Dierk Schmidt Culpas y deudas.

Dierk Schmidt (1965, Unna, Alemania)

La trayectoria del artista alemán está ligada desde sus inicios a la crítica social, política e institucional. Schmidt se vale de lo estético y lo visual para abordar, por ejemplo, las omisiones y violencias de los relatos coloniales, uno de los temas centrales de su obra junto a la necesidad de restitución de objetos expoliados y la legislación internacional al respecto, la manipulación en los discursos museográficos o la condición artificiosa y espectacular de la política televisada.

La obra de Schmidt parte del género de la pintura histórica en la línea de artistas como Théodore Géricault, Öyvind Fahlström, Richard Hamilton o Allan Sekula. En sus proyectos de investigación, Schmidt utiliza de modo prioritario la pintura para explorar los límites de lo visible. Aun así, esta nunca llega a ser un instrumento artístico autosuficiente, sino que se complementa con textos e intervenciones en la arquitectura, de manera que sus obras no se captan solo con la mirada, sino también a través de la lectura y la experiencia física.

Su forma de trabajar se basa en una constante investigación tanto sobre los acontecimientos que se producen en el mundo como sobre la materialidad de la pintura, empleando una extensa variedad de medios (vidrio, plástico o lienzos) y técnicas con las que multiplica los distintos significados de sus trabajos.

Jaume Plensa Invisibles

Lo invisible es la esencia de su intervención en el Palacio de Cristal: un grupo escultórico conformado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de figuras suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo.

Entrevista a Jaume Plensa: "Para hacer buen arte hay que crecer como persona"

"Creo que una obra de arte debe contener un enigma, algo imposible de resolver. El arte debe ser de una gran inutilidad en la vida material; es cuando más fuerza tiene, más se vuelve un objeto de deseo y más imprescindible es".

Niebla en Tánger C.López Barrio

Madrid, 12 de diciembre de 2015

Tiene el aliento de vidrio. se ha despertado en una habitación de paredes rojas. Aún es de noche. Respira aliviada. Hay una ventana con las cortinas entreabiertas. La luz de un cartel de neón parpadea sobre la cama, sobre su vientre desnudo. No se atreve a moverse. Escucha el ruido de los coches, la madrugada envuelve la Gran Vía en un atasco. Recuerda dónde está. Quién es. Qué ha hecho. El permanece a su lado, vivo, sumergido en la respiración de los sueños. ¿Qué hora será?, se pregunta. Siente frío. Los pezones helados. Las piernas entumecidas. El vientre azul por el destello del neón. El sexo aún consciente de lo que ha ocurrido. Hay más que indicios de que todo es verdad. pero he de marcharme. Deben de ser más de las dos. ¿Y si se despierta? Le late el corazón en la garganta. El duerme bocaabajo con el rostro hacia ella. El dibujo del cuerpo sin ropa, de la piel del hombre sobre las sábanas, será también testigo de los hechos. Se levanta, los muslos frágiles, la cabeza embotada, los labios ardiendo.

Finalista del Premio Planeta 2017

Dos novelas en una.  1951 Paul Dingle desapareció en el puerto de Tánger sin que se llegara a saber qué fue de él. Sesenta y cuatro años después, Flora Gascón cree, quizá no sin fundamento, que es el mismo hombre del que se ha enamorado, después de tener una aventura en Madrid.

Entre ellos hay un elemento común: Niebla en Tánger, la novela que Paul tenía en su mesilla de noche. Ya en Tánger, Flora buscará a la autora de la novela para intentar desvelar quién es verdaderamente su amante y dónde hallarlo.

La novela transporta al Táger mítico de ciudad internacional, emociones, olores, ruidos, personajes que te atrapan, el café Fuentes, el café  Central, judios, musulmanes, cristianos, el cementerio, Ibn Battuta, la brujería, los dulces de chubarquía, el Zoco Chico y el Zoco Grande...

Elogio de la pereza

Foto,Marcos Gpunto

El punto de partida es la percepción de la gente ante el trabajo. Para escribir el texto la directora mandó a sus actores a entrevistar a unas sesenta personas, desde manteros a cirujanos, pasando por bomberos, profesores, jubilados, policías, etc. las preguntas estaban orientadas a sus reflexiones sobre el trabajo y el tiempo libre.

Con este material, y el de clásicos como 'La pereza como verdad inalienable del hombre', de Kazimir Malevich; o 'Apología de los ociosos', de Robert Louis Stevenson, Gianina Carbunariu creó el texto.

Lo situa en un futuro no muy lejano en el que sólo se trabaja 3 horas al día. Un Museo del trabajo y la explotación esta a punto de inaugurarse, los guías nos presentan las seis salas de este museo que intenta mostrar cómo era eso de trabajar en nuesta época: los falsos autónomos, la productividad, los emprendedores, la autoexplotación... «Hemos intentado -dice la autora y directora- dar una visión optimista, y por supuesto irónica, del futuro."

