Diálogos de escultura ibérica. El Museo del Louvre en el Museo Arqueológico Nacional

En esta exposición el Museo Arqueológico Nacional acoge diez obras maestras que forman parte del Museo del Louvre. Procedentes de los mismos yacimientos arqueológicos ibéricos, estas esculturas nos recuerdan los lazos existentes entre las dos instituciones desde finales del siglo XIX. Los arqueólogos franceses Arthur Engel y Pierre Paris enfocaron sus investigaciones hacia la cultura ibérica y compraron en 1891 y 1895 las esculturas del Llano de la Consolación (Montealegre del Castillo, Albacete) y las esfinges de Agost (Alicante). En 1901 las esfinges del Salobral (Albacete) y, en 1902, se adquirieron las cabezas del Cerro de los Santos (Albacete). En cuanto a los sillares de Osuna (Sevilla), llegaron al Louvre procedentes de las excavaciones que ellos mismos realizaron en el yacimiento. Posteriormente, en 1941, como consecuencia del intercambio de obras de arte entre los gobiernos de Francia y España, regresaron las esculturas ibéricas que acompañan a las francesas en esta exposición. La visión de este conjunto de esculturas va a permitir al visitante acercarse a uno de los aspectos más sobresalientes de la cultura material ibérica: la escultura en piedra.

Estas esculturas estuvieron siempre relacionadas con ámbitos rituales, como los cementerios o los santuarios. Animales fantásticos como las esfinges, con cuerpo de león, alas de ave y cabeza de mujer, asumen una función protectora del difunto en su viaje al más allá. Procesiones o combates se realizan en honor al difunto heroizado o las cabezas-exvoto que se ofrendan a la divinidad para pedir o dar las gracias por una concesión. Artesanos y artistas expresan las creencias de la sociedad ibérica a través de la escultura en piedra.

 

Arte Urbano. De los orígenes a Banksy

El arte urbano se ha consolidado en las últimas décadas como uno de los lenguajes visuales más influyentes y reconocibles del arte contemporáneo. Desde las primeras firmas o tags en las calles de Filadelfia y Nueva York a finales de los años sesenta hasta su expansión internacional, ha alcanzado un reconocimiento global. Esta exposición narra la evolución del arte urbano a través de más de sesenta obras originales de artistas fundamentales como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, SEEN, Blek le Rat, JR, Invader, Os Gêmeos o Banksy, entre otros, incluyendo artistas españoles como SUSO33, EL XUPET NEGRE o PichiAvo. 

El recorrido se articula en cinco etapas históricas: desde las primeras prácticas de autoafirmación vinculadas al grafiti hasta la progresiva sofisticación de lenguajes, técnicas y discursos que lo han llevado a ocupar un lugar central en el marco del arte contemporáneo. A estas cinco secciones se suma un apartado monográfico dedicado al paradigmático Banksy, figura clave para comprender la dimensión mediática y simbólica del arte urbano en el siglo XXI. 

Helen Levitt

Helen Levitt (1913-2009) comenzó a fotografiar las calles de Nueva York, su ciudad natal, a finales de la década de 1930, interesándose principalmente por los barrios pobres, como el Harlem hispano o Lower East Side, donde la calle es el principal escenario del día a día. Su cámara se dirigió sobre todo hacia los niños y sus juegos en las calles. Estas escenas infantiles son el motivo central de una obra que nos atrapa por su capacidad para convertir situaciones cotidianas en imágenes que transmiten todo lo que la vida puede contener de emoción, enigma o humor y que, aunque carecen de una narrativa explícita, logran establecer una conexión inmediata con el espectador. La obra de Levitt obtuvo pronto el reconocimiento que merecía y ya en 1943 el MoMA de Nueva York organizó su primera exposición individual.

En años posteriores se interesó intensamente por el cine y la fotografía en color. Artista socialmente comprometida, Levitt fue una de las primeras mujeres en abrirse un camino profesional en la fotografía. Esta exposición es la primera que se realiza a partir de la totalidad de su obra y sus archivos, que sólo recientemente se han abierto a la consulta pública.

