Tierra de empusas O.Tokarczuk

Tapan la vista fumaradas de vapor de la locomotora que ahora se desplazan por el andén. Hay que mirar por debajo de ellas para verlo todo, hay que dejarse cegar durante un instante por la niebla gris hasta que la vista, tras superar esa prueba, se vuelva aguda, penetrante y omnividente.

Veremos entonces las losas del andén, unos cuadrados ribeteados por tallos de endebles plantitas, un espacio que quiere mantener a toda costa el orden y la simetría. Al poco, aparece en ellas un zapato izquierdo, marrón de piel, no precisamente nuevo, e inmediatamente se le une el otro, el derecho; este parece incluso más castigado: su punta está un poco gastada, en la superficie del cuero se advierten unas pequeñas manchas más claras. Los zapatos permanecen un rato indecisos y, luego, el izquierdo se pone en marcha.

En el verano de 1913, Miecysław Wojnicz, un joven polaco estudiante de ingeniería, llega a Görbersdorf, una pequeña localidad en Baja Silesia, en busca de aire puro y la promesa de una cura para su tuberculosis. Alojado en la pensión para caballeros de Wilhelm Opitz, a la espera de una plaza en el sanatorio, se encuentra con un microcosmos donde la enfermedad no es el único mal que acecha. Entre el crujido de los suelos de madera y el murmullo de las conversaciones nocturnas, Wojnicz se enfrenta a un entorno donde la vida y la muerte conviven con una naturalidad inquietante. Las empusas son criaturas fantásticas del folclore griego antiguo, son demonios femeninos ávidamente seductores, Las fuentes principales donde se mencionan a las empusas son Aristófanes y Filóstrato. Tokarczuk posee un dominio del lenguaje que resulta casi hechizante, especialmente en los primeros capítulos, donde las descripciones alcanzan un nivel de precisión y belleza que no son sencillos de encontrar. Las conversaciones entre los personajes tienen un peso fundamental en la construcción de la novela. No se trata de simple intercambio de información, más bien funcionan como pequeños ensayos encubiertos, donde se confrontan ideas, visiones del mundo y conflictos generacionales. Final sorprende.

Llámame Sinsorga Gómez/Iglesias

2025 España Documental  Dirección: Marta Gómez , Paula Iglesias

Reparto: Andrea Momoitio, Irantzu Varela, Rakel García, Beatriz Silva, Yulia Van Der Bom, Nuria Martínez, Paz Carbajosa, Iratxe Marian, Dorleta Padilla, Yaisa Domínguez 88 min

Irantzu Varela y Andrea Momoitio son dos transgresoras periodistas que deciden transformar un centenario atelier de vestidos de novia en el primer centro cultural feminista de Bilbao, La Sinsorga. Quieren llevar a cabo la obra solo con mujeres y que el proyecto sirva para crear una base de datos de mujeres dentro de un sector tan masculinizado como el de la construcción. Cinco obreras son las encargadas de reconstruir este antiguo símbolo del amor romántico. 

En algunas zonas del País Vasco un sinsorgo o una sinsorga es alguien «insustancial y de poca formalidad», cosa que certifica la mismísima RAE. El centro cultural se aferra a aquello de resignificar los insultos queriendo dar visibilidad y espacio a las mujeres, a las que se considera de poca importancia o irrelevantes. El documental, ya que está, las empodera poniéndoles un taladro en la mano, de manera que cuando digan que ese lugar lo levantaron ellas con el sudor de su frente no será una forma de hablar.

Así que Llámame Sinsorga es muy recomendable para el público feminista militante, que lo va a gozar  y luego para los demás en función de la curiosidad por las condiciones de las mujeres en el mundo de la construcción o cómo funcionan el mundo de la militancia y las cabezas de activistas como Momoito y Varela, que se toman muy en serio la cuestión.

La cena M.Gómez Pereira

2025 España Comedia 106 min Director Manuel Gómez Pereira Con Mario Casas, Alberto San Juan, Asier Etxeandia, Nora Hernández, Oscar Lasarte, Martín Páez. 

Una adaptación de la obra teatral de José Luis Alonso de Santos que sitúa la acción en un Madrid herido, apenas dos semanas después del fin de la Guerra Civil. El encargo es inverosímil: organizar un banquete para Franco en el Hotel Palace, convertido en hospital de campaña. Esa premisa sostiene una tragicomedia que mezcla con precisión humor, tensión y crítica social, aunque no todos los ingredientes logran la misma consistencia. La puesta en escena es uno de los grandes aciertos del film. La reconstrucción del Madrid de 1939 —vestuario, espacios, iluminación— es un éxito. El elenco funciona como el eje emocional. Mario Casas, en el rol del teniente Medina, y Alberto San Juan, como el gerente del hotel Genaro, sostienen una dinámica cargada de tensión ideológica y atracción reprimida. Casas encuentra un registro contenido, mientras San Juan aporta una naturalidad expresiva que equilibra ironía y vulnerabilidad. La química entre ambos da fuerza a una historia atravesada por la obediencia, el miedo y la supervivencia. 

