Retour à Séoul D. Chou

2022 France Drame 117 Min Réalisateur Davy Chou Avec Ji-Min Park, Oh Kwang-rok, Cho-woo Choi, Guka Han, Kim Sun-young, Yoann Zimmer, Louis Do de Lencouesaing.

Sur un coup de tête, Freddie, 25 ans, retourne pour la première fois en Corée du Sud, où elle est née. La jeune femme se lance avec fougue à la recherche de ses origines dans ce pays qui lui est étranger, faisant basculer sa vie dans des directions nouvelles et inattendues. Personnage principal antipathique, paumée dans sa vie, paumée dans un film énervant où il ne se passe rien. Après si c'est le but recherché c'est réussi.

Librement inspiré de la vie de Laure Badufl

Walid Ben Selim

Acompañado por Marie Marguerite Cano y Agathe Di Piro, Walid Ben Selim nos presenta Nascentia, un encuentro entre la lengua árabe y los instrumentos, con el fin de construir vínculos entre épocas y culturas distintas. El arpa y el piano acompañados por la voz, invitan a un viaje místico más allá de las
palabras.
Vídéo

Joana Biarnes Moda a pie de calle

La exposición incluye más de un centenar de fotografías que muestran la evolución de la moda y de la sociedad en una época de cambios trascendentales, como fueron los años sesenta y los primeros setenta. Asimismo, representa una panorámica de la capital española, con sus calles, barrios y habitantes, algo que sería una constante en toda la trayectoria de Joana Biarnés como creadora. Las fotografías están agrupadas en secuencias temáticas que dibujan un recorrido por la época y también por la trayectoria de la fotógrafa catalana, mostrando su evolución estilística en paralelo a los cambios sociales  de ese momento. A modo de prólogo, la exposición comienza con una selección emblemática de trajes de modistas con los que ella, de una forma u otra, había colaborado en algún momento. 

Vídeo  

Madera de eucalipto quemada E. Domingo

Un relato sobre los orígenes y las identidades

Salimos de Dansha hacia Wereta en un autobús lleno hasta los topes donde hacía mucho calor y apestaba a sudor. El aire era denso, costaba respirar. La carretera de tierra seca era estrecha y cada vez que nos cruzábamos con otro vehículo parecía que nos íbamos a salir de ella. Había muchos baches y el conductor se veía obligado a frenar constantemente para esquivarlos y evitar volcar. El autobús se movía como un barco en medio del océano durante una tormenta. Yo iba sentada al lado de la ventana, con mi hermano pequeño en el regazo; tenía siete años y él tres, pero no me pesaba nada. Mikaele tenía mucha fiebre y estaba tan débil que ya ni lloraba. Aunque si hubiera llorado de sed o de hambre tampoco habría podido darle nada. Ya nos habíamos terminado el dabo y no nos quedaba agua.Viajábamos sin equipaje, solo con un puñado de birrs, todo lo que teníamos lo llevábamos puesto Aunque el cristal estaba bastante sucio, podía ir mirando el paisaje plano que íbamos dejando atrás. 

Adoptada por una familia acomodada catalana cuando tenía siete años, Ennatu consciente de su doble identidad lucha por mantener el contacto con sus orígenes a pesar de no tener ya lazos familiares en Etiopía. Tras estudiar en Canterbury, Bruselas se especializa en resolución de conflictos. Toca temas como las identidades, el feminismo, el racismo, la pobreza y la falta de oportunidades para acceder a la educación que tanto dolor produce. En adopciones como la suya, hasta qué punto la vuelta hacía la cultura de origen puede ser una necesidad y hasta qué punto una oportunidad?

Mémoires L.Michel

Souvent on m'a demandé d'écrire  mes "Mémoires"; mais toujours j'éprouvais à parler de moi une répugnance pareille à celle qu'on éprouverait à se deshabiller en public. Aujourd´hui, malgré ce sentiment puéril et bizarre je me résigne à réunir quelques souvenirs. Je tâcherai qu'ils ne soient pas trop impregnés de tristesse. Marie Ferré, mon amie bien-aimée, avait rassemblé déjà des fragments; que ces épaves portent son nom; il est aussi celui de ma mère et bonne mère.

