Antología poética F. Brines

Aquí están los mejores poemas del reciente premio Cervantes y casi todos los más conocidos. Su poesía intimista, sin estridencias. Sus versos cargados de melancolía por el paso del tiempo. Sus poemas de amor, con referencias al sexo siempre metafóricas y elegantes. 

Los diferentes poemarios permiten comprender la evolución del autor, la resignación a veces dolorida con la que aborda la vejez y la decrepitud de los cuerpos, la memoria que borra los detalles para recrear un pasado que adquiere el carácter de mítico. Como escribe en 'Los veranos' (de 'El otoño de las rosas'): «Hoy parece un engaño que fuésemos felices/ al modo inmerecido de los dioses./ ¡Qué extraña y breve fue la juventud!»

Y más tarde, como si fuera una conclusión, el balance de una vida: «Mi carne, que ha vivido en el tiempo/ y lo sabe en cenizas, no ha ardido aún/ hasta la consunción de la propia ceniza,/ y estoy en paz con todo lo que olvido/ y agradezco olvidar./ En paz también con todo lo que amé/ y que quiero olvidado.// Volvió la hora feliz./ Que arribe al menos/ al puerto iluminado de la noche» ( 'Madrid, julio 1992)

Couto M Venenos de Deus, remedios do diablo

O médico Sidónio Rosa encolhe-se para vencer a porta, com respeitos de quem estivesse penetrando num ventre. Está visitando a familia de Bartolomeu Sozinho, o mecânico reformado de Vila Cacimba. A porta, a esposa, Dona Munda, nao desperdiça palavra, nem despende sorriso. É o visitante quem arrendonda o momento, inquirindo:

- Entao, o nosso Bartolomeu está bom?  - Está bom para seguir deitado, de vela e missal... a voz rouca parece distante, contrariada como se lhe custasse o assunto. O médico acredita nao ter entendido. Ele é português, recem-chegado a Africa.

O jovem médico português Sidónio Rosa, perdido de amores pela mulata moçambicana Deolinda, que conheceu em Lisboa num congresso médico, deslocou-se como cooperante para Moçambique em busca da sua amada. Em Vila Cacimba, onde encontra os pais dela, espera pacientemente que ela regresse do estágio que está a frequentar algures. Mas regressará ela algum dia? Entretanto vão-se-lhe revelando por entre a névoa que a cobre, os segredos e mistérios, as histórias não contadas de Vila Cacimba – a família dos Sozinhos, Munda e Bartolomeu, o velho marinheiro, o administrador, Suacelência e sua Esposinha, a misteriosa mensageira do vestido cinzento espalhando as flores do esquecimento.

Lucía Martínez & The Fearless

Lucía Martínez Alonso | batería y composición
Morris Kliphuis | trompa, corneta y electrónica
Benjamin Weidekamp | clarinete y clarinete bajo
Ronny Graupe | guitarra
Marcel Krömker | contrabajo
DJ illvibe | tocadiscos

Exploradora del jazz más libre y pródiga compositora de música cinematográfica, la baterista Lucía Martínez (Vigo, 1982) es esencialmente una artista cosmopolita que no se impone horizontes. Aunque el afecto por sus raíces portuarias y la reivindicación del patrimonio popular siempre encuentran sitio en sus propuestas, no duda en incorporar todo tipo de sabores aparentemente dispares, ligados con naturalidad y ningún prejuicio.

Su proyecto berlinés junto a The Fearless —Los Sinmiedo— es un buen resumen de todo ello: de Sergio Leone a las melodías judías klezmer y de ahí a Bruce Lee, apoyada en una instrumentación escogida con excelente criterio —clarinete bajo, trompa, electrónica e incluso un set de dj— para abarcar una gran variedad de texturas y posibilidades expresivas, y ofrecer un lienzo sugerente y conmovedor.

Jazz moderno, con elementos de música improvisada, Lucía Martínez & The Fearless muestra una artista en uno de sus mejores momentos creativos.

