinto: la homosexualidad (Beto),  la soledad y la búsqueda por referentes en la música, el cine y las historietas además de una lujuria descontrolada (Moco), el equilibrio entre la idealización romántica y la avidez sexual (Carlos) y el ejercicio de la violencia como máscara de una carencia afectiva (Manu). El mundo con el que lidian se reduce a eso.Y alrededor la violencia. Este tipo sabe escribir, sabe contar historias. Lo devoré en tres días.

Paterson J.Jarmusch

2016, USA, Drame-comédie 1h58mn

Paterson c'est non seulement le nom du personnage principal de cette histoire, mais aussi le nom de la ville où il habite, à l'ouest de New York. Enfin, Paterson est le titre du plus célèbre recueil du poète américain William Carlos Williams (1883-1963). Notre Paterson est chauffeur de bus et écrit aussi des poèmes, sur un carnet qui ne le quitte pas : des textes courts, une drôle de prose poétique, d'autant plus poétique qu'elle est prosaïque, concrète, étonnamment simple. Parmi les sujets de ses poèmes, l'amour qu'il porte à Laura, sa compagne, qui l'aime autant en retour : un couple de fable, à la vie incroyablement harmonieuse et ritualisée.

Tous les matins, Paterson se réveille à la même heure ultra-matinale, précédant sans peine son réveil; tout le jour, pendant qu'il transporte les « patersoniens », écoutant, derrière son volant, telle ou telle conversation qui le fait sourire et peut-être l'inspirera, Laura (Golshifteh Farahani ) redécore leur maison, avec un goût si obsessionnel pour le noir et blanc qu'on la croirait sortie d'un film de Tim Burton. Ou bien, nouvelle lubie, elle s'invente un avenir très hypothétique de chanteuse country grâce à la guitare qu'elle s'est acheté par correspondance...

Avec eux, il y a Marvin, le bouledogue qui geint ou grogne, et que chaque soir, pendant la promenade vespérale, Paterson attache, comme un cow-boy attacherait son cheval, devant le bar où il a ses habitudes... Ni grandes peines ni grandes joies.  Rien que la vie qui passe. Enfin, une idée de la vie...

Hospital de Jornaleros

En 1906 Dolores Romero crea la fundación benéfica y en 1908 solicita la tira de cuerdas para la construcción del Hospital. En 1909 Palacios redacta la memoria del proyecto, solicita la licencia de obras y éstas comienzan. Finaliza su construcción en 1916 y en 1917 entra en funcionamiento administrado por la Orden Hospitalaria de San Juan de Dios. 

Durante la guerra civil el Hospital es incautado por las Milicias Populares en el verano de 1936 para cubrir las necesidades sanitarias de la guerra. Durante la contienda, recibe el nombre de Sanatorio de Milicias Populares y funciona como hospital de sangre. En 1939 se convierte en Hospital Militar de Urgencias. En los sesenta comienza el declive del Hospital, cerrándose en 1970 ante la imposibilidad de la fundación para su reactivación, y comienza entonces inexorablemente su abandono.

El abandono convirtió el inmueble en un almacén para chatarreros y vivienda para marginados, provocando su progresivo deterioro.La fundación quiso vender el solar, pero el Colegio de Arquitectos de Madrid incoa un expediente de declaración y en 1979 es declarado Monumento Histórico Artístico de carácter nacional. Bajo el lema "Salvad Maudes", surge una fuerte movilización vecinal, que apoya la conservación del inmueble.

La recién creada Comunidad de Madrid compra en 1984 el inmueble, la iglesia y sus dependencias quedaron excluidas de la compra y hoy en día siguen perteneciendo a la fundación.

Web del centenario

Carlos III y el Madrid de la Luces

El Museo de Historia de Madrid se suma a la celebración del tercer centenario del nacimiento del rey con la exposición Carlos III y el Madrid de las Luces. Comisariada por Carlos Martínez Shaw y Marina Alfonso Mola, la exposición pretende mostrar la renovación operada en todos los aspectos de la vida madrileña durante el reinado de Carlos III.

La exposición acoge un centenar de piezas pertenecientes a cerca de 40 instituciones españolas y extranjeras. Obras de los grandes pintores del siglo XVIII como Francisco de Goya, Jean Ranc, Jacopo Amigoni, Giuseppe Bonito y Anton Rafael Mengs, comparten espacio con importantes materiales arqueológicos mediterráneos y americanos, cartografía, instrumentos científicos y documentos de la época.Reformas de la administración municipal y transformaciones urbanísticas y arquitectónicas con el fin de dignificar una villa y corte modesta, sucia e insalubre, según las crónicas de los viajeros foráneos. Fomento impulsado desde la Corona de las artes y las industrias artísticas, del conocimiento científico, del pensamiento crítico y de la literatura.Retrata la vida cotidiana de los madrileños de la época con sus viejos y nuevos gustos y aficiones: el paseo, el teatro, los toros, el baile.

El espacio expositivo se divide en cuatro ámbitos que recorren los hitos del reinado en Madrid:

El gobierno de Madrid. Madrid: corte, villa y capital de un imperio;

La nueva imagen de la ciudad. La construcción de una ciudad;

La Luces en Madrid. Madrid y la cultura de la Ilustración;

La vida cotidiana en el Madrid ilustrado. Vivir y morir en Madrid.

Pinturas, dibujos, estampas, piezas de porcelana, vidrio, plata; abanicos, trajes, libros, documentos nos sirven de guía en una época impregnada por el espíritu de la Ilustración.

Casi en blanco y negro

París, los cafés chantants, el cabaret, Man Ray, Dadá, el surrealismo, Josephine Baker y las músicas urbanas de América se unen aquí en un claro gesto de amor por lo retro en el que, sin embargo, no cabe mitificación o nostalgia. La propuesta de Alessia Desogus tiene el corazón en la Belle Époque y los pies en el siglo XXI; rebosa eclecticismo, ironía y sentido del humor. Alessia, cantante y actriz, ha concebido las canciones de modo que para interpretarlas no baste con seguir las partituras, en cada una monta una historia sirviéndose de artilugios, sombreros, plumas, sombrilla y va creando un ambiente sonoro más allá de lo musical.
 

Buenos músicos: Arturo Cid en clarinete, banjolele y persusiones; Juan Sánchez al piano y Héctor Oliveira al contrabajo.

