Alejandro Cartagena. Ground Rules

Ground Rules es la primera gran exposición del fotógrafo Alejandro Cartagena (1977): un recorrido en profundidad por los más de veinte años de trayectoria de este artista de origen dominicano y afincado en Monterrey, la megalópolis industrial del noreste de México. 

La exposición reúne alguno de sus proyectos más conocidos, como Suburbia Mexicana, Carpoolers, y la trilogía sobre la frontera, en una propuesta que pone de manifiesto su capacidad para visibilizar cuestiones sociales y medioambientales de urgente actualidad. El título de la exposición, Ground Rules, alude tanto a las restricciones creativas que el artista se impone en cada proyecto —como el formato, el tema o la localización, entre otras— como a las fuerzas sociales con las que lidia. En un mundo en constante transformación, el artista nos invita a cuestionar las reglas que nos gobiernan e imaginar cómo podrían trazarse de nuevo.

El recorrido deja claro desde el comienzo que Cartagena entiende la fotografía como una herramienta de pensamiento antes que como un simple registro documental. Sus proyectos nacen casi siempre en forma de series donde la repetición y las variaciones mínimas generan significado. Cada fotografía dialoga con la siguiente hasta construir una cartografía visual de las contradicciones contemporáneas.

Richard Avedon. In the American West, 1979-1984

Por primera vez se exhiben en España estas 110 copias de época, que el propio autor seleccionó y trabajó en el laboratorio tanto para aquella muestra como para el catálogo que la acompañó.    In the American West surge en un momento decisivo de la carrera de Richard Avedon (Nueva York, 1923- San Antonio, Tejas, 2004), tras décadas dedicado a la fotografía de moda y al retrato de figuras públicas. Cuando inició el proyecto, Avedon ya había expuesto en el MoMA y en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, además de ser el fotógrafo oficial de las portadas de Vogue. En un principio la serie suscitó cierta controversia, por la radical oposición entre su trabajo hasta la fecha y el anonimato de los personajes ahora retratados.  El proyecto respondía al interés de Avedon por abordar, desde el retrato, una reflexión crítica sobre la sociedad estadounidense, para lo que decidió centrarse en la clase trabajadora del oeste de Estados Unidos. Avedon amplió el proyecto inicial, mucho más limitado, para acabar creando el excepcional retrato de la condición humana que, más allá de su circunstancia geográfica y temporal, representa In the American West.

Hacia mucho que no disfrutaba tanto con una exposición.

Tiempos Modernos

Tiempos Modernos propone una revisión crítica de la colección de pintura española contemporánea del Museo de Bellas Artes de València, centrada en el periodo comprendido entre las décadas de 1940 y 1970. Este arco cronológico, clave para comprender la modernización artística en la España que salía de la Guerra Civil, ha quedado tradicionalmente relegado en los discursos museísticos al situarse entre el arte clásico y las últimas tendencias de finales del siglo XX. La exposición se articula en torno a las adquisiciones realizadas por el Estado a partir de 1968, bajo la dirección de Felipe Garín, que evidencian la voluntad del Museo de Bellas Artes de València de construir un relato sobre los artistas valencianos posteriores a la Guerra Civil. A este núcleo se han sumado en los últimos años los nombres de Francisco Sebastián, Juana Francés o Aurora Valero, proporcionando una visión más completa de la creación de posguerra. 

La exposición se estructura en tres núcleos: Nueva figuración; Abstracción de posguerra; y Paisaje y naturaleza muerta. En la figuración se observa una evolución desde planteamientos expresionistas hacia propuestas de gran carga crítica, especialmente a partir de los años sesenta, con colectivos como Estampa Popular o el Equipo Crónica, que incorporaron estrategias visuales vinculadas al Pop Art. Paralelamente, la abstracción fue progresivamente asumida y promovida como emblema de modernidad, generando propuestas informalistas, geométricas y ópticas como las representadas por Eusebio Sempere o José María Yturralde. El recorrido se completa con el paisaje y la pintura de objetos, entendidos como espacios de reflexión identitaria y social. Mediante la deconstrucción formal y el uso expresivo del color, los artistas valencianos ofrecieron una mirada crítica sobre su territorio inmerso en transformaciones económicas y sociales.