Programa

1. Water can flow or it can crash. Comp: Lucía Martínez
2. Por qué brillan las estrellas. Comp: Lucía Martínez
3. Por qué el mar se apresura a la orilla. Comp: Lucía Martínez
4. Lo quisimos todo. Comp: Lucía Martínez
5. Ich habe noch einen Koffer in Berlin. Comp: Lucía Martínez
6. Canción a Sergio Leone. Comp: Lucía Martínez
7. Oumuamua. Comp: Lucía Martínez
8. E o resto é silencio. Comp: Lucía Martínez
9. Un rayo de luz conmovedor. Comp: Lucía Martínez
10. The end of the world. Compositores: Dee Sylvia / Kent Arthur
11. El otro mar. Comp: Lucía Martínez
12. O único que queda é o amor. Lucía Martínez

David Sancho5

David Sancho | composiciones/arreglos, piano, teclados, sintetizadores
Alberto Brenes | batería
Jesús Caparrós | bajo eléctrico/guitarra eléctrica
Mauricio Gómez | saxofón tenor, teclado Marta Mansilla | flauta

El pianista y compositor David Sancho 5presentóPlays "OK Computer" by Radiohead, con motivo de los 25 años de la publicación de OK Computer de Radiohead, uno de los álbumes más importantes de la historia del rock.

OK Computersupuso una nueva vuelta de tuerca a varios conceptos tales como la concepción de obra única (usada anteriormente en el rock sinfónico), la simbiosis entre lo electrónico y lo acústico, el desarrollo de la estructura de una canción más allá de los modelos clásicos de estrofa-estribillo…

Sancho ha re-arreglado los temas del disco intentando mantener la esencia melódica y el lirismo del disco original, así como las texturas más densas y oscuras. A ello le ha añadido todo un microcosmos de influencias que incluyen la música clásica, el jazz contemporáneo, música electrónica, rock progresivo… Me suis trompée d'endroit.

(LA)Horde / Ballet national de Marseille

Concepto artístico: RONE & (LA)HORDE – Marine Brutti, Jonathan Debrouwer, Arthur Harel

Música: RONE  Dirección y coreografía: (LA)HORDE – Marine Brutti, Jonathan Debrouwer, Arthur Harel   Con los balarines del Ballet Nacional de Marsella: Sarah Abicht, Nina-Laura Auerbach, Daniel Alwell, Isaïa Badaoui, Malgorzata Czajowska, Riley Fitzgerald, Myrto Georgiadi, Vito Giotta, Nathan Gombert, Nonoka Kato, Yoshiko Kinoshita, Ángel Martínez Hernández, Aya Sato, Noam Segal, Dovydas Strimaitis, Elena Valls García, Nahimana Vandenbussche

Leur exploration des nouvelles dynamiques de circulation et de représentation de la danse et du corps qui se développent en ligne les amène à former le concept de « danses post-internet ». En diversifiant les supports, (LA)HORDE interroge la sérendipité quasi infinie qu’offre ce nouveau territoire et propose des regards multiples sur les révoltes que portent ces communautés avec lesquelles le collectif travaille de façon hétérarchique.

Room With A View est leur première création depuis leur prise de fonction à la direction du CCN Ballet national de Marseille en septembre 2019, composé de vingt-deux danseur.euse.s de quatorze nationalités.

En una cantera de mármol varias máquinas se encuentran trabajando, cortando y puliendo la piedra. Mientras tanto, los humanos trabajan con el mármol para “liberar al hombre de dentro de la roca” (Miguel Ángel) y los bailarines bailan para escaparse de la blanca piedra inmóvil, resurgiendo para analizar los contornos humanos infinitos del inminente desastre y contemplando todas las posibilidades de su belleza. Vidéo

Supernormales E. Carrodeguas

Texto:  Esther F. Carrodeguas  Dirección: Iñaki Rikarte  Escenografía : Mónica Boromello Reparto: José Manuel Blanco, Carlota Gaviño, Emilio Gavira, Natalia Huarte, Jorge Kent, Mónica Lamberti, Anna Marchessi, Marcos Mayo, Inma Nieto e Irene Serrano.

