Colección Lola Garrido

Colección Lola Garrido, un proyecto que reúne más de un centenar de obras atesoradas desde 1986 por esta comisaria, crítica y experta en el mercado del arte. Recorre el discurrir de la corta pero fructífera historia del medio fotográfico: desde los retratos pictorialistas de Julia Margaret Cameron, que rompieron las convenciones victorianas del siglo XIX, hasta la década de los noventa del siglo XX, a través de la mirada de algunos de los grandes referentes de la fotografía, cuyos retratos, paisajes y naturalezas muertas han ampliado nuestra forma de ver, Alfred Stieglitz, Man Ray, Dorothea Lange, Robert Rauschenberg, Irving Penn, Nan Goldin y Wolfgang Tillmans, entre ellos.

La muestra se articula en dos sedes, que proponen enfoques diferenciados de la colección. En el Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS), la selección se centra en el mundo femenino: realizadas por artistas masculinos y femeninos, las imágenes tienen como protagonista a una mujer poliédrica que podría ser todas las mujeres. No responden a un modelo único. No son solo belleza, ni solo fuerza o misterio. Cada una aporta una manera distinta de estar y de mostrarse. Todas parecen contener una historia propia, como si bastara con mirarlas para que empezaran a contarla

La vanguardia, la fotografía de moda, la fotografía documental y la conceptual, así como el cine configuran la mirada de la extensa nómina de fotógrafos representados en el Palacete del Embarcadero. Autores de distintas nacionalidades guían al espectador a través de las laberínticas sendas de la memoria y la imaginación que iluminan esta evocadora colección, mientras el relato autobiográfico que Garrido construye a través de su afán por coleccionar termina siendo el de todos. 

Comisariada por : Gloria Crespo MacLennan

 

Alejandro Cartagena. Ground Rules

Ground Rules es la primera gran exposición del fotógrafo Alejandro Cartagena (1977): un recorrido en profundidad por los más de veinte años de trayectoria de este artista de origen dominicano y afincado en Monterrey, la megalópolis industrial del noreste de México. 

La exposición reúne alguno de sus proyectos más conocidos, como Suburbia Mexicana, Carpoolers, y la trilogía sobre la frontera, en una propuesta que pone de manifiesto su capacidad para visibilizar cuestiones sociales y medioambientales de urgente actualidad. El título de la exposición, Ground Rules, alude tanto a las restricciones creativas que el artista se impone en cada proyecto —como el formato, el tema o la localización, entre otras— como a las fuerzas sociales con las que lidia. En un mundo en constante transformación, el artista nos invita a cuestionar las reglas que nos gobiernan e imaginar cómo podrían trazarse de nuevo.

El recorrido deja claro desde el comienzo que Cartagena entiende la fotografía como una herramienta de pensamiento antes que como un simple registro documental. Sus proyectos nacen casi siempre en forma de series donde la repetición y las variaciones mínimas generan significado. Cada fotografía dialoga con la siguiente hasta construir una cartografía visual de las contradicciones contemporáneas.

Richard Avedon. In the American West, 1979-1984

Por primera vez se exhiben en España estas 110 copias de época, que el propio autor seleccionó y trabajó en el laboratorio tanto para aquella muestra como para el catálogo que la acompañó.    In the American West surge en un momento decisivo de la carrera de Richard Avedon (Nueva York, 1923- San Antonio, Tejas, 2004), tras décadas dedicado a la fotografía de moda y al retrato de figuras públicas. Cuando inició el proyecto, Avedon ya había expuesto en el MoMA y en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, además de ser el fotógrafo oficial de las portadas de Vogue. En un principio la serie suscitó cierta controversia, por la radical oposición entre su trabajo hasta la fecha y el anonimato de los personajes ahora retratados.  El proyecto respondía al interés de Avedon por abordar, desde el retrato, una reflexión crítica sobre la sociedad estadounidense, para lo que decidió centrarse en la clase trabajadora del oeste de Estados Unidos. Avedon amplió el proyecto inicial, mucho más limitado, para acabar creando el excepcional retrato de la condición humana que, más allá de su circunstancia geográfica y temporal, representa In the American West.

