Maruja Mallo: Máscara y compás.

Maruja Mallo (Viveiro 1902–Madrid 1995) es una artista fundamental del siglo XX español y una de las principales figuras de la Generación del 27, de la que formaron parte Rafael Alberti, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rosa Chacel y María Zambrano, entre otros. Es, además, la más importante representante del grupo de artistas que, por primera vez, presentaron colectivamente una cosmovisión femenina desde una perspectiva también inédita, la de la mujer moderna, activa, libre y profesional.

Esta exposición quiere acercar la obra y pensamiento de Mallo, está organizada de manera cronológica respetando sus series de pinturas que, junto con sus dibujos y su archivo, trazan toda la carrera de la artista. Desde el realismo mágico y las composiciones de carácter surrealista de sus primeros años hasta las configuraciones geométricas y fantásticas de sus últimas obras. Así, sus escenarios se desplazan de los barrios populares de Madrid a las tierras del extrarradio, ahondando en la relación del ser humano con la naturaleza y situando esa relación en una dimensión superior, en la que ciencia, arte y mitología se dan la mano, para acabar en el cosmos. Incluye además citas de la propia artista que dan voz a la personal revisión que Mallo hizo sobre su obra y el papel del arte en la sociedad.

Punto y contrapunto maestros del siglo XX en la colección Jaime Botín

‘Punto y contrapunto: maestros del siglo XX en la colección de Jaime Botín’, una exposición que presenta una selección de 17 obras,

la muestra reúne a 14 importantes artistas del siglo XX con “obras de muy diferentes estilos que, aunque muestran grandes diferencias entre sí, establecen su unidad en un espléndido diálogo visual, donde los contrastes de tonos, texturas y estilos transmiten emociones profundas, lo que, a pesar de sus diferencias estéticas y conceptuales, logra una unidad que conecta con el espectador”, afirma María José Salazar, comisaria de la muestra. Pertenecen a dos momentos relevantes de la historia del arte: el tiempo de las vanguardias y el arte de la posguerra, en los años tras la Segunda Guerra Mundial, en que surgen nuevos modos de representación”, asegura.

Así, la nueva sala permanente incluye creaciones de importantes artistas españoles como Manolo Millares, Pablo Palazuelo y Antoni Tàpies, cercanas a la abstracción, bien sea matérica, expresionista o geométrica; en un contrastado diálogo con el iluminismo de Joaquín Sorolla; el cubismo de María Blanchard y Juan Gris; la pintura poética de Joan Miró; la figuración lírica de Pancho Cossío; el realismo de José Gutiérrez Solana; el noucentisme de Isidre Nonell y el neocubismo de Daniel Vázquez Díaz.

Además, estos artistas comparten el espacio con algunos de los artistas internacionales más significativos del siglo XX que representan la nueva figuración, como Francis Bacon; el fovismo, como Henri Matisse; y el expresionismo, como Mark Rothko.

En definitiva, todos los artistas representados han logrado innovar, personalizar y desarrollar un lenguaje identificativo, cada uno con voz propia, existiendo en cada obra una fuerte personalidad estética, armonía y cohesión, lo que evidencia la participación de los artistas, de forma individual, en un proceso colectivo y evolutivo de la historia del arte.

Roni Horn: Me paraliza la esperanza

Me paraliza la esperanza es una exhaustiva presentación de la artista estadounidense Roni Horn (Nueva York, 1955) adaptada específicamente para el Centro Botín. La exposición ha sido diseñada por la artista en respuesta a la arquitectura del edificio y a su ubicación frente a la bahía de Santander. La exposición comprende tres décadas de la carrera de Roni Horn a través de fotografías, dibujos, esculturas y una performance, todas de naturaleza conceptual, y pone de relieve su incesante exploración del proceso de cambio en relación con la identidad y el lugar. Además, se muestra por primera vez LOG (March 22, 2019 - May 17, 2020), una serie de 406 dibujos que funcionan como un registro de las observaciones diarias y acontecimientos que atestiguan la sensibilidad y voz de la artista.  Oui, bon...

Juan Muñoz. Dibujos 1982 – 2000

Juan Muñoz: Dibujos 1982 – 2000 es la primera retrospectiva de la obra dibujística del escultor español,  reúne más de 200 obras cedidas por instituciones y coleccionistas privados. Juan Muñoz, cuya trayectoria se inicia a principios de la década de 1980, fue uno de los artistas más destacados de su generación. No tardó en empezar a exponer su obra a escala internacional, con muestras en solitario en diferentes galerías y museos, pero también participó en importantes exposiciones temáticas, como la Bienal de Venecia o Documenta IX, en Kassel. Muñoz fue célebre por sus enigmáticas esculturas y por sus instalaciones de habitaciones con figuras; sin embargo, para él el dibujo desempeñaba un papel especial: el dibujo como idea, como boceto o como obra desarrollada íntegramente en papel. Sus dibujos podían formar parte de obras escultóricas o concebirse como escenas con un relato propio e independiente. Eran creaciones autónomas que le permitían crear imágenes sumamente metafóricas.

 

La exposición está estructurada cronológicamente como una serie de 12 secciones que abordan diferentes temas de la obra del artista.

Balconies (Balcones) inspirados en los estrechos balcones que sobresalen de las fachadas de las casas en las callejuelas de las ciudades españolas, objetos familiares que cumplen su función en silencio, como el atrezo de una obra de teatro que nunca llega a representarse porque faltan los personajes y los protagonistas.

Raincoat Drawings (Dibujos sobre gabardina) una serie de representaciones de interiores amueblados dibujadas con tiza blanca sobre grandes telas de algodón teñidas de negro, cuyo uso del blanco sobre fondo negro recuerda un negativo fotográfico que aguarda a ser impreso en una imagen positiva.

Conversation Pieces (Piezas de conversación) que componen grupos de figuras inspirados en los retratos de grupo del siglo XVIII, cuyos troncos se ensanchan en una protuberancia redondeada sobre la que mantienen un equilibrio inestable.

La recreación de su exposición de 1995 en el Isabella Stewart Gardner Museum de Boston, Massachusetts (EEUU) Portrait of a Turkish Man Drawing (Retrato de un hombre turco dibujando) que incluye una figura basada en una miniatura del artista renacentista Gentile Bellini de un joven dibujando en una tablilla, ataviado con ropas orientales ricamente adornadas y un turbante. La figura se presentó acompañada de cinco dibujos, cada uno de los cuales muestra una boca de tamaño natural. Envueltas en la oscuridad, esas bocas entreabiertas parecen decir algo –o quizá sonreír–, pero carecen de rasgos faciales.

La exposición finaliza con A Brief Description of My Death (Una breve descripción de mi muerte) basada en una fotografía del poeta estadounidense Ezra Pound. Muñoz utilizó ese retrato en unas cubiertas ficticias para un libro autobiográfico, como collages a la manera de un diseñador gráfico. Esos dibujos serían los últimos que Muñoz realizaría antes de su repentina muerte dos años más tarde.