Tiempos Modernos

Tiempos Modernos propone una revisión crítica de la colección de pintura española contemporánea del Museo de Bellas Artes de València, centrada en el periodo comprendido entre las décadas de 1940 y 1970. Este arco cronológico, clave para comprender la modernización artística en la España que salía de la Guerra Civil, ha quedado tradicionalmente relegado en los discursos museísticos al situarse entre el arte clásico y las últimas tendencias de finales del siglo XX. La exposición se articula en torno a las adquisiciones realizadas por el Estado a partir de 1968, bajo la dirección de Felipe Garín, que evidencian la voluntad del Museo de Bellas Artes de València de construir un relato sobre los artistas valencianos posteriores a la Guerra Civil. A este núcleo se han sumado en los últimos años los nombres de Francisco Sebastián, Juana Francés o Aurora Valero, proporcionando una visión más completa de la creación de posguerra. 

La exposición se estructura en tres núcleos: Nueva figuración; Abstracción de posguerra; y Paisaje y naturaleza muerta. En la figuración se observa una evolución desde planteamientos expresionistas hacia propuestas de gran carga crítica, especialmente a partir de los años sesenta, con colectivos como Estampa Popular o el Equipo Crónica, que incorporaron estrategias visuales vinculadas al Pop Art. Paralelamente, la abstracción fue progresivamente asumida y promovida como emblema de modernidad, generando propuestas informalistas, geométricas y ópticas como las representadas por Eusebio Sempere o José María Yturralde. El recorrido se completa con el paisaje y la pintura de objetos, entendidos como espacios de reflexión identitaria y social. Mediante la deconstrucción formal y el uso expresivo del color, los artistas valencianos ofrecieron una mirada crítica sobre su territorio inmerso en transformaciones económicas y sociales.

Arte Urbano. De los orígenes a Banksy

El arte urbano se ha consolidado en las últimas décadas como uno de los lenguajes visuales más influyentes y reconocibles del arte contemporáneo. Desde las primeras firmas o tags en las calles de Filadelfia y Nueva York a finales de los años sesenta hasta su expansión internacional, ha alcanzado un reconocimiento global. Esta exposición narra la evolución del arte urbano a través de más de sesenta obras originales de artistas fundamentales como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, SEEN, Blek le Rat, JR, Invader, Os Gêmeos o Banksy, entre otros, incluyendo artistas españoles como SUSO33, EL XUPET NEGRE o PichiAvo. 

El recorrido se articula en cinco etapas históricas: desde las primeras prácticas de autoafirmación vinculadas al grafiti hasta la progresiva sofisticación de lenguajes, técnicas y discursos que lo han llevado a ocupar un lugar central en el marco del arte contemporáneo. A estas cinco secciones se suma un apartado monográfico dedicado al paradigmático Banksy, figura clave para comprender la dimensión mediática y simbólica del arte urbano en el siglo XXI. 

Anders Zorn Recorrer el mundo, recordar la tierra

Anders Zorn (1860–1920) fue el pintor sueco más destacado de finales del siglo XIX y principios del XX. Procedente de un humilde entorno rural, llegó a alcanzar fama internacional como retratista de reyes, políticos y otras celebridades de su tiempo. Su virtuoso dominio de algunas de las principales técnicas artísticas (óleo, acuarela, grabado) le consolidó como uno de los creadores con mayor prestigio en Europa y Estados Unidos.

Recorrer el mundo, recordar la tierra presenta una interesante y completa panorámica del conjunto de su obra: desde sus primeras acuarelas y sus viajes de formación, su posterior establecimiento en París —donde fue uno de los protagonistas del triunfo de la pintura naturalista— hasta su retorno a Suecia en 1896 y sus viajes a Estados Unidos. La amplitud y riqueza de esta trayectoria, cosmopolita y al mismo tiempo profundamente vinculada a sus orígenes, se refleja en una pintura en la que la representación de la vida moderna y los retratos de personalidades de muchos países conviven con escenas de la vida tradicional de su región natal. La muestra incluye también su producción española, con obras de Sevilla, Cádiz y Granada, así como otras piezas que testimonian su amistad con Joaquín Sorolla o Ramón Casas. 

