Los dos hidalgos de Verona W. Shakespeare

Dirección: Declan Donnellan Duración 1h40 min Reparto: Jorge Basanta - Prince Ezeanyim – Alberto Gómez Taboada - Rebeca Matellán - Manuel Moya - Alfredo Noval - Goizalde Núñez - Antonio Prieto - Irene Serrano 

Los dos hidalgos de Verona es una de las primeras comedias en las que afina las tensiones entre amistad y amor, tensiones que ocupaban un espacio no menor en la literatura de fines del Renacimiento. La amistad entendida como una forma de amor sin sexo estaba siendo tratada desde muchas perspectivas y enaltecida como una forma de alto compromiso sentimental opuesta a las relaciones amorosas. Escrita poco tiempo antes que Romeo y Julieta, comparte con ésta numerosos puntos de vista y de tensión dramática. Encontramos también en ella una de las creaciones más emblemáticas del personaje del criado cómico, que va a generar un modelo que alimentará posteriormente tanto el teatro del Bardo como el de sus seguidores.

La obra no está exenta de comicidad ni el montaje de planificación semiótica que ampare el minimalismo. En cuanto a la comicidad, a pesar de la severidad de los temas se registran a través de la actividad del criado Lanza con su perro Crob y por la determinación del director al dar entrada o el juego en el gesto de los actores con situaciones como la inclusión de elementos propios del siglo XX y como es el hecho de que algunos personajes realicen footing o se realice un gag musical con la figura de Silvia. Por su parte, lo semiótico se abre paso en la representación a través de la iluminación por el uso de una luz cálida como recurso de confidencialidad del soliloquio, por la presencia del ausente cuando se hace referencia a él, por la proyección del bosque por los colores de las corbatas de Proteo y Valentín en relación con el color de los vestidos de Julia y Silvia y las pretensiones de los aspirantes al amor, como ocurre con Proteo. Divertida.

Ricardo III

Dirección  Marco Paiva, Texto William Shakespeare Intérpretes: David Blanco, Angela Ibáñez, María José López, Marta Sales, Vasco Seromenho y Tony Weaver  Espectáculo interpretado en lengua de signos portuguesa y española con sobretítulos en castellano.

En esta ocasión, la lengua de signos responde a dos propósitos que marcan su línea de trabajo: por un lado, el de explorar las posibilidades artísticas de los diversos lenguajes y gramáticas -“redescubrir la lengua de signos a nivel performativo, con toda la potencia de su dimensión visual”-; y por el otro, la intención de dar representatividad a la diversidad -“nos planteamos el objetivo de que la lengua de signos comience a conquistar un lugar más destacado que el que ha tenido hasta ahora en la sociedad”.

El gesto no llega a las profundidades que crea el pensamiento del genial dramaturgo inglés, perdiéndose a veces en lo mecánico, lo uniforme, lo repetitivo y lo frívolo. Solo cuando Ricardo III muere la épica emocional se alía a lo corporal, a lo escenográfico, al tono de ese gran discurso visual que se debería buscar. La escenografía es sencilla, móvil y envolvente: una sábana, unos telones blancos y rojos, y unas altas estructuras metálicas de los que cuelgan, como si fueran túmulos, los trajes oscuros de los muertos, acompañados muy significativamente por una iluminación y la creación de un espacio sonoro que se convierten en sí mismos en pura intensidad dramática.

Antonio y Cleopatra W. Shakespeare

Traducción y versión Vicente Molina Foix Dirección José Carlos Plaza Producción CNTC  Reparto: Ana Belén, Ernesto Arias, Javier Bermejo, Rafa Castejón, José Cobertera,  Elvira Cuadrupani, Israel Frías,  Lluís Homar , Carlos Martínez Abarca, Luis Rallo, Olga Rodríguez, Fernando Sansegundo. 

Los versos suenan claros, los términos elocuentes y cada enunciado manifiesta las intencionalidades (aunque sean ocultas), reduciendo al máximo cualquier atisbo de hipérbaton. Pero no es esta la cuestión, sino que entre la mayor cercanía del texto (depurado) y el expresionismo, por no decir, en ocasiones, caricatura de sus protagonistas, se favorece el humor, y no leve ni anecdótico; sino persistente en sus encuentros más íntimos. Que los espectadores rían de vez en cuando, que carcajeen ante situaciones un tanto farsescas, como en la escena donde la reina viste torpemente a su amado o la poca pericia de Antonio para matarse, nos da cuenta de que la tragedia va a ser menos trágica. Que esto ocurra es una pega; no obstante, casi tres horas dan para mucho y, en general, es un montaje correcto. SE LUCEN