Les putes voilées n'iront jamais au Paradis. Ch. Djavann

Surnommée la ville aux mille visages, située au nord-est de l'Iran, non loin de l'Afghanistan, sur la route de Genngis Khan, ville des martyrs, des poètes, des passionnés d'astronomie, ville sacrée, haut lieu de pelèrinage qui abrite le magnifique mausolée de l'imam Reza, dont l'immense coupole dorée, les grands jours de chaleur, reflète le soleil et éblouit le commun des croyants comme s'ils s'étaient égarés au beau milieu des feux de l'enfer, ville sainte où affluent des millions de fervents musulmans, ville de drogue, de trafiquants, ville généreuse, accueillante, ouverte jusqu'aux cuisses et à l'entrejambe de ses femmes, de ses putes: Mashad est la ville où s'est déroulée cette histoire incroyable.

Chahdortt Djavann décrit une société pervertie qui piétine et assassine ses femmes. Le monde cru, sans espoir, et la charge systématique de Chahdortt Djavann m'ont dérangée. Je suis plus attirée par les dénonciations nuancées car je crois à leur plus grande portée. Tout est sombre et sale dans ce roman où les femmes sont toutes des victimes et les hommes tous des bourreaux.

La llegada D.Villeneuve

2016,USA 117mn Director Denis Villeneuve, con Amy Adams (Dra. Louise Banks),Jeremy Renner (Ian Donnelly),

 Una reputada lingüista se pone a las ordenes del ejercito estadounidense para intentar entender a una misión extraterrestre que llega a nuestro planeta con intenciones poco claras, Villeneuve cuenta un monumental fresco sobre lo que somos, lo poco que somos. Por el camino, y con las manos agarrando fuertemente el mango de la paella, el director nos cuenta la historia mas vieja del mundo: la del amor de una madre por su hija. Sin embargo, nada es lo que parece, como en aquel célebre episodio de Perdidos donde cuando todos creíamos que estamos viendo un flash-back nos han colado un flash-forward, así, sin aviso previo.
En la película el tiempo es el centro, la misión y la clave y en esa frecuencia donde La llegada rompe cualquier pronóstico. Lo que en principio bebía del tarro de la metafísica, la física cuántica o las teorías del lenguaje y sus recovecos más oscuros, se desliza por la pendiente del humanismo más radical y se planta en un axioma aterrador: ¿serías capaz de hacer lo mismo si supieras lo que va pasar de antemano? Así, al ver la vida sin las limitaciones lineales, la reflexión de la protagonista se convierte en la nuestra. Como si te concedieran algo extraordinario que acabara siendo una maldición.Si la humanidad fuera capaz de ver a sur y norte, este y oeste, todo al unísono, ¿sería capaz de prevenir lo que está por llegar?, ¿de evitar su propia destrucción?

Tartufo,el impostor.

Autor: Molière. Versión: Pedro Víllora. Dirección y espacio escénico: José Gómez-Friha. Teatro Fernán Gómez. Madrid

Muchos problemas le dio a Molière «Tartufo o el impostor» desde su estreno en 1664 hasta que Luis XIV autorizó su representación tras un purgatorio de cinco años. Su denuncia de la virtud fingida hizo sentirse aludidos a personajes influyentes que dificultaron cuanto pudieron la difusión de una comedia en la que con tanta eficacia está perfilado el prototipo de hombre hipócrita y falso, que el diccionario de la RAE recoge con esa definición y como sustantivo el nombre de su protagonista, convertido también en arquetipo escénico.
Puesta en escena imaginativa, con frecuentes guiños metateatrales concebido para potenciar el juego actoral y subrayar el carácter de farsa de la función, aspecto este en el que brilla Vicente León, en su doble cometido de Orgón y madame Pernelle. Frente a él, la Dorina de Esther Isla, que encarna con admirable energía e intención a esta criada de rompe y rasga. Imponente el Tartufo de Rubén Ochandiano, que resulta ominoso en su calma sin pasarse en la untuosidad; bien matizada la Elmira de Marián Aguilera y encantadores y en su punto de vehemencia juvenil la pareja de enamorados que componen Nüll García e Ignacio Jiménez. Mención especial para el vestuario de Sara Roma, que agrupa a los personajes en dos bandos cromáticos: granates para los tartufistas y azul marino y verde lima para el resto. Incómoda la sala.

Master Mateo

Exposición dedicada al Maestro Mateo y su trabajo en la Catedral de Santiago de Compostela.

Relación de piezas que conforman la exposición:

-Concesión de pensión vitalicia al Maestro Mateo por Fernando II (1168). Tinta sobre pergamino. Archivo Catedral de Santiago

-Rey David. Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Catedral de Santiago. Fachada del Obradoiro

-Rey Salomón. Maestro Mateo. Ca 1188 – 1211. Granito. Catedral de Santiago. Fachada del Obradoiro

-Abraham/ Jeremías (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Colección particular. A Coruña

-Isaac/ Ezequiel (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Colección particular. A Coruña

-Rosetón de la fachada del Pórtico da Gloria (reconstrucción hipotética). Ca. 1200. Granito. Museo Catedral de Santiago

-Enoc (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Museo de Pontevedra

-Elías (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Museo de Pontevedra

-Dovelas con el castigo de la lujuria. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito con restos de policromía. Museo Catedral de Santiago

-San Mateo. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito. Museo Catedral de Santiago

-Caballos del cortejo de los Reyes Magos. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito con restos de policromía. Museo Catedral de Santiago

Clara Peeters

Amberes [?], h. 1588/90 - Amberes [?], después de 1621

Toda la información que tenemos sobre Peeters procede de sus cuadros. Su primer cuadro está fechado en 1607. Su lugar de nacimiento no está documentado, pero hay razones para pensar que desarrolló su carrera en Amberes. Un cuadro de una colección de Ámsterdam aparece descrito en un documento de 1635 como: "banquete de dulces pintado en 1608 por una mujer, Claer Pieters, de Amberes". Clara Peeters se formó y practicó su arte en un momento extraordinario en la historia de Amberes. La ciudad se había unido a la rebelión contra el rey de España en 1576, pero en 1585 fue recuperada por el ejército español. Pasó de ser uno de los mayores centros comerciales de Europa a mediados del siglo XVI, con una población cercana a 100.000 habitantes, a tener apenas la mitad de esa cifra antes del cambio de siglo. Sin embargo, Flandes se recuperó a partir de 1599, bajo el gobierno de los archiduques Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II, y su primo y esposo Alberto de Austria. Casi todos los cuadros de Peeters son bodegones. Su dedicación a este género fue resultado de las limitaciones impuestas por la cultura de entonces a las mujeres artistas.
Es posible que Clara Peeters exportase su arte a través de marchantes, lo cual explicaría la amplia distribución de su obra. En la primera mitad del siglo XVII Amberes era líder en producción y exportación de pintura en Europa. Los bodegones de Clara Peeters formaban parte de esa economía de exportación (Vergara, A.: El arte de Clara Peeters, Museo Nacional del Prado, 2016, pp. 13-17)

En el mundo se conservan unas 30 obras atribuidas a esta pintora. El Prado posee cuatro cuadros. Esta es la primera exposición monográfica de Clara Peeters.