Chez Matisse Caixaforum

“Chez Matisse” rinde tributo a la creatividad y a la laboriosidad del autor de La alegría de vivir, que nació en 1869. Colorista por excelencia y creyente en una utilización celebratoria de las tonalidades, sin justificación mimética, sus creaciones son tan teóricas como sensibles, como ha subrayado hoy Aurélie Verdier, comisaria de esta muestra: al tiempo que seduce al espectador a través de su paleta y de la sinuosidad habitual de las líneas, interroga la condición de la pintura. Además de enseñarnos algunas de sus composiciones fundamentales, la exposición lo enlaza con creaciones de contemporáneos con quienes mantuvo lazos evidentes –Picasso, fauvistas como Derain, Kees van Dongen, Maurice de Vlaminck o Albert Marquet-, con las de otros coetáneos que desplegaron un interés fundamental por el color, y con autores posteriores, a los que Verdier se ha referido como amigos imaginarios, que compartieron con él concepciones innovadoras de las relaciones entre el dibujo y el cromatismo -cuya disociación constante frustraba a Matisse– o la reformulación de la organización del lienzo desde un enfoque crítico, de los neoprimitivistas rusos a Support-Surface, Anna-Eva Bergman o Daniel Buren.

Se estructura “Chez Matisse” en ocho apartados cronológicos, comenzando en el año redondo de 1900 y mostrándonos un autorretrato sobrio, un paisaje parisino y dos bodegones con chocolatera y cafetera que revelan aún el peso de las enseñanzas del que fue su maestro, Gustave Moreau. Marcó un evidente cambio de rumbo Lujo, calma y voluptuosidad (1904), pieza que bebe del puntillismo de Signac, amigo suyo, y cuyo título procede del poema L’Invitation au voyage de Baudelaire, de quien Matisse era lector.

En torno a 1910 se aproximaría Matisse, hijo de su tiempo, al primitivismo y el arte africano: esa querencia al exotismo tenía que ver con cierto repudio de la tradición figurativa de Europa occidental, pero también con la aspiración a un estado de pureza y el deseo de encontrar un lenguaje virgen, ajeno a tradiciones contaminadas y oficialismos.

Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen

Cincuenta obras maestras de Pablo Picasso y Paul Klee que pertenecieron al marchante y coleccionista alemán Heinz Berggruen y que hoy forman parte del Museum Berggruen de Berlín. .

Es cierto que Picasso y Klee no pueden ser más opuestos. Pertenecían a dos mundos muy diferentes y poseían dos personalidades antitéticas: meridional, terrenal, excesivo y sensual, el primero; nórdico, espiritual, introspectivo e intelectual, el segundo. Ahora bien, también es indudable que compartieron ciertos repertorios temáticos, un mismo espíritu de experimentación, una análoga estrategia reductora y deformadora que los llevó a dislocar formas y cuerpos, tanto por medio de la geometría como por la mutación orgánica, y, además, un similar sarcasmo para utilizar el arte como arma de transgresión. En buena medida, sus dos fórmulas –antagónicas, pero igual de revolucionarias–, que los llevaron a destruir la realidad a través de un lenguaje plástico de enorme radicalidad, transformaron para siempre el modo de mirar y de acercarse al mundo del hombre contemporáneo. 

La exposición se divide en cuatro apartados con los temas y géneros que interesaron a los dos artistas y en los que sus creaciones se entrelazan de maneras sugerentes e inesperadas: Retratos y máscaras; Lugares; Cosas; y, por último, Arlequines y desnudos. En cada sección se incorpora además una selección de obras de la colección Thyssen, algunas de las cuales fueron propiedad de Berggruen en el pasado, que dan pie para abordar la estrecha relación que se estableció entre ellos. 

Agustín Ibarrola Euskadi 1977-1979

En 1979, un año después de la entrada en vigor de la Constitución Española y de la aprobación del Estatuto de Autonomía del País Vasco, Ibarrola creó en la Sala Gris del Museo de Bellas Artes de Bilbao un gran mural formado por 27 cuadros, 12 de ellos con unas dimensiones de 2 x 3,5 m.

