Amor propio Gonzalo Celorio

Por sus dedos tartamudos pasaron la máscara africana de Taboo, la sonrisa roja de Harry Belafonte y la sonrisa blanca de Nat King Cole, el fondo negro de Sixteen Tons, la cintura azucarada de Virginia López, las estrellas gitanas de Rafael Acevedo...Hasta que encontró la portada que le mordía los dientes: el London 17772 en el que Sarita Montiel fumando espera. No puso el disco. Abajo todos coreaban, trasnochados, con nostalgia prematura, Los marcianos llegaron ya. Moncho no era personaje todavía. Apenas tramoyista. Había visto la fiesta desde el barandal de la escalera, que tenía forma de riñón. Como la sala. Como la alberca del Güero Anzures. A la hora de los preparativos, en cambio, había sido el protagonista. Leído hasta pág 186/249.

La fiesta no sólo es el telón de fondo de esta historia: es el hilo que une las tres etapas vitales de su protagonista ―Moncho, el adolescente; Ramón, el adulto; y Aguilar, el hombre maduro― a lo largo de quince años, entre 1965 y 1980. En ese espacio compartido de celebración y desahogo, la fiesta se convierte en un espejo de la existencia: un territorio donde la alegría roza el abismo, donde la risa puede terminar en drama y donde todos los amigos bailan al compás de sus sueños, utopías y desengaños. No conseguí entrar en el personaje, dificultades léxicas y de sentido del humor.

Plateforme M. Houellebecq

Mon père est mort il y a un an. Je ne crois pas à cette théorie selon laquelle on devient réellement adulte à la mort de ses parents; on ne devient jamais réellement adulte. Devant le cercueil du vieillard, des pensées déplaisantes me sont venues. Il avait profité de la vie, le vieux salaud ; il s´´etait démerdé comme un chef. "T'as eu des gosses, mon con... me dis-je avec entrain ; t'as fourré ta grosse bite dans la chatte de ma mère." Enfin j'étais un peu tendu, c'est certain ; ce n'est pas tous les jours qu'on a des morts dans sa famille. J'avais refusé de voir le cadavre. J'ai quarante ans, j'ai déjà eu l'occasion de voir des cadavres; maintenant, je préfère éviter. Cest ce qui m'a toujours retenu d'acheter un animal domestique.

Houellebecq n'y va pas par quatre chemins pour décrire l'acte. Avec lui, pas de suggestion, ça suce, ça lèche, ça pénètre. On croise des bites, des chattes, des fesses et des tétons. Autant dire qu'une telle lecture n'est pas recommandée aux esprits prudes. Mais s'il se permet tous les vices, s'il prend plaisir à dériver vers tous les interdits, l'auteur verrouille son oeuvre d'un souci permanent d'apparaitre tel qu'il est : triste.

"Plate-forme" est un livre captivant, mais un peu alourdi par les longues, trops longues, descriptions de scènes érotiques, voir pornographiques. Michel, le narrateur du récit, vient de perdre son père qui a été retrouvé assassiné, près de Cherbourg, le crâne brisé dans son appartement. Michel va partir alors en voyage vers la Thaïlande ... 

Houellebecq fait le tour de la petitesse humaine qui gravite autour de cette plateforme. Portrait au vitriol de la société de consommation, entre cynisme et provocation, il dépeint une société qui périclite, une société décadente, sans espoir d'évolution vers un monde meilleur. C'est l'humain qu'il met au coeur de cette fatalité, l'humain et sa recherche de satisfaction immédiate et gratuite.

Un poeta Simón Mesa

2025 Colombia Comedia dramática Dirección Simón Mesa Con Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona, Humberto Restrepo, Margarita Soto, Alisón Correa.

La obsesión de Óscar Restrepo por la poesía no le ha reportado ninguna gloria. Envejecido y errático, ha sucumbido al tópico del poeta en la sombra. Conocer a Yurlady, una adolescente de origen humilde, y ayudarla a cultivar su talento trae algo de luz a sus días, pero arrastrarla al mundo de la poesía quizá no sea el camino.

Su desdichado protagonista grita con desesperación «soy poeta», solo para recibir burlas y compasión – escenas en las que lo cómico y lo trágico se entrelazan, reflejando la infantil pretensión de quienes claman haber nacido para crear cuando no sirven para otra cosa, y la crueldad de un entorno que primero infló sus anhelos creativos, y luego los arrojó al prosaico materialismo de la vida cotidiana. Dividido en cuatro capítulos —«Fracaso», «Opus Magnum», «El arte nos salvará» y «Un poema feliz»— acompañamos los avatares de Óscar Restrepo: un fracasado de gafas, rondando los cincuenta, autor de dos poemarios en su juventud, exacadémico que soñó con entregarse por completo a su genio creativo; ahora desempleado, vocifera que solo quiere ser poeta, aunque hace años que no escribe. Es un marido y padre derrotado, sin dinero ni hogar propio, durmiendo aun en su habitación infantil, tapizada con retratos de su ídolo José Asunción Silva, pilar de la poesía moderna en Colombia. Lo rodean mujeres que lo lamentan (madre, hermana) y buscan manera de encajarle en el mundo cruel, y otras que lo desprecian (exmujer, hija), avergonzadas de su presencia y deseando que no existiera.

La vengadora de las mujeres L.de Vega/Carlos Martín

Dramaturgia Alfonso Plou y María López Insausti Dirección Carlos Martín Coproducción Compañía Nacional de Teatro Clásico y Teatro del Temple. Reparto:  Silvia de Pé, Gabriel Moreno, Secun de la Rosa, José Vicente Moirón,  Xavi Caudevilla, Nacho Rubio, Chavi Bruna,  Lorena Berdún, Itziar Miranda.

Laura, princesa de Bohemia, es mujer de fuerte personalidad y muchos estudios que desprecia a los hombres y ha creado una escuela feminista para empoderar a las mujeres. Que al final de la función el amor derrote en parte su militancia no le quita el valor a la obra de reclamar una mayor sensibilidad para las mujeres y denunciar lo injusto del trato con que los hombres las han relegado. 

Un texto que los expertos encajan entre 1615 y 1620, cuando el autor ya superaba los cincuenta años, que logra dotar a la protagonista, la princesa Laura, de toda una caracterización, pues sus largos y agudos parlamentos nos revelan a una señora llena de ingenio y de conocimientos tanto eruditos como psicológicos. Silvia de Pé se hace con el papel de una manera absolutamente elocuente, porque se impone firme en sus convicciones a través de gestos de gran ironía; pero, a la vez, es capaz de aplicar soltura para añadir mohínes humorísticos que se engarzan de modo fulgurante. Por lo tanto, ella se convierte en el gran atractivo de un montaje que nos puede parecer un tanto tópico en otros elementos, como la estupidez generalizada con la que se bosqueja a los varones. Sus ínfulas están repletas de una ideología que aquí busca el eco en las proclamas del feminismo contemporáneo. Ya que su furibundo rechazo de los hombres no es por cuestiones de orgullo o de soberbia. Su pensamiento y su enfado están pergeñados con múltiples lecturas, algo excepcional en la época. Lo menos logrado, el vestuario masculino. Actuaciones estupendas. Divertida y ágil.

Santander, lugares comunes I. Alonso

Si llegas a Santander en tren o en autobús y te diriges hacia el pasaje de Peña, el túnel que conecta la plaza de las Estaciones con el centro de la ciudad, te encuentras un bonito bibelot de diez metros de altura. Para verlo hay que levantar los ojos; si no, puede pasar desapercibido. Es una escultura policromada. Representa a una mujer vestida de rojo que mira por un catalejo. A mí me gusta mucho, aunque me parece un poco kitsch. Seguramente el kitsch sólo esta en mi mirada. La escultura se instaló en 2010 y es obra del artista portugués Baltazar Torres. Según el catálogo en línea del museo de arte moderno y Contemporáneo de Santander, Torres quiso identificar y condensar la esencia del lugar donde se erige, la rampa de Sotileza. 

