El ser querido R. Sorogoyen

 

2026 España Drama 139 min Dirección Rodrigo Sorogoyen Intérpretes: Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Melina Matthews, Marina Foïs, Raúl Prieto.

El aclamado director de cine Esteban Martínez (Bardem) es una leyenda tanto por sus películas como por un pasado marcado por la violencia y los excesos. En su nuevo proyecto, le ofrece un papel a su hija Emilia (Luengo) con el pretexto de ayudarla a relanzar su estancada carrera como actriz. Convivir en el set fomentará una cercanía que no han compartido en años, pero también reabrirá viejas heridas que nunca cicatrizaron.

Lo que empieza con una larga conversación en un restaurante de lujo entre la tensión y los reproches acumulados durante años.  Esta relación repleta de espinas funcionaría en cualquier otro ámbito, pero Sorogoyen demuestra una inteligencia increíble al desarrollarla en el mundo del cine, un arte que se tambalea como su relación. Sí, el punto de partida es el mismo que el de 'Valor sentimental'. Pero a partir de la misma sinopsis, Sorogoyen y Joachim Trier hacen cosas totalmente diferentes, aunque igualmente fantásticas (personalmente diría que la española es incluso mejor y más incisiva, pero va por gustos). No es una competición: son maravillas que de alguna manera se complementan, dando visiones distintas de una paternidad fría, distante y que pretende dominar la situación pese a su ausencia consciente. Pero 'El ser querido' no sería la gran película que es si no fuera por la brutal, fantástica y arrolladora interpretación de Javier Bardem.

Cathares 1198 O.Taveau

Rome 846 Étienne D'Arrhes accéléra le pas,  relevant de ses bras maigres les pans de sa robe talaire. L'escalier n'en finissait plus, tournant sur son axe dans une spirale interminable. A bout de souffle, vaguement étourdi, il atteignit la cursive supérieure de l'imposant donjon Saint-Ange. Il ne prit pas le temps de voir les flammes envahir les faubourgs, pas plus pour s'inquiéter des cris de la population tirée de son sommeil ou ceux de haine et de furie des assaillants. Il n'avait besoin ni des uns ni des autres pour prendre la mesure du drame qui se jouait. Déjà des habitants se précipitaient aux portes et pressaient les sentinelles, qui reculaient sous l'étreinte. Dans la mêlée, les coups volèrent. La lame d'un capitaine brilla sous la lune avant de fendre un homme à l'épaule. La panique s'empara de la foule. 

An 846. La mort de Charlemagne a laissé un empire morcelé, un monde à l'agonie où le pouvoir de Rome ne tient plus qu'au prestige d'un trône. Au cœur d'une curie rongée par les complots, le pape Serge II refuse pourtant de voir périr l'oeuvre de Dieu. Alors que les barbares assiègent la cité, il conclut un pacte avec d'obscurs émissaires et s'engage à protéger un ordre d'élus appelés à restaurer la foi.

Deux siècles plus tard, les premières communautés cathares voient le jour en Languedoc. Par la parole, la volonté et l'exemple, les " Parfaits " redonnent espoir en la parole sacrée et le pays entier, saisi par la ferveur, se détourne bientôt des églises pour embrasser la nouvelle religion. Mais à l'ombre des pouvoirs, des voix appellent déjà au sang.

L'ouvrage d'Olivier Taveau se réfère à des faits historiques objectivement admis et  ne raconte finalement rien d'autre que l'Histoire de façon à peine romancée, on a du mal à trouver l'intrigue centrale qui serait le ciment de tout cela. Il est bien question d'une prophétie, d'un enfant prodigue qui viendra, mais tout cela reste finalement en suspens.

MARISOL: Cuando todo está por comenzar

 Dibujos de 1949 a 2015 es la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de Marisol, con más de 100 obras que abarcan desde los años cincuenta hasta su muerte, presentados junto con una selección de esculturas -que amplían su práctica del dibujo hacia lo tridimensional-, materiales del archivo de la artista y varias de las películas de Warhol en las que Marisol es protagonista. La amplia selección de obras, procedente en su gran mayoría de la colección del Buffalo AKG Art Museum, pone de relieve el dibujo como el hilo más constante en la carrera de Marisol, el medio a través del cual entretejió sus preocupaciones globales, incomodidades privadas y ficciones imaginativas en el desarrollo de su práctica.

El título evoca el comentario del galerista Leo Castelli a Marisol a finales de los años cincuenta, cuando la artista dejó los Estados Unidos tras su exitosa presentación en la galería en Nueva York de Castelli —«¿Cómo puedes marcharte ahora, cuando todo está por comenzar?»—. La frase también resuena con sus posteriores decisiones de retirarse del centro del mundo del arte en momentos clave de su carrera, tras los cuales su obra reemerge profundamente transformada.

YUKO MOHRI: Entrelazamientos

 Yuko Mohri (Kanagawa, Japón, 1980; vive y trabaja en Tokio) desarrolla una práctica que combina las artes visuales y la música experimental. A través de complejas instalaciones cinéticas, Mohri traduce fenómenos naturales imperceptibles, como la humedad, la gravedad, el magnetismo y el calor, en efectos visuales y acústicos. La artista junta objetos cotidianos e instrumentos musicales conectándolos a circuitos electrónicos que producen luz, sonido y movimiento.

Entrelazamientos plantea la interconexión entre objetos, energías, sonidos y personas. El título se refiere a conexiones imperceptibles y alude a la delicada interacción entre las estructuras naturales y artificiales que afectan a nuestro entorno. La exposición reúne ocho de las esculturas cinéticas e instalaciones sonoras más emblemáticas de Mohri. Las diferentes obras han sido ajustadas por la artista para responder a las características arquitectónicas y ambientales del Centro Botín.

La Belleza Rodrigo Cuevas

Mapi Quintana, Tino Cuesta, Rubén Bada, Juanjo Díaz, músicos

Pablo Dávila, Paula Fernández, Blanca de Cossío, Máximo Ramírez, cuerpo de baile.

Manual de Belleza cierra la trilogía que comenzase con Manual de Cortejo, seguido de Manual de Romería. Este trabajo es un catalizador de nuevos sonidos contemporáneos que se arrejuntan a la paleta ya conocida en donde, por supuesto, el germen de la tradición y del folclore no solo pululan sino que regeneran la propuesta artística y sonora con un desparpajo, una solvencia y una sutileza que erosiona nuestros órganos de la sensibilidad.

Con una presentación –audiovisual– a cargo de Rossy de Palma, apareció a través de un telón hecho de cientos de panojas de maíz  Dio la bienvenida al show con 'Un mundo feliz', un sueño idílico donde uno es invitado a ser lo que quiera ser. En el segundo bloque, Cuevas, con cambio de vestuario mediante, de brocado y oro, encaró el bolero 'Xardineru', sentado en la barra de su chigre, 'Pañuelín' paseando entre las butacas o 'Sácame a bailar', con Mapi Quintana con mantón 

«Para que estemos aquí haciendo la 'mamarracha' de una forma tan libertina, tan fresca y tan descarada, es gracias a que hubo mucha gente antes que también lo hizo, que puso la cara, que puso el cuerpo y puso la vida y es deber agradecerlo, ejercerlo, disfrutarlo», reivindicó el asturiano, para dar paso a uno de los momentos más intimistas. Sentado en las escaleras interpretó la canción dedicada a Rambal, un transformista asesinado en las calles de Gijón en 1976, una de esas «gentes buenas de la vida» a las que hay que recordar «porque esa gloria que perdieron en su momento, ahora la ganan de eternidad».

