Diálogos de escultura ibérica. El Museo del Louvre en el Museo Arqueológico Nacional

En esta exposición el Museo Arqueológico Nacional acoge diez obras maestras que forman parte del Museo del Louvre. Procedentes de los mismos yacimientos arqueológicos ibéricos, estas esculturas nos recuerdan los lazos existentes entre las dos instituciones desde finales del siglo XIX. Los arqueólogos franceses Arthur Engel y Pierre Paris enfocaron sus investigaciones hacia la cultura ibérica y compraron en 1891 y 1895 las esculturas del Llano de la Consolación (Montealegre del Castillo, Albacete) y las esfinges de Agost (Alicante). En 1901 las esfinges del Salobral (Albacete) y, en 1902, se adquirieron las cabezas del Cerro de los Santos (Albacete). En cuanto a los sillares de Osuna (Sevilla), llegaron al Louvre procedentes de las excavaciones que ellos mismos realizaron en el yacimiento. Posteriormente, en 1941, como consecuencia del intercambio de obras de arte entre los gobiernos de Francia y España, regresaron las esculturas ibéricas que acompañan a las francesas en esta exposición. La visión de este conjunto de esculturas va a permitir al visitante acercarse a uno de los aspectos más sobresalientes de la cultura material ibérica: la escultura en piedra.

Estas esculturas estuvieron siempre relacionadas con ámbitos rituales, como los cementerios o los santuarios. Animales fantásticos como las esfinges, con cuerpo de león, alas de ave y cabeza de mujer, asumen una función protectora del difunto en su viaje al más allá. Procesiones o combates se realizan en honor al difunto heroizado o las cabezas-exvoto que se ofrendan a la divinidad para pedir o dar las gracias por una concesión. Artesanos y artistas expresan las creencias de la sociedad ibérica a través de la escultura en piedra.

 

1924. Otros surrealismos

Con el centenario (1924) de la publicación por André Breton del “Primer manifiesto del surrealismo” como punto de partida, la exposición propone una triple exploración: la fortuna crítica del Manifiesto en España, la repercusión en nuestro país del movimiento en su conjunto y el papel real que las mujeres (con la figura de Gala Dalí en el centro) desempeñaron en el grupo.

Desde este planteamiento, la muestra va más allá de los artistas españoles que fueron protagonistas internacionales del movimiento, como Dalí, Buñuel o Miró, para acercarse a los numerosos seguidores que tuvo en España, en general menos conocidos por diversos motivos y que en muchos casos, además, no se atuvieron al canon surrealista que Breton dictaba desde París sino que generaron sus propias lecturas. La recuperación de estos discursos alternativos y esos nombres olvidados de artistas “surrealizantes” de España y de América Latina es una de las líneas centrales de la exposición, con el mencionado énfasis en las grandes olvidadas del movimiento: las mujeres, españolas e internacionales (Maruja Mallo, Remedios Varo, Grete Stern…), que aparecían como un todo sin nombre en el Manifiesto de Breton. Pasados cien años, 1924. Otros surrealismos nos lleva a pensar qué queda, en un mundo tan plural y complejo como el de hoy, de un movimiento que nos descubrió e incorporó a nuestro bagaje intelectual y emocional aspectos de la realidad hasta entonces desconocidos o ignorados, como el sueño, la androginia, los paraísos perdidos…

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Joaquín Soler Serrano entrevista a la pintora Maruja Mallo 1980

Joaquín Soler Serrano entrevista al pintor de Figueras 1977 

Amazonia contemporánea

La exposición muestra más de 80 piezas de 30 artistas de la Amazonía peruana de distintas épocas y orígenes, con producción tanto indígena como urbana, con el fin de revelar ese mundo fascinante y poco conocido donde la naturaleza, la creatividad y la tradición se entrelazan con singularidad y raramente visto en la escena artística internacional. Las obras incluyen distintos soportes y técnicas, como telas pintadas y bordadas, cerámica, máscaras, pintura, collages, fotografías y piezas realizadas sobre corteza de árbol. Y es que, el río Amazonas, que nace en el Perú, da nombre a la región más biodiversa del planeta, poblada por sociedades cosmo céntricas que conviven con seres naturales y espirituales. Desde hace pocos años, el arte amazónico está viviendo una creciente evolución, dando testimonio de los universos que cohabitan y de las narrativas históricas y mitológicas que definen este territorio.