Mon existence se compose de deux parties bien distinctes: elles forment un contraste complet; la première, toute de songe et d'étude; la seconde, toute d'événements, comme si les aspirations de la période de calme avaient pris vie dans la période de lutte.

Dans ses Mémoires de 1886, on découvre une Louise Michel tour à tour adolescente facétieuse, institutrice féministe, révolutionnaire patentée, déportée en Nouvelle-Calédonie, combattante anarchiste, passionnée d’art et de science, enthousiaste de la nature... On découvre aussi la Louise Michel qui pense, qui parle et qui écrit, la plume acérée, la sensibilité à vif, la conscience intrépide.

Leonora Carrington. Revelación

Pintora, escultora Leonora Carrington (Clayton-le-Woods, Lancashire, 1917-Ciudad de México, 2011) fue una de las artistas más relevantes en las filas del surrealismo. Su trayectoria artística estuvo siempre marcada por su agitada biografía, que hizo de ella una persona excéntrica y trágica. Pero su obra no debe interpretarse sólo como la manifestación de una mente inestable. Muy al contrario, es el fruto de una extraordinaria imaginación, creadora de un mundo estético, simbólico y conceptual no siempre fácilmente descifrable. Artista versátil, continuamente en busca de nuevas formas de expresión, sus pinturas, dibujos, escritos, tapices o esculturas nos hablan de aspectos del ser humano (el miedo, el dolor, la alegría, la extrañeza o la felicidad) de una forma directa, que nos interpela y enfrenta a contrastar nuestras propias certezas e incertidumbres.

La muestra se despliega a lo largo de 10 secciones en las que el relato cronológico se combina con la presentación de los temas más destacados en la obra de esta singular artista: desde su formación y las influencias tempranas que recibe en Inglaterra y Florencia hasta el contacto con los surrealistas en París, pasando por su época en Saint-Martin-d’Ardèche, su traumática experiencia en España, la emigración a Nueva York y a México como nueva patria.

El vídeo que se proyecta con entrevista a Leonora ya al final de su vida es muy interesante y da una visión inesperada de la artista que era mucho más cabal y divertida de lo que creía. No conocía esta artista y me ha resultado impactante su mundo, muy bello, lleno de fantasía y a la vez crueldad. Como un cuento infantil. (de los de antes).

The quiet girl C. Bairéad

Irlanda 2023 Drama 95 min Basado en Foster de  Claire Keegan. Director Colm Bairéad Con Catherine Clinch, Carrie Crowley, Andrew Bennett, Michael Patric .

In the summer of 1981, nine-year-old Cáit is one of many siblings, living with her impoverished and neglectful parents in rural Ireland. We see that she is afraid in some way, hiding in her bedroom. We see her struggling at school, and being shamed when a cup of tea is spilled onto her lap, trying to hide it. With her mother pregnant again, it is decided to send their quiet daughter away to live with middle-aged distant cousin Eibhlín Cinnsealach (Kinsella) and her husband Seán.  Poco a poco, con el cuidado de los Kinsella, Cáit florece y descubre una nueva forma de vida. Pero en esta casa donde crece el afecto y se supone que no hay secretos, descubrirá una dolorosa verdad. Hermosa película sobre la infancia y su fragilidad.