Colección Lola Garrido

Colección Lola Garrido, un proyecto que reúne más de un centenar de obras atesoradas desde 1986 por esta comisaria, crítica y experta en el mercado del arte. Recorre el discurrir de la corta pero fructífera historia del medio fotográfico: desde los retratos pictorialistas de Julia Margaret Cameron, que rompieron las convenciones victorianas del siglo XIX, hasta la década de los noventa del siglo XX, a través de la mirada de algunos de los grandes referentes de la fotografía, cuyos retratos, paisajes y naturalezas muertas han ampliado nuestra forma de ver, Alfred Stieglitz, Man Ray, Dorothea Lange, Robert Rauschenberg, Irving Penn, Nan Goldin y Wolfgang Tillmans, entre ellos.

La muestra se articula en dos sedes, que proponen enfoques diferenciados de la colección. En el Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS), la selección se centra en el mundo femenino: realizadas por artistas masculinos y femeninos, las imágenes tienen como protagonista a una mujer poliédrica que podría ser todas las mujeres. No responden a un modelo único. No son solo belleza, ni solo fuerza o misterio. Cada una aporta una manera distinta de estar y de mostrarse. Todas parecen contener una historia propia, como si bastara con mirarlas para que empezaran a contarla

La vanguardia, la fotografía de moda, la fotografía documental y la conceptual, así como el cine configuran la mirada de la extensa nómina de fotógrafos representados en el Palacete del Embarcadero. Autores de distintas nacionalidades guían al espectador a través de las laberínticas sendas de la memoria y la imaginación que iluminan esta evocadora colección, mientras el relato autobiográfico que Garrido construye a través de su afán por coleccionar termina siendo el de todos. 

Comisariada por : Gloria Crespo MacLennan

 

El amor que permanece Hlynur Pálmason

Islandia, Dinamarca, Francia, Finlandia, Suecia, 2025. Dirección y guion: Hlynur Pálmason Reparto: Sverrir Gudnason, Saga Garðarsdóttir, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Þorgils Hlynsson, Grímur Hlynsson, Ingvar E. Sigurðsson, Anders Mossling, Katla M. Þorgeirsdóttir, Halldór Laxness Halldórsson, Kristinn Guðmundsson. Duración: 109 minutos

El día a día de una familia islandesa durante un año entero. Pálmason presenta a la familia mientras come en el jardín de su casa: primero hay un plano general prolongado en el tiempo; después, un primer plano de cada miembro para ponerle rostro: el padre, que trabaja como pescador y pasa largas temporadas fuera de casa; la madre, que intenta abrirse un hueco en la escena pictórica islandesa; la hija adolescente —la que más desdibujada está—, con sus dudas existenciales y su indecisión frente a la multiplicidad de caminos que se le van a abrir una vez que termine el instituto; y los mellizos, siempre juntos, siempre jugando, siempre pendientes de descubrir algo nuevo de un mundo que, a sus ojos, no es más que un inmenso campo de juegos.

Alejandro Cartagena. Ground Rules

Ground Rules es la primera gran exposición del fotógrafo Alejandro Cartagena (1977): un recorrido en profundidad por los más de veinte años de trayectoria de este artista de origen dominicano y afincado en Monterrey, la megalópolis industrial del noreste de México. 

La exposición reúne alguno de sus proyectos más conocidos, como Suburbia Mexicana, Carpoolers, y la trilogía sobre la frontera, en una propuesta que pone de manifiesto su capacidad para visibilizar cuestiones sociales y medioambientales de urgente actualidad. El título de la exposición, Ground Rules, alude tanto a las restricciones creativas que el artista se impone en cada proyecto —como el formato, el tema o la localización, entre otras— como a las fuerzas sociales con las que lidia. En un mundo en constante transformación, el artista nos invita a cuestionar las reglas que nos gobiernan e imaginar cómo podrían trazarse de nuevo.

El recorrido deja claro desde el comienzo que Cartagena entiende la fotografía como una herramienta de pensamiento antes que como un simple registro documental. Sus proyectos nacen casi siempre en forma de series donde la repetición y las variaciones mínimas generan significado. Cada fotografía dialoga con la siguiente hasta construir una cartografía visual de las contradicciones contemporáneas.

Richard Avedon. In the American West, 1979-1984

Por primera vez se exhiben en España estas 110 copias de época, que el propio autor seleccionó y trabajó en el laboratorio tanto para aquella muestra como para el catálogo que la acompañó.    In the American West surge en un momento decisivo de la carrera de Richard Avedon (Nueva York, 1923- San Antonio, Tejas, 2004), tras décadas dedicado a la fotografía de moda y al retrato de figuras públicas. Cuando inició el proyecto, Avedon ya había expuesto en el MoMA y en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, además de ser el fotógrafo oficial de las portadas de Vogue. En un principio la serie suscitó cierta controversia, por la radical oposición entre su trabajo hasta la fecha y el anonimato de los personajes ahora retratados.  El proyecto respondía al interés de Avedon por abordar, desde el retrato, una reflexión crítica sobre la sociedad estadounidense, para lo que decidió centrarse en la clase trabajadora del oeste de Estados Unidos. Avedon amplió el proyecto inicial, mucho más limitado, para acabar creando el excepcional retrato de la condición humana que, más allá de su circunstancia geográfica y temporal, representa In the American West.

Hacia mucho que no disfrutaba tanto con una exposición.

La última ronda en Venecia F.Sossai

 

2025 Italia Comedia 1h39 Dirección Francesco Sossai Con  Filippo Scotti, Sergio Romano, Pierpaolo Capovilla, Denis Fasolo, Giulia Bertasi, Andrea Pennacchi, Roberto Citran, Simone Bergamasco, Lorena De March.

Carlobianchi y Doria son dos amigos cincuentones que se lanzan a la carretera para ir a recoger a otro antiguo colega que regresa de un exilio voluntario tras veinte años en Argentina. Pero ese objetivo se irá convirtiendo en algo secundario, pues se dedicarán a ir de pueblo en pueblo, siempre con la intención de tomarse la última copa. En una de esas etapas liarán a Giulio, un tímido estudiante de arquitectura bastante soseras que acabará sumándose al coche.

Las aventuras de los compadres protagonistas por las carreteras de Véneto, aunque amenas, resultan  enormemente vacuas: estamos lisa y llanamente ante dos borrachuzos que no hacen absolutamente nada y que van de aquí para allá dándole a la labia y cogiéndose cogorzas, echando una canita al aire o engañando a pardillos de turno, por muy condes que sean. Sin embargo, ese vivir al día despreocupadamente terminará haciendo mella en el joven Giulio, que quizá encuentre el modo de salir de su apalurdamiento y tomar las riendas de su vida.

Narrada en forma de “road movie”, La última ronda en Venecia no emociona demasiado aunque resulta más o menos simpática. Sin embargo, pesa en el conjunto su agotadora falta de fondo, no basta con ver contemplar las correrías sin sentido de estos perdedores, pese a estar bien interpretados por Sergio Romano y Pierpaolo Capovilla.

Un taxi en Tokio Y.Yamada

2026 Japón Drama Dirección y guion: Yoji Yamada y Yuzo Asahara. Reparto: Chieko Baisho (Sumire), Takuya Kimura (Koji), Yu Aoi (Sumire joven), Lee Jun-young.

Koji, un taxista de Tokio con dificultades económicas, acepta el encargo de llevar a Sumire, una mujer de 85 años, desde el barrio de Shibamata hasta una residencia en la costa de Hayama. Lo que debería ser un trayecto de poco más de una hora se convierte, a petición de la pasajera, en un recorrido por los lugares que marcaron su vida. Con cada parada, Sumire abre su corazón y los dos desconocidos descubren que, a pesar de la distancia generacional, tienen más en común de lo que imaginaban.

Yoji Yamada tiene 93 años y lleva más de seis décadas haciendo cine. Su obra se caracteriza por un humanismo profundo, sencillez narrativa y un retrato costumbrista de la sociedad japonesa. Utiliza un ritmo pausado y una puesta en escena elegante, sin artificios para explorar los lazos familiares y el peso de las tradiciones. 

