Frantz F.Ozon

Drame 2016, France-Allemagne, 113mn avec Pierre Niney, Paula Beer, Ernst Stötzner, Marie Gruber.« N'ayez pas peur de nous rendre heureux », supplie la mère de Frantz en s'adressant à ce Français tombé du ciel. Anna, elle-même, sent, pour la première fois ­depuis longtemps, la vie s'infiltrer, avec ses sourires possibles, ses rêves permis, ses espoirs annoncés.... Mais, un soir, dans le même cimetière où il l'avait rencontrée, Adrien s'explique. Et, dès le lendemain, il fuit. Alors, comme il était venu à elle, Anna part le retrouver. En France...

En 1919, dans le cimetière de sa petite ville allemande, sur la tombe de son fiancé, mort au combat quelques mois auparavant, elle découvre des fleurs. Et un homme en pleurs. Anna ne savait pas que Frantz avait eu un ami français, avant la guerre. Un complice. Presque un frère... Les parents du mort repoussent, d'abord, ce jeune homme dont la vie même ajoute à leur chagrin. Mais Adrien est touchant, si triste... Il évoque avec tant de flamme sa vie avec Frantz, à Paris — leurs fréquentes visites au Louvre devant les toiles de Manet, leurs virées joyeuses dans des cabarets enfumés, les leçons de violon qu'Adrien, déjà engagé dans l'Orches­tre de Paris, donnait à son pote débutant —, qu'ils en redemandent :

Inspiré du film d'Ernst Lubitsch, Broken Lullaby à qui il emprunte quelques scènes Ozon joue sur l'illusion et la désillusion, le pacifisme, le mensonge et la charité du mensonge. Un film assez réussi et admirablement interpreté par Pierre Niney et Paula Beer.

Cespedosa. Juan Manuel Castro Prieto

Juan Manuel Castro Prieto, Premio Nacional de Fotografía 2015 expone en este proyecto su historía de 39 años. El fotógrafo centra este trabajo en Cespedosa de Tormes un pequeño pueblo del que proceden y en el que vivieron sus padres.

La muestra, comisariada por Chema Conesa, se compone de más de 200 fotografías agrupadas en seis apartados que se complementan con tres vídeos. Castro Prieto nos muestra en estas imágenes una ‘Cespedosa’ que “trasciende la mera descripción fotográfica, que va más allá del documentalismo al uso y que actúa como lugar mágico para el autor donde da rienda suelta a sus ensoñaciones y sus pulsiones creativas”.

Bajo el peso de la ley J.Jarmusch

1986 Comedia. USA Jack (John Lurie), un proxeneta, y Zack (Tom Waits), un disc-jockey de radio, son encarcelados por dos delitos que no han cometido. Ambos compartirán celda con Roberto (Roberto Benigni), un simpático inmigrante italiano que apenas sabe hablar inglés.Tragicomedia carcelaria en blanco y negro (extraordinaria fotografía de Robby Müller, por entonces colaborador habitual de Wim Wenders) que funciona como fábula sobre la libertad, el compañerismo, la marginalidad o la pérdida del sueño americano. La película se estructura en tres partes : presentación de los personajes y sus conflictos en la ciudad de Nueva Orleans; estancia en prisión; y huida a través de los pantanos de Luisiana. A Jarmusch le interesa la relación que se establece entre unos personajes condenados a entenderse, y la interacción de estos con el espacio que habitan, ya sea la habitación de un apartamento urbano, la mugrienta celda de la prisión o el espacio “abierto” de los pantanos de Luisiana.

La resistencia intima JM Esquirol

El plato en la mesa, el aceite y el pan. La mesa servida, la olla humeando y los vasos empañados por el vapor del caldo. ¿Qué es lo que aleja esta imagen cotidiana de la experiencia nihilista? ¿Por qué no se aviene con los escenarios del vacio y del absurdo? ¿Con qué la asociamos? ¿Hacia dónde nos conduce? El plato en la mesa, con lo que se cocina -o se solía cocinar- en casa; nada sibarita ni sofisticado. Asociamos la imagen, sobretodo con el cuidado que supone cocinar para los demás, la compañía y el amparo casero. También, naturalmente, con el placer de comer. Y con la memoria de los "elementos".