Bar Bahar M.Hamoud

Intérpretes: Mouna Hawa (Leila), Sana Jammelieh (Salma), Shaden Kanboura (Nour), Mahmud Shalaby (Ziad), Henry Andrawes (Wissam), Ahlam Canaan (Dunya), Aiman Sohel Daw (Saleh), Riyad Sliman (Qais) Israel y Francia, 2016. Duración: 96'

El primer largometraje escrito y dirigido por la realizadora árabe-israelí Maysaloun Hamoud sigue las peripecias de tres jóvenes palestinas que viven en Jerusalén y que son muy distintas en todo, aunque sabrán establecer entre ellas una singular complicidad para hacer frente a los graves y también muy diferentes problemas que las acosan.

En el ambiente teóricamente moderno y cosmopolita de la capital de Israel, donde la juventud bebe, baila, fuma y consume drogas de todo tipo, pero que oculta un trasfondo de tensiones y conflictos larvados, ultraortodoxias y dogmatismos que amenazan con saltar por los aires en cualquier momento, Leila y Salma comparten un piso hasta cierto punto confortable. A ellas se unirá pronto Nour, que procede de una aldea y ha sido enviada sin avisar por una amiga de las primeras.

Leila es abogada penalista, se comporta con desenvoltura, fuma sin parar y tiene una pareja que, aunque discretamente, trata de controlarla incluso en detalles irrelevantes. Salma, por su parte, pincha discos en un local nocturno, trabaja en la cocina de un restaurante del que se marcha cuando le exigen hablar en hebreo porque los ecos de la lengua árabe molestan a los clientes, y es lesbiana, si bien actúa habitualmente con bastante discreción. En cuanto a Nour, practica con todo rigor la religión musulmana, viste indefectiblemente con hiyab y se siente vigilada por un novio más radical aún y que se empeña en adelantar una boda a la que ella se resiste.

Un canto a la liberación de la mujer en un contexto especialmente hostil.

Metapintura Un viaje a la idea del arte

Compuesta en su mayor parte por obras de las colecciones del Museo del Prado algunas tan relevantes como Las Hilanderas de Velázquez, supone una reflexión sobre el propio arte, sobre los autores de estas obras, pero también sobre las leyes que rigen la creación artística. Además, en esta exposición el Museo del Prado rinde homenaje a Cervantes en el IV centenario de su fallecimiento ya que reserva un espacio al Quijote, como hito universal de la literatura autorreferencial, poniéndolo en relación con el papel que representan Las meninas respecto al arte.

La exposición sugiere un viaje que comienza con los relatos mitológicos y religiosos sobre los orígenes de la actividad artística en los albores de la Edad Moderna y finaliza en 1819, año de la creación del Museo del Prado. Y como tal viaje, se divide en etapas que hablan de la relación entre el arte, el artista y la sociedad, cada una de las cuales aborda un asunto específico: los poderes atribuidos a la imagen religiosa, los autorretratos, el intento de los artistas por romper el espacio pictórico...
Muy recomendable  este contexto inédito permite nuevas lecturas y muestra la enorme riqueza del museo.

In the same boat R.Gnutti

2015 Dirigida por Rudy Gnutti y producida entre otros por Pere Portabella. Los temas principales de la película son el fin del empleo a causa de la tecnología, y la desigualdad social creciente. Así como nuevas ideas y propuestas para afrontar la realidad del capitalismo actual, destacadamente la Renta Básica incondicional. En la película participan Tony Atkinson, Zygmunt Bauman, Rutger Bregman, Erik Brynjolfsson, Mauro Gallegati, Nick Hanauer, Serge Latouche, Mariana Mazzucato, José Mújica y Daniel Raventós. Con la colaboración especial del actor Àlex Brendemühl. 

Renta básica a cualquier ciudadano, por el hecho de serlo, una utopía? Espeluznante exposición de la situación de desigualdad en el mundo y la falta de timonel en el barco.

 

Cuando ir era volver Toni Catany

La muestra presenta 140 fotografías, algunas de ellas inéditas para el gran público, y hace un repaso desde las primeras imágenes de 1967, pasando por una de sus últimas series, Altares profanos de 2009, para llegar a sus últimos bodegones de 2012. Para los comisarios, la vida y la obra de Toni Catany se podrían definir como una incesante sucesión de idas y venidas, viajes y temas que le apasionaban: naturalezas muertas, retratos o paisajes urbanos.
Toni Catany (Llucmajor, Mallorca, 1942 - Barcelona, 2013) es una figura de referencia en el mundo de la fotografía, gracias a una obra de vocación pictórica en la que predominan los temas clásicos como la naturaleza muerta, el desnudo y el paisaje urbano, fotografiados con una sensibilidad y una estética muy personales mediante el uso de técnicas y procedimientos claves en el mundo de la fotografía. Catany realizó más de un centenar de exposiciones individuales, publicó numerosos libros y, entre otros reconocimientos, recibió el título de Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres, otorgado por el Ministerio de Cultura francés en 1991, y el Premio Nacional de Fotografía concedido por el Ministerio de Cultura en 2001.

La cocina E.Caballero

Reparto:  Silvia Abascal, Roberto Alvarez, Fátima Baeza, Aitor Beltrán, Almudena Cid, Victor Duplá, Patxi Freytez, Javivi Gil Valle, José Emilio Gimeno, Ricardo Gómez, Pepe Lorente, Oscar Martínez, Natalia Mateo, Xabier Murua, Diana Palazón, Paloma Porcel, Ignacio Rengel Lucena, Xenia Reguant, Nacho Rubio, Alejo Sauras, Marta Solaz, Romans Suárez-Pazos, Marío Tardón, Javier Tolosa, Carmen del Valle, Luís Zahera.