Santander es la ciudad portuaria que le volvió la espalda a su puerto. Es la ciudad que resurgió dos veces de sus cenizas. Fue enclave del veraneo elegante, culto y cosmopolita. Es a la vez moderna y tradicionalista, elitista y raquera, clasista y aspiracional. Ciudad escenográfica, siempre hermosa y arreglada, disimula su tramoya para asomarse a la bahía más bella del mundo. Todos los lugares comunes recogidos en este libro son espacios físicos y representaciones mentales que forman parte de un repertorio común nos dicen algo acerca de Santander. Cumplen así una de las funciones principales del cliché: nos permiten iniciar una conversación.

Yo sólo quiero irme a Francia E.Larena

Texto y dirección: Elisabeth Larena Reparto: María Galiana, Nieve de Medina, Anna Mayo y María Roja

En este proyecto se intentan conjugar tantos elementos que da hasta para que veamos espíritus. El problema es que la dramaturga carece de sutileza en su escritura y no ha sabido bosquejar ni a los caracteres ni a la trama. Principalmente, porque el papel de Galiana, por ejemplo, apodada en el pueblo la «vinagreta», es un burdo estereotipo de franquista adusta y trasnochada, aunque haya criado a una nieta ella sola, y haya tenido que inventarse una vida sin marido. O sea, ni siquiera se le concede un margen de bondad y por eso sus vecinos hacen fiesta por su fallecimiento. La actriz le pone su encanto y participa levemente dando apostillas durante los ochenta minutos de función. Puesto que la voz cantante la llevan sus nietas.

En la casa, se sitúa el féretro delante de un pequeño andamio y un gran ventanal. Allí ha vivido hasta su emancipación Leo. Una joven un tanto seca, muy independiente, soltera y piloto de avión.  María Roja carga con un rol bastante simplón, debido a que procura aportar algo de comicidad en el lío que deben resolver. A partir de ese instante nos adentramos en un desbarajuste. Descubrir qué ocurrió verdaderamente con su abuela y saber, en definitiva, qué pasó con su madre. Esta también surge por ahí, pues se murió cuatro meses antes. Nieve de Medina hace de Nieves y de Marisol, pero lo mismo da, ya que no tiene desarrollo y  entorpece el devenir del espectáculo. Porque, ya puestos, para qué contar tanto, entre recortes del ABC, esquelas, uniformes azules con el yugo y las flechas, si precisamente, ya que emplea un flashback anecdótico, podría haberlo hecho para ofrecernos un relato verosímil de la tragedia que anida en esta propuesta.  En cualquier caso, el humor con el que se desea ahormar el montaje y el insensato uso de los improperios y de las palabrotas por aquí y por allá diluyen un contexto histórico y toda una biografía, pues ese «irse a Francia» realmente suena a los años 60. Desde luego, la obra requeriría toda una recomposición. Y mejorar el sonido!

Yo solo quiero irme a Francia

Texto y dirección: Elisabeth Larena

Reparto: María Galiana, Nieve de Medina, Anna Mayo y María Roja

Sobre el cuerpo A. Comte-Sponville

Si existiera Dios, todo estaría permitido, ya que todo tendría su recompensa o su castigo, y le correspondería a cada cual asumir sus riesgos. Al contrario, puesto que Dios no existe, puesto que no hay riesgo alguno (o hay exactamente el mismo en tosas las hipótesis: lo que ya no es un riesgo, sino una certeza), yo no puedo permitirme hacer cualquier cosa. Uno tiene su orgullo. En suma: puesto que ya no tenemos religión, nuestra necesidad de moral es absoluta. ¿Acaso les disgusta la palabra? Digamos entonces una Ética. Y lo habremos dicho todo. 172/298

Escrita entre 1978 y 1980, cuando el autor tenía alrededor de veintiséis años, Sobre el cuerpo, su primera obra, es una colección de aforismos y la primera aproximación del autor a los intereses y temas que ha ido desarrollando a lo largo de toda su obra, e incluso a aquellos autores Epicuro, Spinoza, Montaigne y Marx, entre otros que se han convertido en los referentes de su viaje filosófico. Tal como apunta el mismo Comte-Sponville, esta obra «podría llamarse Sobre el alma, pues eso es a lo que aspira, lo que intenta decir: el alma es algo en el hombre que lo supera, la parte más elevada de sí mismo, su grandeza, su verticalidad, su espiritualidad. 

La isla de Amrum Fatih Akin

Alemania 2025 Drama 93 min Dirección: Fatih Akin, Guion: Fatih Akin, Hark Bohm, Intérpretes: Diane Kruger, Matthias Schweighöfer, Laura Tonke, Jasper Billerbeck, Detlev Buck, Lisa Hagmeister,

Ambientada en la isla de Amrum durante la primavera de 1945, en los últimos días del Tercer Reich, la historia se centra en Nanning, un niño de doce años cuya visión del mundo comienza a transformarse en un entorno que, aunque aparentemente alejado de la guerra, no deja de estar marcado por ella. La película evita el dramatismo excesivo y construye su relato desde la mirada del niño, que va descubriendo poco a poco las tensiones y contradicciones del mundo adulto. La vida cotidiana en la isla -marcada por la escasez, el paisaje y la sencillez- se convierte en el espacio donde tiene lugar su aprendizaje. En este contexto, el deseo de conseguir pan blanco con mantequilla y miel para su madre adquiere un significado más profundo, ligado tanto a la necesidad como al afecto. En cuanto al personaje de Nanning, la película sugiere que el amor filial tiene una fuerza discreta pero persistente, capaz de abrir grietas incluso en discursos muy rígidos como el del adoctrinamiento de las Juventudes Hitlerianas. Aunque la infancia puede ser fácilmente influenciable, el vínculo afectivo con la madre actúa como una forma de resistencia íntima, que cuestiona, sin necesidad de grandes gestos, las ideas impuestas. El guion, escrito junto a Hark Bohm a partir de sus recuerdos de infancia, aporta a la película un carácter personal y cercano. La aparición del propio Bohm en una breve escena refuerza esa dimensión de memoria y despedida. A nivel temático, La isla de Amrum destaca por el uso de detalles sutiles pero significativos. La imagen de un nazi mutilado que no puede realizar el saludo reglamentario, o la referencia a Moby Dick, introducida a través del intercambio del libro entre los personajes, funcionan como metáforas del contexto histórico y emocional.

En conjunto, se trata de una obra contenida y madura, que encuentra su fuerza en la observación y en la sencillez, y que reflexiona sobre el final de la infancia y el derrumbe de una época sin recurrir a grandes excesos.

Una dulce venganza J. Jonasson

 Él no tenía ni la menor idea de quién era Adolf y jamás había oído hablar del Imperio Austrohúngaro. Ni falta que le hacía: era el curandero de un pueblo apartado de la sábana africana. Dejó tan pocas huellas en la tierra roja y ferrosa que ya nadie recuerda cómo se llamaba. Era diestro en el arte de la medicina pero, así como él mismo no tenía mayores noticias del resto del mundo, la buena nueva de sus habilidades tampoco llegó más allá del valle donde habitaba. Vivió frugalmente, murió demasiado pronto. Pese a su destreza, no pudo curarse a sí mismo cuando más falta le hizo. Un reducido grupo de pacientes fieles lo lloró y lo echó de menos. El hijo mayor parecía demasiado joven para hacerle el relevo, pero esta era la costumbre desde tiempos  remotos y no había otra opción. 

Victor Svensson, un tipo ambicioso y sin escrúpulos, se casa con la hija de un multimillonario galerista en los últimos momentos de la vida de este. Cuando el hombre fallece, Victor engaña a su mujer y logra hacerse con el negocio y ver colmadas por fin sus ansias de dinero y poder. Sin embargo, la aparición en escena de un hijo bastardo de Victor, fruto de una antigua relación, podría dar al traste con sus planes, y no está dispuesto a permitirlo. A partir de este punto se desarrolla una divertidísima trama de enredos que mezcla de forma asombrosa la realidad de las tribus masáis, la obra de la pintora Irma Stern, la figura de Hitler y el papel del arte en la configuración de su destino y, sobre todo, la sed de venganza de un joven sin nada que perder. Divertido y muy imaginativo.

