Buen Gobierno. Sandra Gamarra Heshiki

De nacionalidad peruana y española Sandra Gamarra Heshiki cuestiona los órdenes establecidos en el imaginario de la sociedad española y peruana con respecto a los momentos en los que ambas historias se cruzan.  El título "Buen Gobierno" tiene su origen en el manuscrito Primera Crónica y Buen Gobierno firmado en 1615 por Felipe Guamán Poma de Ayala, natural de la actual Ayacucho, en el que retrata la realidad andina colonial y solicita al rey de España, Felipe III, una reforma del gobierno virreinal para salvar al pueblo andino de la explotación, las enfermedades y las mezclas raciales, como sinónimo de la desaparición de la cultura autóctona.

Gamarra señala cómo el origen de las naciones latinoamericanas está ligado al propio nacimiento de España, y cómo una mirada crítica sobre el buen gobierno de estos dos legados es la clave para construir otras formas de convivencia. Partiendo de la pintura como relatora de la historia, la exposición comienza en la primera sala con cuadros de corte historicista y dispuestos a manera de espejo, como si este espacio se reflejara de un lado a otro, contando cada uno la misma historia de manera diferente. En esta exposición tienen cabida otras propuestas artísticas como la serie de Pinturas de mestizaje del siglo XVIII, muy probablemente de Cristóbal Lozano, o de artistas contemporáneos (Tablas de Sarhua, Primitivo Evanán Poma, Valeriana Evanán Vivanco, Sixto Seguil Dorregaray,..) que evidencian la carga colonial que desde el imaginario pictórico y artístico se ha impuesto en los modos de ver y en las prácticas culturales occidentales.

Cosas vivas M. Hachemi

El día que conocí a mi amigo G me contó que de niño había elaborado una teoría sobre el relato que lo ha acompañado toda la vida. Nadie se sorprenderá al leer que los cuentos cumplen una función clasificadora, que imponen sobre lo real un orden o una jerarquía. Lo real sin embargo es un territorio salvaje, una selva o un desierto, un lugar del que no se puede hacer un mapa. Cada vez que lo salvaje se interponia en su vida mi amigo G contaba algo, una historia, la que fuera, no importa, cualquier cosa. Sus padres discutían a gritos en su casa y él se lanzaba a hablar de que la chica que le gustaba se había tropezado en clase, de que el panadero le había dado mal el cambio o d cualquier cosa, nada que ver.

Sobre amistad, viajes iniciáticos, literatura, precariedad laboral, veganismo, solidaridad. Hachemi refleja su propia experiencia como jornalero del horror de la industria alimentaria. El libro se abre con Munir y tres amigos viajando en coche hacia el sur de Francia, donde pretenden curtirse como jornaleros en la vendimia veraniega. Son jóvenes, y este va a ser su primer trabajo. Tienen ganas de quitarse de encima la piel de la adolescencia y lucir el pelaje de hombre, de jornalero, de macho. Todos tienen ínfulas más o menos artísticas, y quieren curtirse en la vida, ganar experiencia, sacarse un sueldo mínimo… Empezar a vivir.

Pero, al llegar a su destino, Aire sur l’Adour, resulta que no hay vendimia en la que trabajar. Aunque, por suerte, hay otras opciones… Los cuatro chavales no tardan en descubrir que esas otras opciones consisten en hacer las tareas que nadie quiere hacer dentro de la industria alimentaria, ya sea con animales o con plantas. Primero, la duda. Después, la desazón. Al final, el asco.

Fue la mano de Dios P. Sorrentino

2021 Italia Drama Biográfico 130min Guión y Director Paolo Sorrentino Fotografía Daria D'Antonio Reparto Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri.

