Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen

Cincuenta obras maestras de Pablo Picasso y Paul Klee que pertenecieron al marchante y coleccionista alemán Heinz Berggruen y que hoy forman parte del Museum Berggruen de Berlín. .

Es cierto que Picasso y Klee no pueden ser más opuestos. Pertenecían a dos mundos muy diferentes y poseían dos personalidades antitéticas: meridional, terrenal, excesivo y sensual, el primero; nórdico, espiritual, introspectivo e intelectual, el segundo. Ahora bien, también es indudable que compartieron ciertos repertorios temáticos, un mismo espíritu de experimentación, una análoga estrategia reductora y deformadora que los llevó a dislocar formas y cuerpos, tanto por medio de la geometría como por la mutación orgánica, y, además, un similar sarcasmo para utilizar el arte como arma de transgresión. En buena medida, sus dos fórmulas –antagónicas, pero igual de revolucionarias–, que los llevaron a destruir la realidad a través de un lenguaje plástico de enorme radicalidad, transformaron para siempre el modo de mirar y de acercarse al mundo del hombre contemporáneo. 

La exposición se divide en cuatro apartados con los temas y géneros que interesaron a los dos artistas y en los que sus creaciones se entrelazan de maneras sugerentes e inesperadas: Retratos y máscaras; Lugares; Cosas; y, por último, Arlequines y desnudos. En cada sección se incorpora además una selección de obras de la colección Thyssen, algunas de las cuales fueron propiedad de Berggruen en el pasado, que dan pie para abordar la estrecha relación que se estableció entre ellos. 

Grand-père M. Picasso

On ne s’évade pas de Picasso. Je le sais. Je n’y suis jamais parvenue mais, à l’instant où tout a basculé, je l’ignorais encore. Il devait ètre une heure de l’après-midi. Je suis à Génève au voalnt de ma voiture. J’accompagne mes enfants Gaël et Flore à l’école. Je roule dans un flot de voitures sur le quai Gustave-Ador. A ma droite, le lac Léman et son célèbre jet d’eau. Le lac...les voitures...le jet d’eau...et, soudain, cette bouffée d’angoisse. Foudroyante, oppressive. Les doigts de ma main se contractent dans une crampe violente, intolérable. Une bourrasque de chaleur envahit ma poitrine. Mon coeur bat la chamade. Mes poumons s’asphyxient. Je suffoque

 Picasso, le plus grand génie du siècle, vu à travers les yeux d'une enfant, Marina, sa petite-fille.En 1973, à la mort du peintre, elle a vingt-deux ans. Pendant trente ans, elle se tait. Il lui aura fallu toutes ces années pour mettre des mots sur sa souffrance, pour caresser avec une émotion infinie et pleine de pudeur cette cicatrice. De la manière la plus intime, la plus terrible, Marina Picasso écrit jusqu'au-delà de la douleur, là où se trouve aujourd'hui sa liberté : ses enfants et ceux du bout du monde.

Julio González, Pablo Picasso y la desmaterialización de la escultura

¿Cómo dar forma a la nada?, se preguntó Picasso cuando le encargaron realizar un monumento que conmemorara a su amigo Guillaume Apollinaire tras su fallecimiento en 1918. Esta cuestión, a la que el artista no daría respuesta hasta casi diez años más tarde, fue inspirada por un pasaje de Le Poète assassiné , una novela más o menos autobiográfica del escritor en la que el protagonista anunciaba su propia muerte. Cuando el poeta Croniamantal —que no es otro que Apollinaire— muere, «El pájaro de Benin» —que encarna a Picasso— anuncia que va a erigirle una estatua. «¿Una estatua de qué? —pregunta Tristouse, la novia del difunto—. ¿De mármol? ¿de bronce?» «No —contesta El pájaro de Benin—, tengo que esculpirle una profunda estatua de nada, como la poesía, como la gloria…»

Picasso, que conocía el trabajo de González, sabía que éste había estado investigando sobre la escultura metálica como evolución natural de su oficio como orfebre, y, sin duda, fue este hecho el que hizo que, cuando hubo de contestar a la pregunta formulada al comienzo de este epígrafe, llamara a su viejo amigo para que le ayudara. Lo primero que pensó Picasso fue en hacer una jaula, pues —como refiere Tomàs Llorens en uno de sus escritos sobre este episodio— «las jaulas dan forma al aire. Lo encierran sin encerrarlo, porque no hay nada más libre que el aire en una jaula».