La maison vide L. Mauvignier

Fouillé- j'ai fouillé partout où j'étais pour ainsi dire sûr de la retrouver les yeux fermés ; j'ai fouillé partout où j'étais certain qu'elle se cachait, puis dans les endroits où j'étais convaincu que je ne la retrouverais pas mais où je me suis raconté qu'elle avait pu échouer par je ne sais quel coup du hasard, me doutant bien qu'il était impossible qu'elle y soit sans que personne l'y ait mise- et depuis quand aurait-elle atterri là?    Je la revois dans les tiroirs de la commode- c'est par ici qu'il fallait commencer, j'en étais sûr, par dette commode centenaire héritée de mon père, avec son plateau de marbre gris et rose fendu à l'angle supérieur gauche, son triangle presque isocèle qui n'a jamais été perdu et qui reste là, flottant comme un îlot en forme de tarte ou de pizza- mais cassé depuis quand et par qui?- et qui n'a jamais été perdu ni jeté, même si la commode, en un siècle, n'a sans doute pas subi un suel déménagement, ou quelques-uns qu'elle n'aura vécus qu'à l'intérieur de la maison, passant peut-être, traînée par deux saisonniers réquisitionnés pour l'occasion, du rez-de-chaussée au couloir de l'étage pour finir ici, dans la chambre du cérisier,qu'on appelle chambre du cérisier depuis toujours, en sachant que ce toujours a commencé bien avant moi et avant mon père qui lui aussi l'appelait chambre du cérisier - depuis toujours nous a-t-il affirmé, ....

Texte d'imagination...Ce que l'auteur cherche, c'est la Légion d'honneur décernée à son arrière grand- père, à titre posthume, mort en 1916.  En ouvrant une maison familiale depuis trop longtemps abandonnée, un homme va rencontrer, chercher, le passé de sa famille depuis la fin du XIX ème jusqu'à lui. 740 pages pour écrire l'histoire d'une famille à travers ses femmes , Jeanne Marie, Marie Ernestine et Marguerite. Trois destins, trois femmes dans leur époque, soumise à la loi du patriarcat, rêvant de piano , de liberté ou juste de pouvoir et dont l'émancipation pourrait mener à la perte.

C'est  écrit, avec une maitrise impressionnante de la subordonnée . Cependant,  je me serais passée de quelques répétitions qui n'apportent pas grand chose à l'intrigue et qui finissent par lasser.

La destinée de Marie Ernestine, son destin de femme du début du XX ème siècle , à une époque "où l'on ne choisissait pas " est magnifiquement rendue. Elle , la fille dans un monde d'hommes , tous plus décevants les uns que les autres, qui va devenir l'espoir de son père. Et que dire de Marguerite , livrée à elle même , privée d'amour par sa mère. Certains passages sont plus intéressants que d'autres mais on s'ennuie souvent. "c'est extrêmement long et qu'il aurait gagné à être un peu plus ramassé"

La Grazia P. Sorrentino

2026 Italia Drama 133min Dirección y guión: Paolo Sorrentino Con Toni Servillo, Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo Venturiello, Milvia Marigliano, Giuseppe Gaiani, Giovanna Guida. 

La historia plasma los últimos momentos de Mariano De Santis, un presidente democristiano que debe resolver algunas cuestiones morales antes de retirarse de la vida política, firmar o no firmar la ley de eutanasia e indultar a dos asesinos.

Cada plano, un regalo para la vista. Cada frase, un regalo para la inteligencia. Juntos, ideas que conmueven. La vida y la muerte, el amor y el duelo, la amistad y la traición, la pasión y la tristeza, la búsqueda y el desencanto. Toni Servillo, en el papel del presidente saliente de la República Italiana, Mariano De Santis encara los seis últimos meses de su mandato con la tranquilidad de saber que deja un legado de cautela y moderación, hasta que se entera de que lo apodan «Hormigón armado» por su tendencia a no hacer nada. Entonces le asaltan las dudas. ¿Y si su vida no ha sido más que un largo viaje a ninguna parte? ¿Y si su querencia por dejar que las cosas se solucionen solas es simple y pura cobardía? Su apodo de pronto le coloca frente al espejo de varias cuentas pendientes: una polémica ley que regula el derecho a la eutanasia, dos casos de indulto a sendos presos por el asesinato de sus parejas, la difícil relación con sus dos hijos y el duelo por su esposa fallecida. De Santis debe decidir entre sentarse a contar los días que faltan para volver a su casa, o aprovechar su poder declinante para cambiar algunas cosas.

La muerte, o su cercanía, es el hilo que cose todas las inquietudes de De Santis, y que por cierto son también las de esa Italia utópica que ha imaginado Sorrentino en La Grazia, con un Papa negro, un debate abierto sobre la eutanasia y un presidente de la República que asume los poderes que le reconoce la constitución, por encima del presidente del Consejo de Ministros.. A Sorrentino ya no le vale con señalar las grietas de su país; ahora propone alternativas progresistas que no son incompatibles con la tradición. Ahí está si no la magnífica secuencia protagonizada por los veteranos de los Alpini (los Alpinos), la división de infantería de montaña del ejército italiano. El velo tricolor que cubre su último plano es a la vez una declaración de amor a Italia y al coraje –la palabra más repetida en el guion– que hace falta para cambiarla. Una delicia

The Silence Falk Richter

Texto y dirección Falk Richter Reparto: Dimitrij Schaad, en vídeo Falk Richter y su madre Doris Waltraud Richter. 1h45

Obra de autoficción The Silence profundiza en su historia familiar. Su padre falleció antes de que pudieran tener una conversación reconciliadora. A través de un diálogo con su madre, Richter se centra en verdades que han permanecido ocultas durante décadas, secretos reprimidos y traumas sin resolver que aún lo atormentan.  Este enfrentamiento entre madre e hijo se convierte en un viaje a los abismos de la sociedad burguesa de Alemania Occidental desde la posguerra hasta la actualidad. Pronto, lo autobiográfico se mezcla con lo ficticio, los recuerdos se contradicen y emergen las posibilidades de otras realidades.

Las autoficciones teatrales no paran de golpearnos con su egotismo. Por si fuera poco, la homosexualidad como tema en sí mismo, como relato de padecimiento, se antoja repetitivo. El buen hacer de Dimitrij Schaad alivia la densidad que se anhela. Es capaz desde el mismo prólogo ─espontáneo y utilizado para captar nuestro ánimo─ de aportar a la propuesta unas pizcas de humor que se esconden en el propio texto. La ironía es una necesidad de descargo que se brinda en los diálogos que contemplamos en vídeo entre la madre y el hijo. Grabaciones que, desde el punto de vista dramatúrgico, no se hibridan suficientemente con lo acontecido sobre el tapiz. Se intercalan de modo abrupto para dar descanso al actor. The Silence discurre por una escenografía grandilocuente diseñada por Katrin Hoffmann, que vale para enmarcar, sobre todo, los vídeos que visionamos. Pero acaba por «comerse» a un intérprete muy entregado que, en la mayoría de los instantes, transmite su alocución sentado. 

 

Calle Málaga M. Touzani

 

2025 Marruecos 116 min Drama Dirección Maryam Touzani;  guion Touzani y Nabil Ayouch. Reparto : Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane, María Alfonsa Rosso, Miguel Garcés e Imèn Laïdi.

María Ángeles (Carmen Maura) es una española de 79 años que vive sola en Tánger, en el norte de Marruecos, donde disfruta de su ciudad y de su vida diaria. Su vida da un giro cuando su hija Clara (Marta Etura) llega desde Madrid para vender el apartamento en el que siempre ha vivido. Decidida a quedarse en la ciudad que la vio crecer, hará todo lo posible para mantener su hogar y recuperar los objetos de toda una vida. Por el camino, redescubre, contra todo pronóstico, el amor y el deseo.