Anders Zorn Recorrer el mundo, recordar la tierra

Anders Zorn (1860–1920) fue el pintor sueco más destacado de finales del siglo XIX y principios del XX. Procedente de un humilde entorno rural, llegó a alcanzar fama internacional como retratista de reyes, políticos y otras celebridades de su tiempo. Su virtuoso dominio de algunas de las principales técnicas artísticas (óleo, acuarela, grabado) le consolidó como uno de los creadores con mayor prestigio en Europa y Estados Unidos.

Recorrer el mundo, recordar la tierra presenta una interesante y completa panorámica del conjunto de su obra: desde sus primeras acuarelas y sus viajes de formación, su posterior establecimiento en París —donde fue uno de los protagonistas del triunfo de la pintura naturalista— hasta su retorno a Suecia en 1896 y sus viajes a Estados Unidos. La amplitud y riqueza de esta trayectoria, cosmopolita y al mismo tiempo profundamente vinculada a sus orígenes, se refleja en una pintura en la que la representación de la vida moderna y los retratos de personalidades de muchos países conviven con escenas de la vida tradicional de su región natal. La muestra incluye también su producción española, con obras de Sevilla, Cádiz y Granada, así como otras piezas que testimonian su amistad con Joaquín Sorolla o Ramón Casas. 

Ana Locking. Nostalgia / Utopía

Exposición retrospectiva que recorre cerca de dos décadas de creación de la diseñadora Ana Locking, en los que la moda se presenta no solo como disciplina estética, sino como lenguaje narrativo, emocional y político. La muestra se articula en torno a la idea de moda como relato en tránsito entre la nostalgia y la utopía: una mirada hacia el pasado que se transforma en deseo de futuro, en la que lo utópico adquiere la semejanza de un recuerdo. La exposición propone un recorrido narrativo por más de 160 prendas, que se convierten en archivo emocional y artefacto para la reflexión por parte de una diseñadora que entiende la moda como acto de pensamiento y compromiso con su tiempo. Un viaje entre la memoria y la imaginación que invita a cuestionar el presente a través de unos diseños que funcionan como medio para contar historias íntimas y colectivas, entrelazando política, deseo e identidad.

Intolerancia. España en una Europa convulsa, 1914-1945

Colección José María Castallé. Fueron tiempos de vértigo e incertidumbre, de zozobra y de miedo. Tiempos violentos en los que proliferaron discursos que apelaban a la exclusión y al odio. A la deshumanización del otro. Tiempos de guerra, de rebeliones armadas, de insurrecciones populares. De retroceso democrático. Tiempos en que la intolerancia penetró en la vida cotidiana a través de mensajes que prometían orden, seguridad y un futuro glorioso a cambio de excluir de la comunidad a colectivos enteros, que fueron calificados como enemigos. España no fue ajena a esta vorágine.

Este es el contexto en el que se despliega la exposición Intolerancia. España en una Europa convulsa. 1914-1945, que aborda la historia de nuestro país enmarcada en su entorno europeo a través de cinco apartados: «Intolerancia. Una historia europea», «España. Golpe de Estado y revolución», «La España franquista en la Europa del Eje», «Extirpar al enemigo» y «La Institución Libre de Enseñanza y la Residencia de Estudiantes: persecución y resistencia».

Con esta exposición se presenta la Colección José María Castañé en la Residencia de Estudiantes, un fondo compuesto por cerca de cinco mil piezas que ilustran la cultura, la política, la economía y la sociedad en las décadas centrales del siglo XX.

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Leica. Un siglo de fotografía

Leica celebra su centenario con una exposición fotográfica que presenta los hitos de la fotografía de los últimos cien años, la exposición reúne más de 170 fotografías inolvidables, así como una selección de cámaras clásicas y documentos que ilustran la profunda huella de la marca en la fotografía mundial. Leica propone un recorrido visual que aborda temáticas universales como la mujer, la crisis, la naturaleza y las personas. "No sólo queríamos mostrar las fotografías más famosas e icónicas, sino también momentos personales, sorprendentes y llenos de intimidad. Nuestra selección no es estrictamente cronológica, sino que sigue un hilo emocional. Buscamos imágenes que cuenten una historia, que hagan tangible la magia de la mirada Leica, a través de décadas, géneros y puntos de vista. La cámara Leica es una herramienta, sí, pero son las personas que hay detrás de ella las que dan forma al momento. Por eso nos centramos en la voz visual única de cada fotógrafo" la comisaria.