Facundo de Zuviría. Estampas porteñas

La musa de Facundo de Zuviría es Buenos Aires, pero lejos de los aires cosmopolitas de la capital argentina. Para él, la ciudad revela su verdadera naturaleza en sus barrios, donde las tiendas de los locales ocupan edificios antiguos y descuidados desde hace tiempo. Zuviría entendió eso en los ochenta, cuando trabajó en un programa cultural que lo llevó por toda la ciudad. Su importancia acabó por cobrar significado durante la crisis argentina de 2001. Sus imágenes durante aquel periodo de dificultades —cuando él y muchos de sus compatriotas estaban desempleados— lo llevaron a ser testigo de cómo esas pequeñas tiendas que le daban al barrio un sabor único fueron desapareciendo, algunas veces de la noche a la mañana. Comenzó a tomar fotos de las cortinas cerradas, en composiciones en las que miraba al frente para retratar líneas y formas repetitivas, algunas veces colmadas de grafitis o anuncios desgastados, en blanco y negro. Son elegantes, melancólicas y casi reverentes; en algunos casos recuerdan a Walker Evans (cuya obra Zuviría no conocía cuando comenzó a dedicarse a la fotografía).

La muestra, que abarca cuarenta años de trayectoria del artista, de 1982 a 2022, se concentra en torno a 195 fotografías en blanco y negro y en color y ofrece un itinerario lineal, un todo continuo por la obra de Zuviría solo interrumpido por las series «Siesta argentina», la más conocida y política, y «Frontalismo», gran ejemplo de su inclinación por la composición y la simetría.

Fernando Botero. Sensualidad y melancolía

La muestra ofrece un recorrido por su producción artística a lo largo de siete décadas, desde sus primeras creaciones en los años 60, realizadas durante su época en Nueva York, hasta piezas de 2022.  La exposición revela la coherencia y evolución del universo creativo de Botero, un universo que empezó a construir al inicio de su trayectoria artística, alejándose de corrientes estilísticas imperantes en su momento como el action painting o el informalismo y decantándose por la figuración.

La muestra está integrada por 45 obras entre pinturas, dibujos, acuarelas y esculturas, presentándose la mayoría de ellas por primera vez en València. El recorrido por la sala se articula en cinco secciones que responden a las temáticas centrales de toda su obra: carnaval, circo y baile; el plein air; naturaleza muerta; universo femenino; y el desnudo. Son todos ellos temas recurrentes en sus creaciones que están vinculados a sus raíces colombianas y a la importancia de las relaciones humanas. Las diferentes escenas que se pueden contemplar en la exposición muestran la capacidad de Fernando Botero para abordar en sus composiciones los grandes temas de la historia del arte y, al mismo tiempo, escenas de la vida cotidiana.

En sus obras, presencias inmensas se intercalan con miniaturas en espacios reales o inventados que a veces parecen decorados. Botero crea en la tela un conjunto que parece masivo y juega con los distintos planos y las proporciones de los objetos y los personajes que forman la composición, y que gozan de una integridad volumétrica. Se trata de un juego de planos y proporciones que a veces produce un efecto naif, que retrotrae a la pintura de Le Douanier Rousseau.

Joan Genovés

La muestra realiza un recorrido cronológico que revela la evolución en la producción artística de Genovés, marcada por el protagonismo de la figura humana, que ha reflejado en sus obras de distinta manera y mediante la que ha tratado temas como la vida y la muerte, la guerra, las relaciones o los comportamientos sociales.

Integrada por más de 70 obras, la exposición profundiza en un artista que siempre estuvo comprometido con su tiempo e implicado en la realidad política y social del momento de la que dejó un valioso testimonio. La muestra cuenta con algunas de sus obras más icónicas como El abrazo (1976) , así como cuadros inéditos que se presentan por primera vez al público, entre ellos el lienzo inacabado en el que estaba trabajando antes de su muerte en 2020.

El conjunto de obras presentadas procede de más de 25 instituciones públicas y privadas así como de colecciones particulares, de la colección de la Fundación Bancaja y de la colección de la familia del artista. Junto con las obras, se exponen fotografías de Genovés en su taller y se proyecta el audiovisual Genovés. 100×100. Encendido, realizado por Ana Morente. 