El filósofo nos anima a volver a la sencillez, a cuidarse y cuidar de los demás protección frente al narcisismo y al nihilismo. Sólos somos más frágiles, anima a compartir, AMPARAR, hablar para fortalecernos y hacer frente a las amenazas. La vida no es sólo expandirse, ascender, es también refugio. No dejarse llevar por lo que se lleva, resistir para vivir mejor.

El tesoro C.Porumboiu

Rumanía, 2015. Comoara. 89mn Director: Corneliu Porumboiu.Con Toma Cuzin, Adrian Purcarescu, Corneliu Cozmei, Radu Banzaru, Florin Kevorkian, Iulia Ciochina, Dan Chiriac, Cristina Toma.

El tesoro del título es en apariencia real y se le presenta como posibilidad a Costi cuando su vecino Adrian viene a pedirle prestados 800 euros. Costi le dice que no tiene, pero el hombre insiste y termina contándole para qué lo necesita: quiere comprar un detector de metales para descubrir un tesoro de la época de la Segunda Guerra que supuestamente está escondido en los jardines de la casa de campo de sus abuelos. Y si le presta la plata promete darle la mitad de lo que encuentren allí. Y Costi entra en el juego.

Claro que la tarea no es fácil y cada complicación en el camino será detallada por Porumboiu a través de los protagonistas hasta el absurdo. Sintetizando, más allá de las dificultades específicas de encontrar el tesoro o no –cosa que hacen con la ayuda de un “especialista”– está un edicto que existe en el país por el cual todo tipo de material encontrado de antes de la guerra (imaginemos, monedas de oro) debe ser declarado y entregado al gobierno, que luego les devuelve un pequeño porcentaje.

Hay un poco de intriga, un poco de comedia y mucho de absurdo.

Sorolla en Pais

A finales del siglo XIX, Sorolla (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923), era un artista enormemente reconocido en España ,pero si algo caracteriza la personalidad del artista valenciano es la ambición internacional que tuvo desde muy joven. Quería ser famoso en todo el mundo y supo introducir su obra en los grandes salones internacionales.

Las comisarias, María López Fernández y Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista y catalogadora oficial de su obra (unas 4.000 pinturas) explican "las obras son las que él hubiera escogido, porque formaron parte de los grupos de pinturas que mandó a los salones, a las bienales y a las exposiciones que le dedicaron en París, Viena y en Berlín”. De las 66 pinturas la mitad pertenece al museo y el resto han sido prestadas por una docena de colecciones internacionales.

Estructurada en cuatro grandes secciones, la exposición arranca con una serie de pinturas realizadas para concursar: Cosiendo la vela (1896) y Triste herencia (1899). Conseguidos los primeros grandes premios internacionales, al valenciano empezaron a lloverle los encargos de retratos, capítulo al que se dedica una gran parte de la exposición. Su elegante esposa, Clotilde, y sus tres hijos le sirvieron de modelos y de enganche para que la alta sociedad demandara sus servicios. Con el éxito económico y el reconocimiento social asegurado, Sorolla se permitió experimentar los temas que de verdad le apasionaban y que tenían que ver con el mar Mediterráneo junto al que se había criado.  La cumbre de este período está representada en la serie pintada en Jávea, durante el verano de 1905. La muestra concluye con una tanda de pinturas en las que retrata elegantes paisajes y jardines.

La noche de los alfileres S.Roncagliolo

No eramos unos monstruos. Quizá nos pusimos un tanto.... extremos. Y sólo durante un momento. Unos días. Un par de noches.

Eso no es nada. A nuestro alrededor, todo el mundo era mucho peor.

