Folia Compagnie Käfig

El coreógrafo Mourad Merzouki, presenta su espectáculo Folia. Este montaje de danza y música en vivo a caballo entre el barroco y los ritmos callejeros, que toma por título el nombre de una danza popular en la corte castellana del siglo XVII, nace gracias al mestizaje y al encuentro entre Merzouki y Frank-Emmanuel Comte, líder del grupo Le Concert de l’Hostel Dieu. “Hay una gran diversidad y una loca modernidad en el repertorio barroco entre los siglos XVII y XVIII. Algunas músicas pertenecen a un repertorio culto, como la música de Vivaldi, y otras proceden de la danza, como las Tarentelles o las Chaconnes. Tomamos una tarantela, sampleamos partituras barrocas para reutilizarlas en bucle, añadimos música electrónica, lo fusionamos todo y bailamos. Lo importante es que ambos mundos se enfrentan, se deterioran, chocan. Lo importante es que ambos mundos se comuniquen entre sí”.

Los músicos y los bailarines son magníficos y hacen un trabajo brillante, su técnica es innegable. Otra cosa es hacía donde va el espectáculo que se repite sin redondear.

Coppél-iA LES BALLETS DE MONTE-CARLO / Jean-Christophe Maillot

Duración: 1h 42’ (con intermedio de 20’ incluido)  Ballet en 2 actos Coreografía: Jean-Christophe Maillot
Música original y arreglos de la obra de Léo Delibes: Bertrand Maillot Escenografía y vestuario: Aimée Moreni Iluminación: Samuel Thery y Jean-Christophe Maillot Dramaturgia: Jean-Christophe Maillot y Geoffroy Staquet.

Reparto:   Coppél-i.A.: Ksenia ABBAZOVA  Coppélius: Jaeyong AN Swanilda: Alessandra TOGNOLONI Frantz: Francesco MARIOTTINI La madre de Swanilda: Ekaterina PETINA  Lennart, confidente de Swanilda: Lennart RADTKE  Los amigos de Swanilda: Elena MARZANO, Ashley KRAUHAUS, Lydia WELLINGTON, Kathryn MCDONALD Los amigos de Frantz: Alexandre JOAQUIM, Adam REIST, Artjom MAKSAKOV, Michael GRÜNECKER, Christian TWORZYANSKI Los Invitados: Katrin SCHRADER, Francesco RESCH, Chelsea ADOMAITIS / Candela EBBESEN, Luca BERGAMASCHI, Juliette KLEIN / Hannah WILCOX, Roger NEVES, Portia ADAMS Los Prototypos: Daniele DELVECCHIO, Alexandre JOAQUIM, Christian TWORZYANSKI, Adam REIST, Artjom MAKSAKOV, Roger NEVES

La idea de crear un ballet en torno a Coppélia surgió en 2016, pero mis pensamientos se dirigieron a la «Chica de los ojos de esmalte» mucho antes…Estos pensamientos eran algo ambivalentes, ya que, aunque me fascinaba la historia de un joven que se enamora de una muñeca mecánica, me desanimaba un poco el romanticismo del ballet original.

Entonces se me ocurrió revisar la partitura para poder retomar esta obra clásica del repertorio del ballet actualizando la narrativa: una historia de dos prometidos cuyo amor se vería desafiado por la aparición de la inteligencia artificial. Como siempre he demostrado un profundo respeto por la música y los compositores, me preparé con cierta aprensión para cometer este sacrilegio. Pero el ángulo narrativo de mi ballet me ayudó a hacerlo… La inteligencia artificial se ha inmiscuido de tal manera en nuestra vida cotidiana que muchas cosas han perdido su carácter sagrado. Se han vuelto, si no prescindibles, al menos reemplazables sin poner en peligro la supervivencia del mundo. Así, la de Coppélia fue modificada «genéticamente».

¿Quién sabe cuánto tiempo pasará antes de que los bailarines artificiales entren en los estudios para interpretar coreografías generadas por algoritmos capaces de reproducir la inspiración?

Estoy convencido de que aún queda mucho para ello. Y aunque llegara a pasar, el arte de la coreografía siempre requerirá de alma, carne y sudor para personificar las emociones de forma convincente.

Jean-Christophe Maillot

 Magnífico.