Con una especie de preámbulo formado por tres cuadros en la pared y ocho lienzos “tótem” apoyados sobre el suelo y a cierta distancia del mural, la parte principal de la instalación cubría totalmente las paredes en una sucesión de grandes lienzos articulando el conjunto. En el centro, un cuadro con una hoja de roble y un escrito reforzaba el simbolismo de la obra, también respaldado por temas extraídos del Guernica (1937) de Picasso y por cuatro fragmentos de la versión de Ibarrola (c. 1977) de ese célebre cuadro.

La tensión entre la abstracción formal y la representación figurativa relaciona figuras y objetos procedentes del mundo del trabajo manual -de la artesanía tradicional a la industria- violentamente intervenidos por líneas en blanco y negro que representan la experiencia opresora de los nueve años de cárcel que padeció Ibarrola por su militancia en el Partido Comunista de España. Escalas, perspectivas y penumbras forzadas que confinan figuras en una especie de artefacto de denuncia y expresión del arte y el artista como agentes sociales en favor de la democracia.

Max Ernst Paris 1922-1928

La exposición incluye 14 pinturas, 6 dibujos y las 34 fototipias que conforman la célebre carpeta Histoire naturelle. Salvo un frottage fechado en 1957, todas fueron realizadas entre 1922 y 1928, una etapa de experimentación en la que, partiendo de un interés inicial por el dadaísmo, Ernst evolucionó hacia las propuestas más trasgresoras formuladas por el surrealismo. Fue en este contexto donde el artista alemán pudo aportar novedades teóricas, técnicas y creativas que hoy son consideradas fundamentales para el desarrollo del arte del siglo XX. A  este conjunto se han incorporado en préstamo temporal para la exposición una escultura y diverso material documental. Las obras proceden de una colección particular de origen español radicada en Londres que fue heredada por su actual propietario, nieto del prestigioso galerista inglés Aram Mouradian.

Los años veinte fueron un periodo de gran efervescencia intelectual y creativa en los que el arte y el mundo de las ideas acogieron las enormes transformaciones originadas por la exploración de territorios que, como el inconsciente, los sueños o la imaginación, se sitúan más allá de la razón. A pesar de ser una figura central del surrealismo y de su impronta en el arte español gracias a la difusión de su trabajo en revistas especializadas y a su participación en exposiciones de la época Ernst está escasamente representado en las colecciones públicas españolas. Se conservan dos obras en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y cuatro en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, a las que ahora se suma este extraordinario conjunto depositado en el museo de Bilbao.

Objetos sin aparente relación entre sí han sido reunidos de manera libre en el cuadro, , en el que destacn, de espaldas, dos cuerpos femeninos desnudos representados de forma realista. A la derecha, una figura masculina transparente que, mano en alto, trata de aproximarse a las mujeres, así como otros elementos tubulares y vegetales, sensuales y orgánicos, aluden a lo onírico y fantástico. 

Maruja Mallo: Máscara y compás.

Maruja Mallo (Viveiro 1902–Madrid 1995) es una artista fundamental del siglo XX español y una de las principales figuras de la Generación del 27, de la que formaron parte Rafael Alberti, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rosa Chacel y María Zambrano, entre otros. Es, además, la más importante representante del grupo de artistas que, por primera vez, presentaron colectivamente una cosmovisión femenina desde una perspectiva también inédita, la de la mujer moderna, activa, libre y profesional.

Esta exposición quiere acercar la obra y pensamiento de Mallo, está organizada de manera cronológica respetando sus series de pinturas que, junto con sus dibujos y su archivo, trazan toda la carrera de la artista. Desde el realismo mágico y las composiciones de carácter surrealista de sus primeros años hasta las configuraciones geométricas y fantásticas de sus últimas obras. Así, sus escenarios se desplazan de los barrios populares de Madrid a las tierras del extrarradio, ahondando en la relación del ser humano con la naturaleza y situando esa relación en una dimensión superior, en la que ciencia, arte y mitología se dan la mano, para acabar en el cosmos. Incluye además citas de la propia artista que dan voz a la personal revisión que Mallo hizo sobre su obra y el papel del arte en la sociedad.