Es verdad: lo que hicimos no aparece en los manuales de buena conducta. Si acaso, en las páginas policiales, entre los crímenes sexuales y los asaltos a mano armada. Pero, como abogado penalista, puedo citar numerosos atenuantes: minoría de edad, defensa propia, prescripción del delito. Y eso si hubo delito. Ni siquiera estoy tan seguro al respecto. En un par de horas podría tener un dictamen aqui mismo desbaratando cualquier acusación.

Aunque, para empezar, yo me acogería a mi derecho a no declarar.

No tengo ganas de sentarme frente a una cámara y contarlo todo, como si fuera una aventura adolescente o un paseo por la playa. ¿Por qué ahora? ¿Después de tanto tiempo? ¿Y por qué recordar todo le horror? Me he pasado la vida tratando de olvidarlo.

Ya sé, ya sé.

No tengo opción.

Será peor si no, ¿verdad?

Hablaré. Diré todo lo que quieras. Pero ésta será la primera y la última vez.

Empecemos pues. Así acabamos antes.

Santiago Roncagliolo (Lima, 1975) Cuatro muchachos de quince años de un colegio de clase alta. Los típicos perdedores o lornas de la clase. Es el año 1992 y ellos viven aislados en la burbuja que les representa el colegio. Sólo tienen las preocupaciones cotidianas de un adolescente promedio: el sexo, el reconocimiento d elos demás y el cariño de sus padres. Cada uno de los cuatro protagonistas muestra un problema distinto: la homosexualidad (Beto),  la soledad y la búsqueda por referentes en la música, el cine y las historietas además de una lujuria descontrolada (Moco), el equilibrio entre la idealización romántica y la avidez sexual (Carlos) y el ejercicio de la violencia como máscara de una carencia afectiva (Manu). El mundo con el que lidian se reduce a eso.Y alrededor la violencia. Este tipo sabe escribir, sabe contar historias. Lo devoré en tres días.

Paterson J.Jarmusch

2016, USA, Drame-comédie 1h58mn

Paterson c'est non seulement le nom du personnage principal de cette histoire, mais aussi le nom de la ville où il habite, à l'ouest de New York. Enfin, Paterson est le titre du plus célèbre recueil du poète américain William Carlos Williams (1883-1963). Notre Paterson est chauffeur de bus et écrit aussi des poèmes, sur un carnet qui ne le quitte pas : des textes courts, une drôle de prose poétique, d'autant plus poétique qu'elle est prosaïque, concrète, étonnamment simple. Parmi les sujets de ses poèmes, l'amour qu'il porte à Laura, sa compagne, qui l'aime autant en retour : un couple de fable, à la vie incroyablement harmonieuse et ritualisée.

Tous les matins, Paterson se réveille à la même heure ultra-matinale, précédant sans peine son réveil; tout le jour, pendant qu'il transporte les « patersoniens », écoutant, derrière son volant, telle ou telle conversation qui le fait sourire et peut-être l'inspirera, Laura (Golshifteh Farahani ) redécore leur maison, avec un goût si obsessionnel pour le noir et blanc qu'on la croirait sortie d'un film de Tim Burton. Ou bien, nouvelle lubie, elle s'invente un avenir très hypothétique de chanteuse country grâce à la guitare qu'elle s'est acheté par correspondance...

Avec eux, il y a Marvin, le bouledogue qui geint ou grogne, et que chaque soir, pendant la promenade vespérale, Paterson attache, comme un cow-boy attacherait son cheval, devant le bar où il a ses habitudes... Ni grandes peines ni grandes joies.  Rien que la vie qui passe. Enfin, une idée de la vie...

Hospital de Jornaleros

En 1906 Dolores Romero crea la fundación benéfica y en 1908 solicita la tira de cuerdas para la construcción del Hospital. En 1909 Palacios redacta la memoria del proyecto, solicita la licencia de obras y éstas comienzan. Finaliza su construcción en 1916 y en 1917 entra en funcionamiento administrado por la Orden Hospitalaria de San Juan de Dios. 