Expresionismo Un arte de cine

La exposición revela el intenso diálogo entre el expresionismo y el cine durante las primeras décadas del siglo XX. Este movimiento vanguardista buscaba fundir arte y cine en una experiencia total, construyendo un universo estético y emocional que sigue vivo más de un siglo después. Desde El gabinete del Dr. Caligari hasta Metrópolis, pasando por los paisajes urbanos de Otto Dix o los rostros desgarrados de Käthe Kollwitz, la exposición invita a adentrarse en un imaginario inquietante, radical y fascinante.

El recorrido combina 152 obras y fragmentos cinematográficos para llevarnos por un viaje único al corazón del expresionismo, cuya huella resuena todavía en el arte contemporáneo y en el cine de creadores como Tim Burton, Guillermo del Toro o David Lynch.

Chile: voces de la Patagonia M.Gusinde

La Patagonia, esa vasta región del fin del mundo, ha sido desde siempre un territorio de contrastes, donde la naturaleza imponente dialoga con las historias humanas que la habitan. La exposición «Chile: Voces de la Patagonia», presentada en el marco de PHotoESPAÑA 2025, nos invita a explorar esta tierra austral a través de la fotografía, capturando no solo sus paisajes, sino también las voces y experiencias de quienes la llaman hogar. Reúne el trabajo del destacado fotógrafo Martín Gusinde. A principios del siglo XX, Martin Gusinde no sólo estudió, sino que generó vínculos y relaciones únicas con hombres y mujeres Selk’nam, Yaghan y Kawéskar, llegando a conocer su cosmovisión, lengua y tradiciones. Gracias a él, y el trabajo de Xavier Barral, con siglos de distancia, se logró contar con un registro único de la identidad de esta cultura ancestral, parte esencial de la identidad de Chile. 

Las imágenes expuestas definen el paisaje patagónico y dan protagonismo a las comunidades ancestrales, sus tradiciones y desafíos. Cada fotografía es un testimonio, una voz que resuena desde el sur profundo, invitándonos a reflexionar sobre la relación entre el ser humano y su entorno. 

Marisa Flórez. Un tiempo para mirar (1970-2020)

La fotoperiodista Marisa Flórez inicia su trayectoria en 1971 en el diario “Informaciones” y desarrolla una extensa carrera en “El País” entre 1976-2012. Esta exposición reúne 184 imágenes, con un estilo sencillo, directo, sin trucos y un uso impecable de la luz natural. El comienzo de la muestra revela una constelación de imágenes y personajes que hablan un mismo lenguaje fotográfico universal y contemporáneo. Protagonistas populares reconocibles de la sociedad, del espectáculo, del arte y de la cultura junto a algunas otras escenas urbanas que describen el principio del cambio y del movimiento social. El itinerario continúa en la primera planta, donde asistimos a la inauguración de la primera legislatura. Se trata del estreno de la nueva vida parlamentaria que afecta a las tres primeras legislaturas y sus correspondientes personajes históricos. La segunda planta acoge el devenir de los acontecimientos sociales: la vida en las cárceles, los atentados, las primeras manifestaciones. Y en el tercer piso, el arte se hace política con la llegada del "Guernica", el último exiliado.

Recuerdos de una transición deseada.

Vídeo con la fotógrafa.

El Greco. Santo Domingo el Antiguo

 

Se reúnen, por primera vez desde su dispersión, ocho de las nueve obras que el Greco realizó para la iglesia del Monasterio de Santo Domingo el Antiguo de Toledo. La Asunción, la gran tela central del retablo mayor, que desde 1906 forma parte de las colecciones del Art Institute de Chicago, se expone junto a las dos obras de este retablo conservadas en la colección del Museo del Prado, a las que permanecen en Santo Domingo el Antiguo y a las que se encuentran en otras colecciones.

A mediados de 1577, recién llegado a España, el Greco obtuvo los dos encargos más importantes de su carrera hasta la fecha: El Expolio para la catedral de Toledo y los tres retablos del monasterio de monjas cistercienses de Santo Domingo el Antiguo, uno de los cenobios más antiguos de la ciudad. Dicho monasterio contó desde 1579 con una nueva iglesia de traza clasicista costeada por doña María de Silva (1513-1575), dama portuguesa que estuvo al servicio de la emperatriz Isabel, esposa de Carlos V, y por Diego de Castilla (h. 1507-1584), deán de la catedral. El espacio se destinó a lugar de enterramiento de los dos benefactores.