 

Compagnie Olivier Dubois, Tragédie

Création  Olivier Dubois  Collaborateur artistique Cyril Accorsi  Musique François Caffenne Lumières Emmanuel Gary Régie générale François Michaudel  Duración 1h30 sin descanso

Interpretación: Esther Bachs Viñuela, Benjamin Bertrand, Camerone Bida, Steven Bruneau, Cairo Azad, Marie-Laure Caradec, Coline Fayolle, Karine Girard, Steven Hervouet, Sophie Lèbre, Sebastien Ledig, Matteo Lochu, Nicola Manzoni, Thierry Micouin, Mateusz Piekarski, Sandra Savin, Emiko Tamura, Mooni Van Tichel.

Vertiginosa y caótica. En gigantescos instrumentos de percusión, en un incesante flujo y reflujo, se reproduce el gran ciclo de la vida, hecho y deshecho. Es la humanidad vista como un palimpsesto, que se escribe, se borra y se vuelve a escribir… Una búsqueda interminable.

En Tragédie los intérpretes manifiestan su pertenencia a la comunidad de seres humanos. Golpean el suelo, caminan, se enderezan, se enfrentan, se deslizan, se arrodillan, aparecen, desaparecen, se mezclan para no tropezar… y dan fe de nuestro destino colectivo. El estreno en el Festival de Avignon en 2012 pareció un uppercut coreográfico e inmediatamente se convirtió en una pieza de manifiesto, un verdadero monumento de la danza contemporánea. En palabras de Olivier Dubois: «Si Tragédie habla de la Humanidad, debe cuestionar el hoy y hablar del mañana, del ser en el mundo, revelando el todos del que está hecho, la historia que llevamos y nuestra visión del futuro. Hay que crear un gran conjunto libre de diferencias para abarcar más ampliamente al espectador de hoy. ¡De binario a multinario! Con la desnudez como único vestuario, los individuos en escena se liberan de los roles de género y sus cuerpos se desexualizan. Son seres humanos que bailan y como tales se convierten en cuerpos-poéticos, cuerpos-políticos y cuerpos-obras, seguramente la mejor manera de abordar el futuro de una Humanidad.”

 Vídeo

 

Cartes blanches Compagnie Käfig

Cartes Blanches fue creado para el veinte aniversario de la compañía (1996 -2016). Fue diseñado en un encuentro con algunos de los bailarines que han definido la trayectoria de la compañía.

Mourad Merzouki, dirección artística, coreografía y puesta en escena Bailarines: Yann Abidi, Rémi Autechaud, Kader Belmoktar, Brahim Bouchelaghem, Sabri Colin, Hafid Sour.

Una escenografía sorprendente, un salón con sofás, se confunde con los habituales, del polvo de las aceras o de los ámbitos, al aire libre, en particular. Una luz tenue ilumina una estancia diferente, al estilo que presentan. También se plantea, en “Cartes Blanches”, una pugna entre un bailarín contemporáneo y otro de los nuevos estilos. Una especie de confrontación, buscado, simplemente la evolución, que no la ruptura. Todo, intentando mostrar, la fórmula ideal, para un camino hacia el futuro.

Décevant, les danseurs ont une technique épatante, mais on ne voit pas le but du spectacle, répétitif à l'extrême. L'obscurité dans laquelle se situe la scène et les habits sombres des danseurs rendent  difficile le suivi des mouvements et des pirouettes. Ça ne dure que 55 min, mais ce fut long.

El maleficio de la mariposa Ballet Flamenco de Andalucía

Dirección artística Ursula López Duración 1h45 min Julia Acosta, Ana Almagro, Gloria del Rosario, Lidia Gómez, Águeda Saavedra, Antonio López, Federico Núñez, Iván Orellana e Isaac Tovar, cuerpo de baile. Pau Vallet y Juanma Torres, guitarras. Sebastián Cruz y Vicente Gelo, cante. Raúl Domínguez “Botella”, percusión

Se cumplen cien años del estreno de El Maleficio de la Mariposa, debut de Federico García Lorca sobre las tablas y un escándalo que solo salvó La Argentinita, la mariposa blanca, luciendo su baile, efímera muerte del cisne, imagen que se pierde en el abrir y cerrar de las alas de una mariposa. En muchos sentidos, ese aleteo prodigioso de la mariposa, emblema de la imagen que desapareciendo aparece, según ha escrito Georges Didi-Huberman, eso que los modernos llaman performatividad y que siempre fue baile y danza, esa cualidad del poeta de hacer verbo del sustantivo. En fin, and
ar, bailar, vivir.

