Tiempos inciertos

La República de Weimar tambaleó conceptos antes incuestionables en la sociedad alemana: los roles de género, la música, la noción de autoridad, la lucha obrera, la arquitectura, la física cuántica, la estética y hasta la técnica como expresión artística. Todo ello estuvo sujeto a una revisión crítica y renovadora. La incertidumbre se convirtió en el espíritu de la época y el cambio de paradigma abrió las puertas a nuestra actual manera de entender la realidad.

A través de fotografías, pintura, escultura, escenografía, música, juegos interactivos y proyecciones, esta exposición ofrece una visión transversal del periodo en el que vivieron y destacaron figuras como Thomas Mann, Käthe Kollwitz u Otto Dix. Transformaciones, grandes crisis, profunda inestabilidad, tensiones y oportunidades, en un diálogo entre el pasado y el presente. Visita guiada interesante, grupo excesivo.

Veneradas y temidas

 

Con esculturas, objetos sagrados y obras de arte de varios continentes y desde el mundo antiguo hasta la actualidad, esta exposición nos muestra cómo diosas, demonios, santas y otros seres espirituales han tenido un rol relevante para nuestra comprensión del mundo. Desde la sabiduría, la pasión y el deseo hasta la guerra, la justicia y la misericordia, se hace un recorrido transcultural por diferentes expresiones de los poderes espirituales femeninos en todo el mundo.

La selección de 154 piezas del British Museum, en diálogo con una selección de artistas contemporáneos de renombre, nos invita a reflexionar alrededor del poder femenino y de la feminidad hoy.

Visiones expandidas. Fotografía y experimentación

Desde sus orígenes, la fotografía ha sido objeto de numerosos y constantes desarrollos químicos y técnicos. Esta exposición reúne 172 obras de artistas que han llevado la fotografía experimental a nuevos horizontes creativos. Provienen del Musée National d’Art Moderne – Centre d’Art Georges Pompidou, están estructuradas en seis secciones temáticas: Luces, Movimiento, Alteraciones, Recrear mundos, La visión a prueba y Anatomías.

A principios del siglo xx, dadaístas, surrealistas y constructivistas exploraron los límites del lenguaje fotográfico como un medio para plasmar el espíritu de los tiempos modernos. Imágenes abstractas, fotomontajes o fotogramas obtenidos sin intervención de la cámara permitieron expresar las inquietudes formales, sociales y políticas del momento. Desde la segunda mitad del siglo xx, la experimentación fotográfica sigue desdibujando los límites entre pintura, escultura, cine y performance. 

 

Ciné y moda J.P. Gaultier

La muestra aborda los intercambios e influencias que se producen entre el cine y la moda, una relación creativa vista bajo la particular mirada de Jean Paul Gaultier, cocomisario y director artístico de la exposición. Más allá de la mitomanía, esta propuesta recorre los contextos de creación, tanto de los vestidos como de los filmes, y nos introduce a ideas de modernidad, futuro o erotismo. Ofrece también un enfoque sociológico al abordar temas como los movimientos de emancipación, en especial de la mujer, y cómo estos tienen un reflejo en la moda y la filmografía de su tiempo. 

Asimismo, la exposición nos acerca a la idea de industria a partir de los distintos profesionales que intervienen en el intercambio creativo: directores/as, diseñadores/as, actores y actrices. Para ello se reúne un conjunto heterogéneo de piezas compuesto de indumentaria, carteles, fotografías y fragmentos de películas que provienen en su mayor parte de la prestigiosa colección de La Cinémathèque française y que se complementan con obras de más de veinte prestadores nacionales e internacionales.

La imagen humana

Un viaje a través del tiempo y de las culturas, un recorrido que no distingue ni épocas ni fronteras para mostrar un tema universal: cómo el ser humano se ha representado y se representa a sí mismo.  La muestra ofrece un recorrido apasionante por uno de los grandes temas –quizás el más recurrente– del arte figurativo: el ser humano. Las obras icónicas de civilizaciones antiguas del British Museum se combinan con una selección de obras de arte contemporáneo de la Colección de la Fundación ”la Caixa” y con algunos préstamos importantes de otras instituciones como el Museo del Prado. En un mismo espacio se yuxtaponen piezas de épocas, temáticas y culturas absolutamente diversas.  En todos los rincones del mundo, las personas han creado constantemente representaciones de sí mismas. Muchas de estas representaciones contienen un simbolismo complejo; otras nos remiten a la belleza y al misterio del cuerpo humano, a través de distintas vías, desde la más profunda estilización hasta el hiperrealismo. 

 

Lujo de los asirios a Alejandro Magno

La exposición presenta un total de 217 piezas de las destacadas colecciones que atesora el British Museum. Los objetos van desde delicadas piezas de marfil y joyas, pasando por ornamentos de mobiliario, vidrios, cerámica y metales preciosos, hasta relieves asirios de gran tamaño. Entre los objetos, destacan los relieves de pared del famoso palacio de Nínive así como las exquisitas piezas y miniaturas procedentes del tesoro del Oxus, el tesoro mejor conocido de objetos de oro y plata de la antigua Persia, y de extraordinaria importancia por la calidad de sus piezas.