Punto y contrapunto maestros del siglo XX en la colección Jaime Botín

‘Punto y contrapunto: maestros del siglo XX en la colección de Jaime Botín’, una exposición que presenta una selección de 17 obras,

la muestra reúne a 14 importantes artistas del siglo XX con “obras de muy diferentes estilos que, aunque muestran grandes diferencias entre sí, establecen su unidad en un espléndido diálogo visual, donde los contrastes de tonos, texturas y estilos transmiten emociones profundas, lo que, a pesar de sus diferencias estéticas y conceptuales, logra una unidad que conecta con el espectador”, afirma María José Salazar, comisaria de la muestra. Pertenecen a dos momentos relevantes de la historia del arte: el tiempo de las vanguardias y el arte de la posguerra, en los años tras la Segunda Guerra Mundial, en que surgen nuevos modos de representación”, asegura.

Así, la nueva sala permanente incluye creaciones de importantes artistas españoles como Manolo Millares, Pablo Palazuelo y Antoni Tàpies, cercanas a la abstracción, bien sea matérica, expresionista o geométrica; en un contrastado diálogo con el iluminismo de Joaquín Sorolla; el cubismo de María Blanchard y Juan Gris; la pintura poética de Joan Miró; la figuración lírica de Pancho Cossío; el realismo de José Gutiérrez Solana; el noucentisme de Isidre Nonell y el neocubismo de Daniel Vázquez Díaz.

Además, estos artistas comparten el espacio con algunos de los artistas internacionales más significativos del siglo XX que representan la nueva figuración, como Francis Bacon; el fovismo, como Henri Matisse; y el expresionismo, como Mark Rothko.

En definitiva, todos los artistas representados han logrado innovar, personalizar y desarrollar un lenguaje identificativo, cada uno con voz propia, existiendo en cada obra una fuerte personalidad estética, armonía y cohesión, lo que evidencia la participación de los artistas, de forma individual, en un proceso colectivo y evolutivo de la historia del arte.

El Greco. Santo Domingo el Antiguo

 

Se reúnen, por primera vez desde su dispersión, ocho de las nueve obras que el Greco realizó para la iglesia del Monasterio de Santo Domingo el Antiguo de Toledo. La Asunción, la gran tela central del retablo mayor, que desde 1906 forma parte de las colecciones del Art Institute de Chicago, se expone junto a las dos obras de este retablo conservadas en la colección del Museo del Prado, a las que permanecen en Santo Domingo el Antiguo y a las que se encuentran en otras colecciones.

A mediados de 1577, recién llegado a España, el Greco obtuvo los dos encargos más importantes de su carrera hasta la fecha: El Expolio para la catedral de Toledo y los tres retablos del monasterio de monjas cistercienses de Santo Domingo el Antiguo, uno de los cenobios más antiguos de la ciudad. Dicho monasterio contó desde 1579 con una nueva iglesia de traza clasicista costeada por doña María de Silva (1513-1575), dama portuguesa que estuvo al servicio de la emperatriz Isabel, esposa de Carlos V, y por Diego de Castilla (h. 1507-1584), deán de la catedral. El espacio se destinó a lugar de enterramiento de los dos benefactores.

Vídeo YouTube

Esperpento. Arte popular y revolución estética

La exposición propone una relectura del concepto de «esperpento», desarrollado por Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) en la década de 1920. El dramaturgo concibió el esperpento como una reacción a una sociedad española en crisis, atrapada en el pasado, que sólo puede representarse mediante la deformación grotesca. A través de un enfoque coral, el esperpento se revela, más allá de lo literario, como un núcleo de pensamiento estético que ofrece una nueva perspectiva para comprender la realidad, proponiendo una lectura del siglo XXI a la luz de los eventos del siglo XX. 