(LA)Horde / Ballet national de Marseille

Concepto artístico: RONE & (LA)HORDE – Marine Brutti, Jonathan Debrouwer, Arthur Harel

Música: RONE  Dirección y coreografía: (LA)HORDE – Marine Brutti, Jonathan Debrouwer, Arthur Harel   Con los balarines del Ballet Nacional de Marsella: Sarah Abicht, Nina-Laura Auerbach, Daniel Alwell, Isaïa Badaoui, Malgorzata Czajowska, Riley Fitzgerald, Myrto Georgiadi, Vito Giotta, Nathan Gombert, Nonoka Kato, Yoshiko Kinoshita, Ángel Martínez Hernández, Aya Sato, Noam Segal, Dovydas Strimaitis, Elena Valls García, Nahimana Vandenbussche

Leur exploration des nouvelles dynamiques de circulation et de représentation de la danse et du corps qui se développent en ligne les amène à former le concept de « danses post-internet ». En diversifiant les supports, (LA)HORDE interroge la sérendipité quasi infinie qu’offre ce nouveau territoire et propose des regards multiples sur les révoltes que portent ces communautés avec lesquelles le collectif travaille de façon hétérarchique.

Room With A View est leur première création depuis leur prise de fonction à la direction du CCN Ballet national de Marseille en septembre 2019, composé de vingt-deux danseur.euse.s de quatorze nationalités.

En una cantera de mármol varias máquinas se encuentran trabajando, cortando y puliendo la piedra. Mientras tanto, los humanos trabajan con el mármol para “liberar al hombre de dentro de la roca” (Miguel Ángel) y los bailarines bailan para escaparse de la blanca piedra inmóvil, resurgiendo para analizar los contornos humanos infinitos del inminente desastre y contemplando todas las posibilidades de su belleza. Vidéo

Marie Antoinette Ballet Malandain de Biarritz

Thierry Malandain, coreografía, Joseph Haydn, música, Jorge Gallardo, decorado y vestuario Richard Coudray y Giuseppe Chiavaro , maestros de ballet Alejandro Sánchez Bretones, Alessia Peschiulli, Allegra Vianello, Arnaud Mahouy, Claire Lonchampt, Clara Forgues, Clémence Chevillotte, Frederik Deberdt, Giuditta Banchetti, Guillaume Lillo, Hugo Layer, Irma Hoffren, Ismael Turel Yagüe, Jeshua Costa, Laurine Viel, Loan Frantz, Mickaël Conte, Nuria López Cortés, Patricia Velázquez, Raphaël Canet y Yui

 El ballet Biarritz nos brinda una pieza llena de finura, gracias en primer lugar a los soberbios trajes de Jorge Gallardo que son, respetando los cánones de la época, de una sorprendente modernidad. El conjunto es muy estilizado, y servido por un baile de alto nivel. 

Celui qui tombe Y.Bourgeois

Centro Coreográfico Nacional de Grenoble 2019 Francia Duración 1h  Dirección: Yoann Bourgeois y Rachid Ouramdane    Equipo artístico: Julien Cramillet, Kerem Gelebek, Jean-Yves Phuong, Sarah Silverblatt-Buser, Marie Vaudin, Francesca Ziviani.

En medio de un escenario oscuro, como si fuera el universo, una plataforma cuadrada con vida propia gira, se inclina, sube, baja y se mueve con aparente autonomía siempre llevando encima seis intérpretes-acróbatas que, como en la vida, intentarán mantenerse en pie, buscar el equilibrio en la inestabilidad, dividir las fuerzas y confiar los unos en los otros. Es una dinámica contraria a los principios de la gravedad que son constantemente desafiados en esta propuesta como poco asombrosa.

Los trabajos de Bourgeois (Cavale, El arte de la fuga, Dialogue, entre ellos) aunque muy diferentes entre sí, parten todos de premisas similares en cuanto a investigaciones sobre la gravedad, la resistencia, el balance y equilibrio, un objetivo tan singular que les ha llevado a crear sus propios métodos para consolidar la idea central de su investigación centrada en el punto de suspensión, concepto que él define como «el momento furtivo cuando el objeto que ha sido arrojado alcanza la cima de la parábola justo antes de su caída».