La película es un remake de Driving Madeleine (Christian Carion, 2022), en la que un taxista parisino y una anciana recorrían París antes de que ella ingresara en una residencia. Yamada traslada la historia a Tokio pero lo esencial permanece: la ciudad que archiva y desencadena las memorias; la necesidad de la anciana de reafirmar su identidad compartiendo su historia, buscando distracciones y excusas porque se dirige a un sitio donde no quiere ir. Ella se aferra a la vida que tuvo, reforzando su identidad y sus recuerdos, mientras se dirige hacia una residencia que la convertirá en una anciana más. Se mira en su pasado porque su futuro se estrecha.

 

La Odisea C. Nolan

2026 Reino Unido Guion y dirección Christopher Nolan, Intérpretes: Tom Holland, Matt Damon, Charlize Theron, Jon Bernthal, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong'o, Zendaya, Fotografía: Hoyte van Hoyte Duración: 172 min. 

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Sin embargo, el camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no solo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Narrada desde varios puntos de vista, pero siempre con el foco de descubrir lo que ocurrió con Odiseo y la repercusión en Ítaca de su ausencia años después, su estructura funciona casi como una consecución de episodios en la que revisitamos momentos como la cueva del cíclope, la batalla de Troya, el encuentro con la bruja Circe o la visita al Hades. La Odisea es una película de una escala descomunal. Visualmente resulta espectacular, las interpretaciones convencen y el conjunto transmite la ambición de quien quiere convertir un relato clásico en una gran experiencia cinematográfica.

Montségur L.Mirepoix

Avant le grand émoi qui vint bouleverser sa vie, Jordane était une enfant de soleil qui mûrissait comme un jeune fruit sur les coteaux lumineux. Son père, troubadour de belle humeur, possédait, en fief du Comté de Foix, la petite seugnerie de Montaure, à travers laquelle il rêvait et chassait, heureux de vivre et de voir vivre les autres. Il n'avait pas de serfs, lesquels devenaient de plus en plus rares, au XIIIè siècle, dans le midi de la France. Ses vilains, libres de leurs personnes, possédaient la terre en censive, moyennant la redevance établie en de vieux accords. chacun demeurait soumis, comme tout homme ici-bas, à une justice. Le seigneur l'exerçait en ses plaids, assisté de gens de toute condition.

Dernier bastion de la révolte albigeoise, haut lieu de la foi cathare, la forteresse de Montségur couronne un mont hautain, isolé de tous les autres sommets. Mais sous le commandement de Guy de Lévis, les chevaliers venus du Nord où règne Saint-Louis se sont juré de réduire ce nid d'aigle réputé inexpugnable. C'est le choc de deux religions, c'est une étape décisive vers l'unité du royaume de France. Jordane, si belle et si violent, est le symbole de cette ultime révolte. Pour elle, pour Gauthier, pour le Frère Jean de Navarre, ce refus de céder à la force signifie la mort, mais une mort qui leur assurera l'éternité déniée à leurs adversaires.

Les Cathares R. Nelli

Le catharisme est encore fort mal connu du grand public. Pourtant il constitue, dans l'histoire occidentale, un cas unique à bien des égards. On peut étudier le phénomène cathare sous deux angles bien différents: en tant qu'hérésie ou en tant que civilisation originale. L'hérésie s'est développée avec succès dans plusieurs pays d'Europe. Mais le catharisme, en tant que civilisation ou, du moins, en tant qu'expression spirituelle la plus achevée d'une civilisation spécifique, avec sa culture, ses moeurs, ses lois, etc, ..., s'est surtout épanoui en Occitanie. 

Beaucoup d'inexactitudes.

Día de caza P. Aguilera

2025 drama España Dirección Pedro Aguilera Con Carmen Machi, Rossy de Palma, Blanca Portillo, Zoé Arnao

Verano 2024. Blanca, Rosa y Carmen son tres amigas de mediana edad que tras mucho tiempo sin coincidir todas juntas, quedan junto con Alicia, la joven y taciturna sobrina de Rosa, para ir a cazar conejos a un coto de caza que Blanca heredó de su tío José. Entre risas comparten los complicados momentos por los que están pasando en sus vidas. La relación con los hijos, separaciones, infidelidades, la menopausia, problemas con el alcohol, importantes proyectos profesionales… El calor, insoportable, asfixiante, y las conversaciones sobre temas del pasado van subiendo de tono hasta acabar enfrentando a las mujeres. Imposible no recordar que casi 60 años atrás, otro día de caza, en aquella misma finca, acabó en tragedia.

El problema es que apunta demasiado alto. Si no existiese La caza o si la película no intentase ligarse a ella, podría volar con mayor libertad y tener más personalidad propia. Podría navegar por otros caminos. Podría no intentar tanto parecerse a la original. Y quizá no dejaría tantas lagunas en el guion. Hay ideas que se proponen, pero no se exploran; detalles que se intuyen sobre el pasado, pero que no terminan de explicarse; momentos que se avecinan, pero nunca suceden. A veces da la sensación de película incompleta y, pese a sus aciertos, no aguanta la comparación.

Amor propio Gonzalo Celorio

Por sus dedos tartamudos pasaron la máscara africana de Taboo, la sonrisa roja de Harry Belafonte y la sonrisa blanca de Nat King Cole, el fondo negro de Sixteen Tons, la cintura azucarada de Virginia López, las estrellas gitanas de Rafael Acevedo...Hasta que encontró la portada que le mordía los dientes: el London 17772 en el que Sarita Montiel fumando espera. No puso el disco. Abajo todos coreaban, trasnochados, con nostalgia prematura, Los marcianos llegaron ya. Moncho no era personaje todavía. Apenas tramoyista. Había visto la fiesta desde el barandal de la escalera, que tenía forma de riñón. Como la sala. Como la alberca del Güero Anzures. A la hora de los preparativos, en cambio, había sido el protagonista. Leído hasta pág 186/249.

La fiesta no sólo es el telón de fondo de esta historia: es el hilo que une las tres etapas vitales de su protagonista ―Moncho, el adolescente; Ramón, el adulto; y Aguilar, el hombre maduro― a lo largo de quince años, entre 1965 y 1980. En ese espacio compartido de celebración y desahogo, la fiesta se convierte en un espejo de la existencia: un territorio donde la alegría roza el abismo, donde la risa puede terminar en drama y donde todos los amigos bailan al compás de sus sueños, utopías y desengaños. No conseguí entrar en el personaje, dificultades léxicas y de sentido del humor.

La escopeta nacional J.Echanove

Dirección Juan Echanove

La escopeta nacional (1978), película dirigida Luis García-Berlanga y escrita por éste junto a Rafael Azcona, ocupa un lugar central en la historia del cine español por su capacidad para retratar, desde la sátira, los mecanismos de poder, las redes de influencia y la corrupción moral de los últimos años del franquismo.  Casi medio siglo después, el Teatro Español recupera aquel material en una adaptación firmada por Bernardo Sánchez Salas y dirigida por Juan Echanove. La propuesta busca trasladar al escenario la maquinaria berlanguiana sin renunciar a su carácter coral ni a su dimensión satírica. El texto condensa las múltiples localizaciones y situaciones de la película en una dramaturgia apoyada en la continuidad escénica y en la presencia de la música. Tras ello, la intención de demostrar que los temas planteados por Berlanga y Azcona hace casi medio siglo —el amiguismo interesado, la avaricia desbordada y el clasismo de trazo grueso- conservan vigencia en nuestro presente.

La dirección de Echanove apuesta por la abundancia. El escenario se llena de cuerpos, voces y movimientos en una permanente sensación de actividad. Cerca de una veintena de intérpretes y músicos comparten espacio para recrear el bullicio característico del universo berlanguiano, ese ruido de fondo donde conversaciones, intereses y conflictos se superponen hasta conformar una imagen colectiva. 