Video de la exposición

Jaume Plensa. Poesía del silencio

La muestra revisa la producción artística de Jaume Plensa durante cuatro décadas con la original influencia de la literatura y las letras en su obra como hilo conductor, siendo la primera retrospectiva que se desarrolla desde el prisma de este universo creativo que ha sido una constante a lo largo de toda su trayectoria. La exposición está integrada por cerca de un centenar de piezas datadas entre 1990 y la actualidad, descansando en su obra escultórica pero con presencia también de obra sobre papel. El recorrido expositivo revela algunas esculturas inéditas creadas por Plensa durante el confinamiento por la COVID-19, que se presentan por primera vez. Entre las piezas presentadas se incluye  Together (2014), que se expuso en 2015 en la Abadía de San Giorgio Maggiore durante la Bienal de Venecia. 

La literatura siempre ha sido una fuente de inspiración para Jaume Plensa. T.S. Eliot, William Shakespeare, Dante, Goethe o Vicent Andrés Estellés son algunos de los escritores que le han acompañado a lo largo de su vida y que le han servido de inspiración para infinidad de obras. Esa influencia literaria se extiende también a la propia letra como elemento con el que compone sus esculturas. La exposición muestra cómo Plensa ha utilizado las letras de muy diversas formas, bien fuera en cortinas, en gongs o en el cuerpo humano, quizás sus obras más conocidas. Esa intersección del lenguaje con el cuerpo humano es una de las bases del trabajo de Plensa. Tal y como explica el artista, “una letra no parece nada, es algo humilde, pero unida a otras forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento”.

El escultor empezó con el alfabeto latino para ir incorporando otros alfabetos como por ejemplo el hebreo, el árabe, el chino, el japonés, el griego, el cirílico, el coreano, el hindi, etc. Para Plensa cada letra tiene una belleza única pero todas juntas son una muestra de la diversidad del mundo y de la convivencia entre distintas culturas.

La retrospectiva incluye tanto obra de gran y mediano formato como la obra más íntima realizada por Plensa en pequeño formato. Junto con la presencia de la literatura como fuente de inspiración, en la exposición están presentes otras constantes temáticas en su trayectoria como el silencio, el sueño y el deseo, la música y la familia.

Le grand monde P. Lemaitre

Au fil des années, la procession familiale qui empruntait l'avenue des Français avait connu bien des variantes, mais jamais encore elle n'avait pris l'allure d'un cortège funèbre. Au détail près qu'elle était bien vivante, il semblait,  cette année, qu'on emmenait Mme pelletier à sa dernière demeure. Son mari, lui, comme à son habitude, marchait en tète d'un pas d'autant plus solennel que son épouse se traînait loin derrière et ne cessait de s'arrêter pour adresser à son fils Etienne le regard d'une agonisante qui supplie qu'on l'achève. Derrière eux, Jean  dit Bouboule, en digne aîné, avançait d'un pas raide, sa petite épouse Geneviève trottinant à son bras. François fermait la marche en compagnie d'Hélène.

L'époque (les 30 glorieuses) est narrée avec précision , les personnages sont hauts en couleurs, il y a la guerre (toujours), des meurtres, une escroquerie, quelques trahisons et de l'amour. Beaucoup d'amour. Ce roman est un véritable condensé des passions humaines par l'entremise d'une famille, les Pelletier père et mère et de leurs 4 enfants : Jean, François, Étienne et Hélène. C'est dépaysant (on voyage de Beyrouth à Paris en passant par Saïgon), virevoltant, addictif.

Saint Omer A. Diop

France 2022 Drame 2h02 Réalisé par Alice Diop Avec Guslagie Malanda, Kayije Kagame, Aurélia Petit, Valérie Dréville, Robert Cantarella, Didier de Pourquery, Xavier Maly

Coécrit avec l’écrivaine Marie NDiaye, Saint Omer s’inspire très directement de l’affaire Fabienne Kabou. En juin 2016, cette jeune femme avait été condamnée en première instance à 20 ans de prison pour le meurtre de sa petite fille. Alice Diop retrace très rigoureusement le procès de cette mère infanticide. On suit ainsi les débats, l’interrogatoire de l’accusée, imperturbable et s’exprimant dans un français très soutenu, les interventions de son avocate, de la présidente ou de l’avocat général… Mais il est impossible de percer le mystère de cette femme intelligente et cultivée, dévorée par la solitude et ayant sombré dans la spirale de la folie.