10000 gestes. B. Charmatz

Interprétation :
Djino Alolo Sabin, Salka Ardal Rosengren, Or Avishay, Régis Badel, Jessica Batut, Nadia Beugré, Alina Bilokon, Nuno Bizarro, Mathieu Burner, Dimitri Chamblas, Ashley Chen, Konan Dayot, Olga Dukhovnaya, Sidonie Duret, Bryana Fritz, Julien Gallée-Ferré, Kerem Gelebek, Alexis Hedouin, Rémy Héritier, Tatiana Julien, Samuel Lefeuvre, Johanna-Elisa Lemke, Noé Pellencin, Maud Le Pladec, Solene Wachter, Frank Willens
Durée : 1h Musique Requiem en ré mineur K.626 de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), interprété par l’Orchestre Philharmonique de Vienne, direction Herbert von Karajan

Pour ce spectacle j’imagine une forêt chorégraphique dans laquelle aucun geste n’est jamais répété par aucun des danseurs en présence. 10000 gestes qui ne seront visibles qu’une seule fois- disparus aussitôt que tracés, comme une ode à l’impermanence de l’art de la danse. Cette pluie de mouvements, qui pourrait être un data-projet généré par des listes de paramètres numérisés seront au contraire générés artisanalement, à même le corps des interprètes, de manière absolument subjective. À l’hypnose visuelle de la boulimie de mouvement correspondra un versant méditatif, voire mélancolique : le « don » de mouvements condamnés à la disparition symbolique. 

Il s’agira d’explorer les possibilités qu’un geste ne soit jamais accompli par un autre, et que si 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 25 danseurs entrent en contact, chacun accomplisse néanmoins un geste différencié de l’autre en excluant tout mouvement symétrique : dans cette pièce, il est impossible de se serrer la main. La collection ainsi générée est aussi une anti-collection, car aucun chorégraphe digne de ce nom ne se risquerait à incorporer 10000 gestes dans son écriture, et que cet ensemble ne se laisse pas saisir autrement que par l’idée qui l’a générée.

Requiem pour L. Platel/Cassol

Música: Fabrizio Cassol, a partir del Requiem de Mozart
Dirección y escenografía: Alain Platel
Dirección musical: Rodriguez Vangama
Interpretación: Rodriguez Vangama (guitarra y bajo eléctrico), Boule Mpanya, Fredy Massamba, Russell Tshiebua (voces), Nobulumko Mngxekeza, Owen Metsileng, Stephen Diaz/Rodrigo Ferreira (voces líricas), Joao Barradas (acordeón), Kojack Kossakamvwe (guitarra eléctrica), Niels Van Heertum (bombardino), Bouton Kalanda, Erick Ngoya, Silva Makengo (likembe), Michel Seba (percusión). Duración 1h30
Espectáculo donde la música de Mozart y los cantos africanos se conjuran para afrontar el último viaje. Acompañados de las imágenes de la muerte de Lucie,  admiradora del trabajo de Platel que luchó en los años 80 por la legalización de la eutanasia en Bélgica y permitió que el creador la grabara mientras fallecía. Había decidido no luchar contra una enfermerdad incurable y optó por una muerte programada, con ayuda de paliativos. 
Platel (Gante, 1956) recalcó que Requiem pour L. es “una celebración de la vida”. La música de Mozart, dijo, es el origen del espectáculo junto con una conversación que tuvieron él y Cassol sobre la muerte. “Quisimos hacer algo sobre cómo afrontarla y el Réquiem nos ofrecía una puerta abierta”. Explicó que han pretendido crear “otra ceremonia del duelo, un nuevo ritual” a partir de la misa de difuntos de Mozart y de tradiciones musicales africanas interpretadas por unos artistas del continente que viven la muerte de otra manera, con una enorme vitalidad desconocida en Europa pero que se corresponde con la música luminosa de Mozart.

Grand Finale Hofesh Shechter Company

Coreografía y música: Hofesh Shechter Escenografía y vestuario: Tom Scutt Iluminación: Tom Visser Bailarines: Robinson Cassarino, Chien-Ming Chang, Frédéric Despierre, Rachel Fallon, Mickaël Frappat, Natalia Gabrielczyk, Yeji Kim, Kim Kohlmann, Erion Kruja, Attila Ronai, Hannah Shepherd y Bruno Guillore, director artístico asociado.