Nunca es tarde para querer algo distinto de la vida. Carmen Maura sostiene el relato con una interpretación luminosa y llena de matices. A su alrededor, los personajes secundarios enriquecen la película con interpretaciones en apariencia sencillas. Destaca Josefa, esa amiga monja que ha hecho voto de silencio, convertida paradójicamente en la mejor confidente: alguien que escucha sin juzgar, ofreciendo un refugio emocional que la palabra no siempre garantiza. También resulta entrañable Abslam, el anticuario, conocedor de todos los trucos del oficio, figura ambigua que se mueve entre la picaresca y la complicidad.

El desenlace, muy medido, se abre a un futuro que nadie conoce, con posibilidades pero sin certezas, lo que refuerza la coherencia del conjunto. El filme convence a través de sus personajes, de su mirada compasiva y de su defensa de una vida que, incluso en sus últimos tramos, sigue abierta a lo que pueda pasar.

The Summit C.Marthaler

Suiza, Teatro musical Idiomas: italiano, alemán, inglés (escocés) y francés (con algunos* sobretítulos en español) Duración: 1 h 50 min  Concepción y dirección: Christoph Marthaler Con: Liliana Benini, Charlotte Clamens, Raphael Clamer, Federica Fracassi, Lukas Metzenbauer, Graham F. Valentine Dramaturgia: Malte Ubenauf Diseño de escenografía: Duri Bischoff  Producción: Théâtre Vidy-Lausanne, Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, MC93 – Maison de la culture de Seine-Saint-Denis

En varios idiomas europeos, una «cumbre» puede ser una reunión de alto nivel o el punto más alto de una montaña, pero también significa la «cúspide»: el logro de la perfección, estar en la cima. Los seis artistas de esta cumbre se encuentran en un chalet (¿una choza? ¿un refugio?) en lo alto de una montaña. No sabemos si se han refugiado allí, si se esconden, o si son políticos que se escapan para preparar un evento importante o personalidades que se retiran de un mundo en caos. Pero una vez en la cima, ¿adónde irán? Sin cinismo, con energía y música, una buena dosis de perspectiva y un agudo sentido del absurdo, incluso podrían encontrar lo que no buscaban. Igual que Europa va en busca de su rumbo, nadie duda de que los personajes alcanzarán la cima, aunque el camino pueda dar giros inesperados. Eric Vautrin, dramaturgo del Théâtre Vidy-Lausanne

Manifiesto de lo estrambótico, de lo absurdo. Un conglomerado de situaciones fuera de lo común que busca la risa cómplice de los espectadores. Además, se une una alegoría sutil de la famosa Torre de Babel, con unos personajes que hablan cada uno un idioma, unidos por una cima literal y simbólica. Cabe destacar que la pieza es fiel a sí misma desde el principio; no busca un fin en sí, ni mucho menos una estructura al uso. En consecuencia, puede haber cierta extrañeza por parte del público. No obstante, parece que esa es su principal intención. Durante los 110 minutos de función, se producen diversas situaciones que hacen pensar en el escenario como una especie de fin del mundo. Por ello, se justifican las distintas decisiones narrativas por las que se va llevando a sus protagonistas. El problema reside en que, al no terminar de entender todo lo que se produce en la pieza, puede haber espectadores que desconecten sin remedio de lo que ven sobre las tablas. De esta forma, se llega a un resultado que no hace justicia a la gran producción que hay detrás. Siempre es importante subrayar la relevancia de salirse de lo habitual, pero, en este caso, es difícil lograr conectar.

Tiempos Modernos

Tiempos Modernos propone una revisión crítica de la colección de pintura española contemporánea del Museo de Bellas Artes de València, centrada en el periodo comprendido entre las décadas de 1940 y 1970. Este arco cronológico, clave para comprender la modernización artística en la España que salía de la Guerra Civil, ha quedado tradicionalmente relegado en los discursos museísticos al situarse entre el arte clásico y las últimas tendencias de finales del siglo XX. La exposición se articula en torno a las adquisiciones realizadas por el Estado a partir de 1968, bajo la dirección de Felipe Garín, que evidencian la voluntad del Museo de Bellas Artes de València de construir un relato sobre los artistas valencianos posteriores a la Guerra Civil. A este núcleo se han sumado en los últimos años los nombres de Francisco Sebastián, Juana Francés o Aurora Valero, proporcionando una visión más completa de la creación de posguerra. 

La exposición se estructura en tres núcleos: Nueva figuración; Abstracción de posguerra; y Paisaje y naturaleza muerta. En la figuración se observa una evolución desde planteamientos expresionistas hacia propuestas de gran carga crítica, especialmente a partir de los años sesenta, con colectivos como Estampa Popular o el Equipo Crónica, que incorporaron estrategias visuales vinculadas al Pop Art. Paralelamente, la abstracción fue progresivamente asumida y promovida como emblema de modernidad, generando propuestas informalistas, geométricas y ópticas como las representadas por Eusebio Sempere o José María Yturralde. El recorrido se completa con el paisaje y la pintura de objetos, entendidos como espacios de reflexión identitaria y social. Mediante la deconstrucción formal y el uso expresivo del color, los artistas valencianos ofrecieron una mirada crítica sobre su territorio inmerso en transformaciones económicas y sociales.

Le chant de l'arbre Compagnie ACTA

 

Autoría: Laurent Dupont y Céline Bellanger Dirección: Laurent Dupont Interpretación: Astrid Fournier-Laroque, Paolo Provenzano y Yoann Piovoso

Género: danza y música en directo Edad recomendada: a partir de 2 años Duración aproximada: 30 minutos

Dedicado a los árboles, como homenaje a los elementos que mejor representan en el imaginario colectivo la naturaleza, su continuidad, su fuerza y su misterio. Ambas obras se estrenan en España en esta edición de Teatralia. Le chant de l’arbre (El canto del árbol) es la primera de ellas, dirigida a los más pequeños. Se trata de un espectáculo íntimo y delicado, en el que la cantante y actriz Astrid Fournier-Laroque encarna a Sylva, una fuerza de la naturaleza que es a la vez tierra, aire, agua y calor… todo lo necesario para que los árboles nazcan y crezcan. Ella les canta para animar y celebrar su existencia y el milagro de su nacimiento a partir de una semilla. La acompañan el bailarín Paolo Provenzano y el músico Yoann Piovoso, que genera en vivo todo un universo de sonidos evocadores.

Diálogos de escultura ibérica. El Museo del Louvre en el Museo Arqueológico Nacional

En esta exposición el Museo Arqueológico Nacional acoge diez obras maestras que forman parte del Museo del Louvre. Procedentes de los mismos yacimientos arqueológicos ibéricos, estas esculturas nos recuerdan los lazos existentes entre las dos instituciones desde finales del siglo XIX. Los arqueólogos franceses Arthur Engel y Pierre Paris enfocaron sus investigaciones hacia la cultura ibérica y compraron en 1891 y 1895 las esculturas del Llano de la Consolación (Montealegre del Castillo, Albacete) y las esfinges de Agost (Alicante). En 1901 las esfinges del Salobral (Albacete) y, en 1902, se adquirieron las cabezas del Cerro de los Santos (Albacete). En cuanto a los sillares de Osuna (Sevilla), llegaron al Louvre procedentes de las excavaciones que ellos mismos realizaron en el yacimiento. Posteriormente, en 1941, como consecuencia del intercambio de obras de arte entre los gobiernos de Francia y España, regresaron las esculturas ibéricas que acompañan a las francesas en esta exposición. La visión de este conjunto de esculturas va a permitir al visitante acercarse a uno de los aspectos más sobresalientes de la cultura material ibérica: la escultura en piedra.

