L' Étranger F. Ozon

Francia, 2025. Drama 120 min Dirección y guion: François Ozon (adaptación de la novela de Albert Camus). Fotografía: Manu Dacosse (blanco y negro). Música: Fatima Al Qadiri. Reparto: Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Swann Arlaud. 

El interés de Ozon en la historia de Meursault es, al menos sobre el papel, eminentemente materialista, le atrae la fisicidad liberada de los placeres sencillos, aquellos humildes disfrutes sensoriales de los que gozan en la primera parte de la novela los personajes y que, en su gran mayoría, surgen o se ven exponenciados por el mar y el sol, que en el corpus literario de Camus aparecen siempre, en palabras de Rafael Chirbes, “como regalos piadosos que la naturaleza deja caer sobre los desheredados del Mediterráneo”. 

Para Ozon, lo trascendente de El extranjero es el modo en que la luz entra por las ventanas o se filtra a través de las cortinas para terminar reflejándose en la piel de Benjamin Voisin; o el suave movimiento que trazan las gotas de agua sobre su cuerpo cuando sale del mar; o las posibilidades compositivas que su gestualidad le ofrecen a unas imágenes felizmente expresionistas. La objetivación del cuerpo del protagonista es el producto de la condensación y extrapolación que Ozon hace de los códigos estéticos y morales de los personajes burgueses de sus anteriores películas; la puesta en escena convierte los placeres sencillos de los desheredados en un espectáculo exótico destinado a complacer el impulso vampírico de las miradas de los protagonistas de sus obras pretéritas. De ahí que la limpidez, la contención y la frivolidad de la imagen entren en conflicto con su contenido, y que la película termine convertida en una coreografía de formas vagas y condescendientes, en el sueño, impúdico y frustrado, de Peter Von Kant.

La vida perra de Juanita Narboni A.Vázquez

Cada día me cuesta más trabajo ponerme las medias. Si tuviera ocasión y pudiera ir a Madrid, me compraría un abriguito de entretiempo. Estas cosas, indudablemente, son michelines. ¡Tócate bien, Juani! Michelines...¡Quién te lo iba a decir! Yo que siempre creí que eso era un anuncio. ¡Y pensar que aún no hace diez años yo era una mujer delgada! Delgada, delgadísima. "Patas de alambre" me llamaban las niñas en la escuela. Sobre todo aquella hija de puta de la nieta de madame Naudy. ¡Bien muerta está! Echo de menos los altavoces. Con este levante no creo que aparezca nadie por aquí. ¿ Qué habrá sido de Rina Ketty? Cantaba Sombreros y mantillas de morir. Ése es el hijo de Cecilia. Parece mentira.

La vida perra de Juanita Narboni es un largo monólogo en el que se intercalan extractos de conversaciones de todo quisque con quien se va cruzando la protagonista, así como las impresiones que le suscitan. Juanita vive atormentada, presa de un resentimiento que la consume. En sus pensamientos, Juanita arremete contra todo hijo de vecino, aunque de puertas afuera guarda las apariencias y trata de ser una ciudadana ejemplar. Se debate entre el conservadurismo en que ha sido educada y lo moderno representado en su hermana, ese chocho loco, como la llama no pocas veces, y sólo en el cine parece encontrar un mínimo respiro, cierta liberación. Por momentos la novela se hace pesada, pero no es esa pesadez propia del tedio o del desinterés: es que Juanita Narboni es pesada, es muy pesada. Leído 82/318

Tierra de empusas O.Tokarczuk

Tapan la vista fumaradas de vapor de la locomotora que ahora se desplazan por el andén. Hay que mirar por debajo de ellas para verlo todo, hay que dejarse cegar durante un instante por la niebla gris hasta que la vista, tras superar esa prueba, se vuelva aguda, penetrante y omnividente.

Veremos entonces las losas del andén, unos cuadrados ribeteados por tallos de endebles plantitas, un espacio que quiere mantener a toda costa el orden y la simetría. Al poco, aparece en ellas un zapato izquierdo, marrón de piel, no precisamente nuevo, e inmediatamente se le une el otro, el derecho; este parece incluso más castigado: su punta está un poco gastada, en la superficie del cuero se advierten unas pequeñas manchas más claras. Los zapatos permanecen un rato indecisos y, luego, el izquierdo se pone en marcha.

En el verano de 1913, Miecysław Wojnicz, un joven polaco estudiante de ingeniería, llega a Görbersdorf, una pequeña localidad en Baja Silesia, en busca de aire puro y la promesa de una cura para su tuberculosis. Alojado en la pensión para caballeros de Wilhelm Opitz, a la espera de una plaza en el sanatorio, se encuentra con un microcosmos donde la enfermedad no es el único mal que acecha. Entre el crujido de los suelos de madera y el murmullo de las conversaciones nocturnas, Wojnicz se enfrenta a un entorno donde la vida y la muerte conviven con una naturalidad inquietante. Las empusas son criaturas fantásticas del folclore griego antiguo, son demonios femeninos ávidamente seductores, Las fuentes principales donde se mencionan a las empusas son Aristófanes y Filóstrato. Tokarczuk posee un dominio del lenguaje que resulta casi hechizante, especialmente en los primeros capítulos, donde las descripciones alcanzan un nivel de precisión y belleza que no son sencillos de encontrar. Las conversaciones entre los personajes tienen un peso fundamental en la construcción de la novela. No se trata de simple intercambio de información, más bien funcionan como pequeños ensayos encubiertos, donde se confrontan ideas, visiones del mundo y conflictos generacionales. Final sorprende.

Llámame Sinsorga Gómez/Iglesias

2025 España Documental  Dirección: Marta Gómez , Paula Iglesias

Reparto: Andrea Momoitio, Irantzu Varela, Rakel García, Beatriz Silva, Yulia Van Der Bom, Nuria Martínez, Paz Carbajosa, Iratxe Marian, Dorleta Padilla, Yaisa Domínguez 88 min

Irantzu Varela y Andrea Momoitio son dos transgresoras periodistas que deciden transformar un centenario atelier de vestidos de novia en el primer centro cultural feminista de Bilbao, La Sinsorga. Quieren llevar a cabo la obra solo con mujeres y que el proyecto sirva para crear una base de datos de mujeres dentro de un sector tan masculinizado como el de la construcción. Cinco obreras son las encargadas de reconstruir este antiguo símbolo del amor romántico. 

En algunas zonas del País Vasco un sinsorgo o una sinsorga es alguien «insustancial y de poca formalidad», cosa que certifica la mismísima RAE. El centro cultural se aferra a aquello de resignificar los insultos queriendo dar visibilidad y espacio a las mujeres, a las que se considera de poca importancia o irrelevantes. El documental, ya que está, las empodera poniéndoles un taladro en la mano, de manera que cuando digan que ese lugar lo levantaron ellas con el sudor de su frente no será una forma de hablar.

Así que Llámame Sinsorga es muy recomendable para el público feminista militante, que lo va a gozar  y luego para los demás en función de la curiosidad por las condiciones de las mujeres en el mundo de la construcción o cómo funcionan el mundo de la militancia y las cabezas de activistas como Momoito y Varela, que se toman muy en serio la cuestión.

La cena M.Gómez Pereira

2025 España Comedia 106 min Director Manuel Gómez Pereira Con Mario Casas, Alberto San Juan, Asier Etxeandia, Nora Hernández, Oscar Lasarte, Martín Páez. 