Durante la guerra civil el Hospital es incautado por las Milicias Populares en el verano de 1936 para cubrir las necesidades sanitarias de la guerra. Durante la contienda, recibe el nombre de Sanatorio de Milicias Populares y funciona como hospital de sangre. En 1939 se convierte en Hospital Militar de Urgencias. En los sesenta comienza el declive del Hospital, cerrándose en 1970 ante la imposibilidad de la fundación para su reactivación, y comienza entonces inexorablemente su abandono.

El abandono convirtió el inmueble en un almacén para chatarreros y vivienda para marginados, provocando su progresivo deterioro.La fundación quiso vender el solar, pero el Colegio de Arquitectos de Madrid incoa un expediente de declaración y en 1979 es declarado Monumento Histórico Artístico de carácter nacional. Bajo el lema "Salvad Maudes", surge una fuerte movilización vecinal, que apoya la conservación del inmueble.

La recién creada Comunidad de Madrid compra en 1984 el inmueble, la iglesia y sus dependencias quedaron excluidas de la compra y hoy en día siguen perteneciendo a la fundación.

Web del centenario

Carlos III y el Madrid de la Luces

El Museo de Historia de Madrid se suma a la celebración del tercer centenario del nacimiento del rey con la exposición Carlos III y el Madrid de las Luces. Comisariada por Carlos Martínez Shaw y Marina Alfonso Mola, la exposición pretende mostrar la renovación operada en todos los aspectos de la vida madrileña durante el reinado de Carlos III.

La exposición acoge un centenar de piezas pertenecientes a cerca de 40 instituciones españolas y extranjeras. Obras de los grandes pintores del siglo XVIII como Francisco de Goya, Jean Ranc, Jacopo Amigoni, Giuseppe Bonito y Anton Rafael Mengs, comparten espacio con importantes materiales arqueológicos mediterráneos y americanos, cartografía, instrumentos científicos y documentos de la época.Reformas de la administración municipal y transformaciones urbanísticas y arquitectónicas con el fin de dignificar una villa y corte modesta, sucia e insalubre, según las crónicas de los viajeros foráneos. Fomento impulsado desde la Corona de las artes y las industrias artísticas, del conocimiento científico, del pensamiento crítico y de la literatura.Retrata la vida cotidiana de los madrileños de la época con sus viejos y nuevos gustos y aficiones: el paseo, el teatro, los toros, el baile.

El espacio expositivo se divide en cuatro ámbitos que recorren los hitos del reinado en Madrid:

El gobierno de Madrid. Madrid: corte, villa y capital de un imperio;

La nueva imagen de la ciudad. La construcción de una ciudad;

La Luces en Madrid. Madrid y la cultura de la Ilustración;

La vida cotidiana en el Madrid ilustrado. Vivir y morir en Madrid.

Pinturas, dibujos, estampas, piezas de porcelana, vidrio, plata; abanicos, trajes, libros, documentos nos sirven de guía en una época impregnada por el espíritu de la Ilustración.

Casi en blanco y negro

París, los cafés chantants, el cabaret, Man Ray, Dadá, el surrealismo, Josephine Baker y las músicas urbanas de América se unen aquí en un claro gesto de amor por lo retro en el que, sin embargo, no cabe mitificación o nostalgia. La propuesta de Alessia Desogus tiene el corazón en la Belle Époque y los pies en el siglo XXI; rebosa eclecticismo, ironía y sentido del humor. Alessia, cantante y actriz, ha concebido las canciones de modo que para interpretarlas no baste con seguir las partituras, en cada una monta una historia sirviéndose de artilugios, sombreros, plumas, sombrilla y va creando un ambiente sonoro más allá de lo musical.
 

Buenos músicos: Arturo Cid en clarinete, banjolele y persusiones; Juan Sánchez al piano y Héctor Oliveira al contrabajo.