Supernormales es un juego cómico que nos enfrenta a nuestros propios prejuicios alrededor del colectivo de personas con diversidad funcional, generados dentro de una sociedad neoliberal y patriarcal pero sobre todo 100 % capacitista en la que los cuerpos, las realidades, las necesidades y las vidas de las personas que no pueden producir al ritmo que viene impuesto no les queda más remedio que ver cómo les pasan por delante casi todes.

Por el camino, a la mayoría de estas personas se les ha prácticamente negado [históricamente] la vivencia de una sexualidad propia y natural. Y se las ha colocado [además] fuera del DESEO. Es justamente desde este punto desde el que pretendo reflexionar sobre lo anterior, incluyendo la propia reflexión sobre la creación con personas diversas y sobre la dificultad de eliminar las barreras existentes para la entrada, comprensión o disfrute de la propia obra teatral que se está viendo [o no!]Esther F. Carrodeguas

Diez actores, cinco con diversidad funcional y otros cinco sin ella, representan sobre el escenario esta obra: "Una de las apuestas políticas de la función es que actores con diversidad funcional puedan interpretar personajes con esa diversidad, con otra o sin ella, y también que actores sin esas diversidades interpreten a otros que la tienen. Y mezclarlo todo", ha explicado el director. La infantilización, el paternalismo, la homogeneización de sus necesidades, la privación de una vivencia de la sexualidad propia y natural, o las violencias de todo tipo -económica, estructural, de género, sexual…- que se ejercen sobre ellas, son algunos de los aspectos que la pieza pone sobre la mesa, con “un texto apabullante, directísimo, que rompe tabús a cañonazos y no deja títere con cabeza”, como declara Iñaki Rikarte.

Vestidas para un baile en la nieve M. Zgustova

En septiembre de 2008 viajé a Moscú. Una vez allí, un escritor amigo, VitaliShentalinski, me propuso que le acompañara a una reunión de antiguoa presos del gulag. No había conocido a nadie que hubiera estado encerrado en el gulag, aunque sabía que el régimen de terror de Stalin suele denominarse"el otro Holocausto", porque durante los veinticuatro años de su gobierno perecieron muchas más personas que los judíos que murieron en la Alemania nazi. De modo que asentí.

Nueve testimonios sobre mujeres que sobrevivieron al Gulag, de las torturas, de las amistades que hicieron para salir adelante y sobretodo de como las ayudó el arte (hay muchas referencias sobre poesía) en ese periodo.La solidaridad y la cultura, la belleza, las ganas de sobrevivir lograron el milagro y estas personas hoy siguen activas y con ilusiones apesar de los recuerdos terribles.

Le fils de l'homme JB del Amo

Le meneur s'arrête, lève le visage vers le ciel et, l'espace d'un instant, le cercle sombre de sa pupille s'aligne sur le cercle blanc du soleil, l'étoile foudroie la rétine et l'être rampant dan sla boue matricielle détourne le regard pour contempler la valléedans laquelle il chemine en compagnie des siens: une lande battue par les vents, à la végétation rase, parsemée d'arbustes aux formes dolentes; une terre morne sur laquelle flotte en négatif l'image de l'astre du jour, lune noire posée sur l'horizon. 

La séquence inaugurale du livre surprend,elle nous plonge dans la vie d'une horde d'hommes et de femmes préhistoriques. Malgré les éléments, le froid, la mort avant trente ans, la vie se perpétue : accouplements, accouchements, bébés vivants ou non. Pour survivre, il faut chasser, pêcher, préparer les repas, se retrouver au camp. C'est de ce camp que partent des chasseurs dont un père et son fils qui ne tarde pas à faire ses preuves.
Brusquement, changement d'époque, voilà le fils de l'homme, avec son père au volant, conduisant la mère et ce fils dans un endroit perdu, en montagne, loin de tout : Les Roches. Les principaux protagonistes de cette histoire terrible n'ont pas de prénom, pas de nom. Trois semaines auparavant, alors que le garçon jouait dans la petite cour d'une maison très modeste, un homme arrive : son père ! Il réapparaît alors qu'il a disparu depuis six ans. La mère est au travail. Il mange, s'installe et fume beaucoup.
Par petites touches, l'auteur révèle le passé de cet homme qui inquiète et fascine en même temps. Petit à petit, on découvre son passé et l'histoire de son père, le grand-père du gosse, celui qui a créé ce lieu improbable, Les Roches, où le père va obliger mère et fils à vivre, à survivre.
Cette mère a été maman à dix-sept ans alors qu'elle ne voulait pas d'enfant. Elle en a vingt-six quand le père revient et elle est… enceinte !
Tensions, menaces, recherche d'un bonheur impossible à trouver dans des conditions de vie extrêmes, cette maison, Les Roches, le père l'a retapée, y a stocké des vivres et le cadre peut se révéler idyllique au printemps, ce printemps en montagne magnifiquement décrit.
Une terrible violence rentrée est prête à sourdre à tout moment, une nature vibrante et une fin qui n'en est pas une.