La cocina es la versión española que Sergio Peris-Mencheta ha realizado de la obra del inglés Arnold Wesker, una metáfora del mundo contemporáneo donde se mezclan nacionalidades, culturas y diversas personalidades.La producción cuenta con un espectacular elenco de 26 intérpretes que representan a las 17 comunidades autónomas del país. A través de ellos se ofrece una combinación de lenguas, acentos y formas de ver la vida. Por medio del baile y la música, donde ha participado el coreógrafo Chevi Muraday, se muestra un día cualquiera en la cocina de un restaurante. La acción comienza a las siete de la mañana con la puesta en marcha de la jornada laboral.

Así, el ritmo frenético del trabajo expone los accidentes del estrés y las condiciones laborales. Y mientras los platos no dejan de salir se revela la relación que mantienen Pedro, uno de los cocines, y Mónica, una camarera casada.

Esa cocina multirracial propiedad de un italiano avaro que en el Londres de 1955, recién superada la II Guerra Mundial, bulle con toda su fuerza no solo es una representación del mundo sino que escenifica los cambios que está experimentando en ese momento; unos cambios que trastocan todo lo establecido como dogma y que anuncian una transformación imparable. Aunque en lo sustancial, en lo que se refiere a las relaciones de unas personas con otras, a sus pasiones y sus sentimientos (de soledad, de amor, de alegría, de tristeza…), a sus sueños de felicidad, nada cambie realmente y todos sigan siendo los de siempre, esos hombres y mujeres alienados e invisibles que se levantan todos los días para trabajar a cambio de unos salarios que les permitan seguir viviendo mientras otros se enriquecen y disfrutan. O sea, usted y yo. El País

La fille de Brest E.Bercot

Irène Frachon travaille comme pneumologue dans un hôpital de Brest. Elle découvre que le Mediator, un médicament vendu depuis trente ans, aurait de graves effets secondaires et serait responsable d'un certain nombre de morts suspectes. Elle décide de révéler l'affaire aux médias mais ne se doute pas des embûches qu'elle va rencontrer. Epaulée notamment par Antoine Le Bihan, un chercheur, elle se lance dans une lutte sans merci avec le laboratoire qui commercialise le médicament. Le combat est difficile d'autant que sa hiérarchie ne veut pas froisser une entreprise qui finance la recherche... 

Elle se débat dans les vagues, seule dans l'océan déchaîné. La première image de La Fille de Brest symbolise la bataille menée, envers et contre (presque) tous, par Irène Frachon pour faire interdire le Mediator. La pneumologue du CHU breton avait découvert un lien direct entre des morts suspectes et la prise de ce médicament antidiabète — et souvent prescrit comme coupe-faim... Pendant des années, la modeste praticienne a dû affronter le laboratoire Servier, mais aussi les autorités de contrôle sanitaires, rétives à sanctionner ce poids lourd de l'industrie pharmaceutique, fleuron de « l'excellence » à la française, et sa molécule qui « avait fait ses preuves »...

A la manière de Steven Soderbergh dans Erin Brokovich, autre film coup-de-poing sur une femme qui cherche à faire triompher la vérité, Emmanuelle Bercot plonge dans les coulisses de ce combat du pot de terre contre le pot de fer avec une densité d'informations à donner le vertige. Pas besoin toutefois d'être un étudiant en cinquième année de médecine pour apprécier les études épidémiologiques analysées dans le détail et le vocabulaire « pointu » : la réalisatrice compense la dimension parfois technique du sujet par un récit hyper rythmé conçu comme un thriller.

Sofía o el origen de todas las historias R.Schami

Damasco, verano de 2006

Ese día, Aída iba especialmente insegura. Aunque mantenía el equilibrio en la bicicleta, miraba constantemente el mani­llar, y la rueda delantera dibujaba una línea ondulada sobre el pavimento. Karim le advertía:—Mira hacia delante, olvídate del manillar, son tus ojos los que mandan.Pero sus ojos se dirigían, como hipnotizados, al brillante arco que tenía entre las manos. Era el «bautismo de fuego», como llamaba Aída al reco­rrido en bicicleta del pasaje Yasmín. Llevaba unas alpargatas blancas, un pantalón azul y una camiseta a rayas rojas y blan­cas. Se había recogido el pelo, largo y gris, en una cola de caballo. Cada vez que se tambaleaba, soltaba una sonora risa, como si quisiera ahogar con ella los latidos de su corazón. Karim sujetaba con firmeza la bicicleta por el sillín. Había comprado esa robusta bicicleta holandesa hacía treinta años. Le encantaba, y durante todo ese tiempo no ha­bía permitido que nadie montara en ella. Y nunca había ima­ginado que eso fuera a cambiar hasta que, aproximadamente un mes atrás, Aída le preguntó si había algo que él no supiera hacer y que siempre hubiera deseado aprender. Ya llevaban medio año juntos.
Nacido en Damasco y exiliado en desde hace más de cuarenta años en Alemania Schami mezcla los cuentos orientales de las 1001 noches con una historia en la Siria real, los años previos a la guerra, la nostalgia de la juventud idealiza el presente, Salman no parará hasta volver a pisar las calles de Damasco. Pero la añoranza le pondrá en situaciones difíciles. Buen contador de historias.

La mort de Louis XIV A.Serra

Drame historique d'Albert Serra (Espagne/France) - Avec  Jean-Pierre Léaud, Patrick d'Assumçao, Marc Susini - Durée : 1h55 -2016

Août 1715. À son retour de promenade, Louis XIV ressent une vive douleur à la jambe. Les jours suivants, le Roi poursuit ses obligations mais ses nuits sont agitées, la fièvre le gagne. Il se nourrit peu et s'affaiblit de plus en plus. C’est le début de la lente agonie du plus grand roi de France, entouré de ses fidèles et de ses médecins.

La Mort de Louis XIV est un huis clos baroque qui immerge le spectateur dans la chambre d’un Roi Soleil crépusculaire. L’autre personnage central du film d’Albert Serra, c’est l’acteur même qui interprète Louis XIV.  Trop lent, le Roi n'en finit pas de mourir...quinze jours ou quinze ans? Je suis sortie au bout de 50mn

Las furias M.del Arco

Drama 2016, España, 125 mn Director Miguel dle Arco, con José Sacristán, Mercedes Sampietro, Bárbara Lennie, Carmen Machi, Emma Suárez, Alberto San Juan, Elisabet Gelabert, Raúl Prieto, Gonzalo de Castro, Pere Arquillué, Macarena Sanz.