Una adaptación de la obra teatral de José Luis Alonso de Santos que sitúa la acción en un Madrid herido, apenas dos semanas después del fin de la Guerra Civil. El encargo es inverosímil: organizar un banquete para Franco en el Hotel Palace, convertido en hospital de campaña. Esa premisa sostiene una tragicomedia que mezcla con precisión humor, tensión y crítica social, aunque no todos los ingredientes logran la misma consistencia. La puesta en escena es uno de los grandes aciertos del film. La reconstrucción del Madrid de 1939 —vestuario, espacios, iluminación— es un éxito. El elenco funciona como el eje emocional. Mario Casas, en el rol del teniente Medina, y Alberto San Juan, como el gerente del hotel Genaro, sostienen una dinámica cargada de tensión ideológica y atracción reprimida. Casas encuentra un registro contenido, mientras San Juan aporta una naturalidad expresiva que equilibra ironía y vulnerabilidad. La química entre ambos da fuerza a una historia atravesada por la obediencia, el miedo y la supervivencia. 

Donde La cena plantea su mayor desafío es en el tono. La decisión de usar la sátira como herramienta para exponer el miedo y la obediencia durante el franquismo resulta pertinente. Sin embargo, esa apuesta no siempre se mantiene equilibrada: en su búsqueda de un tono accesible, la comedia diluye por momentos la potencia política del relato. Aun así, la película no se limita al retrato histórico. Al abordar la censura, la represión de la sexualidad y la normalización de la violencia, el film dialoga directamente con el presente. La cena funciona como una advertencia sobre los mecanismos del poder y la persistencia de los discursos autoritarios en la sociedad contemporánea. El resultado es estimulante. Gómez Pereira logra una obra que entretiene, provoca y recuerda que la risa puede ser una forma de resistencia. 

Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen

Cincuenta obras maestras de Pablo Picasso y Paul Klee que pertenecieron al marchante y coleccionista alemán Heinz Berggruen y que hoy forman parte del Museum Berggruen de Berlín. .

Es cierto que Picasso y Klee no pueden ser más opuestos. Pertenecían a dos mundos muy diferentes y poseían dos personalidades antitéticas: meridional, terrenal, excesivo y sensual, el primero; nórdico, espiritual, introspectivo e intelectual, el segundo. Ahora bien, también es indudable que compartieron ciertos repertorios temáticos, un mismo espíritu de experimentación, una análoga estrategia reductora y deformadora que los llevó a dislocar formas y cuerpos, tanto por medio de la geometría como por la mutación orgánica, y, además, un similar sarcasmo para utilizar el arte como arma de transgresión. En buena medida, sus dos fórmulas –antagónicas, pero igual de revolucionarias–, que los llevaron a destruir la realidad a través de un lenguaje plástico de enorme radicalidad, transformaron para siempre el modo de mirar y de acercarse al mundo del hombre contemporáneo. 

La exposición se divide en cuatro apartados con los temas y géneros que interesaron a los dos artistas y en los que sus creaciones se entrelazan de maneras sugerentes e inesperadas: Retratos y máscaras; Lugares; Cosas; y, por último, Arlequines y desnudos. En cada sección se incorpora además una selección de obras de la colección Thyssen, algunas de las cuales fueron propiedad de Berggruen en el pasado, que dan pie para abordar la estrecha relación que se estableció entre ellos. 

Expresionismo Un arte de cine

La exposición revela el intenso diálogo entre el expresionismo y el cine durante las primeras décadas del siglo XX. Este movimiento vanguardista buscaba fundir arte y cine en una experiencia total, construyendo un universo estético y emocional que sigue vivo más de un siglo después. Desde El gabinete del Dr. Caligari hasta Metrópolis, pasando por los paisajes urbanos de Otto Dix o los rostros desgarrados de Käthe Kollwitz, la exposición invita a adentrarse en un imaginario inquietante, radical y fascinante.

El recorrido combina 152 obras y fragmentos cinematográficos para llevarnos por un viaje único al corazón del expresionismo, cuya huella resuena todavía en el arte contemporáneo y en el cine de creadores como Tim Burton, Guillermo del Toro o David Lynch.

Ciudad sin sueño G.Galoe

España, Francia, 2025 Dirección: Guillermo Galoe Reparto: Antonio Fernández Gabarre, Bilal Sedraoui, Jesús Fernández Silva, Luis Bertolo. Duración: 97 minutos.

La película se adentra en la Cañada Real a través de la mirada de Toni, un adolescente que observa cómo su mundo se desmorona mientras lucha por conservar la magia de la infancia. Ciudad sin Sueño combina ficción, experiencia comunitaria y una estética que reivindica lo invisible. Toni, de 15 años, orgulloso de su familia chatarrera y profundamente unido a su abuelo. Las máquinas de demolición avanzan hacia la parcela donde viven, y el anciano se niega a abandonar su hogar pese al riesgo que ello implica. En la oscuridad de noches sin luz, las leyendas que marcaron la infancia de Toni le sitúan ante un dilema: aferrarse a lo conocido o afrontar la incertidumbre del futuro. Galoe busca filmar desde la intimidad, dejando de lado los clichés asociados a territorios marginalizados, el reparto está compuesto por habitantes reales de la Cañada Real.

Bugonia Y. Lanthimos

2025 Irlanda-Reino Unido Comedia 119 min Director: Yorgos Lanthimos Con  Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias, Alicia Silverstone, Marc T. Lewis

Adaptando el delirante thriller coreano 'Salvar el planeta Tierra' ('Save the Green Planet!'), el director griego construye una sátira sobre la paranoia contemporánea, pero su pulso es irregular, y su empatía, escasa. Todo está en su sitio -la fotografía de Robbie Ryan, la música frenética de Jerskin Fendrix, la precisión quirúrgica de su puesta en escena-, pero el resultado deja un poco descolocado.

Abejas, alienígenas y teorías conspiranoicas Lanthimos reinterpreta la película original como un duelo entre dos fuerzas opuestas: el fanatismo de Teddy , un apicultor convencido de que los extraterrestres controlan el planeta, y la calculada frialdad de Michelle, una ejecutiva de laboratorio farmacéutico que él cree que es una emisaria alienígena. Lo mejor, ese enfrentamiento, donde el humor negro y la crueldad física conviven con un tono casi teatral. Impecables interpretaciones.

Los domingos Ruíz de Azúa

España, 2025. Dirección: Alauda Ruiz de Azúa. Guion: Alauda Ruiz de Azúa. Reparto: Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés, Juan Minujín, Nagore Aranburu.Duración: 115 min. 

Ainara (Blanca Soroa), la joven protagonista, es una estudiante de 17 años que siente la llamada del altísimo para elegir un destino final con forma de convento. Como monja de clausura, Ainara tendrá que realizar en un futuro cercano ciertos votos la mar de solemnes: pobreza, castidad y obediencia. Semejante planteamiento genera un auténtico cisma familiar. Su padre, Iñaki (Miguel Garcés), tiene serios problemas para comunicarse con su hija desde que la madre de esta murió. El rol materno recae sobre los hombros de su tía Maite (Patricia López Arnaiz) quien, pese a su aparente comprensión inicial, será incapaz de aceptar la decisión de su sobrina. 

Carlos F. Heredero ha acertado al escribir que Los domingos es “una fácilmente manipulable película para reclutar vocaciones en las parroquias”, puesto que su propósito último no es plantear preguntas sobre el poder que la religión tiene en la sociedad contemporánea y el modo en que lo ejerce, sino reforzar la fe de los creyentes.