Timeloss A. Reza Khoohestani

Texto, dirección y escenografía : Amir Reza Koohestani Interpretes en escena; Mohmmadhassan Madjooni y Mahin Sadri En el vídeo Abed Aabest y Behdokht Valian.

Amir Reza Koohestani entró a formar parte como dramaturgo y actor del Mehr Theatre Group, una de las compañías teatrales más prestigiosas de Irán, al poco de su fundación en 1996. En 2001 estrenó Dance on glasses con apenas 50 euros para la producción, lo que le obligó a usar dos mesas y dos sillas y la escasa iluminación que tenía el teatro. La obra estuvo de gira por todo el mundo durante 4 años y la imposibilidad de levantarse de los actores para no salir del foco de luz -puro impedimento técnico fruto de la precariedad- se acabó convirtiendo en marca de estilo y símbolo de un tiempo en el que, tanto en lo individual como en lo colectivo, la dificultad para el movimiento atravesaba las vidas en Oriente y en Occidente. Timeloss recoge aquella herencia, aunque el mundo es muy otro desde aquel lejano 2001. “Yo ya no soy aquel joven enojado -reconoce Koohestani-. Para estar enojado hay que tener fe en algo y la fuerza para luchar por ello. Admito que no tengo nada de eso. A los periodistas y críticos occidentales les gustaría que hablara sobre las ejecuciones o de la prohibición de la homosexualidad. Por otro lado, mi gente quisiera que mostrara una imagen diferente sobre Irán, que hablara de las alegrías presentando un rostro pacífico y agradable. Mi libertad no está tan limitada por la Oficina de Seguimiento y Evaluación (la censura iraní) como por estas expectativas. Timeloss es el fruto de este periodo de incertidumbre, una obra que no ofrece respuesta. Las respuestas y las soluciones las dejo a los políticos y los medios. Mi teatro sigue siendo el de la incapacidad de las personas para levantarse. Timeloss es una obra sobre la abnegación que trata del pasado; no tanto de arrepentirse de él como de rechazarlo. No tanto del pasado, como de cómo se ve el pasado”.

El Golem J. Mayorga

Texto Juan Mayorga, Dirección Alfredo Sanzol Reparto: Elena González (Salinas) Elías González (Ismael), Vicky Luengo (Felicia)

El sistema de sanidad pública colapsa. Como muchos otros pacientes en todo el país, Ismael, que sufre una rara enfermedad, está a punto de verse obligado a abandonar el hospital en que lo han venido tratando.

Sucede entonces que Felicia, su esposa, recibe de Salinas, empleada del hospital, una inesperada propuesta: Ismael conservará su cama y seguirá recibiendo tratamiento si ella memoriza un texto. Parece, en principio, una tarea sencilla de cumplir: memorizar en orden unas cuantas palabras. Sin embargo, día a día, Felicia percibirá que, conforme haga suyas las palabras de ese texto, que no sabe quién escribió, algo dentro de ella ―en sus sueños, en su memoria, en su imaginación; también en su cuerpo y en su voluntad― se irá transformando.