 

Agustina Valera y Oliver Agustin

Jaume Plensa Materia interior

Una selección que abarca más de 30 años de trayectoria, desde los primeros años noventa hasta la actualidad. A través de expresiones más abstractas y conceptuales en las obras de los primeros años, y sirviéndose de representaciones más figurativas y sensuales a medida que avanzan los años, el conjunto explora desde distintas perspectivas la profunda reflexión sobre la condición humana que atraviesa toda la producción del artista. 

Muchas de sus figuras son cabezas, considera Plensa que la cabeza es el palacio del cuerpo. con ojos cerrados que hacen un camino hacia el interior, un interior que escondemos y que nos cuesta comunicar con los demás.

Así define el director general de Fundación Telefónica, Luis Prendes, la obra de Plensa: “Jaume ha sabido crear un puente entre lo que sentimos y no sabemos expresar, entre lo que vemos y no podemos tocar. En cada escultura grande o pequeña sentimos tu generosidad, tu entrega sin reservas. Son espacios de deleite para el alma y de magia para el juego del silencio. Al contemplar tu escultura, entendemos que el arte no es algo que se pueda tocar, es algo que nos toca. Tus figuras son únicas, símbolos de un alfabeto de aquí y de allá que nos habla en un idioma que no necesita ser traducido para ser sentido”.  

Jaume Plensa, explicó que «esta exposición cubre 30 años de mi trabajo y es una obra en 15 fragmentos. Mi obra quiere que cada persona se refleje en ella y mire a su interior. El arte tiene que ser este catalizador que nos permita crear una seguridad en nosotros mismos y nos permita hablar de ideas, de vibraciones. Vivimos en un momento de ruido que muchas veces no nos permite esos momentos de silencio. El arte tiene que ofrecer un mensaje de esperanza y positividad, de volver a creer que el ser humano somos más que esta violencia actual«.

Escultor humanista, se debería permitir acariciar sus esculturas.

El documental  ¿Puedes oírme? (2020) de Pedro Ballesteros sobre su proceso creativo, su personalidad y su filosofía de trabajo, completa la exposición.

Estampa 24

Bien aimé 

Paraíso perdido de NANON MORSINK

Nanon es de origen holandés, desde 2017 trabaja en Málaga, donde reside.

Esta instalación se inspira en la historia bíblica de Adán y Eva, en el momento en que Eva toma la manzana y todo cambia; el paraíso se pierde y la oscuridad entra en el mundo.

Al igual que Eva estira la mano hacía el fruto prohibido, este árbol está adornado con innumerables brazos que pueden parecer sombríos y desolados pero que para la artista son un símbolo de renovación y nuevo crecimiento.

Pop Superloves  de PUNTAX

¿qué pintaría Andy Warhol hoy? "Por supuesto que a Rosalía". Ninguna duda tiene la artista Puntax de ello. Por eso, como buena fan del arte pop y del que se considera uno de sus mayores exponentes, ha decidido recrear a la cantante española en una de sus pinturas. Junto a ella, su obra se llena de otros iconos actuales como Britney Spears, Billie Eilish, Kristen Stewart, Pharrell Williams o Alicia Keys. Pero además, con sus creaciones repletas de color hace alusiones al grafiti, al cine clásico, al manga, a las series B, a dibujos animados tales como los Simpson, Bop Esponja o Beavis y Butt-Head, y a los emojis. 

Entre Matemwe y Kigomani 

JUAN MANUEL FERNANDEZ PINEDO

'Entre Matemwe y Kigomani', uno de los nuevos récords de la pintura española actual en lo que a tamaño se refiere, 30 m2, perteneciente a la serie Retratos de Zanzibar.

«Trabajo por sensaciones, siempre estoy receptivo a los colores, al movimiento, a las formas. Zanzíbar lo conozco desde hace seis años y el pasado decidí viajar por segunda vez allí. Y es curioso lo que me sucedió porque sentí que eran muchas las cosas de allí que me atraían, pero no sabía reflejarlas. A la vuelta comencé algunos cuadros, pero sentía que no trasmitían cien por cien lo que quería. En mi cabeza percibía una sociedad que se mueve constantemente, que vive en la calle y se mueve. Su día a día es muy social. Toda esa movilidad genera en segundos todo un encuentro de colores, de formas. Y luego están la vegetación y la luz, que tiene otros tonos».