Sin embargo, el resultado apenas trasciende la condición de reproducción. Lo que se escucha y se ve recuerda a una grabación recuperada de otra época más que a una obra capaz de dialogar con la actualidad. Falta frescura, espontaneidad y, sobre todo, la sensación de riesgo que hacía vibrar el material original. Los chistes, las sátiras, las hipérboles y los esperpentos conservan intacta la fecha de su concepción, pero su representación actual no resulta eficaz. El mecanismo se percibe, pero rara vez se activa. Algo parecido ocurre con los elementos que nos han de trasladar a esa finca en la que se reúnen personajes variopintos para celebrar una cacería. La escenografía de Isi Ponce y el vestuario de Tania Tajadura, por ejemplo, resultan solventes, aunque se contemplan con distancia, como piezas de museo cuidadosamente restauradas. Todo está donde debe estar, pero pocas veces sucede algo que justifique su regreso.

Robert Frank & Los Americanos

Considerada con el paso del tiempo como un hito fundamental de la fotografía, Los Americanos no solo redefinió por completo el lenguaje fotográfico contemporáneo, sino que cuestionó las narrativas oficiales de prosperidad, éxito y el «sueño americano» que dominaban la imagen de Estados Unidos en la posguerra. La muestra, comisariada por el prestigioso crítico David Campany y organizada con el apoyo de la Maison Européenne de la Photographie (París), ofrece las 83 imágenes que conforman el libro original de 1958, además de material inédito sobre el proceso creativo del autor. Gracias al apoyo de dos becas de la Fundación Guggenheim, recorrió el país en un extenso viaje por carretera  durante varios años, atravesando ciudades y paisajes en busca de una mirada más profunda y compleja sobre la sociedad estadounidense. Lejos de los códigos de la fotografía documental tradicional y del concepto de «instante decisivo», Frank desarrolló una estética radicalmente nueva basada en encuadres inclinados, desenfoques deliberados, grano y composiciones fragmentarias o incómodas. Más que registrar el mundo de forma aséptica, Frank construyó una forma personal de interpretarlo, capturando lo que él llamaba momentos intermedios. Como el propio Frank afirmó en 1957, su intención era mostrar una sección representativa de la población de forma simple y desde una visión estrictamente personal, recordando que «la crítica puede surgir del amor» y que lo importante es «ver lo que es invisible para los demás».

Plateforme M. Houellebecq

Mon père est mort il y a un an. Je ne crois pas à cette théorie selon laquelle on devient réellement adulte à la mort de ses parents; on ne devient jamais réellement adulte. Devant le cercueil du vieillard, des pensées déplaisantes me sont venues. Il avait profité de la vie, le vieux salaud ; il s´´etait démerdé comme un chef. "T'as eu des gosses, mon con... me dis-je avec entrain ; t'as fourré ta grosse bite dans la chatte de ma mère." Enfin j'étais un peu tendu, c'est certain ; ce n'est pas tous les jours qu'on a des morts dans sa famille. J'avais refusé de voir le cadavre. J'ai quarante ans, j'ai déjà eu l'occasion de voir des cadavres; maintenant, je préfère éviter. Cest ce qui m'a toujours retenu d'acheter un animal domestique.

Houellebecq n'y va pas par quatre chemins pour décrire l'acte. Avec lui, pas de suggestion, ça suce, ça lèche, ça pénètre. On croise des bites, des chattes, des fesses et des tétons. Autant dire qu'une telle lecture n'est pas recommandée aux esprits prudes. Mais s'il se permet tous les vices, s'il prend plaisir à dériver vers tous les interdits, l'auteur verrouille son oeuvre d'un souci permanent d'apparaitre tel qu'il est : triste.

"Plate-forme" est un livre captivant, mais un peu alourdi par les longues, trops longues, descriptions de scènes érotiques, voir pornographiques. Michel, le narrateur du récit, vient de perdre son père qui a été retrouvé assassiné, près de Cherbourg, le crâne brisé dans son appartement. Michel va partir alors en voyage vers la Thaïlande ... 

Houellebecq fait le tour de la petitesse humaine qui gravite autour de cette plateforme. Portrait au vitriol de la société de consommation, entre cynisme et provocation, il dépeint une société qui périclite, une société décadente, sans espoir d'évolution vers un monde meilleur. C'est l'humain qu'il met au coeur de cette fatalité, l'humain et sa recherche de satisfaction immédiate et gratuite.

"Mitologías modernas: Ouka Leele & Co"

Una exposición que revisita el papel de la mitología en el arte madrileño de los años ochenta a partir de la obra de Ouka Leele, junto a artistas clave como El Hortelano, Ceesepe, Carlos Franco o Sigfrido Martin Begué. La muestra toma como punto de partida la obra “Rapelle toi, Bárbara!”, emblemática intervención de Ouka Leele en la fuente de Cibeles en 1987, con la que paralizó el tráfico de la ciudad para teatralizar la historia de Hipómenes y Atalanta. A partir de ella, el recorrido expositivo explora el cruce entre fotografía, pintura y cultura visual contemporánea, así como el resurgir de los relatos mitológicos en un momento clave de transformación cultural, como fueron los años ochenta.

Esta recuperación de la mitología clásica supuso una herramienta clave para pensar una nueva realidad en el marco del arte de la Transición, e imaginar el lenguaje del futuro desde los mitos del pasado. A partir de ese eje, la exposición traza una mirada transversal a los distintos usos de lo mitológico en estos artistas vinculados a la Nueva Figuración y la Movida: desde la incorporación de la cultura “underground” del cómic y el fanzine de Ceesepe, hasta los mitos relacionados con la tradición romántica en El Hortelano o la reflexión sobre la pintura y la historia del arte de Sigfrido Martín Begué, junto a artistas como Guillermo Pérez Villalta, Dis Berlin o Pablo Sycet. 

En conjunto, la muestra recoge más de cien obras de artistas como Carlos Alcolea, Miluca Sanz, Carlos Forns, Costus o Patricia Gadea, además de los ya citados, formando un repertorio de obras y temas que contribuye a construir una nueva mitología de la ciudad de Madrid.

“Soy Asurbanipal, rey del mundo, rey de Asiria”

Asurbanipal gobernó entre los años 669 y 631 a. de C. En su palacio albergó una biblioteca de tabletas cuneiformes con la ambición de reunir todo el conocimiento existente. Fue responsable de la mayor expansión del Imperio asirio y del florecimiento de su economía, y su reinado impulsó la expansión de estilos artísticos, corrientes de pensamiento y movimientos humanos por todo el Mediterráneo y Oriente Medio. Mantuvo un férreo control sobre sus territorios y vasallos utilizando tanto la violencia y el terror como la estrategia y la diplomacia. 

Esta exposición muestra los claroscuros de este gobernante complejo y poderoso a través de la colección de objetos asirios procedentes del British Museum. Incide, además, en la importancia que tiene para las generaciones futuras la conservación del patrimonio cultural y cómo nos ayuda a comprender la historia de la humanidad. Magnífica.

Un poeta Simón Mesa

2025 Colombia Comedia dramática Dirección Simón Mesa Con Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona, Humberto Restrepo, Margarita Soto, Alisón Correa.

La obsesión de Óscar Restrepo por la poesía no le ha reportado ninguna gloria. Envejecido y errático, ha sucumbido al tópico del poeta en la sombra. Conocer a Yurlady, una adolescente de origen humilde, y ayudarla a cultivar su talento trae algo de luz a sus días, pero arrastrarla al mundo de la poesía quizá no sea el camino.