Donde La cena plantea su mayor desafío es en el tono. La decisión de usar la sátira como herramienta para exponer el miedo y la obediencia durante el franquismo resulta pertinente. Sin embargo, esa apuesta no siempre se mantiene equilibrada: en su búsqueda de un tono accesible, la comedia diluye por momentos la potencia política del relato. Aun así, la película no se limita al retrato histórico. Al abordar la censura, la represión de la sexualidad y la normalización de la violencia, el film dialoga directamente con el presente. La cena funciona como una advertencia sobre los mecanismos del poder y la persistencia de los discursos autoritarios en la sociedad contemporánea. El resultado es estimulante. Gómez Pereira logra una obra que entretiene, provoca y recuerda que la risa puede ser una forma de resistencia. 

Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen

Cincuenta obras maestras de Pablo Picasso y Paul Klee que pertenecieron al marchante y coleccionista alemán Heinz Berggruen y que hoy forman parte del Museum Berggruen de Berlín. .

Es cierto que Picasso y Klee no pueden ser más opuestos. Pertenecían a dos mundos muy diferentes y poseían dos personalidades antitéticas: meridional, terrenal, excesivo y sensual, el primero; nórdico, espiritual, introspectivo e intelectual, el segundo. Ahora bien, también es indudable que compartieron ciertos repertorios temáticos, un mismo espíritu de experimentación, una análoga estrategia reductora y deformadora que los llevó a dislocar formas y cuerpos, tanto por medio de la geometría como por la mutación orgánica, y, además, un similar sarcasmo para utilizar el arte como arma de transgresión. En buena medida, sus dos fórmulas –antagónicas, pero igual de revolucionarias–, que los llevaron a destruir la realidad a través de un lenguaje plástico de enorme radicalidad, transformaron para siempre el modo de mirar y de acercarse al mundo del hombre contemporáneo. 

La exposición se divide en cuatro apartados con los temas y géneros que interesaron a los dos artistas y en los que sus creaciones se entrelazan de maneras sugerentes e inesperadas: Retratos y máscaras; Lugares; Cosas; y, por último, Arlequines y desnudos. En cada sección se incorpora además una selección de obras de la colección Thyssen, algunas de las cuales fueron propiedad de Berggruen en el pasado, que dan pie para abordar la estrecha relación que se estableció entre ellos. 

Expresionismo Un arte de cine

La exposición revela el intenso diálogo entre el expresionismo y el cine durante las primeras décadas del siglo XX. Este movimiento vanguardista buscaba fundir arte y cine en una experiencia total, construyendo un universo estético y emocional que sigue vivo más de un siglo después. Desde El gabinete del Dr. Caligari hasta Metrópolis, pasando por los paisajes urbanos de Otto Dix o los rostros desgarrados de Käthe Kollwitz, la exposición invita a adentrarse en un imaginario inquietante, radical y fascinante.

El recorrido combina 152 obras y fragmentos cinematográficos para llevarnos por un viaje único al corazón del expresionismo, cuya huella resuena todavía en el arte contemporáneo y en el cine de creadores como Tim Burton, Guillermo del Toro o David Lynch.

Ciudad sin sueño G.Galoe

España, Francia, 2025 Dirección: Guillermo Galoe Reparto: Antonio Fernández Gabarre, Bilal Sedraoui, Jesús Fernández Silva, Luis Bertolo. Duración: 97 minutos.

La película se adentra en la Cañada Real a través de la mirada de Toni, un adolescente que observa cómo su mundo se desmorona mientras lucha por conservar la magia de la infancia. Ciudad sin Sueño combina ficción, experiencia comunitaria y una estética que reivindica lo invisible. Toni, de 15 años, orgulloso de su familia chatarrera y profundamente unido a su abuelo. Las máquinas de demolición avanzan hacia la parcela donde viven, y el anciano se niega a abandonar su hogar pese al riesgo que ello implica. En la oscuridad de noches sin luz, las leyendas que marcaron la infancia de Toni le sitúan ante un dilema: aferrarse a lo conocido o afrontar la incertidumbre del futuro. Galoe busca filmar desde la intimidad, dejando de lado los clichés asociados a territorios marginalizados, el reparto está compuesto por habitantes reales de la Cañada Real.