La exposición se organiza en ocho secciones, con títulos inspirados en obras clave de Valle-Inclán. El recorrido inicia con una genealogía del concepto de esperpento, donde se muestra una selección de la prensa satírica más relevantes de finales del siglo XIX, pinturas y dispositivos ópticos populares que fueron un antecedente de las técnicas de deformación.

Uno de los momentos destacados es la sección Tablado de marionetas, que conecta las farsas de Valle-Inclán con el teatro de marionetas, donde la metáfora de los seres humanos como peleles controlados por fuerzas ocultas adquiere gran relevancia. La reconstrucción del Teatro dei Piccoli, que inspiró al autor, es, tal vez, uno de los puntos culminantes de la muestra. El esperpento alcanza su máxima expresión en obras como Luces de Bohemia (1920), donde el protagonista Max Estrella afirma que los héroes clásicos reflejados en espejos cóncavos dan origen al esperpento, es decir, una estética deformada que representa la vida trágica de la España de su tiempo. En esta sección, se explora la tensión entre el individualismo bohemio y el colectivismo anarquista, reflejada en las obras de artistas como María Blanchard y Antonio Fillol.

El carnaval es otra de las metáforas fundamentales del esperpento. La exposición lo presenta como un espacio de subversión de las convenciones sociales, donde lo grotesco y lo cómico se entrelazan. A través de obras y fotografías de la época, se destaca cómo el carnaval se convierte en un escenario de resistencia política y estética.

La sección final está dedicada a las obras narrativas de Valle-Inclán escritas en un contexto de creciente fascismo, como Tirano Banderas (1926), que critica el imperialismo y los regímenes despóticos. En esta sección se exhiben piezas como El tirano (1947) de José Clemente Orozco, cuyo retrato del tirano resuena con las denuncias de Valle-Inclán sobre el poder opresivo.

Andy Warhol Posters

Andy Warhol (1928-1987) es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Su obra abarcó diversos medios, desde la pintura hasta el cine, desarrollando un estilo personal. Sin embargo, fue su experiencia como publicista y diseñador gráfico la que le permitió integrar los carteles como una expresión relevante y permanente en su trayectoria artística. La exposición reúne 134 carteles creados por el artista desde 1962 hasta el final de su carrera. Se trata de una de las recopilaciones más amplias reunida hasta el momento que permite profundizar en el legado del genio del pop art.  

1924. Otros surrealismos

Con el centenario (1924) de la publicación por André Breton del “Primer manifiesto del surrealismo” como punto de partida, la exposición propone una triple exploración: la fortuna crítica del Manifiesto en España, la repercusión en nuestro país del movimiento en su conjunto y el papel real que las mujeres (con la figura de Gala Dalí en el centro) desempeñaron en el grupo.

Desde este planteamiento, la muestra va más allá de los artistas españoles que fueron protagonistas internacionales del movimiento, como Dalí, Buñuel o Miró, para acercarse a los numerosos seguidores que tuvo en España, en general menos conocidos por diversos motivos y que en muchos casos, además, no se atuvieron al canon surrealista que Breton dictaba desde París sino que generaron sus propias lecturas. La recuperación de estos discursos alternativos y esos nombres olvidados de artistas “surrealizantes” de España y de América Latina es una de las líneas centrales de la exposición, con el mencionado énfasis en las grandes olvidadas del movimiento: las mujeres, españolas e internacionales (Maruja Mallo, Remedios Varo, Grete Stern…), que aparecían como un todo sin nombre en el Manifiesto de Breton. Pasados cien años, 1924. Otros surrealismos nos lleva a pensar qué queda, en un mundo tan plural y complejo como el de hoy, de un movimiento que nos descubrió e incorporó a nuestro bagaje intelectual y emocional aspectos de la realidad hasta entonces desconocidos o ignorados, como el sueño, la androginia, los paraísos perdidos…