Su desdichado protagonista grita con desesperación «soy poeta», solo para recibir burlas y compasión – escenas en las que lo cómico y lo trágico se entrelazan, reflejando la infantil pretensión de quienes claman haber nacido para crear cuando no sirven para otra cosa, y la crueldad de un entorno que primero infló sus anhelos creativos, y luego los arrojó al prosaico materialismo de la vida cotidiana. Dividido en cuatro capítulos —«Fracaso», «Opus Magnum», «El arte nos salvará» y «Un poema feliz»— acompañamos los avatares de Óscar Restrepo: un fracasado de gafas, rondando los cincuenta, autor de dos poemarios en su juventud, exacadémico que soñó con entregarse por completo a su genio creativo; ahora desempleado, vocifera que solo quiere ser poeta, aunque hace años que no escribe. Es un marido y padre derrotado, sin dinero ni hogar propio, durmiendo aun en su habitación infantil, tapizada con retratos de su ídolo José Asunción Silva, pilar de la poesía moderna en Colombia. Lo rodean mujeres que lo lamentan (madre, hermana) y buscan manera de encajarle en el mundo cruel, y otras que lo desprecian (exmujer, hija), avergonzadas de su presencia y deseando que no existiera.

La vengadora de las mujeres L.de Vega/Carlos Martín

Dramaturgia Alfonso Plou y María López Insausti Dirección Carlos Martín Coproducción Compañía Nacional de Teatro Clásico y Teatro del Temple. Reparto:  Silvia de Pé, Gabriel Moreno, Secun de la Rosa, José Vicente Moirón,  Xavi Caudevilla, Nacho Rubio, Chavi Bruna,  Lorena Berdún, Itziar Miranda.

Laura, princesa de Bohemia, es mujer de fuerte personalidad y muchos estudios que desprecia a los hombres y ha creado una escuela feminista para empoderar a las mujeres. Que al final de la función el amor derrote en parte su militancia no le quita el valor a la obra de reclamar una mayor sensibilidad para las mujeres y denunciar lo injusto del trato con que los hombres las han relegado. 

Un texto que los expertos encajan entre 1615 y 1620, cuando el autor ya superaba los cincuenta años, que logra dotar a la protagonista, la princesa Laura, de toda una caracterización, pues sus largos y agudos parlamentos nos revelan a una señora llena de ingenio y de conocimientos tanto eruditos como psicológicos. Silvia de Pé se hace con el papel de una manera absolutamente elocuente, porque se impone firme en sus convicciones a través de gestos de gran ironía; pero, a la vez, es capaz de aplicar soltura para añadir mohínes humorísticos que se engarzan de modo fulgurante. Por lo tanto, ella se convierte en el gran atractivo de un montaje que nos puede parecer un tanto tópico en otros elementos, como la estupidez generalizada con la que se bosqueja a los varones. Sus ínfulas están repletas de una ideología que aquí busca el eco en las proclamas del feminismo contemporáneo. Ya que su furibundo rechazo de los hombres no es por cuestiones de orgullo o de soberbia. Su pensamiento y su enfado están pergeñados con múltiples lecturas, algo excepcional en la época. Lo menos logrado, el vestuario masculino. Actuaciones estupendas. Divertida y ágil.

Santander, lugares comunes I. Alonso

Si llegas a Santander en tren o en autobús y te diriges hacia el pasaje de Peña, el túnel que conecta la plaza de las Estaciones con el centro de la ciudad, te encuentras un bonito bibelot de diez metros de altura. Para verlo hay que levantar los ojos; si no, puede pasar desapercibido. Es una escultura policromada. Representa a una mujer vestida de rojo que mira por un catalejo. A mí me gusta mucho, aunque me parece un poco kitsch. Seguramente el kitsch sólo esta en mi mirada. La escultura se instaló en 2010 y es obra del artista portugués Baltazar Torres. Según el catálogo en línea del museo de arte moderno y Contemporáneo de Santander, Torres quiso identificar y condensar la esencia del lugar donde se erige, la rampa de Sotileza. 

Santander es la ciudad portuaria que le volvió la espalda a su puerto. Es la ciudad que resurgió dos veces de sus cenizas. Fue enclave del veraneo elegante, culto y cosmopolita. Es a la vez moderna y tradicionalista, elitista y raquera, clasista y aspiracional. Ciudad escenográfica, siempre hermosa y arreglada, disimula su tramoya para asomarse a la bahía más bella del mundo. Todos los lugares comunes recogidos en este libro son espacios físicos y representaciones mentales que forman parte de un repertorio común nos dicen algo acerca de Santander. Cumplen así una de las funciones principales del cliché: nos permiten iniciar una conversación.

Yo sólo quiero irme a Francia E.Larena

Texto y dirección: Elisabeth Larena Reparto: María Galiana, Nieve de Medina, Anna Mayo y María Roja

En este proyecto se intentan conjugar tantos elementos que da hasta para que veamos espíritus. El problema es que la dramaturga carece de sutileza en su escritura y no ha sabido bosquejar ni a los caracteres ni a la trama. Principalmente, porque el papel de Galiana, por ejemplo, apodada en el pueblo la «vinagreta», es un burdo estereotipo de franquista adusta y trasnochada, aunque haya criado a una nieta ella sola, y haya tenido que inventarse una vida sin marido. O sea, ni siquiera se le concede un margen de bondad y por eso sus vecinos hacen fiesta por su fallecimiento. La actriz le pone su encanto y participa levemente dando apostillas durante los ochenta minutos de función. Puesto que la voz cantante la llevan sus nietas.

En la casa, se sitúa el féretro delante de un pequeño andamio y un gran ventanal. Allí ha vivido hasta su emancipación Leo. Una joven un tanto seca, muy independiente, soltera y piloto de avión.  María Roja carga con un rol bastante simplón, debido a que procura aportar algo de comicidad en el lío que deben resolver. A partir de ese instante nos adentramos en un desbarajuste. Descubrir qué ocurrió verdaderamente con su abuela y saber, en definitiva, qué pasó con su madre. Esta también surge por ahí, pues se murió cuatro meses antes. Nieve de Medina hace de Nieves y de Marisol, pero lo mismo da, ya que no tiene desarrollo y  entorpece el devenir del espectáculo. Porque, ya puestos, para qué contar tanto, entre recortes del ABC, esquelas, uniformes azules con el yugo y las flechas, si precisamente, ya que emplea un flashback anecdótico, podría haberlo hecho para ofrecernos un relato verosímil de la tragedia que anida en esta propuesta.  En cualquier caso, el humor con el que se desea ahormar el montaje y el insensato uso de los improperios y de las palabrotas por aquí y por allá diluyen un contexto histórico y toda una biografía, pues ese «irse a Francia» realmente suena a los años 60. Desde luego, la obra requeriría toda una recomposición. Y mejorar el sonido!

Yo solo quiero irme a Francia

Texto y dirección: Elisabeth Larena

Reparto: María Galiana, Nieve de Medina, Anna Mayo y María Roja

Sobre el cuerpo A. Comte-Sponville

Si existiera Dios, todo estaría permitido, ya que todo tendría su recompensa o su castigo, y le correspondería a cada cual asumir sus riesgos. Al contrario, puesto que Dios no existe, puesto que no hay riesgo alguno (o hay exactamente el mismo en tosas las hipótesis: lo que ya no es un riesgo, sino una certeza), yo no puedo permitirme hacer cualquier cosa. Uno tiene su orgullo. En suma: puesto que ya no tenemos religión, nuestra necesidad de moral es absoluta. ¿Acaso les disgusta la palabra? Digamos entonces una Ética. Y lo habremos dicho todo. 172/298

Escrita entre 1978 y 1980, cuando el autor tenía alrededor de veintiséis años, Sobre el cuerpo, su primera obra, es una colección de aforismos y la primera aproximación del autor a los intereses y temas que ha ido desarrollando a lo largo de toda su obra, e incluso a aquellos autores Epicuro, Spinoza, Montaigne y Marx, entre otros que se han convertido en los referentes de su viaje filosófico. Tal como apunta el mismo Comte-Sponville, esta obra «podría llamarse Sobre el alma, pues eso es a lo que aspira, lo que intenta decir: el alma es algo en el hombre que lo supera, la parte más elevada de sí mismo, su grandeza, su verticalidad, su espiritualidad. 