"Esta historia habla del poder que tienen las palabras para construir lo que somos. En un momento de la historia en el que la capacidad de hacer circular las palabras se ha multiplicado de manera nunca antes conocida, también se ha multiplicado la capacidad de usar las palabras para mentir, destruir, deformar y manipular. Nunca como ahora habíamos sufrido el poder descontrolado de la palabra, y esta obra cuenta una historia que nos hace conscientes de algo que pasamos por alto: somos lo que decimos, somos lo que leemos, somos lo que aprendemos."Alfredo Sanzol

 

La plus secrète mémoire des hommes M.Mbougar Sarr

27 août 2018 D'un écrivain et de son oeuvre, on peut au moins savoir ceci: l'un et l'autre marchent ensemble dans le labyrinthe le plus parfait qu'on puisse imaginer, une longue route circulaire, où leur destination se confond avec leur origine: leur solitude.

Je quitte Amsterdam. Malgré ce que j'y ai appris, j'ignore toujours si je connais mieux Elimane ou si son mystère s'est épaissi. Je pourrais convoquer ici le paradoxe de toute quête de connaissance: plus on découvre un fragment du monde, mieux nous apparaît l'immensité de l'inconnu et de notre ignorance; mais cette équation ne traduirait encore qu'incomplètement mon sentiment devant cet homme. Son cas exige une formule plus radicale, c'est à dire plus pessimiste quant à la possibilité même de connaître une âme humaine. La sienne ressemble à un astre occlus; elle magnétise et engloutit tout ce qui s'en rapproche. On se penche un temps sur sa vie et, s'en relevant, grave et résigné et vieux, peut-être mieux désespéré, on murmure. sur l'âme humaine, on ne peut rien savoir, il n'y a rien à savoir.

Interview France Culture  Retrouver Elimane, le Rimbaud nègre, n'est que le prétexte pour écrire sur la littérature, l'amour, les racines et le déracinemnt, l'Afrique et la littérature. Ce roman est inventif dans la forme et dans le fond. Il est composé de trois livres qui sont trois temps de la quête de Diégane, principal narrateur, mêlant personnages, époques, lieux, témoignages vécus et racontés, rationalisme et traditions africaines. Il imbrique et dévoile très subtilement, par le récit, le dialogue, les lettres retrouvées ou perdue, le chemin personnel et littéraire de cet auteur mystérieux, dont l'œuvre unique interroge tous ceux qui l'ont côtoyé, singulièrement Diégane, sur la vocation de l'écrivain et le sens de son engagement. Le début de l'histoire, quand Diégane décide de partir à la recherche de cet homme effacé de l'histoire, m'a paru long tant la mise en place des décors semblait nous éloigner du sujet. Pour autant, cela vaut la peine de poursuivre car certains chapitres sont passionnants et surprenants d'inventivité - pour avancer sur les traces de cet auteur perdu.

Ce roman est inspiré du destin tragique de l’écrivain malien Yambo Ouologuem, vainqueur du prix Renaudot en 1968 pour son premier roman Le Devoir de violence. Il lui est très vite reproché d’insinuer que des chefs locaux ont contribué au colonialisme en Afrique et d’avoir plagié des extraits de romans connus, de la Bible ou du Coran. Le contexte de la décolonisation et des indépendances des années 60/70 lui ont valut le reproche ultime d’être un traître à l’identité africaine.

Un héros A. Farhadi

Iran, 2021 Drame 2h 07 min Réalisateur Asghar Farhadi  Avec Amir Jadidi, Mohsen Tanabandeh, Sahar Goldoost.

Récit d’un homme emprisonné suite à une insolvabilité pour un crédit qu’il n’a pu rembourser après une faillite. Ce dernier s’efforce de trouver un moyen de ne pas retourner en prison durant ses quarante-huit heures de permission. Sa compagne, qui trouve un sac rempli de pièces d’or à un arrêt de bus, lui offre une opportunité qu’il envisage un temps comme moyen de négocier le remboursement de sa dette conséquente. Mais cette option ne pouvant se concrétiser, il décide alors de faire circuler une annonce pour restituer le sac bien garni à sa propriétaire – qui se manifestera rapidement mais ne donnera guère d’indications sur son identité. Apprenant son geste noble, la direction de l’établissement pénitentiaire décide de médiatiser son acte pour valoriser le comportement des prisonniers. Un élan de solidarité nait alors, lui permettant un temps d’espérer d’éponger une partie de sa dette et d’obtenir un peu de clémence de la part de celui qui a porté plainte contre lui…