Vídeo YouTube

Max Ernst: Surrealismo, Arte y Cine

Combina la presencia de piezas en diferentes soportes: pinturas, esculturas, collages, frottages, libros ilustrados, fotografías, todos ellos seleccionados por sus conexiones con el séptimo arte. Un acercamiento innovador  a la obra del célebre artista surrealista alemán. Max Ernst (1891-1976): pintor, escultor, dibujante, artista gráfico y poeta. O incluso: Max Ernst dadaísta, surrealista, romántico, patafísico y humanista. Hoy en día, su vida y su obra parecen caleidoscópicas, extremadamente polifacéticas y a la vez inimitables. Por primera vez, y a través de una investigación específica, la exposición Max Ernst: Surrealismo, Arte y Cine presenta la vida y obra del artista en relación con el medio cinematográfico. En efecto, «el Séptimo Arte» representa una vía paralela y siempre presente en la vida y la carrera del artista.

Una de las intencionalidades principales de la exposición es mostrar la conexión que tenía el artista con el mundo cinematográfico, y es que una gran selección de las obras cuenta con piezas que permiten profundizar en este conocimiento. En lo que a este aspecto se refiere, Max ha sido enormemente influenciado por el cine; desde su papel de actor, así como siendo miembro de jurados y hasta diseñador de premios de cine. Podemos ver fragmentos de películas como ‘Un perro andaluz’, ’La edad de oro’, 'Los sueños que el dinero puede comprar’ y ‘8 x 8': Una sonata de ajedrez en 8 movimientos’.

Antifémina Colita

Hace 46 años, Colita (Isabel Steva Hernández) y Maria Aurèlia Capmany se unieron para reivindicar el papel de la mujer en una sociedad machista. Cada una desde sus profesiones, una, fotógrafa y la otra, escritora, publicaron Antifémina, que fue retirado del mercado, pero que se convirtió en un libro de culto crítico y reivindicativo. En sus páginas se representaba la vida cotidiana de esos seres que consideran marginados, la subversiva realidad que la mujer arrastraba desde siempre. “Antifémina", escribe Mary Nash en el prólogo del libro reeditado, "confronta el imaginario colectivo patriarcal con discursos textuales y visuales rompedores que subvierten el canon que había proyectado lo masculino como norma universal y excluido a las mujeres de las grandes narrativas”.La mujer es un ser marginado tanto si se hace monja como si se hace prostituta”, escribía María Aurelia Capmany junto a uno de los retratos de Colita recogidos en Antifémina. 

Experimento IMAGINA

Para Experimento IMAGINA, se han seleccionado 49 imágenes de 16 fotógrafos que participaron originalmente en el Proyecto IMAGINA y que muestran el valor único de estas obras, adelantadas a su tiempo. También se revela en la muestra una faceta apenas conocida de Henri Cartier-Bresson, cuya aportación al Proyecto IMAGINA consistió en dibujos en lugar de fotografías.

En concreto, se pueden ver obras de los fotógrafos españoles Ouka Leele -que fue la primera fotógrafa participante-, Manuel Falces, Josep Vicent Monzó, Cristina García Rodero, Carlos Pérez Siquier y Toni Catany y de los autores internacionales Martin Parr, Sarah Moon, Douglas Keats, Sibylle Bergemann, René Burri, Krzysztof Pruszkowski, Arno Fischer, Ferdinando Scianna, William Klein y Mimmo Jodice.

Estas imágenes se han agrupado en tres categorías: Ecologías de la imagen, Crítica social y Memoria colectiva. Con fondos pertenecientes al Centro Andaluz de la Fotografía y con la colaboración de la Fundación Manuel Falces y del Centro Pérez Siquier,

 