Les putes voilées n'iront jamais au Paradis. Ch. Djavann

Surnommée la ville aux mille visages, située au nord-est de l'Iran, non loin de l'Afghanistan, sur la route de Genngis Khan, ville des martyrs, des poètes, des passionnés d'astronomie, ville sacrée, haut lieu de pelèrinage qui abrite le magnifique mausolée de l'imam Reza, dont l'immense coupole dorée, les grands jours de chaleur, reflète le soleil et éblouit le commun des croyants comme s'ils s'étaient égarés au beau milieu des feux de l'enfer, ville sainte où affluent des millions de fervents musulmans, ville de drogue, de trafiquants, ville généreuse, accueillante, ouverte jusqu'aux cuisses et à l'entrejambe de ses femmes, de ses putes: Mashad est la ville où s'est déroulée cette histoire incroyable.

Chahdortt Djavann décrit une société pervertie qui piétine et assassine ses femmes. Le monde cru, sans espoir, et la charge systématique de Chahdortt Djavann m'ont dérangée. Je suis plus attirée par les dénonciations nuancées car je crois à leur plus grande portée. Tout est sombre et sale dans ce roman où les femmes sont toutes des victimes et les hommes tous des bourreaux.

La llegada D.Villeneuve

2016,USA 117mn Director Denis Villeneuve, con Amy Adams (Dra. Louise Banks),Jeremy Renner (Ian Donnelly),

 Una reputada lingüista se pone a las ordenes del ejercito estadounidense para intentar entender a una misión extraterrestre que llega a nuestro planeta con intenciones poco claras, Villeneuve cuenta un monumental fresco sobre lo que somos, lo poco que somos. Por el camino, y con las manos agarrando fuertemente el mango de la paella, el director nos cuenta la historia mas vieja del mundo: la del amor de una madre por su hija. Sin embargo, nada es lo que parece, como en aquel célebre episodio de Perdidos donde cuando todos creíamos que estamos viendo un flash-back nos han colado un flash-forward, así, sin aviso previo.
En la película el tiempo es el centro, la misión y la clave y en esa frecuencia donde La llegada rompe cualquier pronóstico. Lo que en principio bebía del tarro de la metafísica, la física cuántica o las teorías del lenguaje y sus recovecos más oscuros, se desliza por la pendiente del humanismo más radical y se planta en un axioma aterrador: ¿serías capaz de hacer lo mismo si supieras lo que va pasar de antemano? Así, al ver la vida sin las limitaciones lineales, la reflexión de la protagonista se convierte en la nuestra. Como si te concedieran algo extraordinario que acabara siendo una maldición.Si la humanidad fuera capaz de ver a sur y norte, este y oeste, todo al unísono, ¿sería capaz de prevenir lo que está por llegar?, ¿de evitar su propia destrucción?

Tartufo,el impostor.

Autor: Molière. Versión: Pedro Víllora. Dirección y espacio escénico: José Gómez-Friha. Teatro Fernán Gómez. Madrid

Muchos problemas le dio a Molière «Tartufo o el impostor» desde su estreno en 1664 hasta que Luis XIV autorizó su representación tras un purgatorio de cinco años. Su denuncia de la virtud fingida hizo sentirse aludidos a personajes influyentes que dificultaron cuanto pudieron la difusión de una comedia en la que con tanta eficacia está perfilado el prototipo de hombre hipócrita y falso, que el diccionario de la RAE recoge con esa definición y como sustantivo el nombre de su protagonista, convertido también en arquetipo escénico.
Puesta en escena imaginativa, con frecuentes guiños metateatrales concebido para potenciar el juego actoral y subrayar el carácter de farsa de la función, aspecto este en el que brilla Vicente León, en su doble cometido de Orgón y madame Pernelle. Frente a él, la Dorina de Esther Isla, que encarna con admirable energía e intención a esta criada de rompe y rasga. Imponente el Tartufo de Rubén Ochandiano, que resulta ominoso en su calma sin pasarse en la untuosidad; bien matizada la Elmira de Marián Aguilera y encantadores y en su punto de vehemencia juvenil la pareja de enamorados que componen Nüll García e Ignacio Jiménez. Mención especial para el vestuario de Sara Roma, que agrupa a los personajes en dos bandos cromáticos: granates para los tartufistas y azul marino y verde lima para el resto. Incómoda la sala.