Farhadi excelle dans sa description d’une société codifiée qui contrôle les individus à outrance, où un homme ordinaire peut devenir un héros ou un moins que rien au gré des circonstances. Il dénonce sans concessions les rouages d’une administration bureaucratique, les ambiguïtés de l’action associative, le cynisme de la téléréalité et même les ravages des réseaux sociaux : en Iran comme partout dans le monde, la réputation d’un individu se fait désormais par la voie numérique et les nouveaux lyncheurs ont désormais un compte Facebook ou Instagram. Nul manichéisme pourtant dans la vision de Farhadi. Si les personnages de la sœur (Fereshteh Sadre Orafaee) ou du chauffeur de taxi sont des modèles de bienveillance, d’autres protagonistes peuvent laisser planer un doute sur leurs traits de personnalité.

Et si Rahim lui-même était un manipulateur ? La fille en apparence malveillante de Braham (Sarina Farhadi) n’agit-elle pas au nom de l’amour d’un père ?  L’une des richesses du cinéma de Farhadi réside précisément dans cette vision contrastée des rapports humains, qui nous fait constamment douter de ce que nous voyons et entendons. Quant à la mise en scène, elle est un modèle de sobriété et d’épure (plans-séquences minimalistes, absence de musique), qui n’empêche en rien de suivre le déroulement de l’action comme s’il s’agissait d’un thriller. Et pour la première fois, Farhadi apporte une authentique touche émotionnelle (par la voie du personnage d’un enfant), sans glisser vers la sensiblerie. Au final, Un héros est un film majeur et devrait trouver un large public.

Las aves / Els ocells La Calòrica

De La Calòrica, inspirada en la obra de Aristófanes  Dramaturgia Joan Yago  Dirección Israel Solà  Reparto  Xavi Francés, Aitor Galisteo-Rocher, Esther López y Marc Rius

El joven empresario Pistetero y su compañera Evélpides no pueden volver a casa. Tampoco se les ocurre otro lugar donde poder ir a vivir la vida cómoda, relajada y libre de impuestos que ellos anhelan. El encuentro accidental con una inocente abubilla en mitad del bosque les hará plantearse un cambio de estrategia: ¿y si renunciaran a su condición humana y se convirtieran en aves? O todavía mejor: ¿y si convenciesen a las aves del mundo para crear una nueva sociedad basada en los principios fundamentales del Individuo, la Propiedad y la Competencia?

La empresa no será sencilla. Tendrán que convencer a las masas con un relato sólido y apasionado, tendrán que negociar con viejos poderes que habitan en el mundo desde los albores ―y que quizás no estén dispuestos a aceptar ningún cambio―, tendrán que combatir con mano de hierro la disidencia y, hasta tener una conversación cara a cara con la Democracia y el Capitalismo. Muy divertida.

Ciné y moda J.P. Gaultier

La muestra aborda los intercambios e influencias que se producen entre el cine y la moda, una relación creativa vista bajo la particular mirada de Jean Paul Gaultier, cocomisario y director artístico de la exposición. Más allá de la mitomanía, esta propuesta recorre los contextos de creación, tanto de los vestidos como de los filmes, y nos introduce a ideas de modernidad, futuro o erotismo. Ofrece también un enfoque sociológico al abordar temas como los movimientos de emancipación, en especial de la mujer, y cómo estos tienen un reflejo en la moda y la filmografía de su tiempo. 

Asimismo, la exposición nos acerca a la idea de industria a partir de los distintos profesionales que intervienen en el intercambio creativo: directores/as, diseñadores/as, actores y actrices. Para ello se reúne un conjunto heterogéneo de piezas compuesto de indumentaria, carteles, fotografías y fragmentos de películas que provienen en su mayor parte de la prestigiosa colección de La Cinémathèque française y que se complementan con obras de más de veinte prestadores nacionales e internacionales.