Relato autobiográfico donde comparte con sensibilidad y sinceridad pasajes alegres y otros trágicos de su propia vida. Su crianza en una típica familia napolitana estuvo llena de vida pero también marcada por la muerte. Claramente autoidentificado con el personaje principal de su película, nos narra su historia personal y familiar. Paolo guioniza su alter ego en el adolescente Fabietto Schisa, los padres del director también fueron director de banco y ama de casa como los encarnados por su actor preferido Toni Servillo y por Luisa Ranieri. En su vida real también se quedó huérfano a los 17 años cuando sus padres fallecieron accidentalmente por una fuga de gas, igual que el personaje Fabietto. La película refleja muy bien el carácter vitalista napolitano, su vida bullangera y ruidosa, la gran importancia de la gran familia y la pasión por el futbol encarnado en aquel Maradona que finalmente jugó en el Nápoles.

El lunes nos querrán N. El Hachmi

Lunes, lunes, lunes...El lunes seremos otras. El lunes nos querrán. No pararemos. Correremos por caminos del polvo y fango, saltaremos hasta tocar el techo de nuestras habitaciones, venceremos el hambre que atenaza nuestros vientres, dominaremos nuestros instistos más primarios. Seremos fuertes: nuestra voluntad será de hierro.

El lunes empezaremos una nueva vida, seremos como tenemos que ser y no como somos. Nos adaptaremos a la forma adecuada, meteremos a la fuerza nuestras carnes dentro del molde correcto, tiraremos a la basura lo que sobre y así tendremos éxito, un éxito seguro y definitivo. Obedeceremos a pies juntillas todas las normas, nos comportaremos como es debido y haremos todos los deberes: los que nos han impuesto y los que nos hemos inventado nosotras mismas para ser incluso mejores de lo que nos piden.

La novela es  una larga carta que la joven ya adulta, dirige a su mejor amiga, otra hija de inmigrantes a la que conoció en la adolescencia y que le abrió un mundo nuevo porque era más desinhibida que ella y pertenecía a una familia de costumbres más relajadas. Con esa fórmula epistolar, va desarrollándose todo el material narrativo del libro y desplegándose la historia de esas dos mujeres. No estamos ante una fría enumeración de injusticias abstractas sino ante una novela en todo el sentido del término, que convierte en sutilmente eficaz la denuncia de estas a través de la narración y la descripción de lo cotidiano. Las formas de dominio que sufren esas mujeres le suenan al lector a verdad porque no le resultan del todo ajenas a su cultura sino genuinamente reconocibles.  A poco que mire al pasado de nuestro país, ese lector reconoce como menos lejanos de lo que quisiera a esos padres que prohíben a la hija que estudie, se maquille, salga a la calle, trabaje, suba al coche de un hombre y elija al chico con el que casarse o perder la virginidad.

A lo largo de 300 páginas, el texto, que también se muestra crítico con la sociedad occidental, deja ver cómo las dos amigas pagan un caro precio por su independencia y cómo viven duramente la experiencia del matrimonio, de la maternidad o de la ruptura con un entorno familiar y religioso cada vez más fanatizado; cómo la ilusión por ser libres y por la llegada de ese «lunes en el que sean queridas» se mezcla con la sombra de esa culpa que las hace más contradictorias, más reales y más humanas.

Alfonso el Africano

Texto: Chiqui Carabante, Font García, Vito Sanz y Juan Vinuesa Dramaturgia y dirección: Chiqui Carabante Reparto: Font García, Juanfra Juárez, Pablo Peña (músico en directo) y Vito Sanz Escenografía: Walter Arias

El maestro de ceremonias da la bienvenida al público con una canción picante. Va vestido con un traje de pantalón corto y calcetines con ligueros a la vista. Terminada su coplilla, el presentador da paso al primer número del espectáculo: el ventrílocuo Gerardo aparece con una muñeca de pelo rubio angelical que resulta ser una princesa deslenguada —al estilo de los personajes de José Luis Moreno o Mari Carmen— que habla de su “abuela Sofía” y de los chistes verdes que le contaba su abuelo después de sus discursos de Navidad, antes de que este tuviera que abdicar y marcharse de España, lo que le trae a la memoria a otro antepasado que también tuvo que renunciar al trono y exiliarse, su tatarabuelo Alfonso XIII, que además tuvo la particularidad de ser el primer productor de cine porno del país. En ese momento, el show da un salto atrás en el tiempo para repasar las singulares aventuras sicalípticas del tatarabuelo.