 

El entusiasmo P. Remón

Texto y dirección Pablo Remón Reparto Francesco Carril, Natalia Hernández, Raúl Prieto y Marina Salas Escenografía Monica Boromello Producción Centro Dramático Nacional y Teatro Kamikaze Duración 2h15 Teatro María Guerrero

Estructurada en un prólogo y cuatro partes que funcionan casi de manera independiente, El entusiasmo son varias obras en una. Un caleidoscopio de estilos diferenciados, que se complementan e incluso se contradicen, cuya columna vertebral sigue la vida de una pareja: sus conflictos personales, sus crisis matrimoniales, su relación con la maternidad/paternidad. Y también sus sueños, sus deseos, sus recuerdos, sus relatos y narraciones. La obra vincula el tema del entusiasmo en la vida de los personajes con el entusiasmo por la narración y por contar historias. Algunas de estas historias se centran en lo pequeño, en el mundo de la pareja, la maternidad/paternidad y sus complejidades, otras se alejan de la historia principal y nos llevan a otros personajes y otros mundos. El juego de la ficción está continuamente presente: los personajes se narran o se escriben unos a otros, alternando en sus respectivas reencarnaciones los roles de narrador/autor y personaje. Ficciones dentro de ficciones, en una estructura de cajas chinas que pretende ser un viaje emocional por la vida de estos personajes, a la vez que trata con humor e ironía el tema de la pareja, los hijos y la crisis de la mediana edad, en un artefacto teatral con la ambición y el juego propios de la novela posmoderna.

La sensación al salir de ver El entusiasmo es, cuando menos, ambigua. La primera es la de una distopía extraña. Uno no sabe por qué, pero tiene la sensación de haber visto una versión teatral reacomodada a estos tiempos de Escenas de un matrimonio. El uso de atrezos y símbolos temporales cambia. Pero el fondo de ambas no dista mucho: El Entusiasmo, al igual que la película, es un retrato generacional de la burguesía acomodaticia y sus avatares. Ambas abordan el tema de esa “desengañada gente de la segunda edad”. Larga sin necesidad, la escena de la madre/suegra no aporta nada; escasos momentos de interés.

Los días del Cáucaso Banine

A diferencia de ciertas personas dignas, nacidas en familias pobres, pero que eran familias "bien", yo nací en el seno de una familia que no era para nada una familia "bien", pero sí era muy rica. Tanto que resultaría escandaloso de no ser por el hecho deplorable, pero justo, de que dejó de serlo hace ya muchos años, "y, ¿por qué su familia no era una familia "bien"? , me preguntarán quizá con amabilidad, comentario este que implicaría cierto interés hacia mi persona. Pues bien, porque, por un lado, mi familia solo es capaz de remontarse en su estirpe hasta mi bisabuelo, que respondía al bonito nombre de Asadulá, que significa "amado por Alá ", un nombre predestinado porque, campesino de nacimiento, mi antepasado murió millonario gracias al petróleo que brotó de su campo sembrado de piedras entre las que pastaba -no se sabe qué- su rebaño de ovejas.

Banine es el pseudónimo de la escritora azerí Umm El-Banu Äsâdullayeva (1905-1992) que escribió su obra en francés.

Un libro autobiográfico que refleja componer la vida de una musulmana a principios del siglo pasado en su país Azerbaiyán. Banine fue una rica heredera de ese país debido a que su bisabuelo encontró petróleo, aún viniendo de una familia acomodada su familia era poco refinada al tratarse de nuevos ricos, así que ella nos va contando cómo fue criarse en el seno de esa familia y como perdieron casi todo su dinero cuando su país paso a formar parte de  una de las repúblicas de  la Unión Soviética.

Entre chiens et louves Cirque Le Roux

Alex, Louise et Maud ont partagé le même appartement… à quelques siècles de distance. En découvrant les journaux intimes des deux jeunes femmes, Alex se retrouve projeté dans leur histoire, mêlant son destin aux leurs. Avec lui, nous embarquons pour un voyage dans le temps, poétique et acrobatique, entre 1850, 1960 et 2023. Sur scène, neuf circassiens traversent les époques avec fluidité grâce à une habile et impressionnante scénographie et de nombreux changements de costumes… et de couples ! Les tableaux s’enchaînent à la vitesse de la lumière au milieu de décors superbes, entrelaçant les formes : théâtre, music-hall, cirque contemporain et cirque traditionnel. Jet lag artistique assuré ! Un voyage dans le temps… mais aussi dans l’espace avec des acrobates extraordinaires d’aisance et de virtuosité !

Formidables!

L e royaume désuni J.Coe

Il y avait si peu de monde dans le hall des arrivées  de l'aéroport de Vienne que Lorna n'eut aucun mal à la repérer, bien que ce soit la première fois qu'elles se rencontraient. Elle avait des cheuveux bruns et courts, une silhouette juvénile et des yeux marron qui s'éclairèrent quand Lorna passa la tête derrière le gigantesque étui de son instrument et dit: " Susanne, c'est bien ça?  _Bonjour, répondit cette dernière en étirant le mot avec un accent chantant, et puis, après un instant d'hésitation, elle serra Lorna dans ses bras en guise de bienvenue. On a encore le droit de faire, hein? _Bien sûr qu'on a le droit. _ Je suis tellement contente que tu sois enfin là.  _Moi aussi. ", lui retourna Lorna, par automatisme. Mais c'était la vérité.  "Le vol s'est bien passé? _Très bien. Pas grand monde. _J'ai pris ma voiture." Elle regarda avec une appréhension soudaine l'étui d'un noir luisant qui contenait la contrebasse de Lorna, et ajouta: "J'espère qu'elle sera assez grande."

Nous suivons la famille Lamb de 1945 à 2021, autour de sept événements marquants qui font communion et donnent le sentiment d'appartenir à une nation commune : des discours mythiques ( de Churchill, du roi Georges V pour célébrer la victoire majuscule du 8 mai 1945 ), des épisodes liés à la famille royale ( couronnement d'Elisabeth II en 1953, mariage de Charles et Diana en 1981, mort de cette dernière en 1997 ) ou sportif ( sacre de l'équipe anglaise à la coupe du monde de 1966 ). L'auteur radiographie une société anglaise qui s'effrite au fil des années: la dynamique Mary comme coeur central : son mari taiseux qui se révèle xénophobe, leurs fils si différents, de Jack le nationaliste tory pro-Brexit à Martin libéral europhile convaincu ou Peter, le musicien qui découvre son homosexualité sur le tard, entre autres parmi la trentaine de personnages qui peuplent ce roman. Quatre générations dont les succès, les mésaventures et les divisions reflètent les changements post Deuxième guerre mondiale. Les passages les plus drôles du roman sont liés à la question européenne avec en son coeur la Guerre du chocolat qui durant une trentaine d'années a opposé les lobbystes britanniques à la Commission européenne qui interdit l'importation de chocolat britannique ( Cadbury en tête ) en provenance du Royaume-Uni jusqu'en 2003, refusant de le considérer comme du chocolat à cause de son adjonction de matières grasses végétales. Les joutes de la commission européenne autour de la question de l'étiquetage donnent lieu à un compte-rendu aussi savoureux que cocasse.

Un simple accidente J.Panahi

2025 Irán, Luxemburgo, Francia 105 min Drama Dirección Jafar Panahi Con Ebrahim Azizi, MadjidPanahi, Vahid Mobasseri, Mariam Afshari, Hadis Pakbaten, Delmaz Najafi, George Hashemzadeh,                                                                                   Es de noche en carretera. Una familia transita con su coche: padre, madre e hija. De repente, sin quererlo, el padre atropella a un perro. Y la niña le recrimina. Con este «simple accidente», que funciona como detonante, Jafar Panahi construye una pequeña pero potente historia de odio y venganza. El punto de giro tiene lugar cuando el padre, Eghbal, acude a un taller para arreglar el auto y el dueño del establecimiento, Vahid, lo reconoce como uno de sus torturadores de años atrás.                                            Panahi, vuelve a plasmar una historia de crítica social y política, reflejo del estado de su sociedad natal. Con su estilo neorrealista iraní, muestra una historia concreta que, como él mismo comenta, nace de su segunda encarcelación. Al salir de la cárcel, sintió la necesidad de hacer una película para las personas que había conocido entre rejas. Pero que, a la vez, podría ser la de miles de transeúntes que pasean por las calles de su país.