La isla de Amrum Fatih Akin

Alemania 2025 Drama 93 min Dirección: Fatih Akin, Guion: Fatih Akin, Hark Bohm, Intérpretes: Diane Kruger, Matthias Schweighöfer, Laura Tonke, Jasper Billerbeck, Detlev Buck, Lisa Hagmeister,

Ambientada en la isla de Amrum durante la primavera de 1945, en los últimos días del Tercer Reich, la historia se centra en Nanning, un niño de doce años cuya visión del mundo comienza a transformarse en un entorno que, aunque aparentemente alejado de la guerra, no deja de estar marcado por ella. La película evita el dramatismo excesivo y construye su relato desde la mirada del niño, que va descubriendo poco a poco las tensiones y contradicciones del mundo adulto. La vida cotidiana en la isla -marcada por la escasez, el paisaje y la sencillez- se convierte en el espacio donde tiene lugar su aprendizaje. En este contexto, el deseo de conseguir pan blanco con mantequilla y miel para su madre adquiere un significado más profundo, ligado tanto a la necesidad como al afecto. En cuanto al personaje de Nanning, la película sugiere que el amor filial tiene una fuerza discreta pero persistente, capaz de abrir grietas incluso en discursos muy rígidos como el del adoctrinamiento de las Juventudes Hitlerianas. Aunque la infancia puede ser fácilmente influenciable, el vínculo afectivo con la madre actúa como una forma de resistencia íntima, que cuestiona, sin necesidad de grandes gestos, las ideas impuestas. El guion, escrito junto a Hark Bohm a partir de sus recuerdos de infancia, aporta a la película un carácter personal y cercano. La aparición del propio Bohm en una breve escena refuerza esa dimensión de memoria y despedida. A nivel temático, La isla de Amrum destaca por el uso de detalles sutiles pero significativos. La imagen de un nazi mutilado que no puede realizar el saludo reglamentario, o la referencia a Moby Dick, introducida a través del intercambio del libro entre los personajes, funcionan como metáforas del contexto histórico y emocional.

En conjunto, se trata de una obra contenida y madura, que encuentra su fuerza en la observación y en la sencillez, y que reflexiona sobre el final de la infancia y el derrumbe de una época sin recurrir a grandes excesos.

Una dulce venganza J. Jonasson

 Él no tenía ni la menor idea de quién era Adolf y jamás había oído hablar del Imperio Austrohúngaro. Ni falta que le hacía: era el curandero de un pueblo apartado de la sábana africana. Dejó tan pocas huellas en la tierra roja y ferrosa que ya nadie recuerda cómo se llamaba. Era diestro en el arte de la medicina pero, así como él mismo no tenía mayores noticias del resto del mundo, la buena nueva de sus habilidades tampoco llegó más allá del valle donde habitaba. Vivió frugalmente, murió demasiado pronto. Pese a su destreza, no pudo curarse a sí mismo cuando más falta le hizo. Un reducido grupo de pacientes fieles lo lloró y lo echó de menos. El hijo mayor parecía demasiado joven para hacerle el relevo, pero esta era la costumbre desde tiempos  remotos y no había otra opción. 

Victor Svensson, un tipo ambicioso y sin escrúpulos, se casa con la hija de un multimillonario galerista en los últimos momentos de la vida de este. Cuando el hombre fallece, Victor engaña a su mujer y logra hacerse con el negocio y ver colmadas por fin sus ansias de dinero y poder. Sin embargo, la aparición en escena de un hijo bastardo de Victor, fruto de una antigua relación, podría dar al traste con sus planes, y no está dispuesto a permitirlo. A partir de este punto se desarrolla una divertidísima trama de enredos que mezcla de forma asombrosa la realidad de las tribus masáis, la obra de la pintora Irma Stern, la figura de Hitler y el papel del arte en la configuración de su destino y, sobre todo, la sed de venganza de un joven sin nada que perder. Divertido y muy imaginativo.

La maison vide L. Mauvignier

Fouillé- j'ai fouillé partout où j'étais pour ainsi dire sûr de la retrouver les yeux fermés ; j'ai fouillé partout où j'étais certain qu'elle se cachait, puis dans les endroits où j'étais convaincu que je ne la retrouverais pas mais où je me suis raconté qu'elle avait pu échouer par je ne sais quel coup du hasard, me doutant bien qu'il était impossible qu'elle y soit sans que personne l'y ait mise- et depuis quand aurait-elle atterri là?    Je la revois dans les tiroirs de la commode- c'est par ici qu'il fallait commencer, j'en étais sûr, par dette commode centenaire héritée de mon père, avec son plateau de marbre gris et rose fendu à l'angle supérieur gauche, son triangle presque isocèle qui n'a jamais été perdu et qui reste là, flottant comme un îlot en forme de tarte ou de pizza- mais cassé depuis quand et par qui?- et qui n'a jamais été perdu ni jeté, même si la commode, en un siècle, n'a sans doute pas subi un suel déménagement, ou quelques-uns qu'elle n'aura vécus qu'à l'intérieur de la maison, passant peut-être, traînée par deux saisonniers réquisitionnés pour l'occasion, du rez-de-chaussée au couloir de l'étage pour finir ici, dans la chambre du cérisier,qu'on appelle chambre du cérisier depuis toujours, en sachant que ce toujours a commencé bien avant moi et avant mon père qui lui aussi l'appelait chambre du cérisier - depuis toujours nous a-t-il affirmé, ....

Texte d'imagination...Ce que l'auteur cherche, c'est la Légion d'honneur décernée à son arrière grand- père, à titre posthume, mort en 1916.  En ouvrant une maison familiale depuis trop longtemps abandonnée, un homme va rencontrer, chercher, le passé de sa famille depuis la fin du XIX ème jusqu'à lui. 740 pages pour écrire l'histoire d'une famille à travers ses femmes , Jeanne Marie, Marie Ernestine et Marguerite. Trois destins, trois femmes dans leur époque, soumise à la loi du patriarcat, rêvant de piano , de liberté ou juste de pouvoir et dont l'émancipation pourrait mener à la perte.

C'est  écrit, avec une maitrise impressionnante de la subordonnée . Cependant,  je me serais passée de quelques répétitions qui n'apportent pas grand chose à l'intrigue et qui finissent par lasser.

La destinée de Marie Ernestine, son destin de femme du début du XX ème siècle , à une époque "où l'on ne choisissait pas " est magnifiquement rendue. Elle , la fille dans un monde d'hommes , tous plus décevants les uns que les autres, qui va devenir l'espoir de son père. Et que dire de Marguerite , livrée à elle même , privée d'amour par sa mère. Certains passages sont plus intéressants que d'autres mais on s'ennuie souvent. "c'est extrêmement long et qu'il aurait gagné à être un peu plus ramassé"

La Grazia P. Sorrentino

2026 Italia Drama 133min Dirección y guión: Paolo Sorrentino Con Toni Servillo, Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo Venturiello, Milvia Marigliano, Giuseppe Gaiani, Giovanna Guida. 

La historia plasma los últimos momentos de Mariano De Santis, un presidente democristiano que debe resolver algunas cuestiones morales antes de retirarse de la vida política, firmar o no firmar la ley de eutanasia e indultar a dos asesinos.

