Never alone K.Häro

2024 Finlandia Drama 85 min Dirigido por Klaus Häro Con Ville Virtanen, Nina Hukkinen, Kari Hietalathi, Hannu-Pekka Björkman, Rony Herman, Naemi Latzer, Satu tuuli Karhu, Carl-Kristian Rundnan.

Helsinki, 1942. Mientras Finlandia mantiene una peligrosa alianza con la Alemania nazi, un solo hombre se enfrenta al sistema, Abraham Stiller, un empresario judío arriesga su vida para impedir que los servicios de seguridad finlandeses entreguen en secreto a refugiados judíos a la Gestapo.

Película de corte clásico que no depara ninguna sorpresa, pero sí muestra unos personajes bien estructurados, una trama bien dirigida que se sigue sin problemas y deja la sensación de saber un poquito más sobre el conflicto más importante del siglo XXI. Su único pecado, de hecho, es que ella misma parece anacrónica, estar fuera de su tiempo, verse relegada a ser "una más" entre las decenas de películas similares que nos llegan todos los años.

Aunque trata de revestirse con distintos puntos de vista y mostrar personajes complejos, la película no puede evitar caer en una simpleza alarmante, un cuento de buenos contra malos y héroes contra villanos con el que, a estas alturas, es difícil empatizar: todos los de un bando cantan el sabbath y hablan de manera sosegada, sin decir una palabra más alta que otra, mientras que todos los del otro son amenazantes, malvados, gritones y faltosos. Es una lección de historia, sí, pero que suena a cuento infantil.

Sir András Schiff, piano

Obras de Bach, Haydn, Mozart, Schubert y Beethoven va anunciando las obras que interpreta.

Comenzó su recital, sin comentar nada, con Bach y su ‘Aria de las Variaciones Goldberg BWV 988’, para continuar con el ‘Capricho en si bemol mayor BWV 992’, académico, elegante, expresivo. Para marcar ciertas diferencias, saltó a Mozart con su ‘Sonata n° 17 en si bemol mayor, K 570’.

Es conocido el uso prudente que Schiff hace del pedal sonoro, usado sobre todo para las notas finales, así se notó en su versión del ‘Concierto italiano en fa mayor BWV 97’ de Bach, sencillamente memorable en sus tres partes. Sin pausa, siguió su recital con Haydn y su 'Andante con variaciones Hob.XVII:6', igual de luminoso que su Mozart. Y terminó su programa con Bach y su 'Fantasía cromática y fuga BWV 903', y con Beethoven, con la ‘Sonata para piano, n° 17 “La Tempestad”, ambas tocadas sin solución de continuidad, mostrando ciertas similitudes melódicas entre ambas obras.

La elegancia y seriedad que muestra Schiff en el escenario se traduce en un silencio por parte del público pocas veces conseguido, tan solo alguna tos aislada, pero, increíble, no sonó ningún móvil, auténtico virus en las salas de concierto. Las ovaciones y aplausos al maestro, se tradujeron en tres propinas, el ‘Vals n° 3’ de Chopin, la ‘Canción giratoria, op. 67’ de Mendelssohn, terminando con Shubert y el Andante de los ‘Cuatro impromptus, Op. 90’. Todo un alarde de virtuosismo.

Maruja Mallo: Máscara y compás.

Maruja Mallo (Viveiro 1902–Madrid 1995) es una artista fundamental del siglo XX español y una de las principales figuras de la Generación del 27, de la que formaron parte Rafael Alberti, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rosa Chacel y María Zambrano, entre otros. Es, además, la más importante representante del grupo de artistas que, por primera vez, presentaron colectivamente una cosmovisión femenina desde una perspectiva también inédita, la de la mujer moderna, activa, libre y profesional.

Esta exposición quiere acercar la obra y pensamiento de Mallo, está organizada de manera cronológica respetando sus series de pinturas que, junto con sus dibujos y su archivo, trazan toda la carrera de la artista. Desde el realismo mágico y las composiciones de carácter surrealista de sus primeros años hasta las configuraciones geométricas y fantásticas de sus últimas obras. Así, sus escenarios se desplazan de los barrios populares de Madrid a las tierras del extrarradio, ahondando en la relación del ser humano con la naturaleza y situando esa relación en una dimensión superior, en la que ciencia, arte y mitología se dan la mano, para acabar en el cosmos. Incluye además citas de la propia artista que dan voz a la personal revisión que Mallo hizo sobre su obra y el papel del arte en la sociedad.