A modo de metáfora, al espectador se le plantean reflexiones muy interesantes y profundas sobre tomar la justicia por tu mano, sobre la posible clemencia o no, sobre el convivir con la rabia de hechos muy fuertes sucedidos anteriormente, sobre la fragilidad del ser humano, sobre el sentimiento de humanidad. No es una película que te posiciona con una conclusión clara, sino que interpela, con un magistral final abierto. Y es que parece que los protagonistas se preocupan por su futuro: qué modelo de sociedad quieren construir. La historia atrapa desde el principio por su narración, que combina el drama con el suspense, con puntos de comedia de humor absurdo, como es la vida misma. Su fotografía, como siempre, cercana al documental. Los actores no defraudan, cada uno interpretando diferentes personalidades, todos torturados en el pasado por Eghbal.

Película, rodada en Teherán, pero en la clandestinidad, se alzó con la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Además, Un simple accidente ha sido la elegida por Francia para representarla en la carrera hacia el Oscar 2026 en la categoría de mejor película internacional.

Un faccioso más y algunos frailes menos B.Pérez Galdós

El 16 de octubre de aquel año( y los lectores del libro precedente saben muy bien qué año era) fue un día que la historia no puede clasificar entre los desgraciados  ni tampoco entre los felices, por haber ocurrido en él, juntamente con sucesos prósperos de esos que traen regocijo y bienestar a las naciones, otros muy lamentables  que de seguro habrían afligido a todo el género humano si éste hubiera tenido noticia de ellos.  No sabemos, pues, si batir palmas y cantar victoria  o llorar a lágrima viva, porque si bien es cierto que en aquel día terminó para siempre el aborrecido poder de Calomarde, también lo es que nuestro buen amigo  don Benigno padeció un accidente que puso en gran peligro su preciosa existencia.

Décima y última entrega de la Segunda Serie de los Episodios nacionales, el título alude, por una parte, a Carlos María Isidro, a quien se calificaba de «faccioso» por sus conspiraciones para conseguir el trono de España que su hermano moribundo, Fernando VII, dejaba por pragmática sanción a su hija, la princesa Isabel; por otra, se hace referencia a la matanza de jesuitas del verano de 1834, a los que de forma absurda se imputaba la responsabilidad de la epidemia de cólera que asolaba Madrid. Iniciando su acción en La Granja de San Ildefonso a finales de 1832, tras la destitución del ministro Calomarde, la novela transcurre en el último año de reinado de Fernando VII, el comienzo de la guerra carlista y los primeros pasos de la regencia de María Cristina de Borbón-Dos Sicilias. También se describen los últimos días y la muerte de aquel «aciago monarca», que fue el Deseado para unos y el rey Felón para otros, dándole consistencia trágica a la «España escindida», cimentando las “dos Españas”, y dejando como legado una guerra civil.

El drama histórico se entreteje con el desenlace folletinesco de los principales protagonistas de esta segunda serie de los Episodios: el liberal Salvador Monsalud y el carlista Carlos Navarro, alias ‘Garrote’, y su mujer, Jenara Baraona; además de «la señorita Soledad» (“Sola” o “Solita”), hija de Gil de la Cuadra; y Benigno Cordero; y el telón final del toque melodramático que aporta Fermina Monsalud, madre de Salvador, al desvelar su secreto. 

Galdós dio por concluidos aquí los Episodios Nacionales, pero más tarde, a partir de 1898 retomaría la tarea en una tercera serie.

My house is your house Chiharu Shiota

Artista japonesa, residente en Berlín, Chiharu Shiota, una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mundial. Se trata de la primera muestra monográfica en Euskadi de esta artista, conocida por sus monumentales instalaciones tejidas con hilos de lana, cuyos entramados invitan a sumergirse en un mundo poético y onírico. Los temas principales de las intervenciones de Chiharu Shiota son el tiempo, el movimiento, los sueños y la memoria. Concibe su obra a partir de elementos de la vida cotidiana, recuerdos y objetos encontrados o en desuso. Su visión subjetiva y su experiencia son puntos de partida para la concepción de sus obras inmersivas, en las que aborda la dimensión espiritual de la existencia humana con temas como el hogar, la migración, la vida y la muerte. Prendas de vestir, muebles y otros objetos son protagonistas de sus obras, conformando una narrativa clara y universal, independientemente de la lengua, nacionalidad, religión o base cultural de cada persona.

Las instalaciones de Shiota tejen intrincados patrones de hilo que hacen referencia tanto al tejido tradicional como a la caligrafía oriental. Los hilos crean un dibujo complejo y expandido que no tiene un principio ni un final claros, simbolizando caminos, historias y experiencias. Los objetos suspendidos, como ropa y ventanas, representan presencias ausentes, evocando la fragilidad de la vida y el poder de la memoria. A través de ello, invita al público a explorar el potencial narrativo de una obra estructurada en red, abierta y seductora, que estimula la creación de nuevos vínculos. Sorprendente!

Agustín Ibarrola Euskadi 1977-1979

En 1979, un año después de la entrada en vigor de la Constitución Española y de la aprobación del Estatuto de Autonomía del País Vasco, Ibarrola creó en la Sala Gris del Museo de Bellas Artes de Bilbao un gran mural formado por 27 cuadros, 12 de ellos con unas dimensiones de 2 x 3,5 m.

Con una especie de preámbulo formado por tres cuadros en la pared y ocho lienzos “tótem” apoyados sobre el suelo y a cierta distancia del mural, la parte principal de la instalación cubría totalmente las paredes en una sucesión de grandes lienzos articulando el conjunto. En el centro, un cuadro con una hoja de roble y un escrito reforzaba el simbolismo de la obra, también respaldado por temas extraídos del Guernica (1937) de Picasso y por cuatro fragmentos de la versión de Ibarrola (c. 1977) de ese célebre cuadro.

La tensión entre la abstracción formal y la representación figurativa relaciona figuras y objetos procedentes del mundo del trabajo manual -de la artesanía tradicional a la industria- violentamente intervenidos por líneas en blanco y negro que representan la experiencia opresora de los nueve años de cárcel que padeció Ibarrola por su militancia en el Partido Comunista de España. Escalas, perspectivas y penumbras forzadas que confinan figuras en una especie de artefacto de denuncia y expresión del arte y el artista como agentes sociales en favor de la democracia.

Max Ernst Paris 1922-1928

La exposición incluye 14 pinturas, 6 dibujos y las 34 fototipias que conforman la célebre carpeta Histoire naturelle. Salvo un frottage fechado en 1957, todas fueron realizadas entre 1922 y 1928, una etapa de experimentación en la que, partiendo de un interés inicial por el dadaísmo, Ernst evolucionó hacia las propuestas más trasgresoras formuladas por el surrealismo. Fue en este contexto donde el artista alemán pudo aportar novedades teóricas, técnicas y creativas que hoy son consideradas fundamentales para el desarrollo del arte del siglo XX. A  este conjunto se han incorporado en préstamo temporal para la exposición una escultura y diverso material documental. Las obras proceden de una colección particular de origen español radicada en Londres que fue heredada por su actual propietario, nieto del prestigioso galerista inglés Aram Mouradian.

Los años veinte fueron un periodo de gran efervescencia intelectual y creativa en los que el arte y el mundo de las ideas acogieron las enormes transformaciones originadas por la exploración de territorios que, como el inconsciente, los sueños o la imaginación, se sitúan más allá de la razón. A pesar de ser una figura central del surrealismo y de su impronta en el arte español gracias a la difusión de su trabajo en revistas especializadas y a su participación en exposiciones de la época Ernst está escasamente representado en las colecciones públicas españolas. Se conservan dos obras en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y cuatro en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, a las que ahora se suma este extraordinario conjunto depositado en el museo de Bilbao.