Nombres como Steve McCurry, Oskar Barnack, Ernst Leitz, Elliott Erwitt, Ramón Masats, Andrea Hoyer, Jane Evelyn Atwood, Barbara Klemm, Bruce Davidson, Joel Meyerowitz, a los que se suma una selección de veintiocho fotógrafos españoles, con César Lucas, Manolo Laguillo, Cristóbal Hara o Alberto García-Alix, entre otros.

La muestra incluye además material inédito de la marca, exhibiendo una selección de cámaras clásicas como Leica I (1925) y Leica II (1932), además de material histórico que ilustra la evolución tecnológica y estética de Leica durante este siglo.

Chez Matisse Caixaforum

“Chez Matisse” rinde tributo a la creatividad y a la laboriosidad del autor de La alegría de vivir, que nació en 1869. Colorista por excelencia y creyente en una utilización celebratoria de las tonalidades, sin justificación mimética, sus creaciones son tan teóricas como sensibles, como ha subrayado hoy Aurélie Verdier, comisaria de esta muestra: al tiempo que seduce al espectador a través de su paleta y de la sinuosidad habitual de las líneas, interroga la condición de la pintura. Además de enseñarnos algunas de sus composiciones fundamentales, la exposición lo enlaza con creaciones de contemporáneos con quienes mantuvo lazos evidentes –Picasso, fauvistas como Derain, Kees van Dongen, Maurice de Vlaminck o Albert Marquet-, con las de otros coetáneos que desplegaron un interés fundamental por el color, y con autores posteriores, a los que Verdier se ha referido como amigos imaginarios, que compartieron con él concepciones innovadoras de las relaciones entre el dibujo y el cromatismo -cuya disociación constante frustraba a Matisse– o la reformulación de la organización del lienzo desde un enfoque crítico, de los neoprimitivistas rusos a Support-Surface, Anna-Eva Bergman o Daniel Buren.

Se estructura “Chez Matisse” en ocho apartados cronológicos, comenzando en el año redondo de 1900 y mostrándonos un autorretrato sobrio, un paisaje parisino y dos bodegones con chocolatera y cafetera que revelan aún el peso de las enseñanzas del que fue su maestro, Gustave Moreau. Marcó un evidente cambio de rumbo Lujo, calma y voluptuosidad (1904), pieza que bebe del puntillismo de Signac, amigo suyo, y cuyo título procede del poema L’Invitation au voyage de Baudelaire, de quien Matisse era lector.

En torno a 1910 se aproximaría Matisse, hijo de su tiempo, al primitivismo y el arte africano: esa querencia al exotismo tenía que ver con cierto repudio de la tradición figurativa de Europa occidental, pero también con la aspiración a un estado de pureza y el deseo de encontrar un lenguaje virgen, ajeno a tradiciones contaminadas y oficialismos.

My house is your house Chiharu Shiota

Artista japonesa, residente en Berlín, Chiharu Shiota, una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mundial. Se trata de la primera muestra monográfica en Euskadi de esta artista, conocida por sus monumentales instalaciones tejidas con hilos de lana, cuyos entramados invitan a sumergirse en un mundo poético y onírico. Los temas principales de las intervenciones de Chiharu Shiota son el tiempo, el movimiento, los sueños y la memoria. Concibe su obra a partir de elementos de la vida cotidiana, recuerdos y objetos encontrados o en desuso. Su visión subjetiva y su experiencia son puntos de partida para la concepción de sus obras inmersivas, en las que aborda la dimensión espiritual de la existencia humana con temas como el hogar, la migración, la vida y la muerte. Prendas de vestir, muebles y otros objetos son protagonistas de sus obras, conformando una narrativa clara y universal, independientemente de la lengua, nacionalidad, religión o base cultural de cada persona.