Julio González, Pablo Picasso y la desmaterialización de la escultura

¿Cómo dar forma a la nada?, se preguntó Picasso cuando le encargaron realizar un monumento que conmemorara a su amigo Guillaume Apollinaire tras su fallecimiento en 1918. Esta cuestión, a la que el artista no daría respuesta hasta casi diez años más tarde, fue inspirada por un pasaje de Le Poète assassiné , una novela más o menos autobiográfica del escritor en la que el protagonista anunciaba su propia muerte. Cuando el poeta Croniamantal —que no es otro que Apollinaire— muere, «El pájaro de Benin» —que encarna a Picasso— anuncia que va a erigirle una estatua. «¿Una estatua de qué? —pregunta Tristouse, la novia del difunto—. ¿De mármol? ¿de bronce?» «No —contesta El pájaro de Benin—, tengo que esculpirle una profunda estatua de nada, como la poesía, como la gloria…»

Picasso, que conocía el trabajo de González, sabía que éste había estado investigando sobre la escultura metálica como evolución natural de su oficio como orfebre, y, sin duda, fue este hecho el que hizo que, cuando hubo de contestar a la pregunta formulada al comienzo de este epígrafe, llamara a su viejo amigo para que le ayudara. Lo primero que pensó Picasso fue en hacer una jaula, pues —como refiere Tomàs Llorens en uno de sus escritos sobre este episodio— «las jaulas dan forma al aire. Lo encierran sin encerrarlo, porque no hay nada más libre que el aire en una jaula».

La colaboración entre González y Picasso, amigos desde los tiempos de la Barcelona modernista, comenzó en septiembre de 1928. El proceso de trabajo conjunto se fue dilatando en el tiempo y finalmente no llegó a materializarse, al menos no de la manera prevista, por las continuas diferencias con el comité, que esperaba un monumento conmemorativo de carácter tradicional. A pesar de esto, sí que dio sus frutos. González creó una serie de esculturas desmaterializadas en las que trabajaría el resto de su trayectoria y que le valdrían, póstumamente, el reconocimiento de ser uno de los padres de la escultura abstracta en hierro, a pesar de que él mismo remarcó su lejanía con respecto a esta tendencia. Picasso, por su parte, aprendió las posibilidades del trabajo de forja y de la soldadura en hierro que le enseña González, así como a llevar a cabo alguna de las esculturas más relevantes del pasado siglo, como Mujer en el jardín.

 

Alberto García–Alix. Fantasías en el Prado.

 “Cada cuadro es un mundo. Y como tal, lo he tomado para inventar y construir uno nuevo”, admite el fotógrafo. Con su mirada, su imaginación, la superposición de imágenes, el enfoque, el desenfoque, una pequeña linterna y el movimiento vibratorio de su cámara como únicas herramientas, Alberto García-Alix ha repintado algunas de las obras maestras del Prado, creando fantasmagorías, otorgando misterio, tensión y movimiento a la pintura, y dotando de carne y respiración a las esculturas.

 Sobre el proceso creativo de la serie Fantasías en el Prado, García-Alix dice haber mirado en comunicación con la historia, la política y el arte: “me he apropiado de tiempo, luz y pinceladas. He tomado las de sus autores. Las de Goya para repintar su perro semienterrado, las de Velázquez para rehacer Las Meninas, he velado a la Gioconda bajo una mancha terrorista de pintura blanca, me he adueñado del frenesí de Rubens para conseguir plasmar lo que él no se atrevió a pintar en su época, y me he autorretratado con máscara de fiera con ayuda de Rosa Bonheur… Nada es valorable, ni comparable con la emoción que he sentido trabajando con los cuadros”.

La imagen humana

Un viaje a través del tiempo y de las culturas, un recorrido que no distingue ni épocas ni fronteras para mostrar un tema universal: cómo el ser humano se ha representado y se representa a sí mismo.  La muestra ofrece un recorrido apasionante por uno de los grandes temas –quizás el más recurrente– del arte figurativo: el ser humano. Las obras icónicas de civilizaciones antiguas del British Museum se combinan con una selección de obras de arte contemporáneo de la Colección de la Fundación ”la Caixa” y con algunos préstamos importantes de otras instituciones como el Museo del Prado. En un mismo espacio se yuxtaponen piezas de épocas, temáticas y culturas absolutamente diversas.  En todos los rincones del mundo, las personas han creado constantemente representaciones de sí mismas. Muchas de estas representaciones contienen un simbolismo complejo; otras nos remiten a la belleza y al misterio del cuerpo humano, a través de distintas vías, desde la más profunda estilización hasta el hiperrealismo.