Marga, una mujer de casi setenta años, anuncia a sus tres hijos que quiere vender la casa de verano familiar para luego emprender un largo y misterioso viaje. Los invita a pasarse por allí lo antes posible para elegir muebles, enseres o recuerdos que quieran conservar antes de que la venta se lleve a cabo. Héctor, el hermano mayor, propone aprovechar el mismo fin de semana en el que deshagan la casa entre todos para celebrar en familia su boda con la mujer con la que lleva más de quince años viviendo, y de la que todos esperaban que se separara. 
Pese al buen hacer del conocido elenco, naufraga en su ambición debido a los innecesarios excesos.La ambición desmedida y la facilidad de recursos no hacen una buena película ni en los maravillosos paisajes cántabros.

Páncreas P.Tellería

Interpretada por Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión.

«Páncreas» es una divertida comedia sobre tres amigos, «tres seres solitarios que han forjado una complicidad en la terapia en la que se conocieron», según cuenta Rubio. Cada uno ha ido por un motivo: César (Cayo) por un problema de gestión de la ira; Javilo (Lara), para superar su autocompasión; y Raúl (Carrión), por sus tendencias suicidas. Los tres personajes se reúnen y le cuentan al público lo que ocurrió una célebre noche en el pasado... «Es una comedia sobre la amistad, sobre la condición humana, sus bajezas y sus grandezas», según explica Rubio.La principal singularidad de «Pancreas» es que es una comedia escrita en verso. Según explica Fernando Cayo -que también participa en la producción- tiene su porqué en la trama, y no se puede contar para no incurrir en «spoilers» (en castellano antiguo, contar el final). «Pero sí se pueden explicar sus motivos para usar el verso. Patxo considera que el teatro está invadido por el lenguaje del audiovisual, y el verso ayuda a un cierto distanciamiento propio del teatro». Un distanciamiento que, apunta Juan Carlos Rubio, «no significa que no haya emoción ni conexión con el público». Lara lo apoya: «en el teatro el espectador es más activo, y el verso ayuda a esta actitud». El propio actor lo explica: «el teatro debe buscar sus propios medios expresivos. ¿Por qué no escribir en verso, también, teatro contemporáneo, comprensible y estéticamente elaborado? Como no he encontrado ninguna razón para no hacerlo, he decidido escribir “Páncreas”, una tragicomedia contemporánea en verso».
Los tres actores elogian la escritura formal de la obra. «Hay muchas estructuras estróficas y cada una tiene su sentido dentro de la obra. Patxo ha seguido los consejos de Lope de Vega en “El arte nuevo de hacer comedias en este tiempo” y usa distintos metros según el personaje y la situación; hay manriqueñas, romance, décimas reales...»

'Páncreas', de Patxo Tellería, con la dirección de Juan Carlos Rubio. La interpretación corre a cargo Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión. Cultura.- 'Páncreas', de Patxo Tellería y dirigida por Juan Carlos Rubio, llega este jueves al Lope de Vega Ampliar foto Todo lo que pueda suceder, por extraño que parezca, acaba tarde o temprano sucediendo. Bajo esta reflexión el público encuenta con tres amigos sobre el escenario. El primero necesita con urgencia un trasplante de páncreas. El segundo, tiene previsto suicidarse en un futuro no muy lejano, para evitar la decrepitud y la vejez. El tercero les junta para plantear al segundo que se suicide ya mismo y done al primero su páncreas. Ante esta disparatada y divertida situación llegamos a otra reflexión: ¿qué serías capaz de hacer por un amigo? ¿Qué somos capaces de hacer, o no, por un ser querido? 'Páncreas' es una producción de Concha Bustos Producción y Distribución y el Centro Dramático Nacional (Inaem), estrenada en el Teatro Arriaga de Bilbao el pasado 26 de noviembre. Los espectadores se encuentran con una obra llena de particularidades, la más llamativa de todas es que se trata de una comedia contemporánea escrita en verso por Patxo Tellería (Bilbao, 1960). Este excepcional texto es interpretado por un reparto de lujo: Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión, tres actores que cuentan con un amplio bagaje profesional a los que es habitual ver, no solo en el teatro, sino también en el cine y la televisión. La firma de la dirección es del cordobés Juan Carlos Rubio, guionista, director de teatro y dramaturgo. A lo largo de su amplia carrera ha sido galardonado con numerosos premios; entre otros ha obtenido el Premio Ciudad de Alcorcón 1998 por 'Esta noche no estoy para nadie', el Premio Teatro SGAE 2005 por 'Humo' o el Premio Lope de Vega de Teatro 2013 por 'Shakespeare nunca estuvo aquí'. Como director, en el año 2010 obtuvo en Nueva York el Premio HOLA (otorgado por la Asociación de Actores Latinos) como mejor director por 'El pez gordo' y en el 2011, con esta misma obra, fue nominado a los Premios ACE de Nueva York.

Ver más en: http://www.20minutos.es/noticia/2663478/0/cultura-p-ncreas-patxo-telleria-dirigida-por-juan-carlos-rubio-llega-este-jueves-al-lope-vega/#xtor=AD-15&xts=467263

'Páncreas', de Patxo Tellería, con la dirección de Juan Carlos Rubio. La interpretación corre a cargo Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión. Cultura.- 'Páncreas', de Patxo Tellería y dirigida por Juan Carlos Rubio, llega este jueves al Lope de Vega Ampliar foto Todo lo que pueda suceder, por extraño que parezca, acaba tarde o temprano sucediendo. Bajo esta reflexión el público encuenta con tres amigos sobre el escenario. El primero necesita con urgencia un trasplante de páncreas. El segundo, tiene previsto suicidarse en un futuro no muy lejano, para evitar la decrepitud y la vejez. El tercero les junta para plantear al segundo que se suicide ya mismo y done al primero su páncreas. Ante esta disparatada y divertida situación llegamos a otra reflexión: ¿qué serías capaz de hacer por un amigo? ¿Qué somos capaces de hacer, o no, por un ser querido? 'Páncreas' es una producción de Concha Bustos Producción y Distribución y el Centro Dramático Nacional (Inaem), estrenada en el Teatro Arriaga de Bilbao el pasado 26 de noviembre. Los espectadores se encuentran con una obra llena de particularidades, la más llamativa de todas es que se trata de una comedia contemporánea escrita en verso por Patxo Tellería (Bilbao, 1960). Este excepcional texto es interpretado por un reparto de lujo: Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión, tres actores que cuentan con un amplio bagaje profesional a los que es habitual ver, no solo en el teatro, sino también en el cine y la televisión. La firma de la dirección es del cordobés Juan Carlos Rubio, guionista, director de teatro y dramaturgo. A lo largo de su amplia carrera ha sido galardonado con numerosos premios; entre otros ha obtenido el Premio Ciudad de Alcorcón 1998 por 'Esta noche no estoy para nadie', el Premio Teatro SGAE 2005 por 'Humo' o el Premio Lope de Vega de Teatro 2013 por 'Shakespeare nunca estuvo aquí'. Como director, en el año 2010 obtuvo en Nueva York el Premio HOLA (otorgado por la Asociación de Actores Latinos) como mejor director por 'El pez gordo' y en el 2011, con esta misma obra, fue nominado a los Premios ACE de Nueva York.