Las instalaciones de Shiota tejen intrincados patrones de hilo que hacen referencia tanto al tejido tradicional como a la caligrafía oriental. Los hilos crean un dibujo complejo y expandido que no tiene un principio ni un final claros, simbolizando caminos, historias y experiencias. Los objetos suspendidos, como ropa y ventanas, representan presencias ausentes, evocando la fragilidad de la vida y el poder de la memoria. A través de ello, invita al público a explorar el potencial narrativo de una obra estructurada en red, abierta y seductora, que estimula la creación de nuevos vínculos. Sorprendente!

Agustín Ibarrola Euskadi 1977-1979

En 1979, un año después de la entrada en vigor de la Constitución Española y de la aprobación del Estatuto de Autonomía del País Vasco, Ibarrola creó en la Sala Gris del Museo de Bellas Artes de Bilbao un gran mural formado por 27 cuadros, 12 de ellos con unas dimensiones de 2 x 3,5 m.

Con una especie de preámbulo formado por tres cuadros en la pared y ocho lienzos “tótem” apoyados sobre el suelo y a cierta distancia del mural, la parte principal de la instalación cubría totalmente las paredes en una sucesión de grandes lienzos articulando el conjunto. En el centro, un cuadro con una hoja de roble y un escrito reforzaba el simbolismo de la obra, también respaldado por temas extraídos del Guernica (1937) de Picasso y por cuatro fragmentos de la versión de Ibarrola (c. 1977) de ese célebre cuadro.

La tensión entre la abstracción formal y la representación figurativa relaciona figuras y objetos procedentes del mundo del trabajo manual -de la artesanía tradicional a la industria- violentamente intervenidos por líneas en blanco y negro que representan la experiencia opresora de los nueve años de cárcel que padeció Ibarrola por su militancia en el Partido Comunista de España. Escalas, perspectivas y penumbras forzadas que confinan figuras en una especie de artefacto de denuncia y expresión del arte y el artista como agentes sociales en favor de la democracia.

Max Ernst Paris 1922-1928

La exposición incluye 14 pinturas, 6 dibujos y las 34 fototipias que conforman la célebre carpeta Histoire naturelle. Salvo un frottage fechado en 1957, todas fueron realizadas entre 1922 y 1928, una etapa de experimentación en la que, partiendo de un interés inicial por el dadaísmo, Ernst evolucionó hacia las propuestas más trasgresoras formuladas por el surrealismo. Fue en este contexto donde el artista alemán pudo aportar novedades teóricas, técnicas y creativas que hoy son consideradas fundamentales para el desarrollo del arte del siglo XX. A  este conjunto se han incorporado en préstamo temporal para la exposición una escultura y diverso material documental. Las obras proceden de una colección particular de origen español radicada en Londres que fue heredada por su actual propietario, nieto del prestigioso galerista inglés Aram Mouradian.

Los años veinte fueron un periodo de gran efervescencia intelectual y creativa en los que el arte y el mundo de las ideas acogieron las enormes transformaciones originadas por la exploración de territorios que, como el inconsciente, los sueños o la imaginación, se sitúan más allá de la razón. A pesar de ser una figura central del surrealismo y de su impronta en el arte español gracias a la difusión de su trabajo en revistas especializadas y a su participación en exposiciones de la época Ernst está escasamente representado en las colecciones públicas españolas. Se conservan dos obras en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y cuatro en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, a las que ahora se suma este extraordinario conjunto depositado en el museo de Bilbao.

Objetos sin aparente relación entre sí han sido reunidos de manera libre en el cuadro, , en el que destacn, de espaldas, dos cuerpos femeninos desnudos representados de forma realista. A la derecha, una figura masculina transparente que, mano en alto, trata de aproximarse a las mujeres, así como otros elementos tubulares y vegetales, sensuales y orgánicos, aluden a lo onírico y fantástico. 

MIRABILIA Joan Fontcuberta

 En este proyecto Joan Fontcuberta reúne una selección de sus trabajos más recientes, varios de ellos inéditos, y algunas series emblemáticas de su trayectoria anterior. Un recorrido que abarca más de cincuenta años de una carrera artística con líneas de investigación recurrentes como el conflicto entre realidad y ficción, entre lo natural y lo artificial.