Objetos sin aparente relación entre sí han sido reunidos de manera libre en el cuadro, , en el que destacn, de espaldas, dos cuerpos femeninos desnudos representados de forma realista. A la derecha, una figura masculina transparente que, mano en alto, trata de aproximarse a las mujeres, así como otros elementos tubulares y vegetales, sensuales y orgánicos, aluden a lo onírico y fantástico. 

MIRABILIA Joan Fontcuberta

 En este proyecto Joan Fontcuberta reúne una selección de sus trabajos más recientes, varios de ellos inéditos, y algunas series emblemáticas de su trayectoria anterior. Un recorrido que abarca más de cincuenta años de una carrera artística con líneas de investigación recurrentes como el conflicto entre realidad y ficción, entre lo natural y lo artificial.

La exposición, una de las más extensas planteadas por el autor en España en los últimos años, viene a confirmar que esas continuas exploraciones que definen su estilo en torno a los límites de lo fotográfico, cuestionando aquello que vemos, iban en la dirección adecuada.  La propuesta se centra en sus trabajos con Inteligencia Artificial de los últimos dos años. Se presentará un recorrido por su obra actual, con propuestas de narrativas visuales que tienen la representación de la Naturaleza como terreno preferente, un territorio en el que confluyen la experiencia poética con la reflexión conceptual, condimentado con constantes guiños a la ficción. La exposición cuestiona la relación entre imagen y palabra, pero también el propio statu quo de la fotografía. La insistencia en este cuestionamiento es el hilo conductor de su trayectoria. Ahogados ante la apabullante saturación de imágenes que vivimos hoy, su trabajo nos pone en alerta para que no bajemos la guardia ante su potente poder de seducción. La invasión de imágenes falsas a modo de censura encubierta es puesta en evidencia. En la Tercera Revolución Visual estamos asistiendo al nacimiento de un nuevo régimen de la mirada, un cambio de paradigma, en el que Fontcuberta es un referente, como destacado representante de la post-fotografía.

Video

Chile: voces de la Patagonia M.Gusinde

La Patagonia, esa vasta región del fin del mundo, ha sido desde siempre un territorio de contrastes, donde la naturaleza imponente dialoga con las historias humanas que la habitan. La exposición «Chile: Voces de la Patagonia», presentada en el marco de PHotoESPAÑA 2025, nos invita a explorar esta tierra austral a través de la fotografía, capturando no solo sus paisajes, sino también las voces y experiencias de quienes la llaman hogar. Reúne el trabajo del destacado fotógrafo Martín Gusinde. A principios del siglo XX, Martin Gusinde no sólo estudió, sino que generó vínculos y relaciones únicas con hombres y mujeres Selk’nam, Yaghan y Kawéskar, llegando a conocer su cosmovisión, lengua y tradiciones. Gracias a él, y el trabajo de Xavier Barral, con siglos de distancia, se logró contar con un registro único de la identidad de esta cultura ancestral, parte esencial de la identidad de Chile. 

Las imágenes expuestas definen el paisaje patagónico y dan protagonismo a las comunidades ancestrales, sus tradiciones y desafíos. Cada fotografía es un testimonio, una voz que resuena desde el sur profundo, invitándonos a reflexionar sobre la relación entre el ser humano y su entorno. 

Berlinguer. La gran ambición A. Segre

2024 Italia Biopic 123 min Dirección Andrea Segre Con Elio Germano, Paolo Pierobon, Roberto Citran, Stefano Abbati, Francesco Acquaroli, Paolo Calabresi, Andrea Pennacchi, Elena Radonicich.

Narra la vida del popular líder político Enrico Berlinguer, secretario general del Partido Comunista Italiano, durante los años más cruciales de su carrera política, entre 1973 y 1978. La historia se centra en el momento en que Berlinguer estuvo a punto de llevar al Partido Comunista de Italia al poder en 1978 mediante una alianza con la Democracia Cristiana. El secuestro y asesinato de Aldo Moro, líder de los democristianos, frustró un momento que hubiese cambiado la historia del país y del equilibrio geopolítico en todo el mundo.

Muy interesante y bien llevada película que se centra en el contenido y transcurrir político, sin perderse entre subtramas o acontecimientos secundarios. La película relata la vida política de Berlinguer como pieza clave en la corriente eurocomunista, centrándose para ello en un período histórico concreto (desde el accidente de tráfico de Berlinguer hasta el secuestro de Aldo Moro). A través de este período muestra como se va construyendo y asentando el eurocomunismo que pretende mostrarse como una vía nueva distante tanto del capitalismo de EEUU como del comunismo soviético.

A pesar de que la película parece afín y benévola con el proyecto político de Berlinguer (intuyéndose un señalamiento a la URSS en múltiples ocasiones como el "malo"), también muestra las limitaciones y contradicciones que se generan al entregar la confianza de un proyecto político supuestamente comunista en manos de la democracia burguesa (con un interesante debate con los hijos sobre si está traicionando sus ideas), muestra un análisis y definición del Estado por parte de las tesis eurocomunista que dista bastante del análisis leninista o un contexto de crisis donde está en auge la violencia y el terrorismo (y los partidos eurocomunistas se vuelven una pieza clave para proteger el Estado capitalista neutralizando otras corrientes.

Mi postre favorito M.Moghadam/B.Sanaeeha

2024 Irán Drama 96 min Dirección Maryam Moghadam y Bethtash Sanaeeha Con Lili Farhadpour, Esmaeel Mehrabi, Mohammad Heidari, Melika Pazouki.

Mahin de 70 años, vive sola en Teherán desde que murió su marido y su hija se mudó a Europa. Desde su independencia, Mahin se sienta sola y anhela encontrar un compañero. En esa búsqueda conoce un día a un taxista soltero llamado Faramarz con el que empieza una relación amorosa.

Los dos personajes son encantadores, personas buenas que se sienten bien el uno con el otro. En poco tiempo conoceremos los deseos de una y del otro y los puntos en común que pueden tener. Resulta muy recomendable porque consiguen una comunicación sincera y los diálogos resultan muy naturales de tal modo que pueden conectar con cualquier personas. También interesan por tener mujeres de 70 años como protagonistas con deseo y capacidad de acción y por tener hombres buenos que no suponen amenaza para ellas. De cualquier modo, interesa también porque rezuma humanidad y también se permite un guión atrevido que consigue que pueda pasar cualquier cosa.

La península de las casas vacias D.Uclés

Odisto iba a tener un hijo. Con cada parto, en Jándula, un aire solano sacudía con furia los árboles. Aquella noche primaveral de 1936 el viento destemplado arrastró mucha tierra y cubrió de polvo las hojas de los chopos de las riberas. Aunque a simple vista no pudo apreciarse, los árboles, de hojas asfixiadas, se curvaron lentamente hacia el agua hasta remojar las copas. Odisto paseaba bajo aquel dosel terminando de roer el hueso de un albaricoque, tan absorto que no percibió siquiera que la vereda había perdido el resplandor nocturno del cielo. Los partos le abducían el espíritu. Entre abortos y niños nacidos sin pulso, tanto él como su mujer, María, habían presenciado más muerte que vida. dicho así parece como si el matrimonio no hubiera podido engendrar descendencia. Nada más lejos de la realidad: el hijo que esperaban iba a ser el octavo.

De entrada el libro ha sido tan alabado y el autor es tan simpático en las entrevistas que te dan ganas de no demorar la lectura del tocho de 700 págs. Y bueno, dos semanas después, mi balance es mitigado. Bien por escribir un relato sobre la Guerra Civil, tan necesario par que nuestros jóvenes sean conocedoress de los hechos tan terribles. Bien al principio eso que se ha llamado realismo mágico del que claramente se abusa y de la sacrosanta presencia de un Narrador que interrumpe demasiado el relato. A partir de las 400 págs cuesta acabar, se me hizo laaargo y estaba deseando llegar al final. Pero, que se critique el libro porque el autor toma partido me parece una tontada, es ficción no un trabajo científico sobre la Guerra Civil. En suma un bonito homenaje a su familia, bien documentado.