Estas esculturas estuvieron siempre relacionadas con ámbitos rituales, como los cementerios o los santuarios. Animales fantásticos como las esfinges, con cuerpo de león, alas de ave y cabeza de mujer, asumen una función protectora del difunto en su viaje al más allá. Procesiones o combates se realizan en honor al difunto heroizado o las cabezas-exvoto que se ofrendan a la divinidad para pedir o dar las gracias por una concesión. Artesanos y artistas expresan las creencias de la sociedad ibérica a través de la escultura en piedra.

 

Cirque du soleil "Ovo"

 En OVO, un insecto torpe y peculiar descubre a una magnífica mariquita en un barrio bullicioso y se enamoran al instante. Su encantador romance se desarrolla en medio de un vibrante ecosistema, revelando un mundo lleno de energía y vida.

Aquí, los insectos trabajan, comen, revolotean y juegan en un derroche de movimiento, mostrando la belleza y la biodiversidad de su universo oculto. A medida que aparece un huevo misterioso, la curiosidad y el asombro invaden a la comunidad, representando los ciclos de sus vidas. OVO muestra la belleza y el caos del mundo de los insectos, equilibrando momentos de ternura y emoción, y revelando la rica biodiversidad que tenemos a nuestros pies. Con cada nuevo día, se despliega el vibrante ciclo de la vida de los insectos, lleno de contrastes y armonía. Magnífico.

El Jardín de los cerezos

De: Antón Chéjov. Versión: Ignacio García May. Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente Reparto (por orden alfabético):  Juanma Cifuentes, Carmen Conesa, Helena Ezquerro, Chema,  Manuel Maciá, Borja Maestre, Cristina Marcos, Markos Marín, Noelia Marló, Chema de Miguel, José Gonçalo Pais , Marta Poveda, Jesús Torres. Diseño de escenografía: Juan Carlos Pérez de la Fuente e Isi Ponce

El jardín de los cerezos cuenta la historia de una familia expulsada del Paraíso. Se trata, al mismo tiempo, de un espacio real (en rigor, el huerto de una finca en estado de ruina económica) y de otro recordado: una infancia feliz. La negligencia con la que ha sido gestionada la finca ha provocado que la única solución para su rescate pase, irónicamente, por su destrucción. Por eso los personajes chejovianos se ven atrapados en un dilema típico de la sociedad moderna: quedarse es perder el paraíso, pero vender la finca, también. Así que optan por instalarse en la acedía, esperando que las cosas se solucionen solas. En medio de esta catástrofe, sólo el joven estudiante Trofimov vislumbra la posibilidad de un retorno al Edén cuando declara que la salvación pasa por trabajar y dejar algo de felicidad para que la recojan quienes vienen detrás. No en vano, un proverbio chino nos explica que el mejor fertilizante es la sombra del jardinero.

Arte Urbano. De los orígenes a Banksy

El arte urbano se ha consolidado en las últimas décadas como uno de los lenguajes visuales más influyentes y reconocibles del arte contemporáneo. Desde las primeras firmas o tags en las calles de Filadelfia y Nueva York a finales de los años sesenta hasta su expansión internacional, ha alcanzado un reconocimiento global. Esta exposición narra la evolución del arte urbano a través de más de sesenta obras originales de artistas fundamentales como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, SEEN, Blek le Rat, JR, Invader, Os Gêmeos o Banksy, entre otros, incluyendo artistas españoles como SUSO33, EL XUPET NEGRE o PichiAvo. 

El recorrido se articula en cinco etapas históricas: desde las primeras prácticas de autoafirmación vinculadas al grafiti hasta la progresiva sofisticación de lenguajes, técnicas y discursos que lo han llevado a ocupar un lugar central en el marco del arte contemporáneo. A estas cinco secciones se suma un apartado monográfico dedicado al paradigmático Banksy, figura clave para comprender la dimensión mediática y simbólica del arte urbano en el siglo XXI. 

El último vikingo

Dinamarca, Suecia, 2025. Drama/Comedia 116 min Dirección y guión : Anders Thomas Jensen. Guion: Anders Thomas Jensen. Reparto: Mads Mikkelsen, Nikolaj Lie Kaas, Sofie Gråbøl, Søren Malling, Bodil Jørgensen, Lars Brygmann, Nicolas Bro. 

Mientras que Anker, el mayor de dos hermanos, sale de prisión quince años después de un atraco frustrado habiendo asesinado a un hombre, el menor de estos, Manfred, ha desarrollado trastorno de identidad disociativo debido a traumas infantiles y cree ser John Lennon. Para recuperar el botín del golpe que Anker confió a Manfred, este tendrá que intentar de todas las maneras que su hermano menor vuelva a su verdadera identidad para que recuerde dónde escondió más de cinco millones de euros, y lo hará reuniendo a otros enfermos de TID que, en sus múltiples personalidades, contengan las de los miembros de los Beatles restantes y (re)crear la legendaria banda.

La película tiene momentos de mucho disfrute, especialmente gracias a un humor nórdico seco que suele dar en el clavo cuando menos lo esperas. Además, el director sabe cómo mezclar todo tipo de personajes extraños y variopintos, enmascarando con purpurina que la historia principal, y especialmente su revelación final, nunca termina de funcionar. Eso no evita que tenga momentos geniales, como ese prólogo y epílogo animados o sus running gags constantes, pero por momentos parece tener miedo a hacer el ridículo y se limita ligeramente a sí misma.

Águilas de El Cairo

2025 Francia, Suecia, Dinamarca, Alemania, Finlandia 128 min Drama/ Thriller Dirección y guión : Tarik Saleh  Intérpretes: Zineb Triki, Fares Fares, Cherien Dabis, Lyna Khoudri, Hassan El Sayed, Sherwan Haji, Pedram Hajigholi, Suhaib Nashwan.

George Fahmy (Fares Fares) el actor más querido de Egipto, se ve presionado a protagonizar una película encargada por las más altas autoridades egipcias. Aceptando a regañadientes, este papel será la puerta que le hará entrar en el selecto grupo de las personas más poderosas del país. Como una polilla atraída por la luz, comienza un romance con la misteriosa esposa del general que supervisa el proyecto.

Vuelve a recurrir Saleh a su actor de cabecera, el siempre eficaz Fares Fares, que compone de modo convincente al actor que le gusta protagonizar historias de ficción, y que él mismo se convierte en “actor” en la película de la vida real que han orquestado los que quieren cambios en el régimen político. No es complaciente el dibujo que se hace del mundo del cine, en que las películas pueden ser un instrumento más de poder, y donde la fama pasa factura a los actores y actrices, ya sea en sus amores y vida familiar, ya en el tiovivo en que consisten sus carreras, en que un día estás arriba y otro abajo, más si dependes de tejemanejes políticos.

 

Helen Levitt

Helen Levitt (1913-2009) comenzó a fotografiar las calles de Nueva York, su ciudad natal, a finales de la década de 1930, interesándose principalmente por los barrios pobres, como el Harlem hispano o Lower East Side, donde la calle es el principal escenario del día a día. Su cámara se dirigió sobre todo hacia los niños y sus juegos en las calles. Estas escenas infantiles son el motivo central de una obra que nos atrapa por su capacidad para convertir situaciones cotidianas en imágenes que transmiten todo lo que la vida puede contener de emoción, enigma o humor y que, aunque carecen de una narrativa explícita, logran establecer una conexión inmediata con el espectador. La obra de Levitt obtuvo pronto el reconocimiento que merecía y ya en 1943 el MoMA de Nueva York organizó su primera exposición individual.

En años posteriores se interesó intensamente por el cine y la fotografía en color. Artista socialmente comprometida, Levitt fue una de las primeras mujeres en abrirse un camino profesional en la fotografía. Esta exposición es la primera que se realiza a partir de la totalidad de su obra y sus archivos, que sólo recientemente se han abierto a la consulta pública.

Anders Zorn Recorrer el mundo, recordar la tierra

Anders Zorn (1860–1920) fue el pintor sueco más destacado de finales del siglo XIX y principios del XX. Procedente de un humilde entorno rural, llegó a alcanzar fama internacional como retratista de reyes, políticos y otras celebridades de su tiempo. Su virtuoso dominio de algunas de las principales técnicas artísticas (óleo, acuarela, grabado) le consolidó como uno de los creadores con mayor prestigio en Europa y Estados Unidos.