videos

Joaquín Soler Serrano entrevista a la pintora Maruja Mallo 1980

Joaquín Soler Serrano entrevista al pintor de Figueras 1977 

Amazonia contemporánea

La exposición muestra más de 80 piezas de 30 artistas de la Amazonía peruana de distintas épocas y orígenes, con producción tanto indígena como urbana, con el fin de revelar ese mundo fascinante y poco conocido donde la naturaleza, la creatividad y la tradición se entrelazan con singularidad y raramente visto en la escena artística internacional. Las obras incluyen distintos soportes y técnicas, como telas pintadas y bordadas, cerámica, máscaras, pintura, collages, fotografías y piezas realizadas sobre corteza de árbol. Y es que, el río Amazonas, que nace en el Perú, da nombre a la región más biodiversa del planeta, poblada por sociedades cosmo céntricas que conviven con seres naturales y espirituales. Desde hace pocos años, el arte amazónico está viviendo una creciente evolución, dando testimonio de los universos que cohabitan y de las narrativas históricas y mitológicas que definen este territorio.

 

Agustina Valera y Oliver Agustin

Rafael Canogar [I]Realidades [Obras 1949-2024]

Escena urbana. Construcción.170x500. 1970

 La exposición reúne cerca de sesenta obras: pinturas, collages y relieves escultóricos, fechados entre 1949 y 2024, procedentes en buena parte de su colección personal. Su comisario, Alfonso de la Torre, las ha reunido en cinco capítulos que refieren un trayecto pictórico entre lo representativo y lo abstracto [I]Realidades. "Naturaleza, que me has conmovido" es el primer capítulo que muestra un extraño paisaje de 1949, encontrando otras miradas abstractas recientes, pinturas de grandes formatos evocadoras de la naturaleza. Prosigue un recorrido cronológico con los títulos: "Circa 1957. La materia y el signo: el arte otro"; "Circa 1968. Realeza secreta del dolor" y "Abstracciones y construcciones: circa los ochenta". La exposición concluye retornando a la década de los cincuenta, una tríada de pinturas evocadoras del mundo de Klee y Miró: "1954-1955. Klee y Miró, mágicos".

Toros, peces y flores. M. Barceló

La primera sala trata un tema constante en la obra de Barceló, el toreo. El artista, que pintó sus primeras tauromaquias en los años 80, plasma temas en su obra como pases, de manera detallada y obsesiva, a través de distintos puntos de vista, como el de los pájaros o el de los espectadores en el coso.

En la segunda sala se pueden apreciar distintas cerámicas con varios tipos de peces y máscaras, a veces similares al rostro del artista. Aquí se desarrolla otro de los temas que más ha tratado el mallorquín en su obra, el mar, acompañado de cerámica, lo que considera como "una extensión de su obra".

Finalmente, en la tercera y última sala se pueden ver lienzos y obra sobre papel con bodegones, flores y fondos marinos, al igual que cerámicas de todo tipo, donde se entremezclan los temas principales de la exhibición.

Gabriele Münter La gran pintora expresionista

Gabriele Münter (1877-1962) fue una de las fundadoras de El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), el legendario grupo de artistas expresionistas con sede en Múnich. En sus obras, de líneas precisas y colores intensos, la pintora alemana sumerge al espectador en su mundo privado. Comienza con un extenso capítulo dedicado a sus inicios como fotógrafa amateur y analiza cómo su relación con este medio de expresión moderno, menos codificado que las tradicionales bellas artes, fue fundamental para su desarrollo posterior. 

A continuación, se muestra su creación pictórica en un recorrido cronológico-temático que se inicia con las obras realizadas durante sus viajes por Europa y el Norte de África junto a su pareja Wassily Kandinsky, y prosigue con un extenso capítulo dedicado a sus obras maestras del periodo de El Jinete Azul. Para finalizar, se centra en su exilio en Escandinavia durante la Primera Guerra Mundial y los distintos caminos de expresión que encontró tras su regreso a Alemania. A lo largo de su larga carrera, Münter demostró en numerosas ocasiones su capacidad de adaptación, su incansable deseo de experimentación y su falta de prejuicios ante lo nuevo o diferente. 

Exposición organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid, en cooperación con The Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation de Múnich y la Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München de Múnich, y en coproducción con el Musée d’Art Moderne de París, Paris Musées.