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Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión protagonizan esta tragicomedia de vida y muerte o cómo juega a veces la suerte

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Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión protagonizan esta tragicomedia de vida y muerte o cómo juega a veces la suerte

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Les fauves

El fauvismo es sinónimo de libertad, de fuerza, de transgresión. En la pintura fue el estandarte de la revolución del color, de la ausencia de la perspectiva y del desapego a la tradición. La intensidad y la vitalidad arrolladora de un grupo de jóvenes artistas formados en distintos talleres modificaron el curso del arte en la primera década del siglo XX.

Henri Matisse fue su representante por excelencia y estuvo acompañado por otros artistas con los que compartió una nueva visión de la pintura y un deseo constante por aprender y experimentar. Él junto a André Derain y Maurice de Vlaminck lideraron el grupo, en el que también se incluyeron Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin, Jean Puy, Raoul Dufy, Othon Friesz, Georges Braque, Georges Rouault y Kees van Dongen.

Estos defensores a ultranza del color exacerbado y de la ejecución de la obra a través de la percepción individual desarrollaron varios temas con especial dedicación, como los retratos entre los miembros del grupo, los paisajes lumínicos, la atmósfera del mediterráneo francés, los espacios intimistas y la sórdida atmósfera nocturna.

En este breve, pero apasionado periodo artístico, los fauves sucumbieron a las fuentes del postimpresionismo de Van Gogh, Cézanne y Gauguin y al neoimpresionismo de Signac, de tal manera que el conjunto de su obra se consideró como una revelación única para el cubismo y el expresionismo, dos de las vanguardias más relevantes de principios del siglo XX.

L'amour d'une honnête femme A.Munro

Depuis deux décennies, Walley possède un musée, voué à la conservation de photographies, de barattes, d'un antique fauteuil de dentiste, d'un encombrant appareil à peler les pommes ainsi que de curiosités telles que les jolis petits isoolateurs de verre et de porcelaine que l'on posait autrefois sur les poteaux télégraphiques.

S'y trouve également un coffret rouge, portant l'inscription D.M.WILLENS, OPTOMÉTRISTE, accompagné d'une notice expliquant: "Ce coffret d'instruments d'optométriste , bien que peu ancien, est pourvu d'une signification locale considérable puisqu'il a appartenu à MR. D.M. WILLENS, noyé dans la Peregrine River en 1951. Le coffret échappa à la catastrophe et fut sans doute trouvé par le donateur anonyme qui l'a envoyé pour en faire un fleuron de notre collection."

Les femmes occupent le premier plan de ce recueil de nouvelles. Dans ces huit récits prenant place au Canada entre les années 1940 à 1960, la vie quotidienne d’une mère, d’une fille, d’une épouse, ou encore d’une amante, bascule, provoquant des bouleversements irrémédiables. Comme Flora, dont le futur mari s’entiche de sa sœur. L’amour, la maternité, l’incommunicabilité entre les êtres sont les trames qui traversent les décennies et relient ces femmes entre elles. Babelio

Yo Daniel Blake K.Loach

2016, 100' Reino Unido, Bélgica, Francia. Hayley Squires,Dave Johns, Natalie Ann Jamieson, Micky McGregor, Colin Coombs, Bryn Jones, Mick Laffey, Dylan McKiernan, John Sumner, Briana Shann, Rob Kirtley 

Loach nos narra la historia de un carpintero que padece una enfermedad del corazón que, según la valoración médica, le impide trabajar. Sin embargo, se ve en un callejón sin salida, ya que según los baremos establecidos por la burocracia del sistema de pensiones y empleo, debe encontrar un trabajo para no quedar en condiciones de desamparo legal y económico. En una de sus visitas a las oficinas de desempleo, se encuentra con una madre soltera con dos hijos a cargo, que vive una situación económica muy delicada. Ambos comienzan una relación de amistad basada en el apoyo que se dan ante la indefensión a la que el sistema les ha expuesto.

Una de las grandes virtudes del film es la fidelidad de la realidad que representa, tan de actualidad que casi cualquier espectador puede verse reflejado en detalles como la importancia de internet en nuestros días, como una herramienta de progreso que, en ocasiones y para una parte importante de la población, dificulta aún más los trámites o las visitas infructuosas a las oficinas de desempleo del Estado.  Crítica C.Boyero

Beyond Circa

Duración 85' Artistas:Jessica Connell, Tim Fyffe, Rowan Heydon-White. Conor Neall, Kathryn OKeeffe, Seppe Van Looveren, Billie Wilson-Coffey

 Compañía australiana que ya ha actuado en Madrid: las técnicas más trabajadas del mundo del circo puestas al servicio de las emociones y los sentimientos. El resultado son espectáculos que conmueven y sorprenden. Los siete artistas que actúan en este montaje están dispuestos a mostrarnos su yo interior y conectar con el público para llevarlo.. más allá. Porque el espectáculo invita a los espectadores a explorar límites: los que separan a los humanos de los animales, a los cuerdos de los locos y la lógica de los sueños.

Merci patron F.Ruffin

Preestreno de la comedia documental que ha revolucionado Francia, CCOO, producido por el periódico alternativo Fakir, la película se estrenó en Francia a finales de febrero.

C’est l’histoire de Serge et Jocelyne Klur, employés d’Ecce, filiale du groupe LVMH, plus exactement employés de son usine de Poix-du-Nord, jadis chargée de la confection des costumes Kenzo. « Jadis », car, mondialisation oblige, le groupe a cru bon d’en délocaliser toute la production en Pologne. Moyennant quoi les Klur ont été invités à se rendre employables ailleurs.Evidemment, la fin de droits terminée, on tourne à 400€ par mois. C'est là qu'intervient Ruffin, journaliste de Fakir qui va faire plier le boss de LVMH. Et, c'est une histoire vraie!!

