Lucian Freud Nuevas perspectivas

Con motivo del centenario del nacimiento del pintor británico Lucian Freud (1922-2011), el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la National Gallery de Londres presentan una exposición retrospectiva que reúne más de medio centenar de obras.

La muestra se divide en varias secciones que, de forma más o menos cronológica, repasan la evolución y la temática de siete décadas de la producción del pintor: Llegar a ser Freud, dedicada a sus primeras obras, con una decidida voluntad figurativa; Primeros retratos, en los que se manifiesta ya su deseo de capturar la esencia de sus modelos; Intimidad, que muestra su predilección por retratar a personas de su entorno; Poder, donde se incluyen retratos de personajes destacados que el artista acepta realizar siempre que acaten sus condiciones de trabajo; El estudio, su espacio de creación convertido en escenario de sus composiciones, y La carne, con los últimos retratos desnudos de una fisicidad tan poco complaciente que pueden resultar impúdicos.

Vídeo

 

Valor, agravio y mujer. A.Caro de Mallén

 

Texto  Ana Caro de Mallén  Dirección Beatriz Argüello  Versión Juana Escabias Escenografía

Carolina González. Intérpretes: Lucía Barrado Estela, condesa Pablo Gómez-Pando Don Juan de Córdoba Jesús Hierónides Tomillo, criado Ignacio Jiménez Ludovico, Príncipe de Pinoy, Tibaldo, bandolero Natalia Llorente Lisarda, prima de Estela  Luis Moren  Ribete, criado, Rufino, bandolero Julia Piera Doña Leonor de Ribera Paco Pozo  Don Fernando de Ribera, Astolfo Sol Vicente Flora, criada, bandolero, Soprano y viola. Duración: 105 minutos

 

El legado de Caro Mallén cayó en el olvido tras su muerte, a pesar de que en vida tuvo reconocimiento, refleja desde una perspectiva femenina un mundo que institucionalizó la desigualdad de sexos, una obra teatral sobre el mito de Don Juan. El montaje desarrolla la historia de Doña Leonor de Ribera, mujer burlada por Don Juan de Córdoba, que ansía vengar su deshonor para lo cual se disfrazará de hombre y perseguirá a Don Juan, rivalizando para conseguir rl amos de una noble dama hasta que se deshace el engaño.

Obras maestras españolas de la Frick Collection

Un conjunto de nueve obras emblemáticas de Velázquez, el Greco, Murillo y Goya.

Junto a San Jerónimo del Greco cuelga Retrato de médico, que es su contrapartida en términos de retrato civil y de gama cromática gris; mientras que al lado de La expulsión de los mercaderes, de ese mismo pintor, se sitúa La anunciación, pues ambas muestran un uso equiparable de los recursos arquitectónicos para resolver la fuga espacial. En el caso de Velázquez, el Felipe IV en Fraga, de la Frick, fue realizado en la misma época, el mismo lugar y con la misma tela que El primo. De su contemporáneo Murillo llega un Autorretrato inscrito en un marco ovalado y pétreo, según una tipología muy característica del pintor, y que es común a Nicolás Omazur, del Prado, junto con el que se expone.  También se muestran conjuntamente el Retrato de dama firmado por Goya en 1824, y el retrato de Juan Bautista Muguiro que este mismo artista realizó en 1827, lo que permite entender el alto grado de calidad que mantuvo el pintor en sus últimos retratos,  y la originalidad del planteamiento pictórico que los singularizan.

La vie est une fête Chiens de navarre

Dirección: Jean-Christophe Meurisse  Intérpretes: Delphin Baril, Lula Hugot, Charlotte Laemmel, Anthony Paliotti, Gaëtan Peau, Ivandros Serodio, Duración: 1 h 45 min (sin intermedio)

Las microlocuras de nuestro siglo pueden dar lugar a las macrolocuras de un individuo y la necesidad de consuelo puede convertirse rápidamente en algo imposible de saciar, como diría el bueno de Dagerman. ¿Podemos volvernos todos locos? ¿Qué nos impide actuar?

No hay nada más humano que la locura. Las urgencias psiquiátricas es uno de los pocos lugares que pueden albergar a cualquier persona en cualquier momento, con independencia de su edad, sexo o país. Un lugar de vida extremadamente palpable para salirse de la carretera. Una pequeña vía de humanidad. “Mientras los seres humanos seamos mortales, nunca viviremos relajados”, dijo Woody Allen. El suelo será de un material natural aún por definir y a lo lejos aparecerá un muro de ventanales de vidrio que reproducirá las condiciones del fuera de cámara tras las ventanas. Décapant.