Setenta grandes maestros de la Colección Pérez Simón

La muestra propone una cuidada selección de obras de la Colección Pérez Simón, la mayoría de ellas nunca antes vistas en Madrid, a través de un recorrido articulado en tres periodos: ‘Maestros antiguos y primeros modernos’, que incluye obras de Lucas Cranach el Viejo, Bronzino, Rubens, el Greco, Murillo, Anton Van Dyck, Canaletto, Tiepolo y Goya, entre otros; ‘Siglo XIX’, con piezas de los más relevantes pintores del momento, entre ellos Turner, Van Gogh, Paul Cézanne, Pisarro, Gauguin, Sisley, Monet, Renoir, Joaquín Sorolla e Ignacio de Zuloaga; y ‘De las Vanguardias al arte actual’, en la que están presentes artistas como Eduard Munch, Tamara de Lempicka, Fernand Léger, Rothko, René Magritte, Alex Katz, Takashi Murakami y Yoshitomo Nara.

El empresario y coleccionista Juan Antonio Pérez Simón nació en Asturias, desde donde emigró a México con sus padres siendo niño. Su colección reúne más de 4.000 piezas de pintura, escultura, dibujo, artes decorativas y manuscritos, siendo considerado a día de hoy como uno de los acervos privados más relevantes del mundo.

Estampa 24

Bien aimé 

Paraíso perdido de NANON MORSINK

Nanon es de origen holandés, desde 2017 trabaja en Málaga, donde reside.

Esta instalación se inspira en la historia bíblica de Adán y Eva, en el momento en que Eva toma la manzana y todo cambia; el paraíso se pierde y la oscuridad entra en el mundo.

Al igual que Eva estira la mano hacía el fruto prohibido, este árbol está adornado con innumerables brazos que pueden parecer sombríos y desolados pero que para la artista son un símbolo de renovación y nuevo crecimiento.

Pop Superloves  de PUNTAX

¿qué pintaría Andy Warhol hoy? "Por supuesto que a Rosalía". Ninguna duda tiene la artista Puntax de ello. Por eso, como buena fan del arte pop y del que se considera uno de sus mayores exponentes, ha decidido recrear a la cantante española en una de sus pinturas. Junto a ella, su obra se llena de otros iconos actuales como Britney Spears, Billie Eilish, Kristen Stewart, Pharrell Williams o Alicia Keys. Pero además, con sus creaciones repletas de color hace alusiones al grafiti, al cine clásico, al manga, a las series B, a dibujos animados tales como los Simpson, Bop Esponja o Beavis y Butt-Head, y a los emojis. 

Entre Matemwe y Kigomani 

JUAN MANUEL FERNANDEZ PINEDO

'Entre Matemwe y Kigomani', uno de los nuevos récords de la pintura española actual en lo que a tamaño se refiere, 30 m2, perteneciente a la serie Retratos de Zanzibar.

«Trabajo por sensaciones, siempre estoy receptivo a los colores, al movimiento, a las formas. Zanzíbar lo conozco desde hace seis años y el pasado decidí viajar por segunda vez allí. Y es curioso lo que me sucedió porque sentí que eran muchas las cosas de allí que me atraían, pero no sabía reflejarlas. A la vuelta comencé algunos cuadros, pero sentía que no trasmitían cien por cien lo que quería. En mi cabeza percibía una sociedad que se mueve constantemente, que vive en la calle y se mueve. Su día a día es muy social. Toda esa movilidad genera en segundos todo un encuentro de colores, de formas. Y luego están la vegetación y la luz, que tiene otros tonos».

El errante constructor de máscaras de

JOSÉ LUIS SERZO

Pertenece a la nueva serie en la que establece un diálogo entre dos maestros, Solana y James Ensor.

Soulkeepers de OKUDA

Pertenecen a las 111 esculturas de tamaño 23 x 11 x 9 cm en  resina de poliuretano y acabado en esmalte sintético y capa de barniz.

Los soulkeepers " pueden ser como la sensación de no estar solo por todas las obras que tengo y todas mis creaciones que me acompañan y me protegen de alguna manera."