Master Mateo

Exposición dedicada al Maestro Mateo y su trabajo en la Catedral de Santiago de Compostela.

Relación de piezas que conforman la exposición:

-Concesión de pensión vitalicia al Maestro Mateo por Fernando II (1168). Tinta sobre pergamino. Archivo Catedral de Santiago

-Rey David. Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Catedral de Santiago. Fachada del Obradoiro

-Rey Salomón. Maestro Mateo. Ca 1188 – 1211. Granito. Catedral de Santiago. Fachada del Obradoiro

-Abraham/ Jeremías (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Colección particular. A Coruña

-Isaac/ Ezequiel (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Colección particular. A Coruña

-Rosetón de la fachada del Pórtico da Gloria (reconstrucción hipotética). Ca. 1200. Granito. Museo Catedral de Santiago

-Enoc (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Museo de Pontevedra

-Elías (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Museo de Pontevedra

-Dovelas con el castigo de la lujuria. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito con restos de policromía. Museo Catedral de Santiago

-San Mateo. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito. Museo Catedral de Santiago

-Caballos del cortejo de los Reyes Magos. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito con restos de policromía. Museo Catedral de Santiago

Clara Peeters

Amberes [?], h. 1588/90 - Amberes [?], después de 1621

Toda la información que tenemos sobre Peeters procede de sus cuadros. Su primer cuadro está fechado en 1607. Su lugar de nacimiento no está documentado, pero hay razones para pensar que desarrolló su carrera en Amberes. Un cuadro de una colección de Ámsterdam aparece descrito en un documento de 1635 como: "banquete de dulces pintado en 1608 por una mujer, Claer Pieters, de Amberes". Clara Peeters se formó y practicó su arte en un momento extraordinario en la historia de Amberes. La ciudad se había unido a la rebelión contra el rey de España en 1576, pero en 1585 fue recuperada por el ejército español. Pasó de ser uno de los mayores centros comerciales de Europa a mediados del siglo XVI, con una población cercana a 100.000 habitantes, a tener apenas la mitad de esa cifra antes del cambio de siglo. Sin embargo, Flandes se recuperó a partir de 1599, bajo el gobierno de los archiduques Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II, y su primo y esposo Alberto de Austria. Casi todos los cuadros de Peeters son bodegones. Su dedicación a este género fue resultado de las limitaciones impuestas por la cultura de entonces a las mujeres artistas.
Es posible que Clara Peeters exportase su arte a través de marchantes, lo cual explicaría la amplia distribución de su obra. En la primera mitad del siglo XVII Amberes era líder en producción y exportación de pintura en Europa. Los bodegones de Clara Peeters formaban parte de esa economía de exportación (Vergara, A.: El arte de Clara Peeters, Museo Nacional del Prado, 2016, pp. 13-17)

En el mundo se conservan unas 30 obras atribuidas a esta pintora. El Prado posee cuatro cuadros. Esta es la primera exposición monográfica de Clara Peeters.

Bar Bahar M.Hamoud

Intérpretes: Mouna Hawa (Leila), Sana Jammelieh (Salma), Shaden Kanboura (Nour), Mahmud Shalaby (Ziad), Henry Andrawes (Wissam), Ahlam Canaan (Dunya), Aiman Sohel Daw (Saleh), Riyad Sliman (Qais) Israel y Francia, 2016. Duración: 96'

El primer largometraje escrito y dirigido por la realizadora árabe-israelí Maysaloun Hamoud sigue las peripecias de tres jóvenes palestinas que viven en Jerusalén y que son muy distintas en todo, aunque sabrán establecer entre ellas una singular complicidad para hacer frente a los graves y también muy diferentes problemas que las acosan.

En el ambiente teóricamente moderno y cosmopolita de la capital de Israel, donde la juventud bebe, baila, fuma y consume drogas de todo tipo, pero que oculta un trasfondo de tensiones y conflictos larvados, ultraortodoxias y dogmatismos que amenazan con saltar por los aires en cualquier momento, Leila y Salma comparten un piso hasta cierto punto confortable. A ellas se unirá pronto Nour, que procede de una aldea y ha sido enviada sin avisar por una amiga de las primeras.