El humo es denso, la luz intensa y el sonido estridente. No cabe duda, estamos ante una obra de Hofesh Shechter, el coreógrafo israelí que con sus creaciones para su compañía británica ha cultivado hordas de fieles seguidores que deliran ante sus espectáculos de calculada belleza y corte apocalíptico. Grand Finale habla del caos de nuestro mundo, del colapso de la civilización, del derrumbamiento y quizá, la reconstrucción. Da credibilidad al supuesto que vincula el desplome con una nube de humo. Y es del humo, justamente, de donde surge, cada uno por su lado, un grupo interconectado de bailarines que parecen reflejar la angustia y el terror en sus cuerpos y un ensamble de música que parece ignorarlo todo. No es casual que vagamente recuerde a esa escena desasosegante de Titanic, con los pasajeros histéricos intentando salvarse y los músicos tocando plácidos mientras el barco se hunde, porque fue esa, justamente, la imagen que le vino a la cabeza a Shechter y al diseñador Tom Scutt durante las primeras discusiones sobre la pieza, que terminaría alcanzando dimensiones apocalípticas.

La danza, histérica y distorsionada, pero milimétricamente calculada, continúa siendo el camino expresivo del coreógrafo de Israel. Su equipo de bailarines, donde se cuentan hasta nueve nacionalidades, responde a las exigencias creando este caos perfectamente organizado, en el que hay lugar para el humor y la esperanza, muy a pesar de la premisa pesimista de autodestrucción de la que parte. La interacción de los músicos con los danzantes es una novedad y el manejo coral de la masa, con duetos y tríos en clave de técnica contact-release que se desprenden de ella, otra de las innovaciones de este nuevo trabajo de Shechter.

 FABULOSO ESTRENO DE TEMPORADA!!


Grand Finale Production Trailer from Hofesh Shechter Company on Vimeo.

Nameless Hands Noism Company

En el escenario, y vestidos completamente de negro (como si no existieran), los “Kurogo”, personajes del teatro tradicional japonés, aparecen en esta obra como Nameless Hands, una metáfora del tiempo, la imaginación, el deseo o la ambición, que manipula las vidas de las muñecas, de los objetos y del drama en sí mismo.

El decorado se compone en su totalidad de objetos de segunda mano, como una reivindicación del significado de su existencia, en contra de la rápida evolución tecnológica que ha acelerado las necesidades de consumo.
En este trabajo hay dos niveles destacables, por un lado la espléndida técnica de los intérpretes tanto en la composición de los seres inanimados como cuando se meten en la piel de las sombras. Y la estética personal del espacio escénico y máscaras que crea múltiples planos sensoriales de ensoñación.

Desh Akram Khan Company

Aclamado coreógrafo e intérprete, Akram Khan. DESH, que significa "Tierra Natal" en bengalí, dibuja una multitud de cuentos sobre el país, la nación y la resistencia, conceptos que convergen en el cuerpo y la voz de un hombre intentando encontrar su equilibrio en un mundo estable. Nacido en Londres de una familia de origen banglaDESHí, comenzó a bailar con siete años y estudió con el prestigioso profesor y bailarín de kathak, Sri Pratap Pawar. Bello, pético, evocador, dominio del cuerpo.

Web

Fair play P.Thibaud

Thibaud y Leygnac (un tándem cómico cuyos referentes pueden buscarse en grandes figuras de la comedia muda y gestual como Tati, Chaplin, Keaton o De Funès) sorprende tratando de hacer realidad la famosa frase del “¡todavía más rápido, más alto y más fuerte!”, al meterse en la piel de dos osados deportistas dispuestos a lograr que los espectadores disfruten . Y, todo ello, sin mediar ni una sola palabra en escena. ‘Fair Play’ (Juego limpio) demuestra de nuevo el humor fresco, tierno y agudo del dúo. Las disciplinas deportivas de mayor riesgo salen a escena de la mano de estos dos campeones de la comedia, que pondrán sus peculiares cuerpos de atletas en el punto de mira de la audiencia. 

Desde luego, se lo sudan...

Murmurs A.Thierrrée

Dentro del Festival de Otoño a Primavera  en los Teatros del Canal  Murmurs, un proyecto protagonizado por Aurélia Thierrée (nieta del inmortal Chaplin) que cuenta con la dirección y el diseño de Victoria Thierrée, su madre.
La obra busca entre las paredes que acogen nuestras vidas. Las habitaciones son testigos silenciosos (o no tan silenciosos) de grandes historias.Ellas nos protegen del mundo exterior mientras presencian buena parte de los problemas que arrastra nuesta existencia. Dentro de un ambiente con trazos oníricos, la protagonista de Murmurs es una mujer sola que huye de la realidad, con toda una vida empaquetada en cajas de cartón. El misterio surge cuando Thierrée es perseguida a través de edificios abandonados y calles que no llevan a ninguna parte. La escena se convierte así en un rompecabezas que poco a poco se va ensamblando gracias a técnicas de ilusión, circo y danza que la directora diluye en escena.