Recorrer el mundo, recordar la tierra presenta una interesante y completa panorámica del conjunto de su obra: desde sus primeras acuarelas y sus viajes de formación, su posterior establecimiento en París —donde fue uno de los protagonistas del triunfo de la pintura naturalista— hasta su retorno a Suecia en 1896 y sus viajes a Estados Unidos. La amplitud y riqueza de esta trayectoria, cosmopolita y al mismo tiempo profundamente vinculada a sus orígenes, se refleja en una pintura en la que la representación de la vida moderna y los retratos de personalidades de muchos países conviven con escenas de la vida tradicional de su región natal. La muestra incluye también su producción española, con obras de Sevilla, Cádiz y Granada, así como otras piezas que testimonian su amistad con Joaquín Sorolla o Ramón Casas. 

Ana Locking. Nostalgia / Utopía

Exposición retrospectiva que recorre cerca de dos décadas de creación de la diseñadora Ana Locking, en los que la moda se presenta no solo como disciplina estética, sino como lenguaje narrativo, emocional y político. La muestra se articula en torno a la idea de moda como relato en tránsito entre la nostalgia y la utopía: una mirada hacia el pasado que se transforma en deseo de futuro, en la que lo utópico adquiere la semejanza de un recuerdo. La exposición propone un recorrido narrativo por más de 160 prendas, que se convierten en archivo emocional y artefacto para la reflexión por parte de una diseñadora que entiende la moda como acto de pensamiento y compromiso con su tiempo. Un viaje entre la memoria y la imaginación que invita a cuestionar el presente a través de unos diseños que funcionan como medio para contar historias íntimas y colectivas, entrelazando política, deseo e identidad.

Golem A. Gitai

Francia 2h15 sin descanso francés, yiddish, alemán, inglés, árabe. Textos: Amos Gitai y Marie-José Sanselme Con Irène Jacob, Bahira  Ablassi, Pini Mittelman, Laurent Naouri, Menashe Noy, Minas Qarawany Anne Laure Ségla Musiciens  Théâtre National de la Colline- Paris

Una obra inspirada en el mito judío del gólem en la que  se  invita a reflexionar sobre la persecución, el sufrimiento de las minorías y los ciclos de violencia. Interpretada en múltiples lenguas y con sobretítulos en español, la pieza entrelaza un cuento de Isaac Bashevis Singer con textos de Joseph Roth, Lamed Shapiro y testimonios de los propios intérpretes. El montaje propone un mosaico escénico donde mito y presente dialogan a través de música en vivo, relatos personales y una mirada crítica sobre los desplazamientos forzados y la fragilidad de los perseguidos. 

Era el estreno, sala medio vacía, registro de bolsos en la entrada, un escenario oscuro, unos subtítulos que no da tiempo a leer y que solo se proyectan en la parte central, hasta que consiguen solucionarlo. Y  a los 30 min público que empieza a abandonar la sala. Aguanté la primera media hora. Ce Golem prend le risque de laisser penser que toutes les violences et massacres perpétrés à grande échelle sur des populations civiles innocentes - depuis et ailleurs dans le monde - s’effacent, ou à tout le moins doivent être relativisées, à l’aune la Shoah. Un Golem pas très bien ficelé, où l’irritant le dispute à l’épatant, et dont la projection à l’universel peine à s’affirmer. 

La tarta del presidente Hasan Hadi

2025 Irak 105 min Drama Dirigida por Hasan Hadi Reparto Baneen Ahmed Nayyef, Sajad Mohamad Qasem, Waheed Thabet Khreibat, Rhim Aihaj

Mientras la gente lucha a diario por sobrevivir bajo las sanciones en el Iraq de Sadam, Lamia, una niña de nueve años, debe usar su ingenio para reunir los ingredientes de la tarta obligatoria para celebrar el cumpleaños del presidente Sadam Husein o atenerse a las consecuencias: la cárcel o la muerte.

Ambientada en abril de 1990, La tarta del presidente sigue a Lamia, una niña de nueve años que vive con su abuela Bibi en los humedales del sur de Irak. Es “el día del sorteo”, fecha en que todas las escuelas deben elegir a los niños encargados de llevar obsequios al cumpleaños del presidente. Lamia, a pesar de los trucos que Bibi le ha enseñado para evitar ser elegida, recibe el encargo más temido: preparar la tarta. Lo que sigue es una odisea tan absurda como reveladora: la búsqueda imposible de ingredientes básicos como harina, huevos o azúcar en un país asolado por las sanciones internacionales y la represión interna. Hasan Hadi construye la narrativa alternando dos líneas argumentales: por un lado, el periplo de Lamia y su inseparable gallo Hindi por la ciudad, asistida por Saeed, un joven carterista; por otro, la desesperada búsqueda de Bibi, primero a pie y posteriormente en taxi, cuando su salud se resiente. Este paralelismo permite al director explorar múltiples facetas de una sociedad marcada por la escasez, el patriarcado, el miedo y el control. 

Hasan Hadi transforma en La tarta del presidente un encargo absurdo —elaborar un pastel para un dictador— en una metáfora de obediencia obligada, miedo atroz y dignidad humana. 

El agente secreto K. Mendonça Filho

 

2025 Brasil Drama 158 min Dirección y guion: Kleber Mendonça Filho. Reparto: Wagner Moura, Maria Fernanda Cândido, Gabriel Leone, Udo Kier, Isabél Zuaa, Alice Carvalho, Thomás Aquino, Hermila Guedes, João Vitor Silva, Suzy Lopes, Rubens Santos. 

En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife, donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de muerte se ciernen sobre él. 

Película desconcertante e intrincada, El agente secreto se abre con la imagen de un cadáver que lleva tirado en la puerta de una gasolinera varios días y que alguien ha tapado con unos cartones. La acción narrativa sucede en Brasil, en plena dictadura militar (año 1977). Acto seguido, un coche de policía entra en escena y registra con violencia y arbitrariedad el vehículo del protagonista buscando drogas, armas o algún motivo con el que puedan justificar su detención. El cuerpo tumefacto del suelo no les interesa.  El agente secreto es una película errática que, de manera confusa, arroja sobre la pantalla durante su primera hora de metraje a una decena de personajes sin presentarlos ni definirlos.  Cada personaje sobre el que Mendonca coloca la cámara abre una nueva vía narrativa que no tarda en abandonar. La construcción por acumulación que propone no funciona porque las diferentes partes con las que diseña el edificio fílmico están tan dispersas y son tan inconexas que nunca consiguen ensamblarse: la cinta termina así convertida en una serie de sketches que se mueven con absoluta independencia. ¿Qué dice la película sobre la dictadura militar o sobre la actualidad brasileña? Prácticamente nada: más allá de los breves apuntes que hace sobre la brutalidad policial y sobre las formas espurias y criminales que las compañías privadas utilizan para hacerse con el control del país, para enriquecerse a costa de los servicios públicos —universidades, investigaciones científicas, hospitales, etc. 

No hay otra opción Park Chan-Wook

2025 Corea del Sur, 139 min Comedia/Thriller Dirección y guión Park Chan-Wook adaptación del libro The Ax de Donald Westlake. Con Lee Byung-Hun, Song Ye-Jin, Park Hee-Soon, Lee Sung-Mi, Yeom Hye-Ran, Cha Seung-Won.

La historia sigue a un hombre de mediana edad llamado Man-su que se embarca decidido en una búsqueda de trabajo tras ser despedido inesperadamente de la compañía de papel en la que trabajó durante 25 años. 'Si no hay una vacante para mí, tendré que crear una para que me contraten. No hay otra opción'. La novela ya fue llevada al cine en la película 'Arcadia', dirigida por Costa-Gavras en 2005.