Hacia mucho que no disfrutaba tanto con una exposición.

"Mitologías modernas: Ouka Leele & Co"

Una exposición que revisita el papel de la mitología en el arte madrileño de los años ochenta a partir de la obra de Ouka Leele, junto a artistas clave como El Hortelano, Ceesepe, Carlos Franco o Sigfrido Martin Begué. La muestra toma como punto de partida la obra “Rapelle toi, Bárbara!”, emblemática intervención de Ouka Leele en la fuente de Cibeles en 1987, con la que paralizó el tráfico de la ciudad para teatralizar la historia de Hipómenes y Atalanta. A partir de ella, el recorrido expositivo explora el cruce entre fotografía, pintura y cultura visual contemporánea, así como el resurgir de los relatos mitológicos en un momento clave de transformación cultural, como fueron los años ochenta.

Esta recuperación de la mitología clásica supuso una herramienta clave para pensar una nueva realidad en el marco del arte de la Transición, e imaginar el lenguaje del futuro desde los mitos del pasado. A partir de ese eje, la exposición traza una mirada transversal a los distintos usos de lo mitológico en estos artistas vinculados a la Nueva Figuración y la Movida: desde la incorporación de la cultura “underground” del cómic y el fanzine de Ceesepe, hasta los mitos relacionados con la tradición romántica en El Hortelano o la reflexión sobre la pintura y la historia del arte de Sigfrido Martín Begué, junto a artistas como Guillermo Pérez Villalta, Dis Berlin o Pablo Sycet. 

En conjunto, la muestra recoge más de cien obras de artistas como Carlos Alcolea, Miluca Sanz, Carlos Forns, Costus o Patricia Gadea, además de los ya citados, formando un repertorio de obras y temas que contribuye a construir una nueva mitología de la ciudad de Madrid.

Helen Levitt

Helen Levitt (1913-2009) comenzó a fotografiar las calles de Nueva York, su ciudad natal, a finales de la década de 1930, interesándose principalmente por los barrios pobres, como el Harlem hispano o Lower East Side, donde la calle es el principal escenario del día a día. Su cámara se dirigió sobre todo hacia los niños y sus juegos en las calles. Estas escenas infantiles son el motivo central de una obra que nos atrapa por su capacidad para convertir situaciones cotidianas en imágenes que transmiten todo lo que la vida puede contener de emoción, enigma o humor y que, aunque carecen de una narrativa explícita, logran establecer una conexión inmediata con el espectador. La obra de Levitt obtuvo pronto el reconocimiento que merecía y ya en 1943 el MoMA de Nueva York organizó su primera exposición individual.

En años posteriores se interesó intensamente por el cine y la fotografía en color. Artista socialmente comprometida, Levitt fue una de las primeras mujeres en abrirse un camino profesional en la fotografía. Esta exposición es la primera que se realiza a partir de la totalidad de su obra y sus archivos, que sólo recientemente se han abierto a la consulta pública.

MIRABILIA Joan Fontcuberta

 En este proyecto Joan Fontcuberta reúne una selección de sus trabajos más recientes, varios de ellos inéditos, y algunas series emblemáticas de su trayectoria anterior. Un recorrido que abarca más de cincuenta años de una carrera artística con líneas de investigación recurrentes como el conflicto entre realidad y ficción, entre lo natural y lo artificial.

La exposición, una de las más extensas planteadas por el autor en España en los últimos años, viene a confirmar que esas continuas exploraciones que definen su estilo en torno a los límites de lo fotográfico, cuestionando aquello que vemos, iban en la dirección adecuada.  La propuesta se centra en sus trabajos con Inteligencia Artificial de los últimos dos años. Se presentará un recorrido por su obra actual, con propuestas de narrativas visuales que tienen la representación de la Naturaleza como terreno preferente, un territorio en el que confluyen la experiencia poética con la reflexión conceptual, condimentado con constantes guiños a la ficción. La exposición cuestiona la relación entre imagen y palabra, pero también el propio statu quo de la fotografía. La insistencia en este cuestionamiento es el hilo conductor de su trayectoria. Ahogados ante la apabullante saturación de imágenes que vivimos hoy, su trabajo nos pone en alerta para que no bajemos la guardia ante su potente poder de seducción. La invasión de imágenes falsas a modo de censura encubierta es puesta en evidencia. En la Tercera Revolución Visual estamos asistiendo al nacimiento de un nuevo régimen de la mirada, un cambio de paradigma, en el que Fontcuberta es un referente, como destacado representante de la post-fotografía.