Irreverente y divertida, la obra continúa en el mismo tono hasta el final, pues aunque el grueso de la trama se centra en la historia de Alfonso XIII, que pasó a la historia como Alfonso el Africano por su destacado papel en la guerra del Rif, el espectáculo traza un claro paralelismo entre aquel monarca y su nieto Juan Carlos I, subrayando rasgos de la personalidad del abuelo que resuenan en su sucesor: su renuncia al trono en 1931 por la proclamación de la Segunda República y su posterior salida del país para vivir un exilio dorado en hoteles de lujo gracias al dinero que había acumulado en bancos extranjeros. Su afición por la caza. Sus amantes.

 

Simón M. Otero

Parece mentira que con la cantidad de gente que cree tener la razón en el mismo momento y en todos los bares del planeta, el mundo no sea un lugar inmune a la enfermedad, ajeno a la desgracia, libre de infelices, plagado de maravillas. Que con los millones d epersonas que se enzarzan ahora mismo en la discusión más crucial, ovilladas en principios intocables y girando llaves mágicas, todo sea tan precario, tan relativo.

Como sería muy osado intentar entender el mundo, el gran problema, quizás habrá que ceñirse a la observación del lugar donde se formulan las soluciones. Averiguar qué sucede en uno de estos bares. Simón Rico, a sus ocho años, no recordaba haber entrado en éste por primera vez y tampoco se imaginaba saliendo jamás de él para siempre.

Simón es una novela de todo, aborda todos los temas clásicos de un tour de force, una novela romántica, una novela de aventuras, un relato comprometido, o incluso, como propone Nadal Suau, una novela de la globalización, «con sus personajes viajeros y su cuidada reflexión en torno al modo en que el dinero, los productos y las desigualdades cruzan océanos para servirse en pulcras mesas de todo el mundo». El propio Miqui Otero se marca este reto, “el que sea una novela larga es porque intenta explicar muchos temas y sospecho que viene de una inquietud por estar un poco cansado de la proclama breve, de lo unívoco, y una novela te permite ver las contradicciones”.

Numancia Cervantes

Dirección y dramaturgia  Ana Zamora, Escenografía  Cecilia Molano. Reparto José Luis Alcobendas, Alfonso Barreno,  Javier Carramiñana, Javier Lara, Eduardo Mayo, Alejandro Saá. Irene Serrano, Isabel Zamora. 

La obra cuenta con la dirección musical de Alicia Lázaro, quien explica que han construido la música de este montaje «que bebe de las fuentes renacentistas, de los cancioneros españoles y los madrigales italianos, de Tomás Luis de Victoria y del Liber Usualis, de las danzas populares y las escenas carnavalescas, de los antiguos romances y del trágico cromatismo de Gesualdo. Sin olvidar el homenaje a Mª Teresa León, que en el Madrid republicano y cercado encarnó esa “Triste España sin ventura” en la versión que Rafael Alberti puso en pie en el Teatro de la Zarzuela en 1937». En palabras de Ana Zamora: «Trabajar sobre la tragedia renacentista, supone hacer un ejercicio de abandono absoluto de nuestros referentes escénicos psicologistas, que nos arrastran ineludiblemente hacia el drama, hijo de nuestra sociedad burguesa contemporánea. Nuestro acercamiento a la Numancia pasa por entender la obra en esa característica construcción del género trágico, que fusiona la violencia con el debate verbal estilizado, enmarcada en las dualidades naturaleza / cultura, barbarie / civilización. La embriaguez de los ritos dionisíacos, al servicio de la vida comunitaria reglada como acto de comunión imprescindible en la constitución de la convivencia democrática. Nuestra propuesta tenía que tener, por tanto, algo de gran carnaval rural, heredero de los ritos que celebran la circular concepción de la existencia marcada según el ciclo agrario. Espiritualidad y política van de la mano en un universo donde los diferentes estratos históricos se dan la mano, y sustentan la delicada frontera entre los tiempos y las realidades humanas, en el que realizar nuestra propia libertad es siempre un acto de heroísmo.