El errante constructor de máscaras de

JOSÉ LUIS SERZO

Pertenece a la nueva serie en la que establece un diálogo entre dos maestros, Solana y James Ensor.

Soulkeepers de OKUDA

Pertenecen a las 111 esculturas de tamaño 23 x 11 x 9 cm en  resina de poliuretano y acabado en esmalte sintético y capa de barniz.

Los soulkeepers " pueden ser como la sensación de no estar solo por todas las obras que tengo y todas mis creaciones que me acompañan y me protegen de alguna manera."

Os Estúpidos de ROBERT PANDA

Robert Panda es un artista portugués que comenzó su andadura en el submundo del graffiti. Su proyecto de instalación escultórica callejera titulado “Os Estúpidos”, una aproximación filosófica a la necedad humana, se basa en la colocación de estilizadas y simpáticas figuras antropomorfas realizadas con materiales como papel y cinta adhesiva, fibra de vidrio o cemento, en diversas localizaciones con el fin de sorprender. e interactuar con los transeúntes. 

Paternidad de JAVIER GARCÉS

La cerámica, explica Garcés, no permite el control exhaustivo del artista sobre la obra. Hay siempre algo fortuito que la conforma y finaliza a despecho de la voluntad. Un azar que elige y detalla una pieza, que transforma el barro y el color de tal manera que el fuego siempre tiene algo que decir. 

El detalle que transforma una obra, que la finaliza, que la determina. En este caso, no del fuego, sino del propio autor. La bellísima cerámica policromada de un padre y una hija tumbados, abrazados, toma todo su sentido cuando percibimos el pequeño corte en la rodilla de la niña y la mirada alada de Garcés sobre la escena. Aquel pequeño jabeque en las piernas ensarta toda la ternura y define la obra ante el espectador. La cotidianidad, tamizada de su trabajo obstinado y minucioso.

El fuego de MARIANA ALVÁREZ 

Temas preferidos: África y la mujer africana.

Obras construidas por capas de collage, con fondos abstractos y juegos de texturas, de los que destacan las provocativas manchas, derrames y planos de color, todo sutilmente encuadrado mediante la incorporación de ligeras placas de metacrilato.

Colibrí Thalassinus I y II de GERARD MAS

Esculturas en madera de cedro.

Su obra destaca por utilizar un lenguaje figurativo y realista, aparentemente académico, pero cargado de ironía y apto a la vez para la poesía visual. 

Silla de UNAI GABILONDO

Una silla es una silla salvo cuando desafía el universo conceptual que la sociedad ha establecido al atribuirle su uso. La silla de Unai navega de forma transversal, con un discurso acorde a nuestros tiempos, entre escultura, diseño y artesanía, y con ello nos insinúa nuevos códigos abiertos, nuevas interpretaciones.

Unai Gabilondo es hijo y padre de un ebanista y no busca en su trabajo únicamente un fin utilitario, sino también, a través de su maestría, un medio de expresión creativa.

DANIEL NUÑEZ

Su obra bebe de corrientes como el Art Brut o el neoexpresionismo abstracto dentro del arte urbano. La intuición, los procesos oníricos y espontáneos junto con la experimentación en cuanto a técnicas inciden en una subjetividad de largo alcance. El lenguaje minimalista refleja lo íntimo de su mirada y subraya el potencial de los objetos representados.

Pinto desde el subconsciente y no ejerzo control sobre mi obra, pinto, y después hago una lectura sobre ello.

Et pour finir en beauté, on retourne à FERNANDEZ PINEDO et sa 1era Maternidad

Jaume Plensa. Poesía del silencio

La muestra revisa la producción artística de Jaume Plensa durante cuatro décadas con la original influencia de la literatura y las letras en su obra como hilo conductor, siendo la primera retrospectiva que se desarrolla desde el prisma de este universo creativo que ha sido una constante a lo largo de toda su trayectoria. La exposición está integrada por cerca de un centenar de piezas datadas entre 1990 y la actualidad, descansando en su obra escultórica pero con presencia también de obra sobre papel. El recorrido expositivo revela algunas esculturas inéditas creadas por Plensa durante el confinamiento por la COVID-19, que se presentan por primera vez. Entre las piezas presentadas se incluye  Together (2014), que se expuso en 2015 en la Abadía de San Giorgio Maggiore durante la Bienal de Venecia. 

