Esperpento. Arte popular y revolución estética

La exposición propone una relectura del concepto de «esperpento», desarrollado por Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) en la década de 1920. El dramaturgo concibió el esperpento como una reacción a una sociedad española en crisis, atrapada en el pasado, que sólo puede representarse mediante la deformación grotesca. A través de un enfoque coral, el esperpento se revela, más allá de lo literario, como un núcleo de pensamiento estético que ofrece una nueva perspectiva para comprender la realidad, proponiendo una lectura del siglo XXI a la luz de los eventos del siglo XX. 

La exposición se organiza en ocho secciones, con títulos inspirados en obras clave de Valle-Inclán. El recorrido inicia con una genealogía del concepto de esperpento, donde se muestra una selección de la prensa satírica más relevantes de finales del siglo XIX, pinturas y dispositivos ópticos populares que fueron un antecedente de las técnicas de deformación.

Uno de los momentos destacados es la sección Tablado de marionetas, que conecta las farsas de Valle-Inclán con el teatro de marionetas, donde la metáfora de los seres humanos como peleles controlados por fuerzas ocultas adquiere gran relevancia. La reconstrucción del Teatro dei Piccoli, que inspiró al autor, es, tal vez, uno de los puntos culminantes de la muestra. El esperpento alcanza su máxima expresión en obras como Luces de Bohemia (1920), donde el protagonista Max Estrella afirma que los héroes clásicos reflejados en espejos cóncavos dan origen al esperpento, es decir, una estética deformada que representa la vida trágica de la España de su tiempo. En esta sección, se explora la tensión entre el individualismo bohemio y el colectivismo anarquista, reflejada en las obras de artistas como María Blanchard y Antonio Fillol.

El carnaval es otra de las metáforas fundamentales del esperpento. La exposición lo presenta como un espacio de subversión de las convenciones sociales, donde lo grotesco y lo cómico se entrelazan. A través de obras y fotografías de la época, se destaca cómo el carnaval se convierte en un escenario de resistencia política y estética.

La sección final está dedicada a las obras narrativas de Valle-Inclán escritas en un contexto de creciente fascismo, como Tirano Banderas (1926), que critica el imperialismo y los regímenes despóticos. En esta sección se exhiben piezas como El tirano (1947) de José Clemente Orozco, cuyo retrato del tirano resuena con las denuncias de Valle-Inclán sobre el poder opresivo.

Michael Schmidt Fotografías 1965-2014

El Museo Reina Sofía acoge la primera retrospectiva de Michael Schmidt (Berlín, 1945-2014) tras su muerte. Su obra rastrea las huellas de la sociedad contemporánea, intercalando instantáneas del paisaje urbano y de sus habitantes. La trayectoria del artista, desarrollada a lo largo de cinco décadas, le convierte, junto a Bernd y Hilla Becher, en una de las figuras más influyentes de la fotografía alemana de posguerra.

Nacido al terminar la Segunda Guerra Mundial en Berlín Oriental, Schmidt escapa con su familia en 1955 a la zona occidental, donde fotografió los barrios de la ciudad con un estilo sobrio derivado de la tradición documental estadounidense. De formación autodidacta, comenzó a tomar fotografías en 1965, cuatro años después de que se levantara el Muro de Berlín. En 1976 participó en la fundación del Werkstatt für Photographie [Taller de fotografía], parte del centro de educación para adultos Volkshochschule de Kreuzberg, lugar que llegó a convertirse en foro de intercambio de prácticas y saberes entre fotógrafos europeos.

Sus proyectos y la relación de su trabajo fotográfico con su ciudad natal se inició con las series de los distritos de Berlin-Kreuzberg (1969-1973) o Berlin-Wedding (1976-1978) que, junto con Berlin nach 45 [Berlín tras el 45, fotografiada en 1980, pero solo publicada en 2005], poseen un carácter documental. En Waffenruhe [Tregua, 1985-1987] usa el medio como herramienta para la expresión subjetiva, dando lugar al psicodrama de una ciudad aún dividida, en plena Guerra Fría, que forma parte de una generación alemana “sin futuro”. La inmediatez expresionista de Waffenruhe deriva en un proyecto más denso, complejo y exigente, Ein-heit [U-ni-dad, 1989-1994], presentada en el MoMA de Nueva York en la primera exposición dedicada a un fotógrafo alemán en décadas.

La atenta mirada de Schmidt se alejó de la ciudad de Berlín en series como Frauen [Mujeres, 1997-1999] o Irgendwo [En algún lugar, 2001-2004], en torno al campo alemán, y viró hacia preocupaciones más globales en su último proyecto: la serie sobre comida Lebensmittel [Alimentos, 2006-2010] (literalmente, “medios para vivir”) con la que ganó reconocimiento internacional y que le llevó a viajar por Europa para fotografiar la industria alimentaria.

Schmidt aborda las series fotográficas teniendo en cuenta el medio en el que van a presentarse, pensándolas en conjunto a modo de instalaciones para el espacio expositivo, o en cuidados fotolibros a los que aporta su detallada visión artística. La exposición incluye alrededor de trescientos cincuenta retratos, paisajes, naturalezas muertas y vistas urbanas que, junto a maquetas de libros y material de archivo, presentan el conjunto de la producción artística del fotógrafo.