La máquina Magritte

La exposición es la primera retrospectiva de René Magritte (1898-1967) que se celebra en Madrid desde la que le dedicó la Fundación Juan March en 1989.‘La máquina Magritte’ con la que el comisario inicia su ensayo: «Una máquina universal para hacer cuadros [que con] un manejo muy simple, al alcance de todos, permite componer un número prácticamente ilimitado de cuadros pensantes», reza el texto que el artista firmó junto a sus amigos Colinet, Mariën (quien luego le criticaría), Nougué y Scutenaire en 1950.

«Cuadros pensantes» porque tratan de la propia pintura; cuadros dentro del cuadro que son, como razona Solana, metapintura: «Sus preocupaciones metapictóricas se centran en los mecanismos de representación y de significación, introduciendo en ellos la paradoja para boicotear nuestra fe automática en su identificación con la realidad»

La muestra se divide en las siguientes secciones: (1) Los poderes del mago (2) Imagen y palabra (3) Figura y fondo (4) Cuadro y ventana (5) Rostro y máscara (6) Mimetismo y (7) Megalomanía. Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del museo, la muestra reúne más de 90 pinturas.

75 cuentos sufíes

Los tres consejos

Un hombre cogió un pájaro por medio de un cepo; el pájaro le dijo: "Noble señor, has comido muchos bueyes y corderos, has sacrificado innumerables camellos; y nunca has quedado saciado: tampoco lo vas a quedar conmigo. Déjame ir, que pueda darte tres consejos, a fin de que veas si soy sabio o estúpido. El primer consejo te lo diré posado en tu mano, el segundo en tu tejado y el tercero en un árbol. Déjame partir,  pues estos tres consejos te traerán la prosperidad.

Los maestros sufíes utilizaron en sus enseñanzas muchos de estos cuentos, en ellos está siempre presente un simbolismo que revela una verdad útil para el discípulo, podemos considerarlos como relatos simbólicos que ofrecen al pensamiento materia de reflexión. Eva de Vitray Meyerovitch, gran conocedora de la literatura en lengua árabe ha reunido una colección de cuentos y apólogos muy representativa.

 

Vivian Suter

En el Palacio de Velázquez la muestra reúne cerca de 500 pinturas, desde algunas de sus grandes obras sobre papel de la década de 1980 hasta telas realizadas en los últimos meses. Entre las infinitas telas que cuelgan de las paredes, encontramos mensajes cifrados como: “nuestro mundo solo es mera sombra de otro, un acertijo insondable”. La muestra no sigue en ningún momento un orden cronológico, pues la artista no pone ni fecha ni título a ninguna de sus creaciones. Lo único que ha hecho Vivian es colocar las pinturas más antiguas en el ala izquierda del palacio, hechas sobre papel, abigarradas de pintura, totalmente distintas y que contrastan con el resto de obras.

Kidlat Tahimik Magallanes, Marilyn, Mickey y fray Dámaso. 500 años de conquistadores RockStars

Parque del Retiro, Palacio de Cristal grandes instalaciones plásticas interdisciplinares que evidencian constantes sinergias y transferencias con su trabajo cinematográfico. Aparentemente caóticas y sin un orden establecido, recuerdan a las narrativas de sus películas que en ocasiones no tienen guion o bien se antojan como relatos abiertos en continua revisión. Resuelve sus instalaciones de manera dinámica a medida que evolucionan las circunstancias y la interpretación del receptor. Asimismo, recurre siempre a materiales y artesanos locales ajenos a los estándares y a las prácticas del ecosistema del arte, del mismo modo que rehúye colaborar con actores profesionales en su trabajo audiovisual.

La narrativa y la imaginería desplegada en el trabajo de Tahimik vincula la globalización con la violencia colonial. Tahimik reflexiona sobre el impacto del colonialismo en las culturas locales. El artista despliega un gran escenario épico entre la resistencia indígena filipina y la contaminación de las culturas imperialistas importadas del continente europeo y de Norteamérica.