The Dani Pannullo Dance Theatre "Avalanche"

Avalanche nos lleva a un mundo de confrontaciones dancísticas y nos habla sobre todo del inexorable paso del tiempo. Dani Pannullo busca y explora sobre la escena los puntos de encuentro de un mundo en el que esperamos que la tecnología pueda desvelarnos todo, pero que, no obstante, sigue siendo “ese desconocido” en lo que a las relaciones humanas se refiere.
Avalanche significa la derrota en escena de la tácita aceptación de lo hortera e incluso de lo inhumano que, en nuestros días, campa sin pudor en medio de la ignorancia y el desconocimiento de lo otro.Como un hecho natural dentro del ideal de esta compañía, Pannullo, interesado en las nuevas formas de deporte urbano que florecen hoy en las ciudades, incluye en Avalanche, aparte del elenco de bailarines habitual en sus espectáculos, una novísima modalidad que se sitúa entre el control, la práctica del deporte y cierto virtuosismo; trucos, creatividad y estilo convertidos en el escenario en poesía; una "forma más de danza" según su director: el football free-style.
Genial!!!
Bailarines (B-boys): Alejandro Moya (b-boy Lilkuest), Julián Gómez (B-boy Hu-lee), Miguel Ballabriga (B-boy Zomas), Rubén Martín (B-boy Chino) - Free-styler: Javier Sanz Aguilar - Violonchelo: Luis Felipe Serrano

Still standing you

D’homme à homme

Pas de tabous, pas de faux-semblants. La relation de Guilherme Garrido et Pieter Ampe est tissée de pulsions contradictoires que le tandem luso-belge expose sans pudeur dans Still Standing You. Sont-ils amis, amants, frères, rivaux ? On ne saurait jurer de rien, si ce n’est de la vigueur de leurs affrontements. De tapes dans le dos en coups de ceinture claqués sur la peau nue, de jeux de pouvoir en actes de rébellion, ils éprouvent la force de leur lien et se poussent mutuellement dans les cordes d’un ring imaginaire. Mais la violence est mâtinée d’un humour ravageur. Dans les corps suants et haletants s’enracinent avant tout complicité, confiance et tendresse partagée. FTA

Un poco deshilachado, bonito experimento a perfeccionar. Danza sí, pero no exactamente.

Ballet Nacional de España Ángeles caídos y Suite Sevilla

Director: Antonio Najarro

Duración : 2 horas 15 minutos

Ángeles caídos Idea original y dirección de escena: Hansel Cereza

El nuevo director hace con 'Ángeles caídos', un encargo en el que han participado varios coreógrafos con desigual fortuna.. Es una obra oscura esta lucha entre el bien y el mal, entre la luz y la oscuridad. Las intervenciones del conjunto regular, desentonan a veces.
Es de justicia reseñar la aparición de Rubén Olmo, con un espléndido mantón de Manila, consigue aumentar la calidad del espectáculo
Suite Sevilla Idea original y puesta en escena: Antonio Najarro

'Suite Sevilla' transita por los lugares comunes de Sevilla. Me gustó mucho el arranque. Sigue una sucesión de estampas de la capital andaluza, desde la Semana Santa hasta la feria de abril. Hay cuadros que destacan sobre el resto. Como el solo de Jéssica de Diego, brillante, sobrada de facultades, exultando alegría y dominio de la escena. Especialmente atractiva es la imagen que ofrece el coreógrafo de la Semana Santa, con sus costaleros y las damas enlutadas de mantilla y peineta. Es una recreación fascinante, sobre todo el juego con el que los bailarines componen el paso y su desfile callejero.

Le songe Les Ballets de Monte-Carlo

Les Ballets de Monte-Carlo son herederos del espíritu de los ballets rusos y cuentan con  la dirección del coreógrafo francés Jean-Christophe Maillot. En Le Songe han aunado música, danza y teatro, creando un cómico microcosmos de hadas y humanos, en azarosa búsqueda del amor, en el que se distinguen tres universos paralelos: los enredos amorosos de los aristócratas, las divertidas parodias de los comediantes y la magia del mundo de las hadas.
Músicas de Félix Mendelssohn y  Bertrand Maillot y Daniel Teruggi. decorado, el vestuario y las luces, firmadas por Ernest Pignon-Ernest, Philippe Guillotel y Dominique Drillot y puesta en escena realizada con la colaboración de Nicolas Lormeau, de La Comédie-Francaise.