La exposición, una de las más extensas planteadas por el autor en España en los últimos años, viene a confirmar que esas continuas exploraciones que definen su estilo en torno a los límites de lo fotográfico, cuestionando aquello que vemos, iban en la dirección adecuada.  La propuesta se centra en sus trabajos con Inteligencia Artificial de los últimos dos años. Se presentará un recorrido por su obra actual, con propuestas de narrativas visuales que tienen la representación de la Naturaleza como terreno preferente, un territorio en el que confluyen la experiencia poética con la reflexión conceptual, condimentado con constantes guiños a la ficción. La exposición cuestiona la relación entre imagen y palabra, pero también el propio statu quo de la fotografía. La insistencia en este cuestionamiento es el hilo conductor de su trayectoria. Ahogados ante la apabullante saturación de imágenes que vivimos hoy, su trabajo nos pone en alerta para que no bajemos la guardia ante su potente poder de seducción. La invasión de imágenes falsas a modo de censura encubierta es puesta en evidencia. En la Tercera Revolución Visual estamos asistiendo al nacimiento de un nuevo régimen de la mirada, un cambio de paradigma, en el que Fontcuberta es un referente, como destacado representante de la post-fotografía.

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Maruja Mallo: Máscara y compás.

Maruja Mallo (Viveiro 1902–Madrid 1995) es una artista fundamental del siglo XX español y una de las principales figuras de la Generación del 27, de la que formaron parte Rafael Alberti, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rosa Chacel y María Zambrano, entre otros. Es, además, la más importante representante del grupo de artistas que, por primera vez, presentaron colectivamente una cosmovisión femenina desde una perspectiva también inédita, la de la mujer moderna, activa, libre y profesional.

Esta exposición quiere acercar la obra y pensamiento de Mallo, está organizada de manera cronológica respetando sus series de pinturas que, junto con sus dibujos y su archivo, trazan toda la carrera de la artista. Desde el realismo mágico y las composiciones de carácter surrealista de sus primeros años hasta las configuraciones geométricas y fantásticas de sus últimas obras. Así, sus escenarios se desplazan de los barrios populares de Madrid a las tierras del extrarradio, ahondando en la relación del ser humano con la naturaleza y situando esa relación en una dimensión superior, en la que ciencia, arte y mitología se dan la mano, para acabar en el cosmos. Incluye además citas de la propia artista que dan voz a la personal revisión que Mallo hizo sobre su obra y el papel del arte en la sociedad.

Punto y contrapunto maestros del siglo XX en la colección Jaime Botín

‘Punto y contrapunto: maestros del siglo XX en la colección de Jaime Botín’, una exposición que presenta una selección de 17 obras,

la muestra reúne a 14 importantes artistas del siglo XX con “obras de muy diferentes estilos que, aunque muestran grandes diferencias entre sí, establecen su unidad en un espléndido diálogo visual, donde los contrastes de tonos, texturas y estilos transmiten emociones profundas, lo que, a pesar de sus diferencias estéticas y conceptuales, logra una unidad que conecta con el espectador”, afirma María José Salazar, comisaria de la muestra. Pertenecen a dos momentos relevantes de la historia del arte: el tiempo de las vanguardias y el arte de la posguerra, en los años tras la Segunda Guerra Mundial, en que surgen nuevos modos de representación”, asegura.

Así, la nueva sala permanente incluye creaciones de importantes artistas españoles como Manolo Millares, Pablo Palazuelo y Antoni Tàpies, cercanas a la abstracción, bien sea matérica, expresionista o geométrica; en un contrastado diálogo con el iluminismo de Joaquín Sorolla; el cubismo de María Blanchard y Juan Gris; la pintura poética de Joan Miró; la figuración lírica de Pancho Cossío; el realismo de José Gutiérrez Solana; el noucentisme de Isidre Nonell y el neocubismo de Daniel Vázquez Díaz.

Además, estos artistas comparten el espacio con algunos de los artistas internacionales más significativos del siglo XX que representan la nueva figuración, como Francis Bacon; el fovismo, como Henri Matisse; y el expresionismo, como Mark Rothko.