Mondrian y De Stijl

En total 35 cuadros de Piet Mondrian (1872-1944) y 60 de De Stijl (El Estilo) que revelan al espectador cómo esas líneas horizontales y verticales y esa conjunción de colores supusieron toda una premonición del arte pop, el cómic y el diseño nórdico de los objetos que hoy vemos en los grandes almacenes (con esos tiralineas verticales y horizontales). Lo que hoy entendemos por modernidad.

Se muestra la evolución del pintor desde el arte más figurativo de sus primeros años con paisajes y bodegones, a comienzos del siglo XX, hasta la abstracción total en el final de su vida en 1944. Todo ello mezclado con las piezas de los artistas que crearon la revista ‘De Stijl’ en 1917 y que buscaban darle la vuelta a todos También fue una época de una ebullición brutal de ideas con las vanguardias. En De Stijl la premisa era clara: lo moderno era la fusión de disciplinas artísticas, desde la pintura a la arquitectura. Y siempre buscando lo universal, no el estilo individual.

La historia me quita el sueño D. Wojnarowicz

David Wojnarowicz (Nueva Jersey, 1954 - Nueva York, 1992) la exposición reúne unas 200 obras, muchas de ellas de coleccionistas privados.

Se examinan la pluralidad de estilos y medios que el artista desplegó en su práctica y se relaciona su obra con el contexto político, social y artístico de la Nueva York de los años ochenta y principios de los noventa.

Aquella era una época marcada por la incertidumbre económica y la terrible epidemia del sida, pero también por la energía creativa y una serie de profundos cambios culturales: la intersección de diferentes movimientos él graffiti, la música de la new wave y la no wave, la fotografía conceptual, la performance y la pintura neo-expresionista, convirtió la ciudad estadounidense en un laboratorio artístico para la innovación. Y en este escenario y hasta su prematura muerte a causa del sida, David Wojnarowicz, prácticamente autodidacta, desarrolló una obra que, sin ceñirse a un estilo característico, abarca la fotografía, la pintura, la música, el cine, la escultura, la literatura y el activismo para realizar una lúcida e incisiva crónica del momento que vivió.

Dorothea Tanning

Detrás de la puerta, invisible, otra puerta.

Primera gran retrospectiva de la surrealista americana Dorothea Tanning (1910-2012) incluye más de 150 obras realizadas por la artista entre 1931 y 1997.

La puerta no es simplemente un umbral en el arte de Tanning, sino una invitación a aventurarse más allá de lo real y a entrar en un mundo de sueños y miedos.Dividida en ocho secciones temáticas, la exposición se abre con un delicado autorretrato a lápiz de 1936 y termina con un autorretrato tardío, Woman Artist, Nude, Standing (1986). 

Su autorretrato Birthday –Cumpleaños- (1942) marcó una clara dirección surrealista. Fue Max Ernst quien tituló la pintura cuando la vio en el estudio de Tanning y la eligió para la histórica exposición de Peggy Guggenheim 31 Women de 1943 en la Art of the Century Gallery de Nueva York. Birthday supuso un doble hito en su vida al iniciar una relación sentimental con Ernst y al convertirse en una artista surrealista.

La artista escribió y publicó numerosos cuentos, novelas y poemas, desarrollando ideas en diversas revistas La escritura no sólo le sirvió como otra forma de autorretrato, sino también como un medio más para explorar mundos reales y alucinatorios.

El motivo central de la tercera sección es la femme-enfant, o niña-mujer, en las pinturas y escritos de Tanning. Comparable a Alicia en el país de las maravillas, esta niña vive en un “mundo de asombro perpetuo”. La niña preadolescente de Tanning, a punto de alcanzar la conciencia de la sexualidad, aportó una nueva dimensión al surrealismo. Es el potencial erótico de la chica lo que causa estragos en los interiores domésticos y las expectativas de la burguesía.

Esto se ejemplifica en Eine Kleine Nachtmusik (1943) donde chicas con el pelo electrificado y vestidos victorianos rotos son conducidas a una puerta medio abierta. Al igual que el girasol retorcido, las niñas simbolizan la fuerza de la naturaleza, desafiando la fertilidad.

A mediados de los años 60, Tanning recurre a su máquina de coser para hacer “esculturas blandas”. Las formas eróticas son retorcidas en By What Love -De qué amor- (1969), Xmas –Navidad- (1969) y Étreinte (1969), mientras que en Emma (1970), la carne rosada y la falda de encaje despeinada hacen referencia a la célebre protagonista femenina en Madame Bovary (1856) de Gustave Flaubert, una mujer que escapa del aburrimiento de la vida matrimonial a través de la literatura y las aventuras clandestinas.

Presagiando las esculturas blandas de Louise Bourgeois y apostando por lo artesanal más que por el objeto industrial, Tanning adelantó el objeto surrealista para que adquiriera nuevas cualidades al sentido del tacto y cierta condición fetichista. El énfasis en la blandura también desafió entonces la moda del minimalismo de vanguardia en el mundo del arte y el anonimato del floreciente consumismo de masas en la sociedad occidental.

Hito Steyerl Duty-free art

Una de las artistas actuales más relevantes dentro del campo del videoarte. Steyerl aborda en su trabajo temas de actualidad tales como el impacto causado por la proliferación de imágenes y el uso de Internet y las tecnologías digitales en nuestra vida cotidiana, que le sirven de punto de partida para desarrollar –no solo a través de su obra en vídeo sino también en sus escritos y ensayos– un trabajo crítico sobre el control, la vigilancia y la militarización, la migración, la globalización cultural, el feminismo o la imagen política, cuestiones a las que considera capaces de crear realidades.

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