Cada plano, un regalo para la vista. Cada frase, un regalo para la inteligencia. Juntos, ideas que conmueven. La vida y la muerte, el amor y el duelo, la amistad y la traición, la pasión y la tristeza, la búsqueda y el desencanto. Toni Servillo, en el papel del presidente saliente de la República Italiana, Mariano De Santis encara los seis últimos meses de su mandato con la tranquilidad de saber que deja un legado de cautela y moderación, hasta que se entera de que lo apodan «Hormigón armado» por su tendencia a no hacer nada. Entonces le asaltan las dudas. ¿Y si su vida no ha sido más que un largo viaje a ninguna parte? ¿Y si su querencia por dejar que las cosas se solucionen solas es simple y pura cobardía? Su apodo de pronto le coloca frente al espejo de varias cuentas pendientes: una polémica ley que regula el derecho a la eutanasia, dos casos de indulto a sendos presos por el asesinato de sus parejas, la difícil relación con sus dos hijos y el duelo por su esposa fallecida. De Santis debe decidir entre sentarse a contar los días que faltan para volver a su casa, o aprovechar su poder declinante para cambiar algunas cosas.

La muerte, o su cercanía, es el hilo que cose todas las inquietudes de De Santis, y que por cierto son también las de esa Italia utópica que ha imaginado Sorrentino en La Grazia, con un Papa negro, un debate abierto sobre la eutanasia y un presidente de la República que asume los poderes que le reconoce la constitución, por encima del presidente del Consejo de Ministros.. A Sorrentino ya no le vale con señalar las grietas de su país; ahora propone alternativas progresistas que no son incompatibles con la tradición. Ahí está si no la magnífica secuencia protagonizada por los veteranos de los Alpini (los Alpinos), la división de infantería de montaña del ejército italiano. El velo tricolor que cubre su último plano es a la vez una declaración de amor a Italia y al coraje –la palabra más repetida en el guion– que hace falta para cambiarla. Una delicia

The Silence Falk Richter

Texto y dirección Falk Richter Reparto: Dimitrij Schaad, en vídeo Falk Richter y su madre Doris Waltraud Richter. 1h45

Obra de autoficción The Silence profundiza en su historia familiar. Su padre falleció antes de que pudieran tener una conversación reconciliadora. A través de un diálogo con su madre, Richter se centra en verdades que han permanecido ocultas durante décadas, secretos reprimidos y traumas sin resolver que aún lo atormentan.  Este enfrentamiento entre madre e hijo se convierte en un viaje a los abismos de la sociedad burguesa de Alemania Occidental desde la posguerra hasta la actualidad. Pronto, lo autobiográfico se mezcla con lo ficticio, los recuerdos se contradicen y emergen las posibilidades de otras realidades.

Las autoficciones teatrales no paran de golpearnos con su egotismo. Por si fuera poco, la homosexualidad como tema en sí mismo, como relato de padecimiento, se antoja repetitivo. El buen hacer de Dimitrij Schaad alivia la densidad que se anhela. Es capaz desde el mismo prólogo ─espontáneo y utilizado para captar nuestro ánimo─ de aportar a la propuesta unas pizcas de humor que se esconden en el propio texto. La ironía es una necesidad de descargo que se brinda en los diálogos que contemplamos en vídeo entre la madre y el hijo. Grabaciones que, desde el punto de vista dramatúrgico, no se hibridan suficientemente con lo acontecido sobre el tapiz. Se intercalan de modo abrupto para dar descanso al actor. The Silence discurre por una escenografía grandilocuente diseñada por Katrin Hoffmann, que vale para enmarcar, sobre todo, los vídeos que visionamos. Pero acaba por «comerse» a un intérprete muy entregado que, en la mayoría de los instantes, transmite su alocución sentado. 

 

Calle Málaga M. Touzani

 

2025 Marruecos 116 min Drama Dirección Maryam Touzani;  guion Touzani y Nabil Ayouch. Reparto : Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane, María Alfonsa Rosso, Miguel Garcés e Imèn Laïdi.

María Ángeles (Carmen Maura) es una española de 79 años que vive sola en Tánger, en el norte de Marruecos, donde disfruta de su ciudad y de su vida diaria. Su vida da un giro cuando su hija Clara (Marta Etura) llega desde Madrid para vender el apartamento en el que siempre ha vivido. Decidida a quedarse en la ciudad que la vio crecer, hará todo lo posible para mantener su hogar y recuperar los objetos de toda una vida. Por el camino, redescubre, contra todo pronóstico, el amor y el deseo.

Nunca es tarde para querer algo distinto de la vida. Carmen Maura sostiene el relato con una interpretación luminosa y llena de matices. A su alrededor, los personajes secundarios enriquecen la película con interpretaciones en apariencia sencillas. Destaca Josefa, esa amiga monja que ha hecho voto de silencio, convertida paradójicamente en la mejor confidente: alguien que escucha sin juzgar, ofreciendo un refugio emocional que la palabra no siempre garantiza. También resulta entrañable Abslam, el anticuario, conocedor de todos los trucos del oficio, figura ambigua que se mueve entre la picaresca y la complicidad.

El desenlace, muy medido, se abre a un futuro que nadie conoce, con posibilidades pero sin certezas, lo que refuerza la coherencia del conjunto. El filme convence a través de sus personajes, de su mirada compasiva y de su defensa de una vida que, incluso en sus últimos tramos, sigue abierta a lo que pueda pasar.

The Summit C.Marthaler

Suiza, Teatro musical Idiomas: italiano, alemán, inglés (escocés) y francés (con algunos* sobretítulos en español) Duración: 1 h 50 min  Concepción y dirección: Christoph Marthaler Con: Liliana Benini, Charlotte Clamens, Raphael Clamer, Federica Fracassi, Lukas Metzenbauer, Graham F. Valentine Dramaturgia: Malte Ubenauf Diseño de escenografía: Duri Bischoff  Producción: Théâtre Vidy-Lausanne, Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, MC93 – Maison de la culture de Seine-Saint-Denis

En varios idiomas europeos, una «cumbre» puede ser una reunión de alto nivel o el punto más alto de una montaña, pero también significa la «cúspide»: el logro de la perfección, estar en la cima. Los seis artistas de esta cumbre se encuentran en un chalet (¿una choza? ¿un refugio?) en lo alto de una montaña. No sabemos si se han refugiado allí, si se esconden, o si son políticos que se escapan para preparar un evento importante o personalidades que se retiran de un mundo en caos. Pero una vez en la cima, ¿adónde irán? Sin cinismo, con energía y música, una buena dosis de perspectiva y un agudo sentido del absurdo, incluso podrían encontrar lo que no buscaban. Igual que Europa va en busca de su rumbo, nadie duda de que los personajes alcanzarán la cima, aunque el camino pueda dar giros inesperados. Eric Vautrin, dramaturgo del Théâtre Vidy-Lausanne

Manifiesto de lo estrambótico, de lo absurdo. Un conglomerado de situaciones fuera de lo común que busca la risa cómplice de los espectadores. Además, se une una alegoría sutil de la famosa Torre de Babel, con unos personajes que hablan cada uno un idioma, unidos por una cima literal y simbólica. Cabe destacar que la pieza es fiel a sí misma desde el principio; no busca un fin en sí, ni mucho menos una estructura al uso. En consecuencia, puede haber cierta extrañeza por parte del público. No obstante, parece que esa es su principal intención. Durante los 110 minutos de función, se producen diversas situaciones que hacen pensar en el escenario como una especie de fin del mundo. Por ello, se justifican las distintas decisiones narrativas por las que se va llevando a sus protagonistas. El problema reside en que, al no terminar de entender todo lo que se produce en la pieza, puede haber espectadores que desconecten sin remedio de lo que ven sobre las tablas. De esta forma, se llega a un resultado que no hace justicia a la gran producción que hay detrás. Siempre es importante subrayar la relevancia de salirse de lo habitual, pero, en este caso, es difícil lograr conectar.