En definitiva, todos los artistas representados han logrado innovar, personalizar y desarrollar un lenguaje identificativo, cada uno con voz propia, existiendo en cada obra una fuerte personalidad estética, armonía y cohesión, lo que evidencia la participación de los artistas, de forma individual, en un proceso colectivo y evolutivo de la historia del arte.

Esperpento. Arte popular y revolución estética

La exposición propone una relectura del concepto de «esperpento», desarrollado por Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) en la década de 1920. El dramaturgo concibió el esperpento como una reacción a una sociedad española en crisis, atrapada en el pasado, que sólo puede representarse mediante la deformación grotesca. A través de un enfoque coral, el esperpento se revela, más allá de lo literario, como un núcleo de pensamiento estético que ofrece una nueva perspectiva para comprender la realidad, proponiendo una lectura del siglo XXI a la luz de los eventos del siglo XX. 

La exposición se organiza en ocho secciones, con títulos inspirados en obras clave de Valle-Inclán. El recorrido inicia con una genealogía del concepto de esperpento, donde se muestra una selección de la prensa satírica más relevantes de finales del siglo XIX, pinturas y dispositivos ópticos populares que fueron un antecedente de las técnicas de deformación.

Uno de los momentos destacados es la sección Tablado de marionetas, que conecta las farsas de Valle-Inclán con el teatro de marionetas, donde la metáfora de los seres humanos como peleles controlados por fuerzas ocultas adquiere gran relevancia. La reconstrucción del Teatro dei Piccoli, que inspiró al autor, es, tal vez, uno de los puntos culminantes de la muestra. El esperpento alcanza su máxima expresión en obras como Luces de Bohemia (1920), donde el protagonista Max Estrella afirma que los héroes clásicos reflejados en espejos cóncavos dan origen al esperpento, es decir, una estética deformada que representa la vida trágica de la España de su tiempo. En esta sección, se explora la tensión entre el individualismo bohemio y el colectivismo anarquista, reflejada en las obras de artistas como María Blanchard y Antonio Fillol.

El carnaval es otra de las metáforas fundamentales del esperpento. La exposición lo presenta como un espacio de subversión de las convenciones sociales, donde lo grotesco y lo cómico se entrelazan. A través de obras y fotografías de la época, se destaca cómo el carnaval se convierte en un escenario de resistencia política y estética.

La sección final está dedicada a las obras narrativas de Valle-Inclán escritas en un contexto de creciente fascismo, como Tirano Banderas (1926), que critica el imperialismo y los regímenes despóticos. En esta sección se exhiben piezas como El tirano (1947) de José Clemente Orozco, cuyo retrato del tirano resuena con las denuncias de Valle-Inclán sobre el poder opresivo.

Andy Warhol Posters

Andy Warhol (1928-1987) es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Su obra abarcó diversos medios, desde la pintura hasta el cine, desarrollando un estilo personal. Sin embargo, fue su experiencia como publicista y diseñador gráfico la que le permitió integrar los carteles como una expresión relevante y permanente en su trayectoria artística. La exposición reúne 134 carteles creados por el artista desde 1962 hasta el final de su carrera. Se trata de una de las recopilaciones más amplias reunida hasta el momento que permite profundizar en el legado del genio del pop art.  

Arte Moderno de México. Colección Blaisten

Alacena     María Izquierdo 

Arte Moderno de México presenta una selección de 64 obras de la colección en pintura y escultura de algunos de los artistas modernos más importantes del país: Diego Rivera, María Izquierdo, Dr. Atl, Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, Saturnino Herrán, José Guadalupe Posada, entre otros. La muestra exhibe once obras de carácter patrimonial, algunas de estas: Alegoría de México de José Clemente Orozco, Alacena de María Izquierdo, La noche de los rábanos de Diego Rivera, Retrato de Nora Beteta de David Alfaro Siqueiros, Joven con calabaza de Saturnino Herrán, Vista del Popocatépetl de Dr. Atl. El punto de unión entre la autora y el coleccionista es el estudio e interés de las prácticas artísticas que se dieron al margen del muralismo, durante la primera mitad del siglo XX. Esta exposición, por tanto, abarca el desarrollo del arte moderno en México desde los años 40 hasta el fallecimiento de Nelken en 1968. Nelken reconoció el valor de la vanguardia del muralismo, pero fue critica con la institucionalización de la estética. Prefería otra pintura que se dio al margen del muralismo.