La literatura siempre ha sido una fuente de inspiración para Jaume Plensa. T.S. Eliot, William Shakespeare, Dante, Goethe o Vicent Andrés Estellés son algunos de los escritores que le han acompañado a lo largo de su vida y que le han servido de inspiración para infinidad de obras. Esa influencia literaria se extiende también a la propia letra como elemento con el que compone sus esculturas. La exposición muestra cómo Plensa ha utilizado las letras de muy diversas formas, bien fuera en cortinas, en gongs o en el cuerpo humano, quizás sus obras más conocidas. Esa intersección del lenguaje con el cuerpo humano es una de las bases del trabajo de Plensa. Tal y como explica el artista, “una letra no parece nada, es algo humilde, pero unida a otras forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento”.

El escultor empezó con el alfabeto latino para ir incorporando otros alfabetos como por ejemplo el hebreo, el árabe, el chino, el japonés, el griego, el cirílico, el coreano, el hindi, etc. Para Plensa cada letra tiene una belleza única pero todas juntas son una muestra de la diversidad del mundo y de la convivencia entre distintas culturas.

La retrospectiva incluye tanto obra de gran y mediano formato como la obra más íntima realizada por Plensa en pequeño formato. Junto con la presencia de la literatura como fuente de inspiración, en la exposición están presentes otras constantes temáticas en su trayectoria como el silencio, el sueño y el deseo, la música y la familia.

Todo lo que veo me sobrevivirá J. Muñoz

Juan Muñoz (Madrid, 1953 - Ibiza, 2001). La exposición de la Sala Alcalá 31 reúne algunas de sus piezas más icónicas, fechadas entre los años 90 y 2001, año de su prematura muerte. Esta última década de producción de Juan Muñoz estuvo marcada por el dominio del espacio, en una concepción neobarroca, y por la recuperación de la figura humana como elemento central de trabajo. Su vocación existencialista, su cualidad emocional y su reivindicación del truco, de la suspensión de la incredulidad, determinaron la ficción como una característica fundamental del arte contemporáneo, avanzando un cambio que será esencial dentro del arte en el siglo XXI.

Entre todas las obras que pueden verse destaca Plaza, pieza procedente del Kunstsammlung K21 Dusseldorf, que no se ha visto en España desde que el Museo Reina Sofía le dedicó en el Palacio de Velázquez la muestra Monólogos y diálogos en 1996. Asimismo, la muestra cuenta con préstamos procedentes de varias colecciones, tanto nacionales como internacionales, de museos como el Stedelijk van Abbe Museum de Eindhoven, el S.M.A.K. de Gante o la Fundación Botín.

La trayectoria de Muñoz se truncó en el momento de su máximo apogeo, después de inaugurar su gran instalación en la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. De ahí que la muestra de la Sala Alcalá 31 toma su nombre de una cita de la poeta rusa Anna Ajmátova (1889 – 1966) que Muñoz recogió en una de las últimas notas de sus cuadernos de preparación para la muestra en el museo londinense.

Julio González, Pablo Picasso y la desmaterialización de la escultura

¿Cómo dar forma a la nada?, se preguntó Picasso cuando le encargaron realizar un monumento que conmemorara a su amigo Guillaume Apollinaire tras su fallecimiento en 1918. Esta cuestión, a la que el artista no daría respuesta hasta casi diez años más tarde, fue inspirada por un pasaje de Le Poète assassiné , una novela más o menos autobiográfica del escritor en la que el protagonista anunciaba su propia muerte. Cuando el poeta Croniamantal —que no es otro que Apollinaire— muere, «El pájaro de Benin» —que encarna a Picasso— anuncia que va a erigirle una estatua. «¿Una estatua de qué? —pregunta Tristouse, la novia del difunto—. ¿De mármol? ¿de bronce?» «No —contesta El pájaro de Benin—, tengo que esculpirle una profunda estatua de nada, como la poesía, como la gloria…»

Picasso, que conocía el trabajo de González, sabía que éste había estado investigando sobre la escultura metálica como evolución natural de su oficio como orfebre, y, sin duda, fue este hecho el que hizo que, cuando hubo de contestar a la pregunta formulada al comienzo de este epígrafe, llamara a su viejo amigo para que le ayudara. Lo primero que pensó Picasso fue en hacer una jaula, pues —como refiere Tomàs Llorens en uno de sus escritos sobre este episodio— «las jaulas dan forma al aire. Lo encierran sin encerrarlo, porque no hay nada más libre que el aire en una jaula».