Ces débats, dont elle reproduit quasiment le verbatim, Diop les met en scène de façon très austère, à travers de longs monologues filmés souvent face caméra, juste entrecoupés de plans sur le public dans la salle d’audience, notamment sur le visage totalement impassible de Rama… on s’ennuie copieusement. On a hâte que le générique de fin arrive.

Obra infinita Los Barbaros

Texto y dirección Javier Hernando y Miguel Rojo   Reparto Jesús Barranco, Rocío Bello, Cris Blanco, Elena H. Villalba, Diego Olivares, Alma P. Sokolíková y Macarena Sanz.

La condición de texto infinito hace referencia al conjunto de cuentos populares como un intento de la humanidad por dotarse de un modelo narrativo polivalente e ilimitado, en conexión con las más radicales preocupaciones del ser humano y de la sociedad. El cuento popular es el modelo más perfecto inventado por la humanidad como tentativa de un texto infinito, que lo diga y que lo explique todo, en cada tiempo y en cada circunstancia. Un laborioso sistema de cuento y contra cuento gracias al cual el propio sistema se cuestiona a sí mismo, se auto corrige y se adelanta a sus propias roturas, creando nuevos sistemas. Esta obra se llama Obra infinita porque es una obra de memorias y oralidades, de cuentos populares y canciones, que atraviesan el tiempo y pueden imaginar el futuro. 

Defrauda, falta técnica, ritmo y encanto.

 

El triángulo de la tristeza R.Ostlund

Suecia 2022 Sátira 149 min Dirigida por Ruben Östlund con Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson .

Tras la Semana de la moda, Carl y Yaya, pareja de modelos e influencers, son invitados a un yate en un crucero de lujo. Mientras que la tripulación brinda todas las atenciones necesarias a los ricos invitados, el capitán se niega a salir de su cabina, a pesar de la llegada inminente de la célebre cena de gala. Los eventos toman un giro inesperado y el equilibrio de poder se invierte cuando se levanta una tormenta que pone en peligro el confort de los pasajeros. 

Desternillante.

Kingdom A.C. Vandalem

Bélgica francés (con sobretítulos en español) Duración: 1 h y 40 min (sin intermedio)
DAS FRÄULEIN (KOMPANIE) Inspirado libremente en Braguino, de Clément Cogitore  Texto y dirección: Anne-Cécile Vandalem Con: Philippe Grand’Henry, Laurent Caron, Zoé Kovacs, Épona Guillaume, Arnaud Botman Cámaras: Federico D’Ambrosio y Leonor Malamatenios  Los niños: Juliette Goossens en alternancia con Ida Mühleck, Léa Swaeles en alternancia con Léonie Chaidron, Daryna Melnyk en alternancia con Eulalie Poucet, Isaac Mathot en alternancia con Noa Staes  Los perros: Judy, Oméga y Olrùn

Kingdom cuenta la historia de dos familias que se alejan del mundo moderno para vivir en armonía con la naturaleza. Pero tras vivir unos años en un entorno tan hostil como maravilloso empiezan a aflorar las sospechas y los resentimientos cuando discuten sobre la forma en que se dividen la tierra, que empiezan a considerar injusta, de modo que altera esa armonía precaria en la que viven y desemboca en una tragedia. Kingdom es una fábula épica sobre el reparto de la tierra, el pecado original, una historia nunca escrita, la vuelta a la vida en la naturaleza, los viandantes, los ojos vueltos hacia el río, las guerras entre familias, los helicópteros, los cazadores furtivos, los incendios… Un poco rollo

El proceso E.Caballero

Basada en la novela de Franz Kafka, Dramaturgia y dirección Ernesto Caballero Con Felipe Ansola, Olivia Baglivi, Jorge basanta, Carlos Hipólito, Alberto Jiménez, Paco Ochoa, Ainhoa Santamaría, Juan Carlos Talavera.