La colaboración entre González y Picasso, amigos desde los tiempos de la Barcelona modernista, comenzó en septiembre de 1928. El proceso de trabajo conjunto se fue dilatando en el tiempo y finalmente no llegó a materializarse, al menos no de la manera prevista, por las continuas diferencias con el comité, que esperaba un monumento conmemorativo de carácter tradicional. A pesar de esto, sí que dio sus frutos. González creó una serie de esculturas desmaterializadas en las que trabajaría el resto de su trayectoria y que le valdrían, póstumamente, el reconocimiento de ser uno de los padres de la escultura abstracta en hierro, a pesar de que él mismo remarcó su lejanía con respecto a esta tendencia. Picasso, por su parte, aprendió las posibilidades del trabajo de forja y de la soldadura en hierro que le enseña González, así como a llevar a cabo alguna de las esculturas más relevantes del pasado siglo, como Mujer en el jardín.

 

Olga Picasso

Pablo Picasso y la bailarina Olga Khokhlova se conocieron en 1917 cuando el pintor se encontraba en Italia para presentar, con la Compañía de los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev, el ballet Parade. Un año después, Khokhlova se convirtió en la primera esposa del artista y durante el tiempo que duró su relación, hasta su separación en 1935, fue la modelo perfecta del llamado período neoclásico de Picasso.

CaixaForum Madrid presenta Olga Picasso, que analiza la aventura plástica, vital y sentimental de este período de la trayectoria picassiana y reúne 335 obras, entre pinturas, dibujos, obra gráfica, esculturas, fotografías, películas, documentación y objetos.

La exposición se propone redescubrir el “período Olga”, con obras maestras como Retrato de Olga en un sillón, Olga pensativa, La crucifixión y los retratos de Paulo -hijo de la pareja- como Arlequín y Pierrot. Además del recorrido puramente artístico, la exposición narra también el periplo vital de la pareja, con aspectos desconocidos hasta ahora como la dramática historia familiar de Olga.

La muestra surge de una intensa investigación a partir de las cartas y fotografías encontradas en el baúl de viaje y el archivo de Olga. Ha sido organizada por el Musée national Picasso-París junto a la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, y con la colaboración de "la Caixa", el Museo Pushkin de Moscú y el Museo Picasso Málaga.

Picasso en el Taller de la Fundación Mapfre

Yo pinto como otras gentes escriben su autobiografía. Las pinturas, terminadas o no, son páginas de mi diario, y como tal son válidas.
Pablo Picasso
Picasso. En el taller reúne cerca de 80 lienzos, 70 dibujos y grabados, 26 fotografías y una decena de paletas del artista que permiten apreciar el modo en que el taller de Picasso se convierte en el centro sobre el que gravita toda su creación, el lugar en el que se entrelaza su arte y su vida.
Buena parte de las obras mostradas proceden de colecciones particulares, lo que hace que haya obras que se han visto en público muy pocas veces. Entre ellas se incluyen obras de las colecciones del hijo del pintor, Claude Picasso, de su hija, Paloma Picasso, y de su nieta, Marina Picasso.

Picasso "El eterno femenino" en la Fundación Canal

La figura de la mujer, objeto de esta exposición, ha sido uno de los temas iconográficos más constantes en la obra de Picasso. A través de los 66 grabados que componen esta muestra, realizados entre 1927 y 1964, el artista se enfrenta a la imagen femenina desde el lugar de quien al mismo tiempo la admira e interroga.

“Picasso-El eterno femenino” nos presenta distintos ángulos desde los que se plasma la figura de la mujer. El artista personifica estas presencias femeninas desde múltiples ópticas: renacentista, barroca o cubista donde aparecen mujeres sentadas a modo de los retratos cortesanos, posando para artistas, observando o siendo observadas, jóvenes y maduras, con vestimentas de otros siglos y otros ámbitos o completamente actuales... Esta multiplicidad de modelos femeninos se plasma en las catorce secciones en las que se articula esta exposición en las que los grabados ilustran, además, las distintas técnicas de la obra gráfica de Picasso.