 

 

Panza de burro A. Abreu

Como un gato. Isora vomitaba como un gato. Jucujucujucu y el vómito se precipitaba dentro d ela taza del váter para ser absorbido por la inmensidad del subsuelo de la isla. Lo hacía dos, tres, cuatro veces por semana. Me decía me duele un montón aquí, y se señalaba el centro del tronco, justo en el estómago, con su dedo gordo y moreno, con su uña chasquillada como por una cabra, y vomitaba como quien se lava los dientes. Jalaba del agua, bajaba la tapa y con la manga del suéter, un suéter casi siempre blanco con un estampado de sandías con pepitas negras, se secaba los labios y continuaba. Ella siempre continuaba.

Primera novela. Corta. Dos niñas preadolescentes en un pueblo obrero de Tenerife, su día a día en vacaciones, allá por el año 2000-2005. Narra la pequeña, la más tímida e infantil, admiradora de su amiga Isora. Sus callejeos, ir al cíber, tirar piedras a los perros, vestirse de mayores y maquillarse, bañarse en el canal, sus inicios en la masturbación y las experiencias casi infantiles de relación homo y heterosexual. Original en la forma, apenas puntuación y la lengua oral tinerfeña. 

La imagen humana

Un viaje a través del tiempo y de las culturas, un recorrido que no distingue ni épocas ni fronteras para mostrar un tema universal: cómo el ser humano se ha representado y se representa a sí mismo.  La muestra ofrece un recorrido apasionante por uno de los grandes temas –quizás el más recurrente– del arte figurativo: el ser humano. Las obras icónicas de civilizaciones antiguas del British Museum se combinan con una selección de obras de arte contemporáneo de la Colección de la Fundación ”la Caixa” y con algunos préstamos importantes de otras instituciones como el Museo del Prado. En un mismo espacio se yuxtaponen piezas de épocas, temáticas y culturas absolutamente diversas.  En todos los rincones del mundo, las personas han creado constantemente representaciones de sí mismas. Muchas de estas representaciones contienen un simbolismo complejo; otras nos remiten a la belleza y al misterio del cuerpo humano, a través de distintas vías, desde la más profunda estilización hasta el hiperrealismo. 

 

Le sel de tous les oublis Y.Khadra

 -Voilà toute l'histoire. Elle se tut.  Comme un vent qui s'arrête subitement de souffler dans les arbres. Mais Adem Naït-Gacem continuait d'entendre la voix de sa femme qui cognait sourdement à ses tempes, tel un pendule contre un rempart. Pourtant, tout venait de s'évanouir autour d'eux: le jappement des chiens, la brise empêtrée dans les plis du rideau, le crissement d'une charrette en train de s'éloigner. Puis le silence.

Le terrible silence qui s'abat lorsque l'on réalise l'ampleur des dégàts. pendant longtemps, Adem demeura assommé. Le souffle coupé. le coeur dans une tenaille. Il avait écouté Dalal du début à la fin. Sans l'interrompre une seule fois. Quén avait-il retenu? Quelques bibes qui d´flagraient en lui, lointaines et confuses, deux ou trois mots insoutenables que son esprit rejetait comme des corps étrangers.

Le titre poétique du livre Le sel de tous les oublis renvoie à un vieux poème qui fait plutôt la promotion de la fuite en avant : «  Ne t’arrête surtout pas/Et confie ce que tu cherches/A la foulée de tes pas ». Le sel de l’oubli évoquant ce qui reste des larmes quand on a beaucoup pleuré : « marche sur le sel de tous lesoublis ».

