Ana Locking. Nostalgia / Utopía

Exposición retrospectiva que recorre cerca de dos décadas de creación de la diseñadora Ana Locking, en los que la moda se presenta no solo como disciplina estética, sino como lenguaje narrativo, emocional y político. La muestra se articula en torno a la idea de moda como relato en tránsito entre la nostalgia y la utopía: una mirada hacia el pasado que se transforma en deseo de futuro, en la que lo utópico adquiere la semejanza de un recuerdo. La exposición propone un recorrido narrativo por más de 160 prendas, que se convierten en archivo emocional y artefacto para la reflexión por parte de una diseñadora que entiende la moda como acto de pensamiento y compromiso con su tiempo. Un viaje entre la memoria y la imaginación que invita a cuestionar el presente a través de unos diseños que funcionan como medio para contar historias íntimas y colectivas, entrelazando política, deseo e identidad.

Caprile Lorenzo

Cuenta con más de 100 piezas de Alta costura, acompañadas de una importante selección de obras de arte de grandes maestros de la pintura como Francisco de Zurbarán, Juan Pantoja de la Cruz, Antonio Joli de Dipi, Federico de Madrazo, Erasmus Quellinus, Agustín Esteve o Ramón Casas y Carbó que acercan a un particular concepto de belleza que permitirá entender mejor su pulsión creativa, su trayectoria en la Moda, y con todo ello, a él mismo. 

Sus vestidos y creaciones más icónicas se presentan sin atender a un criterio cronológico, buscando un constante diálogo entre ellas, al margen de la categoría a la que correspondan (moda nupcial, artes escénicas, alfombra roja, etcétera) o el año de su creación, para unirse en el espacio expositivo a partir de su fuente inspiradora. Italia, presente en sus raíces, en su alma y en su corazón, una inspiración constante, fundamental y necesaria para entender su universo vital y creativo. El Barroco, esa creatividad sin límites y el cómplice perfecto en su relación con otra de sus grandes pasiones, el teatro. Modistas como Madame Grés, Chanel, Givenchy, Flora Villareal, Perdro Rodriguez, Valentino o Thierry Mugler, grandes maestros del siglo XX que inevitablemente han influido en su forma de sentir y concebir la moda como una expresión artística. El Romanticismo, la búsqueda incesante de la belleza en una permanente evocación de la delicadeza y la elegancia en cada puntada. El cine, la fascinación, el glamour, pero, sobre todo, la posibilidad de contar historias, de viajar en el tiempo y de soñar a través de las grandes divas del celuloide.

Picasso/Chanel

Pablo Picasso y Gabrielle Chanel colaboraron profesionalmente en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antígona (1922) y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev Le Train Bleu (1924). Se conocieron en torno a la primavera de 1917, seguramente a través del propio Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de entonces, Chanel frecuentará al matrimonio Picasso, coincidiendo con la activa participación del artista en los ballets rusos.  El museo propone una exposición que explora la relación de estos dos grandes genios creadores del siglo XX, volviendo a reunir arte y moda en un nuevo proyecto expositivo. La muestra se organiza en cuatro grandes secciones que se suceden en orden cronológico y abarcan, aproximadamente, de 1910 a 1930.

El estilo Chanel y el cubismo presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de Chanel ya desde sus primeros e innovadores diseños: el lenguaje formal geometrizado, la reducción cromática o la poética cubista del collage se traducen en trajes de líneas rectas y angulosas, en su predilección por los colores blanco, negro y beige, y en la utilización de tejidos humildes y con texturas austeras. Olga Picasso, el segundo capítulo, está dedicado a los numerosos y bellos retratos que Picasso realizó de su primera mujer, la bailarina rusa Olga Khokhlova, devota clienta de Chanel; junto a ellos, algunos vestidos de este periodo inicial de la diseñadora francesa, de los que se conservan escasos ejemplos. Antígona, adaptación moderna de la obra de Sófocles realizada por Cocteau, se estrenó en París en 1922, con decorados y máscaras de Picasso y vestuario de Chanel, que vuelven a reunirse en este capítulo para mostrar su común inspiración en la Grecia clásica. 