Titus Andronico Shakespeare

Dirección: Antonio C. Guijosa Versión: Nando López Duración: 2h 45min (con intermedio de 20min incluido) Intérpretes: José Vicente Moirón (Tito Andrónico), Alberto Barahona (Lucio/ Quinto), Carmen Mayordomo (Tamora), Alberto Lucero (Quirón), José F. Ramos (Demetrio), Quino Díez (Marco Andrónico/ Godo), Lucía Fuengallego (Lavinia), Gabriel Moreno (Saturnino), Jorge Machín (Alarbo /Basiano /Marcio / Emilio), Guillermo Serrano (Mucio/Aarón)

«Tras diez años de guerra, Tito Andrónico regresa al fin a Roma, victorioso y con la reina goda Tamora y sus tres vástagos como prisioneros. Después de sacrificar, tal y como ordenan los ritos sagrados, al mayor de ellos, Tito solo aspira a buscar tranquilidad y reposo, pues bajo su duro gesto de general triunfante, vive también un hombre con el alma fatigada por la dureza de la contienda y la temprana muerte de la mayoría de sus hijos. Solo cinco quedan a su lado y, entre todos ellos, no puede disimular su devoción por Lavinia, en quien ve la esperanza de un futuro que quizá pueda escapar a la violencia que lo ha acompañado a lo largo de su vida.
Poco durará, sin embargo, la calma: enseguida se verá obligado a interceder en las intrigas políticas entre Basiano y Saturnino, dos hermanos enfrentados por su derecho a la corona del Imperio. El voto de Tito a favor de Saturnino precipitará una cadena fatal de hechos que convergerán, siempre, en un instinto tan universal como peligroso: la venganza».

La escenografía de Juan Sebastián Domínguez es sosa; pues el espacio está un tanto desangelado alrededor de los versátiles cajones que sitúa en el espacio, a pesar de la iluminación. el vestuario moderno trajes de caballero, con unos abrigos hasta los pies, son un sinsentido. Desde luego, los guiños humorísticos resultan un tanto ridículos (la mascarilla al besarse), las muertes sucesivas derivan en farsa y las risas de los espectadores estallan. Floja

Macbeth Sanzol

Texto: William Shakespeare. Versión: José Luis Collado. Diseño de puesta en escena: Gerardo Vera. Dirección: Alfredo Sanzol. Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar. Iluminación: Juan Gómez-Cornejo. Música y espacio sonoro: Alberto Granados Reguilón. Videoescena: Álvaro Luna. Intérpretes: Alejandro Chaparro, Carlos Hipólito, Jorge Kent, Fran Leal, Borja Luna, Markos Marín, Marta Poveda, Álvaro Quintana, Agus Ruiz, Chema Ruiz, Mapi Sagaseta y Fernando Sainz de la Maza. Teatro María Guerrero.

Destaca la escenografía apabullante de Alejandro Andújar, unas colecciones de lamas gigantes, como si nos situáramos a la sombra de un bajel que sube y baja avanzando hacia la platea. Un inicio que impresiona, buena interpretación en especial Carlos Hipólito y Jorge Kent.

 

Pericles, príncipe de Tiro George Wilkins, W. Shakespeare

Director: Declan Donnellan., escenografia Nick Ormerod Reparto: Xavier Boiffier, Valentine Catzéflis, Camille Cayol, Christophe Grégoire, Cécile Leterme, Martin Nikonoff y Guillaume Pottier.  

Pericles navega en un mar tempestuoso de piratas, magos, burdeles, secuestradores, torneos, tramas contra su vida… y la intervención divina de la Diosa Diana. El incesto, la traición, el asesinato, el amor y la alegría explotan en estos gigantescos fuegos artificiales teatrales… Sin embargo, esta notable obra tiene resonancia mucho más allá del tiempo en que fue escrita: el Mediterráneo de hoy no es ajeno a los viajes espantosos y desesperados que aparecen en él.

Es una fábula de un hombre que se distancia de aquellos a quienes ama, que lenta y milagrosamente se vuelve a unir con ellos, más debido al destino que a sus esfuerzos. Trata del misterio del amor, la pérdida y el amor redescubiertos después de una ausencia dolorosa y confusa. Las brasas se atenúan y brillan en una de las escenas más grandes y conmovedoras que Shakespeare haya escrito alguna vez.

Declan Donnellan "Tenemos que escuchar a quienes tienen puntos de vista diferentes. De lo contrario, nos encaminamos hacia el desastre. La simpatía conduce a la guerra. Creo que, en último extremo, la simpatía levanta muros, mientras que la empatía tiende puentes”.

“El teatro nos ayuda a desarrollar nuestra empatía. Necesitamos imaginación y empatía para entender a nuestros enemigos. Imaginar que el enemigo no es más que un estúpido o un malvado suele ayudarle a conseguir el poder. Tenemos que soltarnos del mundo de la simpatía y entrar en el de la empatía”.
Si el teatro ha de sorprender siempre y los textos no tienen por que ceñirse a lo que escribieron los clásicos sino que podemos y debemos interpretarlos, esta obra cumple todo ello, buenos actores, optimismo, humor y actualidad.