Se busca presentar algunas de sus perspectivas sobre el arte moderno de México, las características que veía como distintivas y originales. La autora siempre defendió una postura anti –académica como líneas de investigación con una perspectiva con preocupaciones humanísticas.

1924. Otros surrealismos

Con el centenario (1924) de la publicación por André Breton del “Primer manifiesto del surrealismo” como punto de partida, la exposición propone una triple exploración: la fortuna crítica del Manifiesto en España, la repercusión en nuestro país del movimiento en su conjunto y el papel real que las mujeres (con la figura de Gala Dalí en el centro) desempeñaron en el grupo.

Desde este planteamiento, la muestra va más allá de los artistas españoles que fueron protagonistas internacionales del movimiento, como Dalí, Buñuel o Miró, para acercarse a los numerosos seguidores que tuvo en España, en general menos conocidos por diversos motivos y que en muchos casos, además, no se atuvieron al canon surrealista que Breton dictaba desde París sino que generaron sus propias lecturas. La recuperación de estos discursos alternativos y esos nombres olvidados de artistas “surrealizantes” de España y de América Latina es una de las líneas centrales de la exposición, con el mencionado énfasis en las grandes olvidadas del movimiento: las mujeres, españolas e internacionales (Maruja Mallo, Remedios Varo, Grete Stern…), que aparecían como un todo sin nombre en el Manifiesto de Breton. Pasados cien años, 1924. Otros surrealismos nos lleva a pensar qué queda, en un mundo tan plural y complejo como el de hoy, de un movimiento que nos descubrió e incorporó a nuestro bagaje intelectual y emocional aspectos de la realidad hasta entonces desconocidos o ignorados, como el sueño, la androginia, los paraísos perdidos…

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Joaquín Soler Serrano entrevista a la pintora Maruja Mallo 1980

Joaquín Soler Serrano entrevista al pintor de Figueras 1977 

Amazonia contemporánea

La exposición muestra más de 80 piezas de 30 artistas de la Amazonía peruana de distintas épocas y orígenes, con producción tanto indígena como urbana, con el fin de revelar ese mundo fascinante y poco conocido donde la naturaleza, la creatividad y la tradición se entrelazan con singularidad y raramente visto en la escena artística internacional. Las obras incluyen distintos soportes y técnicas, como telas pintadas y bordadas, cerámica, máscaras, pintura, collages, fotografías y piezas realizadas sobre corteza de árbol. Y es que, el río Amazonas, que nace en el Perú, da nombre a la región más biodiversa del planeta, poblada por sociedades cosmo céntricas que conviven con seres naturales y espirituales. Desde hace pocos años, el arte amazónico está viviendo una creciente evolución, dando testimonio de los universos que cohabitan y de las narrativas históricas y mitológicas que definen este territorio.

 

Agustina Valera y Oliver Agustin

Rafael Canogar [I]Realidades [Obras 1949-2024]

Escena urbana. Construcción.170x500. 1970

 La exposición reúne cerca de sesenta obras: pinturas, collages y relieves escultóricos, fechados entre 1949 y 2024, procedentes en buena parte de su colección personal. Su comisario, Alfonso de la Torre, las ha reunido en cinco capítulos que refieren un trayecto pictórico entre lo representativo y lo abstracto [I]Realidades. "Naturaleza, que me has conmovido" es el primer capítulo que muestra un extraño paisaje de 1949, encontrando otras miradas abstractas recientes, pinturas de grandes formatos evocadoras de la naturaleza. Prosigue un recorrido cronológico con los títulos: "Circa 1957. La materia y el signo: el arte otro"; "Circa 1968. Realeza secreta del dolor" y "Abstracciones y construcciones: circa los ochenta". La exposición concluye retornando a la década de los cincuenta, una tríada de pinturas evocadoras del mundo de Klee y Miró: "1954-1955. Klee y Miró, mágicos".