Bugonia Y. Lanthimos

2025 Irlanda-Reino Unido Comedia 119 min Director: Yorgos Lanthimos Con  Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias, Alicia Silverstone, Marc T. Lewis

Adaptando el delirante thriller coreano 'Salvar el planeta Tierra' ('Save the Green Planet!'), el director griego construye una sátira sobre la paranoia contemporánea, pero su pulso es irregular, y su empatía, escasa. Todo está en su sitio -la fotografía de Robbie Ryan, la música frenética de Jerskin Fendrix, la precisión quirúrgica de su puesta en escena-, pero el resultado deja un poco descolocado.

Abejas, alienígenas y teorías conspiranoicas Lanthimos reinterpreta la película original como un duelo entre dos fuerzas opuestas: el fanatismo de Teddy , un apicultor convencido de que los extraterrestres controlan el planeta, y la calculada frialdad de Michelle, una ejecutiva de laboratorio farmacéutico que él cree que es una emisaria alienígena. Lo mejor, ese enfrentamiento, donde el humor negro y la crueldad física conviven con un tono casi teatral. Impecables interpretaciones.

Los domingos Ruíz de Azúa

España, 2025. Dirección: Alauda Ruiz de Azúa. Guion: Alauda Ruiz de Azúa. Reparto: Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés, Juan Minujín, Nagore Aranburu.Duración: 115 min. 

Ainara (Blanca Soroa), la joven protagonista, es una estudiante de 17 años que siente la llamada del altísimo para elegir un destino final con forma de convento. Como monja de clausura, Ainara tendrá que realizar en un futuro cercano ciertos votos la mar de solemnes: pobreza, castidad y obediencia. Semejante planteamiento genera un auténtico cisma familiar. Su padre, Iñaki (Miguel Garcés), tiene serios problemas para comunicarse con su hija desde que la madre de esta murió. El rol materno recae sobre los hombros de su tía Maite (Patricia López Arnaiz) quien, pese a su aparente comprensión inicial, será incapaz de aceptar la decisión de su sobrina. 

Carlos F. Heredero ha acertado al escribir que Los domingos es “una fácilmente manipulable película para reclutar vocaciones en las parroquias”, puesto que su propósito último no es plantear preguntas sobre el poder que la religión tiene en la sociedad contemporánea y el modo en que lo ejerce, sino reforzar la fe de los creyentes.

 

El entusiasmo P. Remón

Texto y dirección Pablo Remón Reparto Francesco Carril, Natalia Hernández, Raúl Prieto y Marina Salas Escenografía Monica Boromello Producción Centro Dramático Nacional y Teatro Kamikaze Duración 2h15 Teatro María Guerrero

Estructurada en un prólogo y cuatro partes que funcionan casi de manera independiente, El entusiasmo son varias obras en una. Un caleidoscopio de estilos diferenciados, que se complementan e incluso se contradicen, cuya columna vertebral sigue la vida de una pareja: sus conflictos personales, sus crisis matrimoniales, su relación con la maternidad/paternidad. Y también sus sueños, sus deseos, sus recuerdos, sus relatos y narraciones. La obra vincula el tema del entusiasmo en la vida de los personajes con el entusiasmo por la narración y por contar historias. Algunas de estas historias se centran en lo pequeño, en el mundo de la pareja, la maternidad/paternidad y sus complejidades, otras se alejan de la historia principal y nos llevan a otros personajes y otros mundos. El juego de la ficción está continuamente presente: los personajes se narran o se escriben unos a otros, alternando en sus respectivas reencarnaciones los roles de narrador/autor y personaje. Ficciones dentro de ficciones, en una estructura de cajas chinas que pretende ser un viaje emocional por la vida de estos personajes, a la vez que trata con humor e ironía el tema de la pareja, los hijos y la crisis de la mediana edad, en un artefacto teatral con la ambición y el juego propios de la novela posmoderna.

La sensación al salir de ver El entusiasmo es, cuando menos, ambigua. La primera es la de una distopía extraña. Uno no sabe por qué, pero tiene la sensación de haber visto una versión teatral reacomodada a estos tiempos de Escenas de un matrimonio. El uso de atrezos y símbolos temporales cambia. Pero el fondo de ambas no dista mucho: El Entusiasmo, al igual que la película, es un retrato generacional de la burguesía acomodaticia y sus avatares. Ambas abordan el tema de esa “desengañada gente de la segunda edad”. Larga sin necesidad, la escena de la madre/suegra no aporta nada; escasos momentos de interés.