Os Estúpidos de ROBERT PANDA

Robert Panda es un artista portugués que comenzó su andadura en el submundo del graffiti. Su proyecto de instalación escultórica callejera titulado “Os Estúpidos”, una aproximación filosófica a la necedad humana, se basa en la colocación de estilizadas y simpáticas figuras antropomorfas realizadas con materiales como papel y cinta adhesiva, fibra de vidrio o cemento, en diversas localizaciones con el fin de sorprender. e interactuar con los transeúntes. 

Paternidad de JAVIER GARCÉS

La cerámica, explica Garcés, no permite el control exhaustivo del artista sobre la obra. Hay siempre algo fortuito que la conforma y finaliza a despecho de la voluntad. Un azar que elige y detalla una pieza, que transforma el barro y el color de tal manera que el fuego siempre tiene algo que decir. 

El detalle que transforma una obra, que la finaliza, que la determina. En este caso, no del fuego, sino del propio autor. La bellísima cerámica policromada de un padre y una hija tumbados, abrazados, toma todo su sentido cuando percibimos el pequeño corte en la rodilla de la niña y la mirada alada de Garcés sobre la escena. Aquel pequeño jabeque en las piernas ensarta toda la ternura y define la obra ante el espectador. La cotidianidad, tamizada de su trabajo obstinado y minucioso.

El fuego de MARIANA ALVÁREZ 

Temas preferidos: África y la mujer africana.

Obras construidas por capas de collage, con fondos abstractos y juegos de texturas, de los que destacan las provocativas manchas, derrames y planos de color, todo sutilmente encuadrado mediante la incorporación de ligeras placas de metacrilato.

Colibrí Thalassinus I y II de GERARD MAS

Esculturas en madera de cedro.

Su obra destaca por utilizar un lenguaje figurativo y realista, aparentemente académico, pero cargado de ironía y apto a la vez para la poesía visual. 

Silla de UNAI GABILONDO

Una silla es una silla salvo cuando desafía el universo conceptual que la sociedad ha establecido al atribuirle su uso. La silla de Unai navega de forma transversal, con un discurso acorde a nuestros tiempos, entre escultura, diseño y artesanía, y con ello nos insinúa nuevos códigos abiertos, nuevas interpretaciones.

Unai Gabilondo es hijo y padre de un ebanista y no busca en su trabajo únicamente un fin utilitario, sino también, a través de su maestría, un medio de expresión creativa.

DANIEL NUÑEZ

Su obra bebe de corrientes como el Art Brut o el neoexpresionismo abstracto dentro del arte urbano. La intuición, los procesos oníricos y espontáneos junto con la experimentación en cuanto a técnicas inciden en una subjetividad de largo alcance. El lenguaje minimalista refleja lo íntimo de su mirada y subraya el potencial de los objetos representados.

Pinto desde el subconsciente y no ejerzo control sobre mi obra, pinto, y después hago una lectura sobre ello.

Et pour finir en beauté, on retourne à FERNANDEZ PINEDO et sa 1era Maternidad

La colección del Museo de BBAA de Valencia

Esta exposición permite contemplar, por primera vez fuera del Museo de Bellas Artes de Valencia, una selección de las piezas más significativas de su colección desde la Edad Media hasta el mundo contemporáneo. La muestra, comisariada por Pablo González Tornel, director del Museo de Bellas Artes de Valencia y máximo especialista en la colección, cuenta con piezas de artistas como Gherardo Starnina, Joan Reixach, Joan de Joanes, el Bosco, Maarten de Vos, Vicente Macip, José de Ribera, Rubens, los Ribalta, los Benlliure, Ignacio Pinazo, Muñoz Degraín o Sorolla, entre otros.

Dividida en nueve secciones, la exposición arranca en el siglo xv, cuando Valencia comienza a convertirse en un importante centro activo de la Corona de Aragón, para conducir al visitante por un recorrido histórico, artístico y social que concluye en las primeras décadas del siglo xx y la modernidad.

Sigue siendo un museo muy antipático. Del Bosco ni siquiera está el  tríptico completo.