Video

Marisa Flórez. Un tiempo para mirar (1970-2020)

La fotoperiodista Marisa Flórez inicia su trayectoria en 1971 en el diario “Informaciones” y desarrolla una extensa carrera en “El País” entre 1976-2012. Esta exposición reúne 184 imágenes, con un estilo sencillo, directo, sin trucos y un uso impecable de la luz natural. El comienzo de la muestra revela una constelación de imágenes y personajes que hablan un mismo lenguaje fotográfico universal y contemporáneo. Protagonistas populares reconocibles de la sociedad, del espectáculo, del arte y de la cultura junto a algunas otras escenas urbanas que describen el principio del cambio y del movimiento social. El itinerario continúa en la primera planta, donde asistimos a la inauguración de la primera legislatura. Se trata del estreno de la nueva vida parlamentaria que afecta a las tres primeras legislaturas y sus correspondientes personajes históricos. La segunda planta acoge el devenir de los acontecimientos sociales: la vida en las cárceles, los atentados, las primeras manifestaciones. Y en el tercer piso, el arte se hace política con la llegada del "Guernica", el último exiliado.

Recuerdos de una transición deseada.

Vídeo con la fotógrafa.

Revista Afal. Pequeña y libre

La exposición rememora el legado de esta revista que está considerada como la impulsora de la renovación de la fotografía española en el periodo de posguerra y en la que se exhiben imágenes de algunos de los fotógrafos más representativos que publicaron en sus diferentes números.

Fundada por los almerienses José María Artero y Carlos Pérez Siquier, la revista Afal, especializada en fotografía y cine, se publicó durante siete años (1956-1963). Afal apostó por una libertad expresiva y de contenidos que atrajo a jóvenes fotógrafos de todo el territorio español contribuyendo a que la fotografía española se conociera más allá de nuestras fronteras.

Esta muestra propone un recorrido por las portadas y páginas de la revista y por los avatares que le sucedieron durante los siete años de su publicación, en pleno franquismo. La exposición exhibe las fotografías de algunos de los miembros más representativos del Grupo Afal, entre los que se encuentran Carlos Pérez Siquier, Francisco Gómez, Jesús Aguirre, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Oriol Maspons, Nicolás Muller, Francisco Ontañón, Leopoldo Pomés, Alberto Schommer, Ricard Terré y Julio Ubiña.

La alegría de vivir M. Sidibé

 

Malick Sidibé (Malí, 1936-2016) fue conocido como “el Ojo de Bamako” por su trabajo fotográfico que captó la exuberante escena que se desarrolló en Malí y que traería importantes cambios sociales en el país tras independizarse de Francia en 1960. Realizadas entre las décadas de 1960 y 1970, las obras expuestas incluyen imágenes de salones de baile y clubes nocturnos, así como retratos tomados en el estudio de Sidibé. Las fotografías de Sidibé capturaron una revolución social y cultural que estalló en la capital de Malí. Se suscitó entre la juventud un espíritu de libertad y optimismo, dando paso a una vida nocturna de bailes y reuniones sociales, aprovechando el creciente comercio internacional de música jazz, swing, rock 'n' roll y sonidos cubanos que llegaron a Bamako. La cámara de Sidibé fue testigo del resurgir de esta nueva era, perpetuando con su trabajo la importancia que tuvo la música, la danza y la moda como herramienta de protesta . La lente de Sidibé no sólo documentó e inmortalizó la energía y la esencia de una sociedad en transición, sino que también fue fundamental su apoyo personal a la formación y afirmación de una nueva y emocionante cultura juvenil que crecía en una nación recientemente libre.