Pourquoi Fakir, qui est tout petit ? Parce que, explique le commissaire, « c’est les minorités agissantes qui font tout ». Si des Klur coachés par le camarade Ruffin ont le pouvoir de mettre Bernard Arnault à quatre pattes, c’est bien qu’en face, on a peur. Confusément conscience que tant de vilenies accumulées ne pourront pas rester éternellement impunies, et peur. Mais alors quid de dix, de cent Klur-Ruffin, d’une armée de Klur-Ruffin ? Et puis décidés à obtenir autre chose que la simple indemnisation de la misère ? Et si l’espoir changeait de camp, si le combat changeait d’âme ?

Joyce Jonathan

Joyce Jonathan ne cache pas que son troisième album est en partie autobiographique. Douze chansons dessinent le récit d’une rupture, du choc à la guérison, en passant par toutes les étapes que chacun connaît. Elle explore ses sentiments avec une précision et une honnêteté impeccables – la souffrance, la rancune, l’espoir, la résilience, le rebond, l’oubli… 

Çà et là, elle a collaboré, pour polir les textes ou pour les compositions, avec Jérémie Kisling, Edgar Ficat, Tom Grafin, Renaud Rebillot, Fabien Nataf et Ycare. Et elle a vécu des moments idylliques avec Vianney, son récent « coup de foudre amical ». 

Joyce Jonathan, je ne connaissais pas, ses chansons parlent des sujets qui forment sa vie, l'amour, la confiance, le quotidien, les peurs, les chagrins, les déceptions mais aussi la joie, les projets.....
Salle pleine, bonne ambiance, des fans qui participent, moment agréable.

Escuadra hacia la muerte

Con Unax Ugalde, Julián Villagrán, Iván Hermés, Agus Ruiz, Jan Cornet, Carlos Martos

«Escuadra hacia la muerte» se sitúa en una hipotética tercera guerra mundial y presenta a un grupo de soldados encerrados en la caseta de un bosque en un lugar indeterminado de Europa, esperando para entrar en acción. «Mi obra -escribió Sastre- es una invitación al examen de conciencia de una generación de dirigentes que parecía dispuesta, en el silencioso clamor de la Guerra Fría, a conducirnos al matadero».

 Con seis personajes oscuros de pasado turbio a los que la obra sitúa en una situación límite, Paco Azorín ha cambiado el eje y lo ha situado en el soldado Luis Foz (Jan Cornet), el más joven y al tiempo el más noble del grupo. Con ello quiere subrayar la luminosidad que asegura que tiene el texto. «La obra habla de la oscuridad del ser humano, sí, pero también sobre el futuro del individuo. Vivimos una época de cambios, de crisis, estamos al principio de un nuevo Renacimiento. “Escuadra hacia la muerte” es una tragedia contemporánea. Si se lee desde un punto de vista realista es un “tragedión”, pero toda tragedia ha de tener un rayo de esperanza, y yo he mirado esta obra con las gafas del optimismo. Mi lectura convierte el título en una escuadra hacia la vida, y he tratado de hacer un espectáculo luminoso y poético». Azorín sitúa la acción en un búnker aislado del mundo, totalmente cerrado.

Snowden O.Stone

2016, Francia, Alemania, EEUU, Con Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa leo, Zachary Quinto.

Narra los acontecimientos que siguieron a la publicación por parte del diario The Guardian de los documentos clasificados que aportó Edward Snowden sobre el programa secreto de vigilancia mundial de la NSA en 2013.

Oliver Stone defiende al filtrador, mostrándole como el más patriota de todos, capaz de defender por todos los medios posibles los principios sobre los que se fundó su nación y atacando la perversión de los mismos, siendo la vigilancia masiva el síntoma más patente de esta degradación de ideales originarios.

Entretenida.

Doisneau La belleza de lo cotidiano

Uno de los pilares fundamentales de la fotografía del siglo XX. Logró pertenecer, por derecho propio, a un selecto grupo de artistas que hoy se consideran los grandes mitos de la fotografía universal.

 Robert Doisneau produjo alrededor de 450.000 negativos. Su modus operandi se basaba en encontrar el escenario perfecto y estar atento a todo lo que pasaba a su alrededor. Su trabajo se orientó a captar los gestos de las personas normales en situaciones cotidianas. En la exposición se muestran un total de 110 fotografías seleccionadas cuidadosamente por las hijas del artista y comisarias de esta muestra, Annette Doisneau y Francine Deroudille que evidencian la extraordinaria capacidad de extraer la belleza de lo cotidiano, virtud que da título a la exposición.

 La belleza de lo cotidiano abarca 45 años de creación del artista. Desde finales de la década de los 20 hasta mediados de la de los 70, ocupando los años 40 y 50 el grueso de su trabajo. Está dividida en dos secciones: belleza de lo cotidiano, que alberga 80 copias de época a través de las cuales podemos contemplar al Doisneau más tradicional con sus escenas en blanco y negro, y la serie a color Palm Springs 1960,una sorprendente, inesperada e irónica producción en color de los años 60, olvidada y recuperada para esta exposición,que muestra una fase muy desconocida de este icono de la Fotografía.

Ragazzo O.Pla

Ragazzo: Oriol Pla
Autoria y dirección: Lali Álvarez Garriga
Ragazzo una historia comprometida y conmovedora sobre el asesinato del joven de 23 años, Carlo Giuliani en las manifestaciones antiglobalización que se produjeron en Génova durante la cumbre del G8 en julio de 2001.

Carlo Giuliani defendía que "otro mundo es posible", le gustaba la música, la playa, ligar, la vida.

Qué clase de democracia es ésta que asesina a jovenes indefensos, quiénes son los terroristas? quienen los violentos? Atrincherados tras las protecciones y las armas, se les impide mirar a los ojos a los que frente a ellos se rebelan.Y no hay más que dos caminos la rebelión o la esclavitud.

Hay que seguirle los pasos al joven Oriol.
Lástima que los medios no difundan este tipo de obras, mucha gente se las pierde.

Vernon Subutex V.Despentes

Les fenêtres de l'immeuble d'en face sont déjà éclairées. les silhouettes des femmes de ménage s'agitent dans le vaste open space de ce qui doit être une agence de communication. Elles commencent à six heures. D'habitude, Vernon se réveille un peu avant qu'elles arrivent. Il a envie d'un café serré. d'une cigarette à filtre jaune. il aimerait se griller une tranche de pain et déjeuner en parcourant les gros titres du Parisien sur son ordinateur.
Disquaire à Paris, dans son magasin à l'enseigne de Revolver, « pendant plus de vingt ans, qu'il vente ou qu'il ait la crève, il avait monté le putain de rideau de fer de sa boutique, coûte que coûte, six jours par semaine. Mais c'est fini, tout ça. En 2006, le magasin a fermé, et, à 40 ans, le vieil enfant du rock s'est retrouvé au chômage, sans indemnités. Bref, aujourd'hui, Vernon Subutex est à la rue.

