La casa de Bernarda Alba Lorca v. Sanzol

 

Texto Federico García Lorca Dirección Alfredo Sanzol Escenografía Blanca Añón  Reparto Ester Bellver (María Josefa), Eva Carrera (Amelia), Ana Cerdeiriña (Mujer 2), Ane Gabarain (La Poncia), Claudia Galán (Adela), Belén Landaluce (Magdalena), Patricia López Arnaiz (Angustias), Chupi Llorente (Mujer 1), Lola Manzano (Mujer 3), Inma Nieto (Criada), Celia Parrilla (Mujer 4), Sara Robisco (Martirio), Isabel Rodes (Prudencia/Mendiga), Ana Wagener (Bernarda) y Paula Womez (Muchacha)

El punto de vista desde el que se cuenta la historia es muy transversal. “El choque de fuerzas entre Bernarda y Adela está atravesado por la historia de Poncia, de Amelia, de Martirio, de Angustias, y de Magdalena, y por las historias del resto de los personajes que vemos y de los personajes que no vemos. Es una historia social de dolor y de libertad”.La puesta en escena pone el foco de atención en el cuerpo de la mujer amenazado por los hombres. Alfredo Sanzol expresa que «hay toda una realidad en off machista y brutal que pone en peligro la integridad física de las mujeres. Por eso Bernarda busca defender a sus hijas pero lo hace de una manera autoritaria. Esto provoca el conflicto con Adela, que representa una nueva generación conectada con la naturaleza y lo orgánico, que pone en cuestión las normas y ese sistema patriarcal queriendo vivir. Se trata del enfrentamiento entre la norma y la vida lo que da a La casa de Bernarda Alba su actualidad» Una revisión de la obra que reduce la interpretación que le dio Lorca.

El Golem J. Mayorga

Texto Juan Mayorga, Dirección Alfredo Sanzol Reparto: Elena González (Salinas) Elías González (Ismael), Vicky Luengo (Felicia)

El sistema de sanidad pública colapsa. Como muchos otros pacientes en todo el país, Ismael, que sufre una rara enfermedad, está a punto de verse obligado a abandonar el hospital en que lo han venido tratando.

Sucede entonces que Felicia, su esposa, recibe de Salinas, empleada del hospital, una inesperada propuesta: Ismael conservará su cama y seguirá recibiendo tratamiento si ella memoriza un texto. Parece, en principio, una tarea sencilla de cumplir: memorizar en orden unas cuantas palabras. Sin embargo, día a día, Felicia percibirá que, conforme haga suyas las palabras de ese texto, que no sabe quién escribió, algo dentro de ella ―en sus sueños, en su memoria, en su imaginación; también en su cuerpo y en su voluntad― se irá transformando.

"Esta historia habla del poder que tienen las palabras para construir lo que somos. En un momento de la historia en el que la capacidad de hacer circular las palabras se ha multiplicado de manera nunca antes conocida, también se ha multiplicado la capacidad de usar las palabras para mentir, destruir, deformar y manipular. Nunca como ahora habíamos sufrido el poder descontrolado de la palabra, y esta obra cuenta una historia que nos hace conscientes de algo que pasamos por alto: somos lo que decimos, somos lo que leemos, somos lo que aprendemos."Alfredo Sanzol

 

El bar que se tragó a todos los españoles

Texto y dirección Alfredo Sanzol. Escenografía y vestuario Alejandro Andújar Reparto Francesco Carril, Elena González, Natalia Huarte, David Lorente, Nuria Mencía, Jesús Noguero, Albert Ribalta, Jimmy Roca  y  Camila Viyuela.

El Bar que se tragó a todos los españoles cuenta la historia de Jorge Arizmendi,  un cura navarro que en 1963, con treinta y tres años, decide cambiar de vida, dejar el sacerdocio, y viajar a Estados Unidos para aprender inglés y marketing. El lugar en el que aterriza se llama Orange, en el estado de Tejas. Allí una congregación de padres escolapios le ayuda a encontrar trabajo como vendedor de aspiradoras. Uno de los lugares que visita es un rancho en el que vive un matrimonio que ha sufrido recientemente el fallecimiento de un hijo. Este hijo era físicamente igual que Jorge, hasta el punto de que los rancheros al ver a Jorge creen estar viendo a su hijo, y le hacen la siguiente propuesta: “Si te quedas a vivir con nosotros, cuando muramos, este rancho será tuyo”. 