El jinete pálido C.Eastwood

1985 USA 1h53 Western dirección Clint Eastwood Con Clint Eastwood, Sydney Penny, Chis Penn, Michael Moriarty.

El argumento de ‘El jinete pálido’ puede recordar al del mítico western ‘Raíces profundas’ (‘Shane’, George Stevens’, 1953) el que Alan Ladd daba vida a un antiguo pistolero que se veía obligado a coger de nuevo la de armas para defender a una familia de granjeros de la opresión de un importante ganadero. Lo cierto es que aún partiendo de un esquema argumental similar, Eastwood alcanza una mirada mucho más profunda con su personaje central y toda la aureola de misterio que le rodea, algo que ha caracterizado la mayor parte de los personajes del actor y que en ‘El jinete pálido’ cuyo título proviene de la Biblia,  consigue su máxima expresión. 

El impresionante duelo final que enfrenta al Predicador con Stockburn y sus ayudantes es toda una lección del empleo del ritmo. Un tempo dilatado, que recuerda al mejor Leone, caracteriza una larga escena en la que Eastwood termina de dejar las cosas claras en cuanto a su personaje. Los ayudantes de Stockburn son eliminados uno a uno por El predicador que emerge de los rincones más insospechados e incluso los mata en lugares muy alejados el uno del otro, algo imposible para un hombre “normal”. Cuando Stockburn tiene en frente al predicador y le ve la cara, aquél sólo pronuncia un “¡Tú!” muy revelador antes de recibir seis disparos muy familiares para el espectador. La sutileza convertida en maestría.

Punto y contrapunto maestros del siglo XX en la colección Jaime Botín

‘Punto y contrapunto: maestros del siglo XX en la colección de Jaime Botín’, una exposición que presenta una selección de 17 obras,

la muestra reúne a 14 importantes artistas del siglo XX con “obras de muy diferentes estilos que, aunque muestran grandes diferencias entre sí, establecen su unidad en un espléndido diálogo visual, donde los contrastes de tonos, texturas y estilos transmiten emociones profundas, lo que, a pesar de sus diferencias estéticas y conceptuales, logra una unidad que conecta con el espectador”, afirma María José Salazar, comisaria de la muestra. Pertenecen a dos momentos relevantes de la historia del arte: el tiempo de las vanguardias y el arte de la posguerra, en los años tras la Segunda Guerra Mundial, en que surgen nuevos modos de representación”, asegura.

Así, la nueva sala permanente incluye creaciones de importantes artistas españoles como Manolo Millares, Pablo Palazuelo y Antoni Tàpies, cercanas a la abstracción, bien sea matérica, expresionista o geométrica; en un contrastado diálogo con el iluminismo de Joaquín Sorolla; el cubismo de María Blanchard y Juan Gris; la pintura poética de Joan Miró; la figuración lírica de Pancho Cossío; el realismo de José Gutiérrez Solana; el noucentisme de Isidre Nonell y el neocubismo de Daniel Vázquez Díaz.

Además, estos artistas comparten el espacio con algunos de los artistas internacionales más significativos del siglo XX que representan la nueva figuración, como Francis Bacon; el fovismo, como Henri Matisse; y el expresionismo, como Mark Rothko.

En definitiva, todos los artistas representados han logrado innovar, personalizar y desarrollar un lenguaje identificativo, cada uno con voz propia, existiendo en cada obra una fuerte personalidad estética, armonía y cohesión, lo que evidencia la participación de los artistas, de forma individual, en un proceso colectivo y evolutivo de la historia del arte.

Al pie del llar R.Cuevas

En palabras del propio Rodrigo Cuevas este concierto es “una vuelta al origen, a la esencia de lo que creo que es la tradición. Cantar y contar al pie del fuego, del llar. El espacio de ocio y de intercambio de conocimientos más importante en toda la historia de la humanidad ahora eliminado, sustituido por las redes sociales y la televisión. El arte popular antes de la fractura generacional”.

Descubre temas del acervo asturiano y expone otros, gallegos castellanos,  conocidos, en lo recóndito de una aldea o junto a los fogones de una casa de pueblo dándoles un personal acento. Cuenta las canciones en bable cerrado o en un rico castellano, pero con un humor elocuente y sobre todo hace sátira. Hay momentos en que  cuando deja de cantar, traslada historias antiguas a la realidad personal o de otros, pero de este tiempo. En este sentido recuerda mucho a la forma de actuar del formato teatral de “El Brujo”. Rodrigo Cuevas, sin duda alguna se convierte de artista en personaje, a veces en personajes, resultando todo un fenómeno, sin comparación.  Romances como el de Faustinita, Manuel se llama mi amante o La cautiva se entremezclan con versiones despojadas, esenciales, de Rambalín, Al pasar por el puertu o Cesteiros, conformando un repertorio hechizante, precioso, hondo. Fabuloso, como siempre.