“En las sociedades actuales nos hemos dado cuenta de que en vez de luchar contra la pobreza, tendemos a culpar a los pobres por ser pobres. El pobre es pobre porque, o bien es vago, o bien no tomó decisiones inteligentes para su vida. Además, el tiempo para pensar, para reflexionar, no es visto normalmente como un tiempo importante para el desarrollo del ser humano.

Una de las conclusiones que expone Carburariu parte de la teoría de que vivimos demasiado apegados de un trabajo que, cada vez, nos esclaviza más: "necesitamos reflexionar más sobre lo que está sucediendo a nuestro alrededor y para ello en ocasiones necesitamos robarle tiempo a las horas de trabajo".

Curiosa e interesante experiencia de creación teatral, los actores cumplen correctamente su cometido, la escenografía del espejo da juego. Que los actores estén payaseados gran parte de la función no sustituye la falta de humor del texto. Le falta ritmo, sólo en la escena del  recadero ciclista hubo risas y amago de aplausos.

Dorothea Tanning

Detrás de la puerta, invisible, otra puerta.

Primera gran retrospectiva de la surrealista americana Dorothea Tanning (1910-2012) incluye más de 150 obras realizadas por la artista entre 1931 y 1997.

La puerta no es simplemente un umbral en el arte de Tanning, sino una invitación a aventurarse más allá de lo real y a entrar en un mundo de sueños y miedos.Dividida en ocho secciones temáticas, la exposición se abre con un delicado autorretrato a lápiz de 1936 y termina con un autorretrato tardío, Woman Artist, Nude, Standing (1986). 

Su autorretrato Birthday –Cumpleaños- (1942) marcó una clara dirección surrealista. Fue Max Ernst quien tituló la pintura cuando la vio en el estudio de Tanning y la eligió para la histórica exposición de Peggy Guggenheim 31 Women de 1943 en la Art of the Century Gallery de Nueva York. Birthday supuso un doble hito en su vida al iniciar una relación sentimental con Ernst y al convertirse en una artista surrealista.

La artista escribió y publicó numerosos cuentos, novelas y poemas, desarrollando ideas en diversas revistas La escritura no sólo le sirvió como otra forma de autorretrato, sino también como un medio más para explorar mundos reales y alucinatorios.

El motivo central de la tercera sección es la femme-enfant, o niña-mujer, en las pinturas y escritos de Tanning. Comparable a Alicia en el país de las maravillas, esta niña vive en un “mundo de asombro perpetuo”. La niña preadolescente de Tanning, a punto de alcanzar la conciencia de la sexualidad, aportó una nueva dimensión al surrealismo. Es el potencial erótico de la chica lo que causa estragos en los interiores domésticos y las expectativas de la burguesía.

Esto se ejemplifica en Eine Kleine Nachtmusik (1943) donde chicas con el pelo electrificado y vestidos victorianos rotos son conducidas a una puerta medio abierta. Al igual que el girasol retorcido, las niñas simbolizan la fuerza de la naturaleza, desafiando la fertilidad.

A mediados de los años 60, Tanning recurre a su máquina de coser para hacer “esculturas blandas”. Las formas eróticas son retorcidas en By What Love -De qué amor- (1969), Xmas –Navidad- (1969) y Étreinte (1969), mientras que en Emma (1970), la carne rosada y la falda de encaje despeinada hacen referencia a la célebre protagonista femenina en Madame Bovary (1856) de Gustave Flaubert, una mujer que escapa del aburrimiento de la vida matrimonial a través de la literatura y las aventuras clandestinas.

Presagiando las esculturas blandas de Louise Bourgeois y apostando por lo artesanal más que por el objeto industrial, Tanning adelantó el objeto surrealista para que adquiriera nuevas cualidades al sentido del tacto y cierta condición fetichista. El énfasis en la blandura también desafió entonces la moda del minimalismo de vanguardia en el mundo del arte y el anonimato del floreciente consumismo de masas en la sociedad occidental.

Bartolomé Bermejo

Bartolomé Bermejo (Córdoba, hacia 1440 - Barcelona, hacia 1501) se vio siempre perseguido por las sospechas sobre sus orígenes judíos, pero solo eso no explica su itinerancia artística: una compleja, inquietante e insatisfecha personalidad colaboraron con su constante huida.

Dominaba la técnica del óleo de tal manera que logró unos efectos ilusionistas semejantes a los de los mejores creadores flamencos. La sugestión del volumen, la luminosidad de los objetos, el detallismo del paisaje y las espectaculares gamas cromáticas lo hicieron único entre sus coetáneos hispanos.

El País

Taller grabado Imprenta municipal

La imprenta municipal de Madrid ofrece talleres gratuitos eminentemente prácticos relacionados con la imprenta, el libro y las artes gráficas, partiendo de una breve introducción teórica y sin necesidad de conocimientos previos.  Desde la introducción a la tipografía tradicional hasta la caligrafía, pasando por diversas técnicas de grabado. 

Este mes he tenido la suerte de poder realizar el taller de grabado y dejo un resumen de la experiencia. 

Había diez plazas, el público es heterogéneo en edad, intereses y conocimientos artísticos, hay artistas, amantes de las manualidades, fotográfos amateurs y curiosos.