Virginie Despentes à travers cet antihéros radical, sa dé­ambulation dans Paris, au jour le jour, ses hébergements provisoires, ses rencontres éphémères dresse de la société pleinement contemporaine une formidable radioscopie, rapide, âpre, crue, fourmillante, proliférante, et surtout remarquablement incarnée. Une vue en coupe minutieuse, tout ensemble fresque sociale et comédie humaine intimiste, de plain-pied dans l'époque et ses multiples violences faites aux individus, au plus près des pensées, des émotions de ses mille et un personnages : hommes et femmes, bourgeois et paumés, quinquas et adolescentes, gosses de riches et de banlieue, conquérants et vaincus..., dont les voix se succèdent et s'enchaînent pour composer un choeur discordant, trivial, tout à la fois véhément et poignant. (Télérama)

Un aller simple D.van Cauwelaert

J'ai commencé dans la vie comme enfant trouvé par erreur. Volé avec al voiture, en fait. J'étais garé sur les clous et, pendant les années qui ont suivi, Mamita, quand je ne finissais pas mon assiette, disait que la fourrière allait  venir me chercher. Alors je mangeais trop vite et après je rendais tout, mais dans un sens c'était mieux; ça m'évitait de prendre du poids. J'étais l'adopté, je restais à ma place.

Une histoire somme toute banale ; un clandestin, né à Marseille, se fait arrêter, il est muni de faux papiers le disant marocain. Reconduit "pour l'exemple"dans son pays d'origine, il va se créer un monde imaginaire et nous embarquer dans une belle histoire...Prix Goncourt 1994

El hombre de las mil caras A.Rodriguez

 2016, España, 123mn, Thriller dirección Alberto Rodríguez

Francisco Paesa (Eduard Fernández), responsable de la operación contra ETA más importante de la historia, se ve envuelto en un caso de extorsión en plena crisis de los GAL y tiene que huir del país. Cuando regresa al cabo de los años, arruinado y en su peor momento, recibe la visita del ex Director General de la Guardia Civil, Luis Roldán (Carlos Santos) y de su mujer, Nieves Fernández (Marta Etura), quienes le ofrecen un millón de dólares por ayudarles a salvar 1.500 millones de pesetas sustraídos al erario público, por lo que tiene en sus manos la oportunidad perfecta para vengarse del gobierno español de la mano de su amigo íntimo Jesús Camoes (José Coronado).  

“Nadie dijo que hacerse rico fuera barato”
El largometraje de Alberto Rodríguez se basa en el libro Paesa: El Espía de las Mil Caras, escrito por el periodista Manuel Cerdán y está centrado principalmente en el ya mencionado Caso Roldán y la repercusión internacional que este tuvo en su momento.

Los hechos son conocidos, historia pasada que se repite, las cloacas del estado parecen no tener un fin próximo, será que son el alimento del monstruo. El Roldán de Carlos Santos, magnífico en su personaje, lo dice sin tapujos, no hacía más que lo que hacían todos. Del pasado al presente, la Gurtel y su cortejo de ladrones, Bankia, los Ere andaluces, y tantos robos desconocidos realizados por respetables políticos que votan la mayoría de los españoles. Por qué será? 

La película tiene excelentes actores, Eduard Fernández, Carlos Santos, Emilio Gutierrez Caba,Marta Etura, Pedro Casablanc,  y sin ser una obra maestra se deja ver con agrado. Buen ritmo.

Forms of Devotion Arte y espiritualidad en la India de hoy

La exposición Forms of Devotion es un proyecto de arte multidimensional conceptualizado en torno a la noción de lo espiritual y devocional en la India. Incluye más de 100 obras originales de diferentes artistas contemporáneos indios, seleccionadas entre más de 1.600 obras de la colección MOSA (Museum of Sacred Arts) de Bélgica.

En Forms of Devotion coexisten de una manera dinámica una gran variedad de estilos y tradiciones artísticas, que dialogan entre sí desde una mirada actual, reflejando la diversidad de regiones y realidades en la India de hoy y bebiendo de un mismo sustrato común en la exploración de la espiritualidad y lo divino.

Comisariada por Sushma K. Bahl, antigua directora del departamento de Arte y Cultura del British Council de la India, y Archana B. Sapra, esta exposición representa, a través de pinturas, esculturas y fotografías, las principales tradiciones espirituales que confluyen en la India.

Afganistán. Mujeres | Gervasio Sánchez y Mónica Bernabé

Afganistán. Mujeres es un proyecto de la Asociación por los Derechos Humanos en Afganistán (ASDHA) que tiene como objetivo mostrar, a través de la imagen y la palabra, la realidad de las mujeres afganas.

El proyecto se basa en dos herramientas: un libro fotográfico y una exposición de gran formato, que son el resultado de un largo proceso de producción, ya que las primeras fotos se tomaron en 2009 y las últimas en 2014. En total, casi seis años preparando el proyecto y más de una decena de viajes de larga duración a Afganistán por parte del fotógrafo y periodista Gervasio Sánchez. La autora de los textos y de la producción es la periodista Mónica Bernabé. Desde la caída del régimen de los talibanes en el año 2001, las mujeres afganas se han organizado para defender sus derechos y mejorar su situación, y se han producido avances. Por ejemplo, la Constitución afgana aprobada el año 2005 reconoce la igualdad de derechos entre hombres y mujeres, un 25% de los parlamentarios deben ser mujeres, existe una red de mujeres afganas que aglutina a más de 65 entidades de todo el país (Afghan Women Network) y se ha incrementado la escolarización de las niñas en las áreas urbanas.
Con todo, la inestabilidad del país, su fragilidad y la poca voluntad política por parte de la Administración afgana de contemplar en sus políticas una verdadera lucha contra la violencia de género, así como el control talibán en gran parte del país, hacen que la gran mayoría de mujeres afganas sigan sufriendo hoy en día violencia de género de una forma sistemática: las mujeres sufren maltratos por parte de sus maridos y no tienen posibilidad para defenderse, porque no existen programas integrales para su protección.
En Afganistán, en la práctica, las mujeres no tienen ningún derecho, los hombres (sean el marido, el padre o el hermano) deciden sobre su vida.