Leila es abogada penalista, se comporta con desenvoltura, fuma sin parar y tiene una pareja que, aunque discretamente, trata de controlarla incluso en detalles irrelevantes. Salma, por su parte, pincha discos en un local nocturno, trabaja en la cocina de un restaurante del que se marcha cuando le exigen hablar en hebreo porque los ecos de la lengua árabe molestan a los clientes, y es lesbiana, si bien actúa habitualmente con bastante discreción. En cuanto a Nour, practica con todo rigor la religión musulmana, viste indefectiblemente con hiyab y se siente vigilada por un novio más radical aún y que se empeña en adelantar una boda a la que ella se resiste.

Un canto a la liberación de la mujer en un contexto especialmente hostil.

Metapintura Un viaje a la idea del arte

Compuesta en su mayor parte por obras de las colecciones del Museo del Prado algunas tan relevantes como Las Hilanderas de Velázquez, supone una reflexión sobre el propio arte, sobre los autores de estas obras, pero también sobre las leyes que rigen la creación artística. Además, en esta exposición el Museo del Prado rinde homenaje a Cervantes en el IV centenario de su fallecimiento ya que reserva un espacio al Quijote, como hito universal de la literatura autorreferencial, poniéndolo en relación con el papel que representan Las meninas respecto al arte.

La exposición sugiere un viaje que comienza con los relatos mitológicos y religiosos sobre los orígenes de la actividad artística en los albores de la Edad Moderna y finaliza en 1819, año de la creación del Museo del Prado. Y como tal viaje, se divide en etapas que hablan de la relación entre el arte, el artista y la sociedad, cada una de las cuales aborda un asunto específico: los poderes atribuidos a la imagen religiosa, los autorretratos, el intento de los artistas por romper el espacio pictórico...
Muy recomendable  este contexto inédito permite nuevas lecturas y muestra la enorme riqueza del museo.

In the same boat R.Gnutti

2015 Dirigida por Rudy Gnutti y producida entre otros por Pere Portabella. Los temas principales de la película son el fin del empleo a causa de la tecnología, y la desigualdad social creciente. Así como nuevas ideas y propuestas para afrontar la realidad del capitalismo actual, destacadamente la Renta Básica incondicional. En la película participan Tony Atkinson, Zygmunt Bauman, Rutger Bregman, Erik Brynjolfsson, Mauro Gallegati, Nick Hanauer, Serge Latouche, Mariana Mazzucato, José Mújica y Daniel Raventós. Con la colaboración especial del actor Àlex Brendemühl. 

Renta básica a cualquier ciudadano, por el hecho de serlo, una utopía? Espeluznante exposición de la situación de desigualdad en el mundo y la falta de timonel en el barco.

 

Cuando ir era volver Toni Catany

La muestra presenta 140 fotografías, algunas de ellas inéditas para el gran público, y hace un repaso desde las primeras imágenes de 1967, pasando por una de sus últimas series, Altares profanos de 2009, para llegar a sus últimos bodegones de 2012. Para los comisarios, la vida y la obra de Toni Catany se podrían definir como una incesante sucesión de idas y venidas, viajes y temas que le apasionaban: naturalezas muertas, retratos o paisajes urbanos.
Toni Catany (Llucmajor, Mallorca, 1942 - Barcelona, 2013) es una figura de referencia en el mundo de la fotografía, gracias a una obra de vocación pictórica en la que predominan los temas clásicos como la naturaleza muerta, el desnudo y el paisaje urbano, fotografiados con una sensibilidad y una estética muy personales mediante el uso de técnicas y procedimientos claves en el mundo de la fotografía. Catany realizó más de un centenar de exposiciones individuales, publicó numerosos libros y, entre otros reconocimientos, recibió el título de Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres, otorgado por el Ministerio de Cultura francés en 1991, y el Premio Nacional de Fotografía concedido por el Ministerio de Cultura en 2001.