Sentados alrededor de una mesa alargada, el profe nos va mostrando obras de grabado, litografía, punta seca, papel, linoleo, placas de metacrilato (o parecido)... mucha info para los neófitos. Un mundo abierto de posibilidades creativas... que va dando consistencia al tipo de grabado que vamos a realizar, punta seca. No habrá pues productos químicos, medida de seguridad (hic).

Paso siguiente, considerar si las fotocopias que hemos traído de casa se ajustan o no al propósito del grabado en punta seca, vamos mostrándole y el profe, Hernán comenta, aconseja, sugiere cuál se adecúa mejor a la tarea.

punzón punta seca

Una vez seleccionada la imagen, se coloca debajo de la matriz y se  sujeta con celo para que no se mueva al calcarla. El soporte es una tabla de metacrilato (o acrílico parecido) y con el punzón se va calcando la imagen, con mayor o menor presión según lo que se quiera conseguir. Los trazos cruzados o líneas muy juntas, nos darán zonas más oscuras.

 Si se coloca la matriz sobre una superficie negra se puede apreciar mejor el resultado de lo grabado y así ir completando el dibujo.

Una vez terminado, se procede al entintado.

Antes, en un folio se hacen las marcas para poder colocar luego la matriz entintada, las marcas se sitúan a igual distancia, parte superior y laterales, por ejemplo, 2 cm, se deja más espacio en la parte inferior.

se moja el papel en agua

El papel se mete en agua, para quitar la cola, abrir el poro y facilitar que coja la tinta. Luego se seca.

Tinta calcográfica color sepia

se comprueba la calidad de la tinta

Suavizando la tarlatana

Una vez entintada hay que suprimir el exceso de tinta, sin quitar la de los surcos.

Ya está listo para el torculo.

La experiencia es muy gratificante, el profe excelente, una suerte estos talleres. Quizás dos sesiones de tres horas sea un poco corto, la parte de entintado lleva tiempo y la hora se nos echa encima, prisas  para acabar, la gente sale corriendo sin que haya habido ocasión de ver todos los grabados y hacer una conclusión de la actividad.

Ici, je vous laisse l'explication en français de l'enseignante Dominique Lauzon dont j'apprécie la clarté.

Couleurs de l'incendie P.Lemaitre

Si les obsèques de Marcel Péricourt furent perturbées et s'achevèrent même de façon franchement chaotique, du moins commencèrent-elles à l'heure. Dès le début de la mati­née, le boulevard de Courcelles était fermé à la circulation. Rassemblée dans la cour, la musique de la garde républicaine bruissait des essais feutrés des instruments, tandis que les automobiles déversaient sur le trottoir ambassadeurs, parle­mentaires, généraux, délégations étrangères qui se saluaient gravement. Des académiciens passaient sous le grand dais noir à crépines d'argent portant le chiffre du défunt qui cou­vrait le large perron et suivaient les discrètes consignes du maître de cérémonie chargé d'ordonner toute cette foule dans l'attente de la levée du corps. On reconnaissait beau­coup de visages. Des funérailles de cette importance, c'était comme un mariage ducal ou la présentation d'une collection de Lucien Lelong, le lieu où il fallait se montrer quand on avait un certain rang.

Deuxième tome de la trilogie, le personnage principal est Madeleine, riche héritière, mais en 1917 elle devait faire confiance à Gustave Joubert, le fondé de pouvoir de la Banque Péricourt, qu'elle n'a pas voulu épouser et qui se vengera en la ruinant. Il y a Paul, âgé de sept ans, le fils de Madeleine qui malheureux tente de mourir. Il y a Léonce, la belle employée de maison, l'oncle Charles, Vlady, la nurse polonaise; Solange, la diva italienne...et des événnements, le krach boursier, la montée du fascisme, les débuts de l'aviation, l'évasion fiscale,  le tout raconté avec humour.

On attend le troisième volume.

 Pierre Lemaitre présente ses « Couleurs de l’incendie », deuxième volet de la trilogie inaugurée avec « Au revoir là-haut », prix Goncourt 2013 à la Grande Librairie.

Faraón Rey de Egipto

Más de ciento cincuenta piezas de la colección del British Museum forman parte de esta exposición, entre las que destacan distintos trabajos de orfebrería, estatuas monumentales y preciosos relieves de templos que acercan al visitante a la vida real y de poder del antiguo Egipto.
Dividida en diez ámbitos, la exposición examina la figura del monarca egipcio desde todos los puntos de vista: como ser divino, situado en el centro de la estructura social, a cuyo alrededor se articulan símbolos y creencias que van más allá de la existencia terrenal; en su vida de palacio, rodeado por su familia; como gobernante y como guerrero, e incluso pone de relieve que el origen de los faraones no fue siempre egipcio.
Explora el simbolismo y el ideario de la monarquía egipcia, al tiempo que intenta desvelar las historias que se ocultan detrás de los objetos y de las imágenes que ha dejado como herencia esta antigua civilización.  

10 cosas que aprenderás en 'Faraón. Rey de Egipto 'de CaixaForum