Inmenso, magnífico Carlos Hipólito en el papel de Josef K., el gerente bancario que un buen día despierta en medio de una pesadilla cada vez más incomprensible, insólita, sin sentido y claustrofóbica, que permanece en escena durante la algo más de hora y media de duración del montaje, el espectador siente como una sensación creciente de malestar se adueña de él, transmitida por el personaje protagonista de ‘El proceso’.

El ambiente siniestro, oscuro, amenazador, lo marca desde el principio la música de José María Sánchez-Verdú, que preanuncia ya el calvario que, desde el primer instante va a vivir Josef K. “…Sin haber hecho nada, una mañana fui detenido. La cocinera, la Señora Grubach, mi casera, que me traía todos los días el desayuno a eso de las ocho, no había aparecido… Esperé un rato más, y luego después, un hombre al que no había visto nunca se adentró en mi habitación. ¿Quién es usted...?”. Junto a ese primer hombre, aparece otro. Ambos van a informar a Josef K. de que se le acaba de abrir un procedimiento judicial cuya causa desconocen. Le comunican que debe presentarse de inmediato en los juzgados para aclarar su situación. A partir de ese momento, la vida de K. se va a ver atrapada en un absurdo, amenazante, asfixiante, interminable proceso que irá minando la voluntad y la fuerza del acusado. Y el espectador, que asiste con la misma impotencia que el protagonista a su proceso, no acaba de saber muy bien si forma parte del sistema que lo acusa, o puede llegar a ser el próximo acusado…

La escenografía de Mónica Boromello marca unas mamparas móviles y transparentes y conecta permanentemente el escenario con el patio de butacas. Ni siquiera la libertad condicional que el acusado Josef K. logra en un momento determinado de su proceso, al margen del letrado Huld o el pintor Titorelli le va a servir para escapar del sistema. Un sistema que no solo desconoce la verdad, sino que utiliza la mentira como arma política cotidiana contra el ciudadano porque los principios morales ya han desaparecido. Un sistema que, como ya se anuncia desde el principio, acabará con la vida del acusado de forma obscena, ilegal, cobarde, miserable… Será a las afueras de la ciudad y a manos de dos guardias, esbirros kamikazes del sistema, que lo acuchillarán sin misericordia alguna. ¿Seré yo el siguiente?, puede llegar a preguntarse el bondadoso, paciente y pacífico espectador…

La propuesta de Ernesto Caballero es soberbia, irreprochable. Una auténtica lección de teatro, que remueve, que inquieta, que denuncia y que pone al espectador frente a su propia realidad.

Autobiografía J.L. Peixoto

Saramago escribió la última frase de la novela. Su mirada penetrante se introdujo en cada una de aquellas palabras, maestro de obras, las examinó por dentro como si fueran casas; ¿se puede vivir aquí?, preguntó en el silencio de su interior, del interior de él y de las casas, recibiendo tan solo la respuesta del eco, evidencia optimista de un lugar creado, espacio viable, hábitat. Después, en la vía que formaba aquella frase, paseó frente a las palabras, calle de fachadas dignas y sólidas, midió el espacio entre cada una, comparó las tonalidades del color que presentaban, reflejos de un sol que brillaba en el centro de la novela.

Texto donde se diluyen las fronteras entre realidad y ficción en un juego de espejos que enfrenta a José Saramago y el propio autor, para conformar una profunda reflexión sobre la escritura, la inspiración y las adversidades propias de la vida creativa. En la Lisboa de finales de los noventa, el camino de un joven escritor en plena crisis creativa -tal vez el propio Peixoto cuando comenzaba- se cruza con el de un gran escritor: Saramago. De esa relación nace esta historia. Parece que el desenlace es sorprendente, no pasé de la pág 106.