Tiempos Modernos

Tiempos Modernos propone una revisión crítica de la colección de pintura española contemporánea del Museo de Bellas Artes de València, centrada en el periodo comprendido entre las décadas de 1940 y 1970. Este arco cronológico, clave para comprender la modernización artística en la España que salía de la Guerra Civil, ha quedado tradicionalmente relegado en los discursos museísticos al situarse entre el arte clásico y las últimas tendencias de finales del siglo XX. La exposición se articula en torno a las adquisiciones realizadas por el Estado a partir de 1968, bajo la dirección de Felipe Garín, que evidencian la voluntad del Museo de Bellas Artes de València de construir un relato sobre los artistas valencianos posteriores a la Guerra Civil. A este núcleo se han sumado en los últimos años los nombres de Francisco Sebastián, Juana Francés o Aurora Valero, proporcionando una visión más completa de la creación de posguerra. 

La exposición se estructura en tres núcleos: Nueva figuración; Abstracción de posguerra; y Paisaje y naturaleza muerta. En la figuración se observa una evolución desde planteamientos expresionistas hacia propuestas de gran carga crítica, especialmente a partir de los años sesenta, con colectivos como Estampa Popular o el Equipo Crónica, que incorporaron estrategias visuales vinculadas al Pop Art. Paralelamente, la abstracción fue progresivamente asumida y promovida como emblema de modernidad, generando propuestas informalistas, geométricas y ópticas como las representadas por Eusebio Sempere o José María Yturralde. El recorrido se completa con el paisaje y la pintura de objetos, entendidos como espacios de reflexión identitaria y social. Mediante la deconstrucción formal y el uso expresivo del color, los artistas valencianos ofrecieron una mirada crítica sobre su territorio inmerso en transformaciones económicas y sociales.

Le chant de l'arbre Compagnie ACTA

 

Autoría: Laurent Dupont y Céline Bellanger Dirección: Laurent Dupont Interpretación: Astrid Fournier-Laroque, Paolo Provenzano y Yoann Piovoso

Género: danza y música en directo Edad recomendada: a partir de 2 años Duración aproximada: 30 minutos

Dedicado a los árboles, como homenaje a los elementos que mejor representan en el imaginario colectivo la naturaleza, su continuidad, su fuerza y su misterio. Ambas obras se estrenan en España en esta edición de Teatralia. Le chant de l’arbre (El canto del árbol) es la primera de ellas, dirigida a los más pequeños. Se trata de un espectáculo íntimo y delicado, en el que la cantante y actriz Astrid Fournier-Laroque encarna a Sylva, una fuerza de la naturaleza que es a la vez tierra, aire, agua y calor… todo lo necesario para que los árboles nazcan y crezcan. Ella les canta para animar y celebrar su existencia y el milagro de su nacimiento a partir de una semilla. La acompañan el bailarín Paolo Provenzano y el músico Yoann Piovoso, que genera en vivo todo un universo de sonidos evocadores.

Diálogos de escultura ibérica. El Museo del Louvre en el Museo Arqueológico Nacional

En esta exposición el Museo Arqueológico Nacional acoge diez obras maestras que forman parte del Museo del Louvre. Procedentes de los mismos yacimientos arqueológicos ibéricos, estas esculturas nos recuerdan los lazos existentes entre las dos instituciones desde finales del siglo XIX. Los arqueólogos franceses Arthur Engel y Pierre Paris enfocaron sus investigaciones hacia la cultura ibérica y compraron en 1891 y 1895 las esculturas del Llano de la Consolación (Montealegre del Castillo, Albacete) y las esfinges de Agost (Alicante). En 1901 las esfinges del Salobral (Albacete) y, en 1902, se adquirieron las cabezas del Cerro de los Santos (Albacete). En cuanto a los sillares de Osuna (Sevilla), llegaron al Louvre procedentes de las excavaciones que ellos mismos realizaron en el yacimiento. Posteriormente, en 1941, como consecuencia del intercambio de obras de arte entre los gobiernos de Francia y España, regresaron las esculturas ibéricas que acompañan a las francesas en esta exposición. La visión de este conjunto de esculturas va a permitir al visitante acercarse a uno de los aspectos más sobresalientes de la cultura material ibérica: la escultura en piedra.

Estas esculturas estuvieron siempre relacionadas con ámbitos rituales, como los cementerios o los santuarios. Animales fantásticos como las esfinges, con cuerpo de león, alas de ave y cabeza de mujer, asumen una función protectora del difunto en su viaje al más allá. Procesiones o combates se realizan en honor al difunto heroizado o las cabezas-exvoto que se ofrendan a la divinidad para pedir o dar las gracias por una concesión. Artesanos y artistas expresan las creencias de la sociedad ibérica a través de la escultura en piedra.

 

Cirque du soleil "Ovo"

 En OVO, un insecto torpe y peculiar descubre a una magnífica mariquita en un barrio bullicioso y se enamoran al instante. Su encantador romance se desarrolla en medio de un vibrante ecosistema, revelando un mundo lleno de energía y vida.

Aquí, los insectos trabajan, comen, revolotean y juegan en un derroche de movimiento, mostrando la belleza y la biodiversidad de su universo oculto. A medida que aparece un huevo misterioso, la curiosidad y el asombro invaden a la comunidad, representando los ciclos de sus vidas. OVO muestra la belleza y el caos del mundo de los insectos, equilibrando momentos de ternura y emoción, y revelando la rica biodiversidad que tenemos a nuestros pies. Con cada nuevo día, se despliega el vibrante ciclo de la vida de los insectos, lleno de contrastes y armonía. Magnífico.

El Jardín de los cerezos

De: Antón Chéjov. Versión: Ignacio García May. Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente Reparto (por orden alfabético):  Juanma Cifuentes, Carmen Conesa, Helena Ezquerro, Chema,  Manuel Maciá, Borja Maestre, Cristina Marcos, Markos Marín, Noelia Marló, Chema de Miguel, José Gonçalo Pais , Marta Poveda, Jesús Torres. Diseño de escenografía: Juan Carlos Pérez de la Fuente e Isi Ponce

El jardín de los cerezos cuenta la historia de una familia expulsada del Paraíso. Se trata, al mismo tiempo, de un espacio real (en rigor, el huerto de una finca en estado de ruina económica) y de otro recordado: una infancia feliz. La negligencia con la que ha sido gestionada la finca ha provocado que la única solución para su rescate pase, irónicamente, por su destrucción. Por eso los personajes chejovianos se ven atrapados en un dilema típico de la sociedad moderna: quedarse es perder el paraíso, pero vender la finca, también. Así que optan por instalarse en la acedía, esperando que las cosas se solucionen solas. En medio de esta catástrofe, sólo el joven estudiante Trofimov vislumbra la posibilidad de un retorno al Edén cuando declara que la salvación pasa por trabajar y dejar algo de felicidad para que la recojan quienes vienen detrás. No en vano, un proverbio chino nos explica que el mejor fertilizante es la sombra del jardinero.

Arte Urbano. De los orígenes a Banksy

El arte urbano se ha consolidado en las últimas décadas como uno de los lenguajes visuales más influyentes y reconocibles del arte contemporáneo. Desde las primeras firmas o tags en las calles de Filadelfia y Nueva York a finales de los años sesenta hasta su expansión internacional, ha alcanzado un reconocimiento global. Esta exposición narra la evolución del arte urbano a través de más de sesenta obras originales de artistas fundamentales como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, SEEN, Blek le Rat, JR, Invader, Os Gêmeos o Banksy, entre otros, incluyendo artistas españoles como SUSO33, EL XUPET NEGRE o PichiAvo. 

El recorrido se articula en cinco etapas históricas: desde las primeras prácticas de autoafirmación vinculadas al grafiti hasta la progresiva sofisticación de lenguajes, técnicas y discursos que lo han llevado a ocupar un lugar central en el marco del arte contemporáneo. A estas cinco secciones se suma un apartado monográfico dedicado al paradigmático Banksy, figura clave para comprender la dimensión mediática y simbólica del arte urbano en el siglo XXI.