Le Négus R. Kapuscinski

Le soir, j'écoute ceux qui ont connu la Cour de l'Empereur pour en avoir naguère fait partie ou y avoir eu accès. Ils ne sont plus nombreux. Certains ont été passés par les armes. D'autres ont fui à l'étranger. d'autres encore ont été incarcérés dans les geôles souterraines du Palais, précipités des salons aux oubliettes. D'autres enfin se cachent dans les montagnes ou vivent dans des monastères, déguisés en moines. Chacun essaie de survivre à sa façon, selon ses moyens. Seule une poignée est restée à Addis Abeba où il semble plus facile de déjouer la vigilance des autorités.

Ethiopie, 1975: c'est le chaos. Un pays exsangue se rebelle et détrône son empereur.. Addis-Abeba, Ryszard Kapuscinski vient exhumer un monde balayé par les mitrailleuses; déjouant la vigilance des patrouilles, arpentant des ruelles sinueuses à la tombée de la nuit, il cherche à comprendre: qui était le Négus, le Roi des rois - Hailé Sélassié, dernier empereur d'Ethiopie ? Un despote sanguinaire ? Une figure paternelle adulée par son peuple? Un vieillard-enfant débordé par son armée? Au fil des témoignages bruts et fascinants recueillis par le reporter, apparaît un monde insoupçonné: un monde sans justice où la délation et le pot-de-vin sont des vertus cardinales; un monde fou où l'on régale les diplomates étrangers en laissant le peuple mourir de faim; un monde violent où un simple mot vous fait déchoir des salons aux oubliettes. Portrait saisissant du Négus, ce livre démonte le fonctionnement d'un régime arbitraire, absurde, démesuré -jusqu'à sa chute.

Los reyes del mundo L. Mora

2022 Colombia Drama 111 min Dirección  Laura Mora Ortega Reparto: Carlos Andrés Castañeda, Davison Florez, Brahian Acevedo 

Una historia sobre la desobediencia, la amistad y la dignidad que existe en la resistencia. Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano. Cinco reyes sin reino, sin ley, sin familia, emprenden un viaje en búsqueda de la tierra prometida. Un cuento subversivo a través de un clan salvaje y entrañable, que transita entre realidad y delirio. Un viaje hacia la nada, donde pasa todo.estructurada como una película de carretera, la directora se detiene en la vida por fuerza desesperada de cinco chavales sin más patrimonio que su íntima desesperación. Y desde ahí, cuesta abajo en un ejercicio de cine esencialmente delirante, exaltado y, sobre todo, feliz. Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano son chicos de la calle de Medellín con nombres como pedradas. O machetazos, sería más adecuado. El primero de ellos recibe en herencia una tierra de su abuela antes expropiada ahora devuelta.Los cinco emprenderán un viaje a la tierra prometida, a su Ítaca imposible.Poesía y bella interpretación de los cinco chavales.

Un beau matin Hansen-Love

2022 France Comédie dramatique 112 min. Rálisatrice  Mia Hansen-Løve Avec Léa Seydoux, Melvil Poupaud, Nicole García, Pascal Greggory, Kester Lovelace, Ema Zampa

Sandra es una madre treintañera, separada, que trabaja como traductora y tiene a su cargo a su hija de ocho años. El encuentro casual con Clément (Melvil Poupaud), un antiguo amor, hará que fructifique una relación amorosa precaria –Clément está casado, tiene un hijo y muestra una actitud ambigua respecto a la posibilidad de dejar a su mujer– supondrá para Sandra una luz de esperanza pero también un incierto futuro de restablecer una estabilidad sentimental. La película comienza con una secuencia rodada en una soleada calle de París con una cámara que sigue a Sandra (Léa Seydoux). Cuando la protagonista se introduce en un portal e intenta acceder a la vivienda de su padre se materializan los problemas de éste (dificultad para abrir la puerta, casi no entiende a su hija, etc.). La causa es una enfermedad que hará que el padre deba ser ingresado en un hospital y posteriormente derivado a una residencia de ancianos. La película muestra el contrate entre el sufrimiento personal e íntimo y la necesidad de seguir viviendo. El trabajo, la relación sentimental, la educación de su hija. Escenas cotidianas con amigos, la relación familiar con su madre, el placer sexual con Clément. Las penas y las alegrías de lo que significa vivir acompañan el rostro de la protagonista alternando las lágrimas con las risas.

Novembre C. Jimenez

Novembre ne se déroule que sur cinq jours, et ne se consacre qu’à l’enquête et rien d’autre. On suit le déroulé des recherches menées par les membres des services de la SDAT (Sous-direction anti-terroriste), on y découvre leur méthodologie mais aussi leurs erreurs et leurs improvisations. Le film est une poursuite effrénée et les policiers sont dans un tunnel durant toute la durée. On sent la pression qui s’exerce sur leurs épaules, leur obligation de résultat face à une menace toujours présente et prête à frapper encore, mais nous ne découvrons rien de leur vie en dehors de leur travail, et de l’impact de celui-ci sur leur entourage.