El día de la lechuza L. Sciascia

El autobús estaba a punto de arrancar, retumbaba sordamente entre repentinos carraspeos y sollozoz. La plaza estaba silenciosa en el gris del alba, hilachas de niebla entre los campanarios de la Matrice: sólo el retumbar del autobús y la voz, implorante e irónica, del vendedor de tortas, "tortas calientes, tortas". El cobrador cerró la puerta, el autobús arrancó con un fragor de chatarra. El último vistazo que el cobrador echó a la plaza captó al hombre vestido de oscuro que llegaba corriendo; el cobrador le dijo al conductor "un momento" y abrió la puerta con el autobús todavía en marcha. Se oyeron dos disparos desgarrados: el hombre vestido de oscuro, justo cuando iba a saltar al estribo, quedó suspendido por un instante, como si una mano invisible le tirase del pelo; se le cayó la cartera de la mao y, lentamente, sobre la cartera se desplomó.

El capitán Bellodi es natural de Parma, el norte de Italia, y se esfuerza por comprender la mentalidad de los sicilianos y su enigmático dialecto. Gracias a su habilidad e inteligencia consigue que se produzcan algunas delaciones y se abran así pequeñas grietas en una organización sólida como una roca. Sin embargo, al tirar del hilo, Bellodi chocará con personas demasiado “importantes” dispuestas a enterrar el caso en el olvido y a quitarse de encima la presencia de ese molesto carabinero que se toma su trabajo demasiado en serio.

Alfonso. Cuidado con la memoria

La exposición "Cuidado con la memoria" esta dedicada a la firma fotográfica Alfonso, autora de la memoria visual del dinámico, convulso y trágico siglo XX español.

La firma Alfonso nace como Agencia de Información Gráfica de Prensa en 1915, un empeño  del patriarca, Alfonso Sánchez García, quien supo aprovechar el talento de su hijo mayor, Alfonso Sánchez Portela que, con el resto de la familia y otros colaboradores, dominaron,  impulsaron y renovaron la fotografía de prensa en la primera mitad del siglo XX en España.A Alfonso padre se le debe la ingeniería de la empresa, en un momento de gran avidez por las imágenes, desencadenado por el gran protagonismo de las revistas gráficas de prensa. La excelencia técnica de Alfonso padre fue heredada por su hijo, a la que añadió una audacia nueva en los contenidos periodísticos y una excelencia compositiva que identificó siempre a la firma. Ante el estallido de la Guerra Civil, se alineó profesionalmente con la causa republicana. Como testigo de su tiempo cubrió el conflicto, centrando su trabajo en las consecuencias de la guerra en su ciudad de Madrid.

Tras la victoria de Franco, los Alfonso fueron condenados al ostracismo profesional por su significación y colaboración con la prensa republicana. Obligados por esta circunstancia, Alfonso se centró en el retrato de estudio, fotografiando a todos los protagonistas de la vida cultural, social y política del siglo XX, incluyendo también a los mismos artífices de esa condena, atraídos por la fama y el buen hacer de la firma.

En este sentido, el 30 de julio de 1942, el diario El Alcázar les señaló en una columna sin firma titulada “Cuidado con la memoria”. En ella se aludía al silencio y discreción con el que debía trabajar la firma, privada ahora de los permisos para ejercer el fotoperiodismo con el fin de evitar “provocar a los que tienen memoria, ofensas que perdonar y agravios que vencer”. A este artículo, y a la memoria como constructora del pasado hace referencia el título de esta exposición, un recorrido antológico por una selección de más de 100 imágenes de diferentes épocas de la firma Alfonso.

 

Manual de fotografía de calle D. Gibson

La fotografía de calle existe desde que se inventaron las primeras cámaras y ha dado lugar a algunas de las imágenes más conmovedoras de nuestra época. Aprenda a observar y a reconocer el proceso de creación de la fotografía de calle. Inspírese en algunos de los mejores fotógrafos de calle del mundo y anímese a crear sus propias imágenes memorables. Las últimas tecnologías, desde el teléfono móvil con cámara hasta objetivos especializados y el zoom digital, han proporcionado a este género fotográfico un nuevo horizonte de posibilidades. Este libro conduce al lector a través de toda una serie de talleres ilustrados sobre temas diversos, como, por ejemplo, cómo fotografiar una cara en medio de una multitud o cómo entrenar la vista para observar y captar lo inesperado.   Deambular sin nada concreto que fotografiar en mente puede parecer extraño, pero cuando esa magia aparece se convierte en el acto más natural y bello.