La colaboración entre González y Picasso, amigos desde los tiempos de la Barcelona modernista, comenzó en septiembre de 1928. El proceso de trabajo conjunto se fue dilatando en el tiempo y finalmente no llegó a materializarse, al menos no de la manera prevista, por las continuas diferencias con el comité, que esperaba un monumento conmemorativo de carácter tradicional. A pesar de esto, sí que dio sus frutos. González creó una serie de esculturas desmaterializadas en las que trabajaría el resto de su trayectoria y que le valdrían, póstumamente, el reconocimiento de ser uno de los padres de la escultura abstracta en hierro, a pesar de que él mismo remarcó su lejanía con respecto a esta tendencia. Picasso, por su parte, aprendió las posibilidades del trabajo de forja y de la soldadura en hierro que le enseña González, así como a llevar a cabo alguna de las esculturas más relevantes del pasado siglo, como Mujer en el jardín.

 

Juan Muñoz. Dibujos 1982 – 2000

Juan Muñoz: Dibujos 1982 – 2000 es la primera retrospectiva de la obra dibujística del escultor español,  reúne más de 200 obras cedidas por instituciones y coleccionistas privados. Juan Muñoz, cuya trayectoria se inicia a principios de la década de 1980, fue uno de los artistas más destacados de su generación. No tardó en empezar a exponer su obra a escala internacional, con muestras en solitario en diferentes galerías y museos, pero también participó en importantes exposiciones temáticas, como la Bienal de Venecia o Documenta IX, en Kassel. Muñoz fue célebre por sus enigmáticas esculturas y por sus instalaciones de habitaciones con figuras; sin embargo, para él el dibujo desempeñaba un papel especial: el dibujo como idea, como boceto o como obra desarrollada íntegramente en papel. Sus dibujos podían formar parte de obras escultóricas o concebirse como escenas con un relato propio e independiente. Eran creaciones autónomas que le permitían crear imágenes sumamente metafóricas.

 

La exposición está estructurada cronológicamente como una serie de 12 secciones que abordan diferentes temas de la obra del artista.

Balconies (Balcones) inspirados en los estrechos balcones que sobresalen de las fachadas de las casas en las callejuelas de las ciudades españolas, objetos familiares que cumplen su función en silencio, como el atrezo de una obra de teatro que nunca llega a representarse porque faltan los personajes y los protagonistas.

Raincoat Drawings (Dibujos sobre gabardina) una serie de representaciones de interiores amueblados dibujadas con tiza blanca sobre grandes telas de algodón teñidas de negro, cuyo uso del blanco sobre fondo negro recuerda un negativo fotográfico que aguarda a ser impreso en una imagen positiva.

Conversation Pieces (Piezas de conversación) que componen grupos de figuras inspirados en los retratos de grupo del siglo XVIII, cuyos troncos se ensanchan en una protuberancia redondeada sobre la que mantienen un equilibrio inestable.

La recreación de su exposición de 1995 en el Isabella Stewart Gardner Museum de Boston, Massachusetts (EEUU) Portrait of a Turkish Man Drawing (Retrato de un hombre turco dibujando) que incluye una figura basada en una miniatura del artista renacentista Gentile Bellini de un joven dibujando en una tablilla, ataviado con ropas orientales ricamente adornadas y un turbante. La figura se presentó acompañada de cinco dibujos, cada uno de los cuales muestra una boca de tamaño natural. Envueltas en la oscuridad, esas bocas entreabiertas parecen decir algo –o quizá sonreír–, pero carecen de rasgos faciales.

La exposición finaliza con A Brief Description of My Death (Una breve descripción de mi muerte) basada en una fotografía del poeta estadounidense Ezra Pound. Muñoz utilizó ese retrato en unas cubiertas ficticias para un libro autobiográfico, como collages a la manera de un diseñador gráfico. Esos dibujos serían los últimos que Muñoz realizaría antes de su repentina muerte dos años más tarde.