“Esta historia está inspirada en las aventuras de mi padre; fue cura y nunca llegué a hablar con él del tema. De alguna manera esta función quiere restituir ese silencio. Es un homenaje a la fuerza y a la valentía que tuvo para darse a sí mismo una segunda oportunidad”.

Obra coral, los actores representan a más de 50 personajes y se mueven en varios lugares. la obra dura tres hiras, hay números musicales, hay ironia, hay denuncia a una sociedad, la de los años 60 en las que dejar de ser cura era tema arduo y tabú.

Buena interpretación coral.

Macbeth Sanzol

Texto: William Shakespeare. Versión: José Luis Collado. Diseño de puesta en escena: Gerardo Vera. Dirección: Alfredo Sanzol. Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar. Iluminación: Juan Gómez-Cornejo. Música y espacio sonoro: Alberto Granados Reguilón. Videoescena: Álvaro Luna. Intérpretes: Alejandro Chaparro, Carlos Hipólito, Jorge Kent, Fran Leal, Borja Luna, Markos Marín, Marta Poveda, Álvaro Quintana, Agus Ruiz, Chema Ruiz, Mapi Sagaseta y Fernando Sainz de la Maza. Teatro María Guerrero.

Destaca la escenografía apabullante de Alejandro Andújar, unas colecciones de lamas gigantes, como si nos situáramos a la sombra de un bajel que sube y baja avanzando hacia la platea. Un inicio que impresiona, buena interpretación en especial Carlos Hipólito y Jorge Kent.

 

Luces de Bohemia Valle Inclán

2h15 sin descanso Dirección Alfredo Sanzol Reparto: Chema Adeva (Don Latino), Juan Codina (Max estrella), Jorge Bedoya, Josean Bengoetxea, Paloma Córdoba, Lourdes García, Paula Iwasaki, Jorge Kent, Ascen López, Jesús Noguero, Paco Ochoa, Natalie Pinot, Gon Ramos, Angel Ruíz, kevin de la Rosa, Guillermo Serrano.

"La belleza de Luces de bohemia es la lucha por la dignidad, por edificar una obra a partir del desastre, de la descomposición, de la hipocresía, de la miseria, de lo precario. Luces es una creación que se levanta digna y entera, que no se rinde ni se resigna, que no se duerme. Es una obra que da testimonio, que acepta los límites y los usa para transcenderlos. No adula. Ni castiga. Es empática y es sarcástica. Es humor violento y tierno. La acción de Luces es el intento agónico de salvar la dignidad de sus personajes. De dar forma a un desastre informe, de ordenar con la risa un caos pedante y autoritario, miserable de dineros, de valores y de visiones. Luces nos ayuda a ver la forma que tienen los pesos que nos siguen hundiendo. Apunta hacia la vergüenza y la transforma en un logro literario, artístico, teatral. A la realidad de Luces nos gustaría ponerle encima la tela del olvido, pero Valle la levanta para convertirla en telón: Que comience el espectáculo".

Max Estrella, en la última noche de su vida, recorre un Madrid en el que confluyen los grandes conflictos de la España de la época, encarnados en los personajes con los que se va cruzando: obreros revolucionarios, políticos corruptos, periodistas serviles, bohemios borrachos, poetas modernistas. Todos ellos deformados por la mirada valleinclanesca, el espejo cóncavo, el esperpento que deja al descubierto la miseria.
En escena deambulan dos grandes espejos, como si fueran simples muros de fachadas inexistentes.Faltan sin embargo los espejos cóncavos del callejón del Gato. Lo mejor el elenco, Chema Adeva y Juan Codino, pero también Paula Iwasaki (la fulana Pisabien) y Jesús Noguero (borracho de «cráneo previlegiado» el sereno tullido de Jorge Kent.