 

Le Train Bleu es el título del cuarto apartado y del ballet producido por Diághilev en 1924, con libreto de Cocteau, inspirado en el deporte y la moda de baño; Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), un pequeño gouache que Diághilev descubrió en el taller de Picasso, se convirtió en imagen para el telón de la obra, y el pintor aceptó también el encargo de ilustrar el programa de mano, mientras que Chanel entusiasta deportista, creó trajes para los bailarines inspirados en modelos deportivos diseñados para ella misma y para sus clientes.

Sybilla "El hilo invisible"

Estructurada en 5 plantas, la exposición incluye piezas de diferente índole, soporte y formato, desde prendas de la diseñadora hasta las imágenes de sus colecciones, catálogos de las mismas, invitaciones, desfiles y artículos de prensa que ayudan a entender y contextualizar el universo de la diseñadora, a través de unos 80 conjuntos de indumentaria y otros 80 documentos.

El discurso museográfico se distribuye en cinco secciones: El hilo que hilvana, El hilo que urde, El hilo que trama, El hilo del tiempo y Un hilo de voz, a través de las cuales el visitante podrá sumergirse en el mundo de Sybilla, desde sus inicios hasta la actualidad.

‘Modus. A la manera de España’

La muestra se centra en analizar la influencia que el sello español ha tenido tanto en la moda como en la cultura a nivel internacional.

En total son unas 50 piezas donde se entremezclan creadores históricos como Balenciaga, Fortuny o Paco Rabanne con los más contemporáneos, representados por Palomo Spain o Leandro Cano. Pero no todos son españoles. La influencia de nuestro arte ha tocado también a diseñadores como Givenchy, Lanvin o Galliano que, en algún momento de su carrera, han mirado para nuestro país en busca de inspiración.

En esta muestra, el color negro tiene un papel fundamental, ese negro que Felipe II instaló en la Corte española y que acabó transmitiéndose al resto de cortes europeas. De Balenciaga a Arzuaga, muchos diseñadores se han visto influenciados por este color en sus creaciones. También es posible percibir la influencia religiosa, diversos regionalismos, con gran influencia de lo anadaluz y, por supuesto, la técnica de los bordados. 

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El poderío del color negro

La amplia selección de piezas permite expresar el concepto de lo español en la moda, articulando el discurso expositivo en torno a grandes ejes temáticos. El traje de corte y, de manera muy especial, el empleo del negro, son los protagonistas de una de estas áreas temáticas. El negro, color asociado al poderío de la monarquía de los Habsburgo y, sobre todo, de Felipe II, se impuso en todas las cortes europeas, retomándose después por diseñadores clásicos como Balenciaga y Fortuny y, más contemporáneos, como Amaya Arzuaga.

La influencia de la estética religiosa también está presente en la exposición a través de la sobriedad y rectitud en líneas y volúmenes. Así se observa en las creaciones de Lemoniez o Devota and Lomba e iconográficamente en la pieza de Leandro Cano, que se convierte prácticamente en una talla religiosa de madera.

Vemos también la tradición típica del bordado en forma de encajes y decoración floral. En este sentido destacan piezas de Pedro Rovira, Victorio y Lucchino o Juan Duyos. Los regionalismos constituyen una parte importante de la muestra, no solo a través de piezas populares como el Traje de Vistas de La Alberca (Salamanca) sino también en creaciones contemporáneas de Delpozo, Miguel Adrover y Manémané.

Resulta imprescindible también destacar el mundo andaluz, estereotipado a través del uso de faralaes o lunares, como apuntan los diseños de Paco Rabanne, David Delfín o Manuel Pertegaz, o la estética de la tauromaquia, apreciable en las creaciones de Sybilla, Lorenzo Caprile y Juan Vidal. Además, la muestra incluye una pincelada de la influencia de lo español a nivel internacional, a través de piezas de Givenchy, Dries Van Noten o John Galliano y Lanvin, que se han visto seducidos por nuestra cultura y la particular estética que se ha plasmado en sus creaciones.