No Other Choice abre con una perfecta familia feliz, papá y mamá con dos hermosos hijos en una pomposa casa junto a un gran y frondoso jardín. Todo es color saturado y excesivamente idílico, los árboles, las flores, las nubes, el cielo azul, el sol acariciando las sonrisas. Los perros corriendo, la felicidad. Suena el Concierto para piano n.º 23 de Mozart. El Paraíso. Es tan perfecto porque es palmario que todos los elementos, a excepción de los seres humanos, son imágenes creadas por ordenador. Lo que sucederá a continuación es la notificación a Man-soo, el padre de familia, de su inminente despido. Fin del espejismo.

Una propuesta plagada de luces y sombras que dejan un regusto agridulce: un arranque que se recrea en una lentitud que va más allá de la idiosincrasia del cine asiático; una irregularidad en la calidad de su discurso, con momentos donde su crítica social se integra con solvencia frente a otros donde el rumbo se pierde, dejando el mensaje en un terreno ambiguo o directamente contradictorio. Aquí no demuestra estar especialmente dotado para el humor negro. Y es que su forma de plasmarlo choca frontalmente con el dramatismo que exige el tema social tratado, lo que genera una disonancia que hace navegar sin rumbo en una película que no sé si quiere ser un drama social con tintes cómicos o viceversa.

 

Father, mother, sister, brother J. Jarmush

2025 USA Comedia dramática 110 min Dirección Jim Jarmush Con Tom Waits, Adam Driver, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Mayim Bialik, India Moore.

Película dividida en tres actos alrededor del mismo hecho: el reencuentro de miembros de una familia. Unos hermanos ya adultos se vuelven a juntar después de años sin verse, forzados a enfrentarse a tensiones no resueltas y a reevaluar sus tensas relaciones con unos padres emocionalmente distantes. Cada una de las tres historias tiene lugar en un país diferente: "Father" está ambientada en EE. UU., "Mother" en Dublín, y "Sister Brother" en París.

Una pareja de hermanos interpretados por Adam Driver y Mayim Bialik (Blossom) visitan a un padre al que da vida un achacoso y balbuceante Tom Waits. La segunda transcurre en Dublín con dos hermanas – Cate Blanchett y Vicky Krieps – que visitan a su adinerada y autoritaria madre, una sensacional Charlotte Rampling. La tercera historia nos alejará de un reparto estelar y nos llevará a París, con dos gemelos interpretados por actores desconocidos para el gran público que visitan la casa de su infancia, donde ha seguido viviendo una madre cuya figura es igualmente anónima. Y así, los personajes de la nueva obra de Jim Jarmusch exploran el vacío familiar posterior a la emancipación filial y la ausencia de vínculos con los progenitores. 

Con su famoso estilo lacónico y minimalista, donde la relevancia radica en lo que no se dice, desprovisto de bromas complejas y referencias autoindulgentes, el filme navega los silencios incómodos en sus primeras dos historias para virar hacia los poéticos en la tercera. Una esperada poesía, como siempre, tan diversa y presente en la filmografía del director.

Los domingos A.Ruíz de Azúa

 

2025 España 1h58 Drama Dirección Alauda Ruíz de Azúa   Con Blanca Soroa, Mabel Rivera, Ptricia López Arnaiz, Juan Minujín, Nagore Aramburu, Miguel Garcés.

Ainara (Blanca Soroa), una joven idealista y brillante de 17 años, ha de decidir qué carrera universitaria estudiará. O, al menos, eso espera su familia que haga. Sin embargo, la chica manifiesta que se siente cada vez más cerca de Dios y que se plantea abrazar la vida de monja de clausura. La noticia pilla por sorpresa a toda la familia, provocando un abismo y una prueba de fuego para todos.

La película se centra en la reacción de tres miembros de la familia, la tía no creyente, el padre con problemas económicos y la amorosa abuela. La película margina las posibles dudas de la adolescente, el efecto que tiene la educación en un colegio religioso en su decisión o el papel de la iglesia católica en la educación de la infancia y adolescencia dentro de la red de colegios concertados. Se limita a mostrar diferentes estereotipos: religiosos enamorados de Dios, no creyentes carentes de empatía, con equívocos vínculos afectivos y profundamente vengativos o padres centrados en la protección de su núcleo familiar ante los desequilibrios financieros. Conclusión. Una película superficial, que adopta un traje de comprensión y objetividad, que simula mostrar de una manera equilibrada y neutra las reacciones familiares ante la llamada de Dios a una adolescente .

La douceur de l'eau N. Harris

Une journée entière s'était écoulée depuis que George Walker avait parlé à sa femme. Il s'était enfoncé dans les bois ce matin, à la poursuite d'une bête qui lui échappait depuis l'enfance, et maintenant la nuit tombait. Il avait vu la bête à son réveil avec l'oeil de son esprit et, à la traquer tout le jour, il avait l'impression de vivre une aventure si satisfaisante que l'idée de rentrer lui avait été insupportable. C'était la première fois de ces excursions depuis le début du printemps et, foulant aiguilles de pin et champignons  gorgés de pluies matinales, il venait de déboucher sur un coin de forêt qu'il n'avait pas encore exploré en entier. La bête, il en était certain, se trouvait en permanence sur le point de tomber dans sa ligne de mire. 

À Old Ox, en Géorgie, comme partout dans le pays, la guerre de Sécession vient de connaître ses dernières heures. Prentiss et son frère, Landry, deviennent alors, ainsi que les nombreux esclaves, affranchis. C'est non sans un certain soulagement qu'ils quittent la plantation de Ted Morton et comptent profiter de leur nouvelle liberté. Sans travail et sans argent, ils trouvent refuge au coeur d'une forêt mais, au bout de quelques jours, ils sont surpris par le propriétaire, George Walker, parti à la chasse d'une bête qui lui échappe depuis l'enfance...

Ce soir-là, George n'est pas pressé de rentrer chez lui. Voilà une journée entière qu'il n'a pas parlé à sa femme, Isabelle. Depuis qu'il lui a annoncé que leur fils, Caleb, est mort au combat. Une terrible nouvelle, apportée par August, le meilleur ami de leur fils, que la douleur et le chagrin laissent muets. Sa rencontre avec les deux frères allait, à tout jamais, bouleverser leurs vies...

Turno de guardia P.Volpe

2025 Suiza Drama 92 min Dirección Petra Biondina Volpe Con Leonie Benesch,   Sonja Riesen, Urs Bihler, Margherita Schoch, Jürg Plüss, Alireza Bayram.

Floria es una enfermera que trabaja con gran dedicación y profesionalidad en el ala quirúrgica de un hospital suizo. Nunca comete un error, siempre escucha a sus pacientes incluso en las situaciones más estresantes y siempre está disponible de inmediato en caso de emergencia. Pero en la dura, y muchas veces impredecible, realidad diaria del hospital las cosas pueden ser diferentes. Un día, Floria llega para trabajar en el turno de noche, la sala de urgencias está completamente llena y hay falta de personal. A pesar del ritmo frenético, Floria trabaja incansable para atender a todos los pacientes pero comete un desastroso error y el turno amenaza con desbaratarse por completo. Comienza una angustiosa carrera contrarreloj.

Floria Lind (Leonie Benesch) iniciará su jornada con preaviso. En esta ocasión, será en los vestuarios de un hospital público de Zúrich; allí una compañera remarcará que será un turno sin asideros: solo tendrán la compañía de una joven en prácticas y toda una planta al completo que afrontar. Comienza así un peregrinaje continuo, en el que Lind atenderá a un amplio espectro de pacientes: diferentes escalas sociales, personalidades y, claro está, diagnósticos. En ese sentido, la primera gran virtud, en este caso narrativa, del film de Volpe, se halla en cómo retrata las relaciones de la enfermera con sus pacientes. Una mirada llena de empatía en la que la cámara desvela la humanidad de una persona que, pese a forzar sus límites, mantiene la entereza y ese segundo de calma necesario. Ayuda sobremanera la milagrosa interpretación de Leonie Benesch que se erige en el paradigma fílmico de unos profesionales que no solo se deben enfrentar a la indefensión en su puesto de trabajo, sino también de los juicios exógenos y furtivos de un sistema y de una sociedad que hace tiempo que malentendieron los servicios públicos. Turno de guardia les otorga cuerpo y voz a todos ellos con una sensibilidad descomunal. Es una de las primeras grandes películas que veremos este 2026. 