China NCPA Orchestra Myung-Whun Chung, director Bruce Liu, piano.

China NCPA Orchestra. Bruce Liu, piano. Dirección: Myung-Whun Chung. Obras de: Qigang Chen, Maurice Ravel y Camille Saint-Saëns.

Es una orquesta joven, fundada en 2010, pero formada por músicos de un alto nivel académico y que realizan su primera gira por Europa que los ha traído a Santander, única parada en España. El maestro surcoreano con su forma serena de abordar las obras, su elegancia en el gesto, sin aspavientos, y esa mirada que todo lo abarca, nos recuerda a otros grandes de la dirección.

Myung-Whun Chung ha elegido un programa complejo, nada convencional, con autores franceses incluido a Qigang Chen, abrió el concierto con su obra ‘Wu Xing’, Cinco Elementos, una composición estructurada en base a los cinco elementos de la naturaleza: minerales, madera, agua, fuego y tierra. Con el ‘Concierto para piano y orquesta’ de Maurice Ravel, se consiguió un nivel pocas veces escuchado. Tener de solista al piano a un intérprete como Bruce Liu ha sido toda una garantía. Nacido en París pero con nacionalidad canadiense, es un virtuoso del piano. A los aplausos de aprobación del público, Liu correspondió con Chopin, su compositor de referencia, con su ‘Nocturno n° 20 en do menor’, de una belleza y sentimiento increíbles, para el recuerdo.  

Para la segunda parte, otro plato fuerte del programa, la ‘Sinfonía n° 3’ de Camille Saint-Saëns, “Sinfonía con órgano en do menor”. Con sus dos movimientos, divididos cada uno de ellos en otros dos, es una obra de evidente belleza melódica que requiere de una gran plantilla orquestal, incluido el órgano y piano a cuatro manos. Myung-Whun Chung dirigió con la serenidad y gesto claro habituales, con una sección de cuerdas de amplia sonoridad y con la fuerza del viento metal y percusión controlada en todo momento, consiguiendo el deseado equilibrio. A las ovaciones del público que abarrotaba la Sala Argenta, respondieron de propina con una apabullante versión del preludio de ‘Carmen’, un regalo para el público español.

Never alone K.Häro

2024 Finlandia Drama 85 min Dirigido por Klaus Häro Con Ville Virtanen, Nina Hukkinen, Kari Hietalathi, Hannu-Pekka Björkman, Rony Herman, Naemi Latzer, Satu tuuli Karhu, Carl-Kristian Rundnan.

Helsinki, 1942. Mientras Finlandia mantiene una peligrosa alianza con la Alemania nazi, un solo hombre se enfrenta al sistema, Abraham Stiller, un empresario judío arriesga su vida para impedir que los servicios de seguridad finlandeses entreguen en secreto a refugiados judíos a la Gestapo.

Película de corte clásico que no depara ninguna sorpresa, pero sí muestra unos personajes bien estructurados, una trama bien dirigida que se sigue sin problemas y deja la sensación de saber un poquito más sobre el conflicto más importante del siglo XXI. Su único pecado, de hecho, es que ella misma parece anacrónica, estar fuera de su tiempo, verse relegada a ser "una más" entre las decenas de películas similares que nos llegan todos los años.

Aunque trata de revestirse con distintos puntos de vista y mostrar personajes complejos, la película no puede evitar caer en una simpleza alarmante, un cuento de buenos contra malos y héroes contra villanos con el que, a estas alturas, es difícil empatizar: todos los de un bando cantan el sabbath y hablan de manera sosegada, sin decir una palabra más alta que otra, mientras que todos los del otro son amenazantes, malvados, gritones y faltosos. Es una lección de historia, sí, pero que suena a cuento infantil.

Sir András Schiff, piano

Obras de Bach, Haydn, Mozart, Schubert y Beethoven va anunciando las obras que interpreta.

Comenzó su recital, sin comentar nada, con Bach y su ‘Aria de las Variaciones Goldberg BWV 988’, para continuar con el ‘Capricho en si bemol mayor BWV 992’, académico, elegante, expresivo. Para marcar ciertas diferencias, saltó a Mozart con su ‘Sonata n° 17 en si bemol mayor, K 570’.

Es conocido el uso prudente que Schiff hace del pedal sonoro, usado sobre todo para las notas finales, así se notó en su versión del ‘Concierto italiano en fa mayor BWV 97’ de Bach, sencillamente memorable en sus tres partes. Sin pausa, siguió su recital con Haydn y su 'Andante con variaciones Hob.XVII:6', igual de luminoso que su Mozart. Y terminó su programa con Bach y su 'Fantasía cromática y fuga BWV 903', y con Beethoven, con la ‘Sonata para piano, n° 17 “La Tempestad”, ambas tocadas sin solución de continuidad, mostrando ciertas similitudes melódicas entre ambas obras.

La elegancia y seriedad que muestra Schiff en el escenario se traduce en un silencio por parte del público pocas veces conseguido, tan solo alguna tos aislada, pero, increíble, no sonó ningún móvil, auténtico virus en las salas de concierto. Las ovaciones y aplausos al maestro, se tradujeron en tres propinas, el ‘Vals n° 3’ de Chopin, la ‘Canción giratoria, op. 67’ de Mendelssohn, terminando con Shubert y el Andante de los ‘Cuatro impromptus, Op. 90’. Todo un alarde de virtuosismo.

Maruja Mallo: Máscara y compás.

Maruja Mallo (Viveiro 1902–Madrid 1995) es una artista fundamental del siglo XX español y una de las principales figuras de la Generación del 27, de la que formaron parte Rafael Alberti, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rosa Chacel y María Zambrano, entre otros. Es, además, la más importante representante del grupo de artistas que, por primera vez, presentaron colectivamente una cosmovisión femenina desde una perspectiva también inédita, la de la mujer moderna, activa, libre y profesional.

Esta exposición quiere acercar la obra y pensamiento de Mallo, está organizada de manera cronológica respetando sus series de pinturas que, junto con sus dibujos y su archivo, trazan toda la carrera de la artista. Desde el realismo mágico y las composiciones de carácter surrealista de sus primeros años hasta las configuraciones geométricas y fantásticas de sus últimas obras. Así, sus escenarios se desplazan de los barrios populares de Madrid a las tierras del extrarradio, ahondando en la relación del ser humano con la naturaleza y situando esa relación en una dimensión superior, en la que ciencia, arte y mitología se dan la mano, para acabar en el cosmos. Incluye además citas de la propia artista que dan voz a la personal revisión que Mallo hizo sobre su obra y el papel del arte en la sociedad.

El jinete pálido C.Eastwood

1985 USA 1h53 Western dirección Clint Eastwood Con Clint Eastwood, Sydney Penny, Chis Penn, Michael Moriarty.

El argumento de ‘El jinete pálido’ puede recordar al del mítico western ‘Raíces profundas’ (‘Shane’, George Stevens’, 1953) el que Alan Ladd daba vida a un antiguo pistolero que se veía obligado a coger de nuevo la de armas para defender a una familia de granjeros de la opresión de un importante ganadero. Lo cierto es que aún partiendo de un esquema argumental similar, Eastwood alcanza una mirada mucho más profunda con su personaje central y toda la aureola de misterio que le rodea, algo que ha caracterizado la mayor parte de los personajes del actor y que en ‘El jinete pálido’ cuyo título proviene de la Biblia,  consigue su máxima expresión. 