Revela't Vilassar de Dalt mai 24

 Cristina de Middel 

Sombras nada más de la serie 

Journey to the center 2021

Sam Wright

Pillar to post

Annie Wang  

La comedia humana Elliott Erwitt

“Para que una fotografía sea buena, debe tener equilibrio, forma y fondo. Pero para que sea muy buena también debe tener una magia indefinible”. Estas palabras de Elliott Erwitt se han convertido en la mejor forma de definir su extraordinaria y trascendental obra. Su pulsión por capturar la esencia de lo cotidiano con humor e ingenio, desde el corazón, ha hecho que pase a la historia como uno de los mejores fotógrafos del siglo XX. La exposición Elliott Erwitt. La comedia humana,  reúne 135 obras del fotógrafo a través de tres secciones : las personas, los animales y las formas.

La primera de ellas invita al visitante a observar las inolvidables capturas de Erwitt, que lograron convertir en extraordinarios momentos de la vida cotidiana; la segunda sección guarda las emblemáticas instantáneas en las que fue capaz de captar, de una manera única, a cualquier animal que se presentara frente a su objetivo y, al tiempo, reflejar la perspectiva de la mirada de los animales, sobre todo los perros; y la tercera, ofrece un recorrido por sus obras más abstractas a través de composiciones inesperadas, que conforman el escenario de esa comedia humana que quería mostrar.

Jordi Socías. Al final de la escapada

Jordi Socías (Barcelona, 1945) Estructurada en cuatro plantas, la muestra reúne una cuidada selección de fotografías, algunas inéditas, y recorre la trayectoria vital y profesional de Socías. Retratos de figuras universales (escritores, artistas, actores, músicos…) y seres anónimos que se intercalan con igual fuerza en escenarios insospechados para el visitante. En paralelo, su visión cosmopolita también se plasma en la exposición en escenas callejeras de grandes ciudades —Tokio, París, Ámsterdam, Nueva York— en las que aparecen personajes que las habitan como en una gran puesta en escena. 
Además, se completa con una amplia selección hemerográfica de portadas e interiores de revistas y libros donde la impronta de Socías está presente como fotógrafo y editor.

Gervasio Sánchez. Vidas Minadas 25 años

Una exposición en la que a través de cerca de un centenar de fotografías Gervasio  Sánchez recupera la historia de los protagonistas del proyecto que inició en 1995. El fotógrafo quiere mostrar la evolución de los afectados y los problemas que han tenido que superar. Los personajes pertenecen a nueve países del mundo, entre ellos los más minados como Afganistán, Angola, Irak y Camboya.

Vidas Minadas es un proyecto inacabable igual que son infinitas las secuelas que provocan las minas antipersona. Gervasio Sánchez lleva trabajando con víctimas de esta lacra desde septiembre de 1995. En 1997, 2002 y 2007 presentó diferentes versiones de este proyecto que recorre la mayor parte de su vida profesional.

Los estragos que provocan las minas son para toda la vida. Las víctimas de este proyecto fueron elegidas al azar en países africanos como Angola y Mozambique, asiáticos como Camboya, Afganistán e Irak, latinoamericanos como El Salvador, Nicaragua y Colombia o europeos como Bosnia-Herzegovina. En esta ocasión los personajes pertenecen a nueve países del mundo, entre ellos los más minados como Afganistán, Angola, Irak y Camboya. Se cruzó con ellas en hospitales a punto de ser amputados o malheridos con posibilidades de morir cuando eran menores, en centros ortopédicos donde intentaban volver a andar con piernas de plástico, en fundaciones donde eran maltratadas y abusadas o en familias que sobrevivían con muchas dificultades.