Artesantander

 David Martínez Suárez (Galería ATM.

     Un total de 42 galerías participan en la 29ª feria de arte contemporáneo Artesantander 2021, que vuelve al Palacio de Exposiciones y Congresos de la ciudad del 24 al 28 de julio. De las galerías participantes cuatro son extranjeras, provienen de México, Italia, Gran Bretaña, Italia y Polonia; y el resto españolas, entre las que figuran las más importantes de las que han tomado parte en anteriores ediciones.

 

Roberto Michel. escultor del rey

La Real Casa de la Moneda y su Museo rinden homenaje a Roberto Michel, Primer Escultor de Cámara del Rey Carlos III, con motivo del Tricentenario de su nacimiento. Su extensa colección privada de dibujos, academias, bocetos y modelos de esculturas y monumentos por él proyectados, terminó siendo depositada en el Departamento de Grabado de la Casa de Moneda de Madrid, conformando, junto al “Legado de Tomás Francisco Prieto”, una colección de carácter didáctico para la formación de nuestros grabadores y uno de los pilares fundacionales de las importantes colecciones de su actual Museo.

 

Jaume Plensa Invisibles

Lo invisible es la esencia de su intervención en el Palacio de Cristal: un grupo escultórico conformado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de figuras suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo.

Entrevista a Jaume Plensa: "Para hacer buen arte hay que crecer como persona"

"Creo que una obra de arte debe contener un enigma, algo imposible de resolver. El arte debe ser de una gran inutilidad en la vida material; es cuando más fuerza tiene, más se vuelve un objeto de deseo y más imprescindible es".

Derain, Balthus, Giacometti. Una amistad entre artistas

Una exposición que explora la amistad de tres grandes artistas del siglo XX: André Derain (1880-1954), Balthus (Balthasar Klossowski) (1908-2001) y Alberto Giacometti (1901-1966). Las miradas de estos tres artistas, nunca antes confrontadas, coinciden en la misma exigencia de lo que debe ser la obra de arte. Mucho más allá de la admiración mutua y el sincero afecto que les unieron durante toda su vida, la profunda comunidad estética que existe entre ellos es el hilo conductor de la exposición. Ordenada en cuatro espacios.

 Encuentro: los tres artistas se conocieron a principios de los años treinta gracias a su relación con el círculo surrealista y, concretamente, a la primera exposición de Balthus en la galería Pierre Loeb, en 1934.

Amistades comunes: entre Saint-Germain y Montparnasse alternaron con muchos artistas, escritores y poetas: Antonin Artaud, Max Jacob, André Breton, Louis Aragon, Jean Cocteau, Pierre Reverdy, Albert Camus, Samuel Beckett, Jean-Paul Sartre y André Malraux. El teatro también ocupó un lugar destacado, e hicieron varios proyectos con Marc Allegret, Boris Kochno, Roger Blin y Jean-Louis Barrault; también les unió la moda, con Jacques Doucet, Paul Poiret y Christian Dior, y el mercado del arte con Pierre Loeb, Pierre Colle y Pierre Matisse.

Mirada al pasado: es común entre los artistas, en algún momento de su trayectoria, buscar en el pasado referencias para su obra. Para Derain, la renovación de su arte se basa en un auténtico humanismo plástico. Giacometti, con sus copias de los maestros italianos, de la estatuaria egipcia o africana, etc., trata de expresar plenamente su manera de ver y trasponer las obras que le impresionan. Para Balthus «la verdadera modernidad está en la reinvención del pasado».

L'homme qui chavire 1950

Una modernidad diferente: la obra de Derain, Balthus y Giacometti va desde el impresionismo y el postimpresionismo hasta las vanguardias, al tiempo que consagra los movimientos abstractos y el surrealismo, reconstruye su historia nacional; vinculada a otros artistas como Edvard Munch, Pierre Bonnard, Edward Hopper y Lucian Freud.
Pas la meilleure expo de Mapfre, mais toujours beaucoup de plaisir à regarder les Giacometti. L'amtié et les échanges entre les trois artistes ne parlent pas suffisamment.