El impresionante duelo final que enfrenta al Predicador con Stockburn y sus ayudantes es toda una lección del empleo del ritmo. Un tempo dilatado, que recuerda al mejor Leone, caracteriza una larga escena en la que Eastwood termina de dejar las cosas claras en cuanto a su personaje. Los ayudantes de Stockburn son eliminados uno a uno por El predicador que emerge de los rincones más insospechados e incluso los mata en lugares muy alejados el uno del otro, algo imposible para un hombre “normal”. Cuando Stockburn tiene en frente al predicador y le ve la cara, aquél sólo pronuncia un “¡Tú!” muy revelador antes de recibir seis disparos muy familiares para el espectador. La sutileza convertida en maestría.

Punto y contrapunto maestros del siglo XX en la colección Jaime Botín

‘Punto y contrapunto: maestros del siglo XX en la colección de Jaime Botín’, una exposición que presenta una selección de 17 obras,

la muestra reúne a 14 importantes artistas del siglo XX con “obras de muy diferentes estilos que, aunque muestran grandes diferencias entre sí, establecen su unidad en un espléndido diálogo visual, donde los contrastes de tonos, texturas y estilos transmiten emociones profundas, lo que, a pesar de sus diferencias estéticas y conceptuales, logra una unidad que conecta con el espectador”, afirma María José Salazar, comisaria de la muestra. Pertenecen a dos momentos relevantes de la historia del arte: el tiempo de las vanguardias y el arte de la posguerra, en los años tras la Segunda Guerra Mundial, en que surgen nuevos modos de representación”, asegura.

Así, la nueva sala permanente incluye creaciones de importantes artistas españoles como Manolo Millares, Pablo Palazuelo y Antoni Tàpies, cercanas a la abstracción, bien sea matérica, expresionista o geométrica; en un contrastado diálogo con el iluminismo de Joaquín Sorolla; el cubismo de María Blanchard y Juan Gris; la pintura poética de Joan Miró; la figuración lírica de Pancho Cossío; el realismo de José Gutiérrez Solana; el noucentisme de Isidre Nonell y el neocubismo de Daniel Vázquez Díaz.

Además, estos artistas comparten el espacio con algunos de los artistas internacionales más significativos del siglo XX que representan la nueva figuración, como Francis Bacon; el fovismo, como Henri Matisse; y el expresionismo, como Mark Rothko.

En definitiva, todos los artistas representados han logrado innovar, personalizar y desarrollar un lenguaje identificativo, cada uno con voz propia, existiendo en cada obra una fuerte personalidad estética, armonía y cohesión, lo que evidencia la participación de los artistas, de forma individual, en un proceso colectivo y evolutivo de la historia del arte.

Al pie del llar R.Cuevas

En palabras del propio Rodrigo Cuevas este concierto es “una vuelta al origen, a la esencia de lo que creo que es la tradición. Cantar y contar al pie del fuego, del llar. El espacio de ocio y de intercambio de conocimientos más importante en toda la historia de la humanidad ahora eliminado, sustituido por las redes sociales y la televisión. El arte popular antes de la fractura generacional”.

Descubre temas del acervo asturiano y expone otros, gallegos castellanos,  conocidos, en lo recóndito de una aldea o junto a los fogones de una casa de pueblo dándoles un personal acento. Cuenta las canciones en bable cerrado o en un rico castellano, pero con un humor elocuente y sobre todo hace sátira. Hay momentos en que  cuando deja de cantar, traslada historias antiguas a la realidad personal o de otros, pero de este tiempo. En este sentido recuerda mucho a la forma de actuar del formato teatral de “El Brujo”. Rodrigo Cuevas, sin duda alguna se convierte de artista en personaje, a veces en personajes, resultando todo un fenómeno, sin comparación.  Romances como el de Faustinita, Manuel se llama mi amante o La cautiva se entremezclan con versiones despojadas, esenciales, de Rambalín, Al pasar por el puertu o Cesteiros, conformando un repertorio hechizante, precioso, hondo. Fabuloso, como siempre.

La pie voleuse R.Guédiguian

2025 France Drame 1h40 Réalisateur Robert Guédiguian Avec Ariane Ascaride, Jean Pierre Darroussin.

Forcée à la retraite par une fermeture d’usine, Maria arrondit ses maigres fins de mois en offrant ses services d’auxiliaire de vie à des personnes  âgées. Afin de louer un piano pour son petit-fils qu’elle voit déjà au conservatoire, Maria a pris l’habitude de subtiliser de petites sommes ici et là, en plus de signer des faux chèques. Or, alors même qu’elle découvre les problèmes de jeu de son mari, voilà que Maria est accusée d’abus de faiblesse par le fils d’un client dont elle est particulièrement proche. 

L’argument laissait plutôt présager un récit dramatique lourd, mais on est ici dans une tragicomédie où la légèreté l’emporte sur la gravité. Le film établit d’emblée le réel dévouement de Maria : elle est aux petits soins avec Robert, notamment dans la préparation de loups de mer frits « exactement comme les aime » le bourru monsieur. Bien sûr, Maria a mal agi, mais pour de bonnes raisons — ce qui n’excuse évidemment rien, quoique. Les pauvres ont-ils le droit de manger des huîtres ou de rêver une vie de luxe?

La isla de los faisanes A. Urbieta

2025 España Francia 98 min Thriller Drama Dirección Asier Urbieta Con  Jone Laspiur, Sambou Diaby, Itziar Ituño, Jon Olivares

La isla de los faisanes es el condominio más pequeño del mundo. La mitad del año pertenece al estado español y la otra mitad al francés. Emerge en mitad del río Bidasoa, una frontera natural que separa ambos estados. Laida y Sambou, una pareja local pasean frente a la isla. De repente ven a dos personas cruzando el río a nado para intentar llegar al otro lado. Días después un cadáver aparece durante el intercambio de soberanía de la isla. ¿Quién se hace cargo?

La película se inspira en unos hechos reales ocurridos en 2021. Los problemas migratorios y la deshumanización ante este tema es la base de esta película grisácea, triste y algo opresiva. Así como los problemas burocráticos de las autoridades ante estas situaciones, todas estas injusticias quedan reflejadas. Sin embargo, no logra su objetivo del todo en cuanto a la historia, no terminas de empatizar demasiado con los personajes y no funciona demasiado como thriller que parece ser el camino que intentan darle.

Tren a Samarcanda G. Yájina

Cuatro mil verstas. Ésa era la distancia exacta que el convoy sanitario de los ferrocarriles de Kazán tenía que recorrer hasta llegar a Turquestán. Pero el tren como tal aún no existía. La orden de enganche se había firmado la víspera: el 9 de octubre de 1923. Tampoco estaban listos los pasajeros: había que recoger, localizándolos en albergues y orfanatos, a niños y niñas de entre dos y doce años. Buscarlos entre los más débiles, los más consumidos. Con lo que sí se contaba ya era con el jefe del convoy ferroviario. Tales funciones recaían en Déyev, un hombre joven pero ya curtido en la Guerra Civil. Lo acababan de nombrar, y el comandante del departamento de transporte Chayánov no se anduvo por las ramas. -Son quinientos niños- le dijo a modo de saludo-. Y los tienes que llevar de Kazán a Samarcanda. El secretario te hará entrega de la orden y las instrucciones. 

Seis años después de la revolución rusa y la guerra que le siguió, el pueblo de Rusia está sometido a la hambruna y la miseria. Los huérfanos proliferan y en este contexto un comandante del ejército recibe el encargo de trasladar a quinientos niños desde Kazán hasta Samarcanda, para alejarlos de lo más crudo del conflicto. Lo más impactante de esta historia ha sido el ambiente casi irrespirable que consigue: de un realismo que a veces resulta incómodo, el viaje del comandante Déyev, la comisaria Bélaya y todo el paisaje de personajes que pintan su escenario. El grupo que viaja es tan heterogéneo como los vagones que conforman el convoy, aunque están unidos por el pasado trágico y el destino incierto. Se diría que llegado el momento solo los mueve la inercia, pero es que cuando la alternativa es la destrucción, solo queda seguir hacia delante: la tragedia es un gran acicate para el optimismo, después de todo. Y es que incluso en lo peor de una vida -de este viaje-, surgen momentos de concesión a ese optimismo, aunque solo sea porque Déyev parece tan dispuesto a llegar hasta el final como si fuera su propia salvación la que dependiera de ello. Quizá es así.