Con las nuevas tecnologías mantiene el contacto permanente con varias de ellas. Se informa en tiempo real de sus problemas más acuciantes, se alegra de sus pequeños triunfos, se entristece con las malas noticias. Varias de estas víctimas forman parte de su familia universal, sabe de ellas más que de muchos de sus familiares más cercanos, quizá porque el dolor que han sufrido trasciende el paso del tiempo y le obliga moralmente a estar más pendiente.

 

Antifémina Colita

Hace 46 años, Colita (Isabel Steva Hernández) y Maria Aurèlia Capmany se unieron para reivindicar el papel de la mujer en una sociedad machista. Cada una desde sus profesiones, una, fotógrafa y la otra, escritora, publicaron Antifémina, que fue retirado del mercado, pero que se convirtió en un libro de culto crítico y reivindicativo. En sus páginas se representaba la vida cotidiana de esos seres que consideran marginados, la subversiva realidad que la mujer arrastraba desde siempre. “Antifémina", escribe Mary Nash en el prólogo del libro reeditado, "confronta el imaginario colectivo patriarcal con discursos textuales y visuales rompedores que subvierten el canon que había proyectado lo masculino como norma universal y excluido a las mujeres de las grandes narrativas”.La mujer es un ser marginado tanto si se hace monja como si se hace prostituta”, escribía María Aurelia Capmany junto a uno de los retratos de Colita recogidos en Antifémina. 

Christer Strömholm

“No podemos fotografiar la experiencia ajena” afirmó en una ocasión el sueco Christer Strömholm (1918-2002). La frase evoca su peculiar concepción de la fotografía, expresada en una obra que refleja tanto su agitada biografía y su frenética actividad viajera como su irrenunciable complicidad ante el sufrimiento humano y la complejidad de la existencia en general. Esa mirada compasiva y discretamente humorística de la vida dio lugar a una obra absolutamente singular y de inconfundible estética.

Aunque su relevante aportación a la renovación del lenguaje fotográfico fue tardía (en 1968, cuando en el Moderna Museet de Estocolmo se presentó su exposición “Nueve segundos de mi vida”), está considerado como una indiscutible referencia de la fotografía contemporánea por la original subjetividad que introduce en la tradición documental de índole existencial.

Esta amplia retrospectiva cubre todos los aspectos de su extraordinaria producción, desde su participación en el grupo alemán “Fotoform”, a principios de los años cincuenta, hasta los ensamblajes de objetos encontrados de su etapa final, pasando por sus múltiples viajes, su fotografía callejera y sus retratos de artistas.

 

Experimento IMAGINA

Para Experimento IMAGINA, se han seleccionado 49 imágenes de 16 fotógrafos que participaron originalmente en el Proyecto IMAGINA y que muestran el valor único de estas obras, adelantadas a su tiempo. También se revela en la muestra una faceta apenas conocida de Henri Cartier-Bresson, cuya aportación al Proyecto IMAGINA consistió en dibujos en lugar de fotografías.

En concreto, se pueden ver obras de los fotógrafos españoles Ouka Leele -que fue la primera fotógrafa participante-, Manuel Falces, Josep Vicent Monzó, Cristina García Rodero, Carlos Pérez Siquier y Toni Catany y de los autores internacionales Martin Parr, Sarah Moon, Douglas Keats, Sibylle Bergemann, René Burri, Krzysztof Pruszkowski, Arno Fischer, Ferdinando Scianna, William Klein y Mimmo Jodice.

Estas imágenes se han agrupado en tres categorías: Ecologías de la imagen, Crítica social y Memoria colectiva. Con fondos pertenecientes al Centro Andaluz de la Fotografía y con la colaboración de la Fundación Manuel Falces y del Centro Pérez Siquier,

 

Exposición fotográfica y literaria: Eva Baeza y Joan Alsina

 Para quienes retenemos tantos atardeceres de verano en nuestras pupilas, todo se acaba pareciendo a una foto, a un poema, al nombre que soñamos.