Leiro CAC de Málaga

Francisco Leiro (Cambados, Pontevedra, 1957). Más de 40 obras entre esculturas y dibujos que suponen una alegoría de la vulnerabilidad y fragilidad humana poblarán las galerías del museo hasta el 7 de enero. En ellas, la realidad pasa a ser una ficción más, una construcción humana en la que el autor ejecuta un juego de ambivalencia entre el lenguaje literal y el figurativo. Así, la muestra acoge sus obras escultóricas realizadas en madera, entre las que podrán verse referencias a 'El Quijote', la estatua de un dios de más de tres metros, figuras antropomorfas o escenas relacionadas con la masacre de Alepo, en Siria.

"Desde finales de los años 70 centré mi trabajo a partir de la figura humana. Venía de un ambiente más surrealista, mientras que a partir de los 80 fue adquiriendo más rotundidad, valorando el movimiento del cuerpo. En aquel momento no pensé que los siguientes 40 años los dedicaría a hacer escultura figurativa", recordó Leiro a EL MUNDO, quien además subrayó que trabajar "a partir del cuerpo humano, con una gran libertad formal, es inagotable". "Tanto el ser humano como la representación del cuerpo o los sentimientos de sujeto sufren una continua metamorfosis y mi trabajo se deja llevar por ese flujo".

En relación a la muestra, el artista presenta una selección que considera importante dentro de los últimos 12 años. "Arranca con la última obra que hice en mi estudio de Nueva York, 'Capítulo XV' o 'Don Quijote apaleado por unos arrieros', y remata con la pieza hecha en 2017, 'El busto parlante', también inspirada en la obra de Cervantes, tratándose ambos de dos conjuntos escultóricos", adelanta Leiro, cuyas creaciones presentes en el CAC "son las que realizo desde que abrí mi estudio en Madrid en 2005, que son más directas y las figuras más naturalistas, pero sin llegar a ser realistas".

Otra de las piezas potentes de la muestra es 'Alepo 2016', "un trabajo sentido en recuerdo del desastre de Siria, tratándose de una columna cuyos tambores se intercalan con cuerpos sacrificados". "Todo lo que sé de la vida lo aprendí a través del ar

te", justifica Leiro, quien aprovecha sus obras escultóricas para opinar, "ya que en general el arte sirve para concienciar a la gente y, obviamente, esto tiene una función pedagógica, pero todo depende de la mirada del espectador".

Para Fernando Francés, comisario de la exposición, el artista "es claramente uno de los firmes ejemplos de cuando el arte es compromiso con la vivencia y el pensamiento autobiográfico". "Leiro se compromete, se empapa de la realidad, de las masacres, de las injusticias, de los asesinatos, de la desmesurada violencia que existe para trasladarlo a sus esculturas, donde nos encontramos, queriéndolo o no, con la cruda realidad: personas muertas apiladas, inocentes que reciben palizas, trabajadores que recogen restos humanos del suelo, o limpian un desastre causado por los propios hombres". Un compromiso que le ha llevado a lo largo de todo el mundo y que ahora asombra en el CAC de Málaga.

Musée Calvet

Au Musée Calvet, nous pourrons découvrir quatre œuvres d'Ousmane Sow (Sénégal) . Ce sculpteur Sénégalais mort en décembre 2016 était une grande figure de l'art contemporain et était connu pour ces sculptures monumentales. Surnommé « l'Auguste Rodin du Sénégal » il avait été élu en 2013 à l'unanimité à l'Académie des beaux-Arts à Paris.
Les collections du Musée Calvet couvrent aussi bien l'archéologie, que les arts décoratifs, l'ethnographie ou encore les beaux-arts (objets d'art, dessins, sculptures et peintures du XVIe au XXe siècle.).

A côté des centaines de tableaux, des sculptures sont également exposées avec des œuvres de Camille Claudel, Francesco Laurana, Giambologna, James Pardier, des bronzes italiens et nordiques du XVIe et XVIIe siècle...
La grande surprise c'est la Collection Egyptienne constituée à l’origine par Esprit Calvet, médecin et érudit avignonnais de l’époque des Lumières.