 

Entre los años 900 y 300 a. C. los poderosos gobernantes de Oriente Medio crearon grandes imperios y acumularon enormes riquezas. Construyeron suntuosos palacios y jardines llenos de inmensas cantidades de tesoros. Desde la aparición del Imperio asirio hasta las conquistas de Alejandro Magno, este fue un mundo conectado a través de miles de kilómetros, desde la India hasta la actual España, por medio de artesanos, comerciantes y consumidores de objetos preciosos. La estabilidad política y económica fue crucial para la producción de artículos de lujo: los reyes asirios guerrearon por construir un imperio que abarcaba desde el Mediterráneo o hasta el golfo Pérsico. Su dominio reavivó las rutas comerciales y la demanda de artículos de lujo, así como más tarde sucedió con otros imperios fuertes, como el babilónico y el aqueménida.
Alejandro Magno fue una pieza clave en esta historia: ávido de las riquezas del Imperio aqueménida, fue conquistando tierras hasta que llegó a Oriente Medio. Su triunfo aportó prosperidad y refinamiento a Grecia, y dio lugar a una mezcla ecléctica de elementos culturales: la helenización.
Los objetos de esta exposición, dividida en siete ámbitos, no solo tienen un gran valor artesanal sino que también fueron realizados con exquisito gusto y gran refinamiento. Asimismo permiten percibir el contexto político en el que fueron creados y las redes donde se comerciaba, unas redes que se extendían desde la India hasta la península Ibérica.
Para muchos gobernantes, la adquisición de objetos de lujo era un objetivo militar importante. En concreto, los reyes asirios obtenían grandes cantidades de objetos valiosos y lujosos a través de saqueos y de exigentes tributos. La exhibición del lujo y la riqueza conseguidos reforzaba el poder político e intimidaba a los enemigos. El equipamiento militar también se embellecía para convertirlo en objeto de lujo.
Los encargados de cubrir la demanda de artículos de lujo por parte de la élite gobernante fueron artesanos y comerciantes fenicios que hicieron de intermediarios. La costa levantina era el feudo de los fenicios, pero expandieron sus colonias y asentamientos por todo el Mediterráneo y por el norte de África. Su estilo artístico reflejaba las conexiones y el comercio con Grecia, Egipto y Oriente Próximo.
La demanda de artículos de lujo se extendió a todos los niveles de la sociedad, por lo que se produjeron copias y versiones más baratas de este tipo de objetos. La imitación, la adaptación y la creación de nuevos objetos inspirados en los originales fueron la respuesta de la élite a los nuevos contactos entre diferentes zonas, lo que generó nuevas formas de lujo.
La élite compartía el gusto por la ostentación sensorial y los entornos lujosos (incluidos los jardines), acompañados de aromas exóticos y bellos sonidos. También le gustaban los buenos manjares, y la corte aqueménida era conocida por sus lujosas cenas.
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Olga Picasso

Pablo Picasso y la bailarina Olga Khokhlova se conocieron en 1917 cuando el pintor se encontraba en Italia para presentar, con la Compañía de los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev, el ballet Parade. Un año después, Khokhlova se convirtió en la primera esposa del artista y durante el tiempo que duró su relación, hasta su separación en 1935, fue la modelo perfecta del llamado período neoclásico de Picasso.

CaixaForum Madrid presenta Olga Picasso, que analiza la aventura plástica, vital y sentimental de este período de la trayectoria picassiana y reúne 335 obras, entre pinturas, dibujos, obra gráfica, esculturas, fotografías, películas, documentación y objetos.

La exposición se propone redescubrir el “período Olga”, con obras maestras como Retrato de Olga en un sillón, Olga pensativa, La crucifixión y los retratos de Paulo -hijo de la pareja- como Arlequín y Pierrot. Además del recorrido puramente artístico, la exposición narra también el periplo vital de la pareja, con aspectos desconocidos hasta ahora como la dramática historia familiar de Olga.

La muestra surge de una intensa investigación a partir de las cartas y fotografías encontradas en el baúl de viaje y el archivo de Olga. Ha sido organizada por el Musée national Picasso-París junto a la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, y con la colaboración de "la Caixa", el Museo Pushkin de Moscú y el Museo Picasso Málaga.

Toulouse Lautrec

Las calles, los cabarets y los cafés del barrio de Montmartre fueron escenario de una explosión creativa, marcada por la bohemia y la vanguardia de la mano de jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron a lo establecido. Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 - Château Malromé, 1901) y otros artistas como Vincent van Gogh, Jean-Louis Forain, T. A. Steinlen, Pierre Bonnard o Édouard Vuillard contribuyeron a este florecimiento de un movimiento rompedor al margen de la burguesía.

La exposición, que consta de más de 350 obras con préstamos internacionales de colecciones públicas y privadas, representa un viaje por el París bohemio de entre siglos. Una muestra multidisciplinar para comprender el papel fundamental que el espíritu de Montmartre tuvo en el desarrollo del arte moderno, y la manera en la que Toulouse-Lautrec y sus contemporáneos influenciaron la evolución de la producción artística efímera: carteles, ilustraciones, impresiones y diseños, que expandieron a nuevos públicos el espíritu bohemio y las creaciones artísticas.

Faraón Rey de Egipto

Más de ciento cincuenta piezas de la colección del British Museum forman parte de esta exposición, entre las que destacan distintos trabajos de orfebrería, estatuas monumentales y preciosos relieves de templos que acercan al visitante a la vida real y de poder del antiguo Egipto.
Dividida en diez ámbitos, la exposición examina la figura del monarca egipcio desde todos los puntos de vista: como ser divino, situado en el centro de la estructura social, a cuyo alrededor se articulan símbolos y creencias que van más allá de la existencia terrenal; en su vida de palacio, rodeado por su familia; como gobernante y como guerrero, e incluso pone de relieve que el origen de los faraones no fue siempre egipcio.
Explora el simbolismo y el ideario de la monarquía egipcia, al tiempo que intenta desvelar las historias que se ocultan detrás de los objetos y de las imágenes que ha dejado como herencia esta antigua civilización.  

10 cosas que aprenderás en 'Faraón. Rey de Egipto 'de CaixaForum