Difficile de s’attacher aux différents personnages à l’œuvre, puisque peu de matière nous permet de cerner leur personnalité. On comprend le rôle de chacun, mais ça ne va guère plus loin. Il n’y a que les personnages d’Anaïs Demoustier et Lyna Khoudri qui parviennent à nous toucher réellement. La première dans le rôle d’une jeune policière qui doit surmonter ses erreurs de débutantes pour trouver la force de suivre ses convictions. La deuxième dans celui d’une citoyenne dépassée par les évènements et embarquée dans cette affaire malgré elle. Mais pour ce qui est des autres membres de la SDAT, ils n’ont malheureusement que des rôles purement fonctionnels.

La vraie limite de Novembre concerne sa nature même et en particulier son absence de réel point de vue. À trop vouloir éviter la polémique , le réalisateur marseillais oublie d’apporter un regard sur les évènements, autre qu’une compilation des faits. C’est sans doute intéressant pour quiconque ne connaîtrait pas les détails de l’affaire, mais tous ceux qui ont suivi le dossier, lu des articles de presse, n’apprendront pas grand chose, et le film ne propose pas de réflexion ou de parti pris qui pourrait compenser cet état de fait. Le film ne s’interroge ainsi jamais sur d’éventuels dysfonctionnements des services de sécurité, ni sur la réaction de la société qui a suivi. Hormis une qualité de mise en scène notable et l’aspect d’un thriller plutôt efficace, on ne voit pas bien ce que le film apporte de plus sur le sujet que n’aurait pu le faire un documentaire.

Oasis de la impunidad M. Layera

Texto y Dirección Marcos Layera Con Diego Acuña, Nicolás Cancino, Lucas Carter, Mónica Casanueva, Carolina Fredes, Imanol Ibarra, Carolina de la Maza, Pedro Muñoz y Jonathan Serrano.

Ocho cuerpos se mueven por el escenario en misteriosas sacudidas. Marchan, entrenan y celebran, pero no está claro si sus movimientos hablan del sufrimiento o de la alegría, del orgullo o del miedo. Juntos forman un cuerpo de seguridad, un organismo mecánico y convulso compuesto por cuerpos estrictamente disciplinados. Educados para perpetrar la violencia contra sí mismos y contra los demás, lo que se inscribe en sus cuerpos impregna todos los niveles de su ser y vivir. ¡Mantener el orden!, es el imperativo. En un espacio museístico abstracto, fuerzas de seguridad, sus víctimas y figuras fantásticas del terror se reúnen en un ritual de confesión, expiación y denuncia. El montaje, inspirado en la brutal represión de las protestas de 2019 y 2020 en Chile.  La obra comienza en un museo, un vigilante, uniformado, pulula por el escenario, un gran cuadro con un fantasma preside el espacio. Quizá Pinochet. Los próceres se han convertido en fantasmas, entramos en un espacio simbólico, metafórico, que se viste de pesadilla. El vigilante se mueve como un autómata, de manera sincopada, pseudorrobotizado, alienado, sin ser dueño de sus propios actos. Este será el movimiento que regirá durante toda la obra. Pasarán así escenas donde estos seres se multiplican en número, tienen las orejas puntiagudas, parecen aprender a tirar del pelo del otro, a ahogarse, a inmovilizar. No llevan uniformes, nada los identifica con los pacos, como llaman a la policía chilena.Y quizá sea este uno de los problemas del espectáculo. Las coreografías no dejan de ser ilustrativas, cerradas en un código de movimiento limitado que después de más de una hora no da para más. Es ilustrativa la escena donde vemos a unos pijos, clase alta chilena, con jerseys al cuello, llevar ese movimiento robotizado al extremo mientras se embadurnan y beben kétchup como locos. El significado de la escena es claro, la metáfora es incluso de brocha gorda. El problema es que, si bien en esta obra se intenta trabajar con las poéticas del cuerpo, se intenta construir a través del cuerpo, el trabajo que con este se realiza es plano. 

La obra acaba en una escena que resume a la perfección la concepción del teatro de este chileno. A una mujer le traen el ataúd de su hijo muerto, ella llora, se desgañita, rompe el ataúd a puñetazos, dentro en vez del cuerpo de su hijo la madre encuentra arena. Los autómatas cogen a la madre, la torturan, la vejan y la portan al patio de butacas dejándola desnuda y muerta en una de las butacas libres. Allí se quedará hasta que se vaya el último espectador. La escena es maniquea, fácil, gruesa. La actriz interpreta justito el dolor de una madre ante la muerte de su hijo. Pero al mismo tiempo, aquella actriz, ahí abandonada en platea, desnuda, masacrada, inerte, mientras la obra continua, es de una fuerza abrumadora.