Les Eclaireurs

Au Palais des Papes, en partenariat avec Avignon Tourisme, sont présentées des œuvres majeures telles que Confluences, monumentale tapisserie métallique du ghanéen El Anatsui, Egg Fight, grande installation de l’anglo-nigérian Yinka Shonibare MBE ou encore Solipsis de l’artiste sud-africain Wim Botha.

Dans le Cloître Benoît XII, les silhouettes longilignes en fer à béton du sculpteur sénégalais Ndary Lo forment un ensemble, en hommage à cet artiste, l’un des tout premiers de la collection.

Dans la salle du Grand Tinel au Palais des Papes sont données à voir deux œuvres de Moustapha Dimé, artiste sénégalais de l’île de Gorée.

Le cloître du Petit Palais accueille une œuvre de Diagne Chanel, Une saison au Sud Soudan, l’une des cinq artistes femmes de l’exposition.

Comme un signal se dresse sur l’esplanade du Palais des Papes une œuvre monumentale de Ndary Lo.

Mateo Maté Canon

Reflexión sobre la copia y los valores estéticos y morales a través de un conjunto de veinte esculturas inspiradas en la estatuaria clásica.

Como en el laberinto de Creta, el visitante de la muestra Canon se adentra en un dédalo azaroso que guarda una sorpresa en cada esqui­na. Es el juego que plantea Mateo Maté (Madrid, 1964) en este su nuevo proyecto, una instalación site specific para la Sala Alcalá 31 que enfrenta un grupo de copias de esculturas clásicas griegas y romanas –procedentes del  Museo Nacional de Escultura de Valladolid con un conjunto de vacia­dos en yeso realizados por Maté precisamente a partir de reproducciones de tallas de la antigüe­dad. Copias de copias, por tanto, que adquieren un nuevo significado en un nuevo contexto. A Maté le interesa reflexionar sobre la vigencia del canon (regla) clásico en el mundo contemporáneo, pero también acerca de la construcción de la identidad individual y social a partir de un modelo ético y es­tético de belleza que comporta una manera ideali­zada de ver la realidad.

Master Mateo

Exposición dedicada al Maestro Mateo y su trabajo en la Catedral de Santiago de Compostela.

Relación de piezas que conforman la exposición:

-Concesión de pensión vitalicia al Maestro Mateo por Fernando II (1168). Tinta sobre pergamino. Archivo Catedral de Santiago

-Rey David. Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Catedral de Santiago. Fachada del Obradoiro

-Rey Salomón. Maestro Mateo. Ca 1188 – 1211. Granito. Catedral de Santiago. Fachada del Obradoiro

-Abraham/ Jeremías (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Colección particular. A Coruña

-Isaac/ Ezequiel (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Colección particular. A Coruña

-Rosetón de la fachada del Pórtico da Gloria (reconstrucción hipotética). Ca. 1200. Granito. Museo Catedral de Santiago

-Enoc (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Museo de Pontevedra

-Elías (Atr.). Maestro Mateo. Ca. 1188 – 1211. Granito. Museo de Pontevedra

-Dovelas con el castigo de la lujuria. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito con restos de policromía. Museo Catedral de Santiago

-San Mateo. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito. Museo Catedral de Santiago

-Caballos del cortejo de los Reyes Magos. Maestro Mateo. Ca. 1200. Granito con restos de policromía. Museo Catedral de Santiago

Juan Muñoz en sala Elvira González

Pequeña-gran exposición. 5 esculturas, 2 pinturas y 4 grabados se encuentran en la sala, y el nivel de la calidad en la propuesta es muy alto. Estamos ante obras muy representativas "del último periodo de Juan Muñoz, cuando el artista estaba en un momento enormemente creativo.

 

Antonio Madueño de Castro Agua

MAGNIFICAS ESCULTURAS parecen querer escaparse al agua. Todas las figuras llevan mascar y muchas aletas.

Por eso que parece una obsesión pensé que podía ser de alguan provincia costera, Galicia, Asturias o Valencia.

Pero parece que no, ques vive y trabaja en Madrid o cerca y que vendría de su signo del zodiaco; Acuario.

No lo he podido comprobar.

Me gustaron mucho sus esculturas, sobretodo las femeninas que se lanzan al oceano aereo. Tienen mucho moviemiento y las encontré divertidas. No m eimportarái que me regalaran alguna, la más pequeña, una joven montada en un caballito de mar, por ejemplo.