LES ACCENTS: "BAJAZET" (A. VIVALDI) Universo Barroco THIBAULT NOALLY, violín y dirección

La agrupación francesa Les Accents, dirigida desde el violín por el carismático Thibault Noally, regresa con una de las grandes óperas de Antonio Vivaldi: Bajazet, también conocida como Il Tamerlano. Esta obra, estrenada en Verona en 1735, es una muestra fascinante del arte operístico del compositor apodado como Il Prete Rosso, y un ejemplo sobresaliente del pasticcio barroco, en el que Vivaldi combina arias originales con números tomados de otros compositores, integrándolos en un poderoso drama musical de ambición, pasión y venganza.

Para dar vida a esta partitura intensa y de gran virtuosismo vocal, Les Accents contará con un reparto excepcional, encabezado por tres grandes nombres del canto barroco actual: la mezzosoprano Eva Zaïcik, el contratenor Cameron Shahbazi y la soprano Julia Lezhneva, todos ellos aclamados por su expresividad, refinamiento estilístico y brillantez técnica. Junto a ellos, un grupo de destacados solistas vocales y una orquesta de instrumentos originales ofrecerán una interpretación llena de color, energía y emoción teatral.

Intérpretes: RENATO DOLCINI, bajo-barítono (Bajazet) CAMERON SHAHBAZI, contratenor (Tamerlano) ANTHEA PICHANICK, contralto (Asteria) EVA ZAÏCIK, mezzosoprano (Andronico) JULIA LEZHNEVA, soprano (Irene) SUZANNE JEROSME, soprano (Idaspe)

Intolerancia. España en una Europa convulsa, 1914-1945

Colección José María Castallé. Fueron tiempos de vértigo e incertidumbre, de zozobra y de miedo. Tiempos violentos en los que proliferaron discursos que apelaban a la exclusión y al odio. A la deshumanización del otro. Tiempos de guerra, de rebeliones armadas, de insurrecciones populares. De retroceso democrático. Tiempos en que la intolerancia penetró en la vida cotidiana a través de mensajes que prometían orden, seguridad y un futuro glorioso a cambio de excluir de la comunidad a colectivos enteros, que fueron calificados como enemigos. España no fue ajena a esta vorágine.

Este es el contexto en el que se despliega la exposición Intolerancia. España en una Europa convulsa. 1914-1945, que aborda la historia de nuestro país enmarcada en su entorno europeo a través de cinco apartados: «Intolerancia. Una historia europea», «España. Golpe de Estado y revolución», «La España franquista en la Europa del Eje», «Extirpar al enemigo» y «La Institución Libre de Enseñanza y la Residencia de Estudiantes: persecución y resistencia».

Con esta exposición se presenta la Colección José María Castañé en la Residencia de Estudiantes, un fondo compuesto por cerca de cinco mil piezas que ilustran la cultura, la política, la economía y la sociedad en las décadas centrales del siglo XX.

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Rondallas Sánchez Arevalo

2025 España Drama 112 min, Dirección y guión Daniel Sánchez Arévalo. Con Javier Gutiérrez, María Vásquez, Judith Fernández, Tamar Novas, Carlos Blanco, Fernando Fraga, Xosé A. Touriñán, Lucía Sa, Marta Larralde.

Dos años después del trágico naufragio de un barco pesquero que sacudió a un pequeño pueblo marinero gallego, los habitantes del pueblo deciden que ya es hora de recuperar la ilusión y dejar el luto atrás. Por ello vuelven a unirse para poner en marcha la rondalla, una agrupación de música tradicional en la que participan desde niños hasta ancianos, con la intención de competir en un concurso contra los pueblos vecinos, pero sobre todo de empezar a mirar hacia delante de nuevo.

Sánchez Arévalo se marca aquí un despliegue absoluto en las escenas de las rondallas en sí mismas, rodadas con pulso, emoción, ritmo, enfoques arriesgados y elegantes planos generales que le permiten ir mucho más allá de cualquier otra historia de superación personal estándar con final a lo grande. El director da rienda suelta a un increíble talento tras las cámaras que aguanta en todo momento, incluso en las escenas menos acertadas o las tramas más olvidables, demostrando que con los años se ha consolidado como uno de los mejores narradores visuales de España.

'Rondallas' no es la mejor película de su director, es una obra repleta de buenas intenciones y mejor acabado técnico, que se toma al espectador en serio sin por ello dejar de echar un pulso contra sus expectativas.

Rental Family Hikari

2025 Japón Comedia dramática 103 min Dirección Hikari Con Brendan Fraser, Mari Yamamoto, Takehiro Hira, Akira Emoto, Shannon Mahira, Nihi.

Fraser interpreta a un actor estadounidense que vive en Japón después de tener éxito hace unos años con un llamativo anuncio. Sin embargo, las ofertas no afloran para un caucásico americano en la industria japonesa, así que tiene que aceptar un trabajo más peculiar: interpretar papeles de suplente para determinadas personas o familias que hacen uso de una “familia de alquiler”, teniendo que actuar para los clientes como un padre desaparecido, un antiguo amigo o una presencia en funerales.

La premisa se ancla en una práctica real de la sociedad japonesa. Estamos hablando de las agencias de “familias de alquiler”, surgidas en los años noventa, que ofrecen actores para desempeñar roles afectivos en funerales, bodas, entrevistas escolares o simples momentos de compañía. Más que una rareza cultural, la película entiende este fenómeno como síntoma de una sociedad profundamente marcada por la apariencia, la presión social y la necesidad de no perder el rostro frente a los demás. En ese contexto aterriza Phillip, un extranjero que no comprende del todo las reglas, pero que se adapta con docilidad porque necesita el dinero y, más aún, porque necesita ser visto.

La película se fragmenta en varios episodios que funcionan como pruebas de conciencia. Uno de los más problemáticos es el que involucra a un legendario actor japonés con demencia, interpretado por Akira Emoto , donde el guion cae en una cadena de situaciones previsibles y sentimentales que rozan el exceso. Ese tramo evidencia las debilidades de la cinta. Cuando Familia en renta confía demasiado en el melodrama, pierde fuerza y credibilidad.

Leica. Un siglo de fotografía

Leica celebra su centenario con una exposición fotográfica que presenta los hitos de la fotografía de los últimos cien años, la exposición reúne más de 170 fotografías inolvidables, así como una selección de cámaras clásicas y documentos que ilustran la profunda huella de la marca en la fotografía mundial. Leica propone un recorrido visual que aborda temáticas universales como la mujer, la crisis, la naturaleza y las personas. "No sólo queríamos mostrar las fotografías más famosas e icónicas, sino también momentos personales, sorprendentes y llenos de intimidad. Nuestra selección no es estrictamente cronológica, sino que sigue un hilo emocional. Buscamos imágenes que cuenten una historia, que hagan tangible la magia de la mirada Leica, a través de décadas, géneros y puntos de vista. La cámara Leica es una herramienta, sí, pero son las personas que hay detrás de ella las que dan forma al momento. Por eso nos centramos en la voz visual única de cada fotógrafo" la comisaria.

Nombres como Steve McCurry, Oskar Barnack, Ernst Leitz, Elliott Erwitt, Ramón Masats, Andrea Hoyer, Jane Evelyn Atwood, Barbara Klemm, Bruce Davidson, Joel Meyerowitz, a los que se suma una selección de veintiocho fotógrafos españoles, con César Lucas, Manolo Laguillo, Cristóbal Hara o Alberto García-Alix, entre otros.

La muestra incluye además material inédito de la marca, exhibiendo una selección de cámaras clásicas como Leica I (1925) y Leica II (1932), además de material histórico que ilustra la evolución tecnológica y estética de Leica durante este siglo.