Un placer volver a leer a Guzel Yájina de la que tanto me gustó  “Zuleijá abre los ojos”.

Sirat Trance en el desierto O. Laxe

2025 España 120 min Drama Dirección: Oliver Laxe Con Sergi López, Bruno Núñez, Stefania Gadda, Richard Bigui Bellamy, Jade Oukid, Abdellilah Mdari, Joshua Liam Herderson, Tonin Janvier, Ahmed Abbou, Mohamed Madrani.

Un hombre (Sergi López) y su hijo (Bruno Núñez) llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.

Es un thriller atípico, que combina el drama familiar con la estructura de una road movie espiritual, este viaje físico es también un viaje emocional, el guion explora cómo la ausencia transforma a los que quedan atrás, y cómo la búsqueda se convierte en una forma de reencontrarse con uno mismo y con los demás. El guion se apoya en silencios y miradas más que en explicaciones, la angustia de la desaparición nunca se verbaliza de forma explícita, pero impregna cada gesto de los personajes. La estructura narrativa se desarrolla a través del seguimiento de un grupo de raveros nómadas que se dirigen a una última fiesta en el desierto, en este marco, la película ofrece una reflexión sobre la libertad, el desencanto y la fragilidad de los vínculos familiares en un mundo donde las fronteras parecen diluirse.

La vida, después A. Gurnah

Jalifa tenía veintiséis años cuando conoció al mercader Amur Biashara mientras trabajaba para una modesta casa de préstamos propiedad de dos hermanos guyaratíes. Los prestamistas indios eran los únicos que tenían tratos con los mercaderes locales y se adaptaban a su forma de comerciar. Los grandes bancos pretendían imponer el papeleo, los avales y las garantías a la hora de gestionar los negocios, algo que los mercaderes locales no siempre veían con buenos ojos, pues se valían de redes y asociaciones invisibles para el común de los mortales. Los hermanos daban trabajo  Jalifa porque estaba emparentado con ellos por parte de padre. Decir que estaban emparentados tal vez sea exagerar, pero su padre también era de Guyarat, lo que para el caso venía a ser lo mismo. La madre de Jalifa era una campesina a la que su padre había conocido mientras trabajaba en la finca de un gran terrateniente indio donde pasó la mayor parte de su vida adulta, a dos jornadas de distancia de la ciudad.

Cuando todavía era un niño, Ilyas les fue arrebatado a sus padres por las tropas coloniales alemanas; tras años de ausencia y de batalla contra su propio pueblo, regresa a la ciudad de su infancia, donde sus padres han desaparecido y su hermana Afiya ha sido dada en adopción. Otro joven regresa al mismo tiempo: a Hamza no lo robaron para que combatiera, sino que lo vendieron. Con tan sólo sus ropas a la espalda, se limita a buscar trabajo y seguridad... y el amor de la hermosa Afiya. Apenas acaba de comenzar el siglo XX y alemanes, británicos, franceses y demás países se han repartido el continente africano. Es la lucha del individuo colonizado y su conciencia de sí contra la despersonalización sistemática a la que lo somete el colonizador, el tema que cohesiona las historias entrecruzadas de La vida, después, novela publicada en 2020. Situada en el periodo histórico que va de la Primera Guerra Mundial al declive del colonialismo posterior a la segunda gran guerra, La vida, después, sin embargo, no sigue de manera puntual las vidas de los personajes centrales, sino que sólo destaca ciertos momentos, mientras que otros los aborda tangencialmente o apenas los insinúa.

La flaqueza del bolchevique L.Silva

Era el lunes y como todos los lunes el alma me pesaba ahí mismo, abajo del saquito de los cojones. Una tarde pensé que el alma era una tercera bola que llevaba ahí colgando y que me servía tan poco como me servían las otras dos. Desde entonces, cuando es lunes y el alma me pesa, cuando es otro día y el alma me pesa, hasta cuando no sé qué día es y el alma me pesa, siento ese bulto y esa carga abajo del todo, peleando con la tela elástica del slip.  Yo no fui siempre un tipo con el alma entre los cojones. Durante bastantes años ni siquiera decía palabrotas, y hasta utilicé durante otros muchos un vocabulario abundante y selecto. Ahora que he decidido que la vida no merece arriba de quinientas palabras y que las más a propósito son palabrotas, pero no es que nunca haya pasado de aquí, sino que he llegado aquí.

El protagonista y narrador de esta historia se empotra contra el descapotable de una irritante ejecutiva en lunes a las ocho de la mañana. Ciertamente, él se distrajo un poco, pero ella no tenía por qué frenar en seco ni, desde luego, escupirle todos los insultos del diccionario. Por ello, y para hacer soportables las tardes de aquel bochornoso verano, decide dedicarse " al acecho y aniquilación moral de Sonsoles". Infumable, ha envejecido mal o el Nadal era cosas de intereses otros que la calidad.
 

Orlando V.Woolf/Pazoa

Texto : Virginia Woolf - Adaptación y dramaturgia :Gabriel Calderón y Marta Pazos - Dirección: Marta Pazos Reparto :  Nao Albet (Shelmerdine), Anna Climent (Emisaria, Nuestra Señora de la Castidad, Roble, Dama de la Reina), Alessandra García (Archiduquesa, Lady R.), Jorge Kent (Greene, Mr Pope), Paula Losada (Sasha, Nuestra Señora de la Modestia), Laia Manzanares (Orlando), Paco Ochoa (Rústum el Sadi, Archiduque), Mabel Olea (Nuestra Señora de la Pureza, Roble, Dama de la Reina), José Juan Rodríguez (Khan, Mr Swift), Alberto Velasco (Queen Elisabeth I, Mr Addison) y Abril Zamora (Virginia Woolf)  Escenografía: Blanca Añón -Iluminación:  Nuno Meira- Vestuario : Agustín Petronio Duración 2h

Orlando es un apasionado joven aristócrata inglés del siglo XVI que busca el amor y la aventura. Durante un baile en la corte de la Reina Isabel I, Orlando atrae la atención de la monarca y se convierte en su protegido. El joven se embarca en un viaje a través de los siglos, experimentando los cambios culturales y sociales de cada época. Se enamora trágicamente de una princesa rusa en el reinado de Jacobo I, será embajador del reinado de Carlos II en Constantinopla, amará a hombres y a mujeres en el siglo XVIII, escribirá poesía en la Gran Bretaña victoriana, se casará y llegará a los locos años veinte del siglo XX. A pesar de vivir más de 300 años, Orlando sólo envejece aparentemente hasta los 36. Pero la idea de temporalidad no es la única transgresión en la historia. Orlando un día se acuesta y por la mañana se levanta transformado mágicamente en mujer. El contraste entre la infinidad de posibilidades que Orlando tiene antes de su transición y las pocas opciones que se le ofrecen después ponen en evidencia la opresión que comprenden los roles de género tradicionales.

Quizás la mayor rémora del espectáculo sea la narración, que corre a cargo de Abril Zamora, ataviada con un vestido compuesto de grandes pliegos de «papel» escritos, un tanto carnavalesco, que compacta con ese mundo de Alicia en el País de las Maravillas que se contempla cuando gran parte del grupo se disfraza con piezas de ajedrez para elaborar un baile cortesano. Ensoñación fantasiosa.