Porque todo forma parte del oscuro fondo de un lienzo bajo la línea de luz de un firmamento de belleza infinita.
En tiempos de alianzas complicadas, nuestra pretensión no es otra que la de capturar la esencia crepuscular de ese relieve de las cosas, amplificándolo o -distorsionándolo quizás- con la visión, siempre subjetiva, de las palabras, en un intento por conectar con el espejo azul de una mirada.
El resto, se lo dejamos al arte, ese cíclope de dos cabezas capaz de expresarse con el duro lenguaje del que ya no miente.

Eva Baeza

Amazonia S. Salgado

Diseñada y comisariada por Lélia Wanick Salgado.Un proyecto expositivo único con más de 200 fotografías y siete películas, que se combinan con música compuesta por Jean-Michel Jarre y sonidos naturales de la Amazonia captados por el Museo de Etnografía de Ginebra.

Sebastião Salgado emprendió durante siete años una travesía fotográfica y humana que le llevó a descubrir los rincones más remotos de la selva amazónica y a sus habitantes. La exuberancia de un paisaje que tiene el poder de dar oxígeno a un planeta entero, se muestra imponente en más de 200 fotografías en blanco y negro. Además de esos retratos, hay imágenes del día a día de las tribus amazónicas y otras muchas fotografías agrupadas en distintas áreas temáticas: imágenes aéreas, montañas, nubes, los "ríos voladores"… 7049Todas las secciones cuentan con textos introductorios e informativos y las propias fotografías tienen pies de foto con los nombres de las personas que aparecen. Quizás como crítica  el exceso de fotografías, que los QR que no funcionaban por falta de cobertura en la sala, no aporten nada limitándose a leer los paneles. Tampoco se entiende que adquiriendo las entradas en taquilla te añadan el cargo de la plataforma. Se echa de menos las taquillas y las salas son un tanto inhóspitas. 

- Seguir leyendo: https://www.libertaddigital.com/cultura/arte/2023-09-16/amazonia-las-fotografias-de-sebastiao-salgado-son-tan-buenas-que-te-hacen-olvidar-todo-lo-demas-7049351/

Cristina de Middel. Cartas al director

Exposición que presenta la mirada de la fotógrafa Cristina de Middel sobre los temas fundamentales de la prensa tradicional (la guerra, la violencia y las migraciones) a través de proyectos anteriores y más recientes que se muestran por primera vez de manera amplia A partir del único espacio de respuesta que existía en la prensa tradicional: las cartas al director (donde, quien leía un diario podía escribir para cuestionar, preguntar o quejarse por algo), Cristina de Middel busca contrarrestar los discursos unidireccionales de lo visual y lo informativo.

La exposición presenta proyectos anteriores y más recientes que se muestran por primera vez de manera amplia, desde “Vida y milagros de Paula P.” (2009), “Gentlemen’s Club” (2015 – 2023) a otras actuales como “Journey to the Center” (2015 – 2022) o la nueva producción “The Kabuler” (2022) junto a Lorenzo Meloni. Todas estas series, junto a otras, abordan temas como la vida diaria en el Afganistán de los talibanes, el viaje migratorio a través de México para llegar al supuesto centro de la tierra (como en la novela de Verne) situado en Estados Unidos o la prostitución desde ángulos diversos. Más allá del dramatismo de estas cuestiones, de Middel da una vuelta de tuerca y propone nuevas miradas sin juzgar, dejando que sea el público quien extraiga sus propias
conclusiones.

Roni Horn: Me paraliza la esperanza

Me paraliza la esperanza es una exhaustiva presentación de la artista estadounidense Roni Horn (Nueva York, 1955) adaptada específicamente para el Centro Botín. La exposición ha sido diseñada por la artista en respuesta a la arquitectura del edificio y a su ubicación frente a la bahía de Santander. La exposición comprende tres décadas de la carrera de Roni Horn a través de fotografías, dibujos, esculturas y una performance, todas de naturaleza conceptual, y pone de relieve su incesante exploración del proceso de cambio en relación con la identidad y el lugar. Además, se muestra por primera vez LOG (March 22, 2019 - May 17, 2020), una serie de 406 dibujos que funcionan como un registro de las observaciones diarias y acontecimientos que atestiguan la sensibilidad y voz de la artista.  Oui, bon...