Acerca de la manipulación electrónica , Elliot Erwitt opina que "socava la esencia de la fotografía, que se basa en la observación y no en la manipulación de imágenes".

Clifford. Vistas del Madrid de Isabel II

La Fundación Canal presenta una exposición dedicada a la obra de uno de los pioneros en la fotografía Charles Clifford (1820-1863) Está compuesta por una selección de casi un centenar de imágenes articuladas en cuatro secciones: Los placeres de la fotografía, El viejo y el nuevo Madrid, Al servicio de la monarquía y La construcción del Canal de Isabel II: una obra digna de romanos. La exposición permitirá conocer el Madrid de antes de la llegada del agua, un Madrid muy diferente al que conocemos actualmente y al que la obra de ingeniería más ambiciosa en su época logró abrirle, con casi un siglo de retraso, las puertas de la modernidad.

A través de ellas muestra una realidad poco conocida de Madrid a mediados del siglo XIX, así como uno de los reportajes realizados por Clifford sobre grandes obras públicas de la época, en concreto, la construcción del Canal de Isabel II y el abastecimiento de agua a Madrid.

En los primeros años Clifford utilizó la técnica fotográfica del daguerrotipo, hasta febrero de 1852 en que ya empleó la técnica del calotipo.​ En 1856 abandona el calotipo en favor de las placas de vidrio al colodión húmedo, que daban mucha mayor nitidez.

Video de presentación del comisario

 

Josefina J. Marco

2021 España, Drama 90min  Director Javier Marco Guión Belén Sánchez-Arévalo Con  Roberto Alamo, Emma Suárez, Miguel bernardeau, Manolo Soto, Pedro Casablanc, Olivia Delcán, Belén Ponce de León, María Algora.

Josefina  narra la historia de Juan, un funcionario de prisiones que observa a través de las cámaras a Berta, la madre de un preso. Este proceso a la intimidad de dos desconocidos se llevará a cabo en el autobús, tras un breve encuentro propiciado por Juan, quién se inventará que dentro de la cárcel está su hija Josefina. Una película en la que a través de la compañía y el silencio dos almas curan las heridas provocadas por la soledad. Javier Marco pone foco en las personas solitarias y decadentes que conviven con la soledad y el silencio a diario. La obra muestra dos sujetos que se conceden una segunda oportunidad tratando de ayudarse a solventar sus problemas. Todo ello está enmarcado en una esfera de declive en la que lo viejo se repara y lo nuevo no sirve para nada, con entornos llenos de recuerdos y viejas costumbres. Rítmo pausado y misterios sin resolver. Recomendable.

 

Para acabar con Eddy Bellegueule P. Carter

Pamela Carter, a partir de la novela de Édouard Louis    Dirección: José Luis Arellano García  Producción: Fundación Teatro Joven  Duración aproximada: 100 min Con Julio Montañana Hidalgo, Raúl Pulido.

 Édouard Louis y Eddy Bellegueule son la misma persona y no lo son. Para acabar con Eddy es la historia de una transformación, la del niño peculiar que tiene que sobrevivir en el entorno de violencia, machismo, pobreza, homofobia y alcoholismo en el que tiene la mala suerte de nacer. El niño sensible e inquieto que debe ocultar su verdadero yo para intentar ser aceptado. El adolescente que se desvive por parecer un hombre de verdad para esquivar así el destino de abusos y humillaciones al que parece condenado. Pero es Édouard quien, con una honestidad descarnada y luminosa, nos cuenta la historia de Eddy, de su sufrimiento y de su liberación cuando por fin consigue huir de ese entorno opresor. Porque el final de Eddy Bellegueule es el principio de Édouard Louis, uno de los escritores más brillantes de su generación.

La adaptación de Pamela Carter es una traición al fundamento de la novela por diversas razones. La primera, porque ha convertido su texto en un picadito de narraciones, donde apenas encontramos personajes que se desarrollen y que trasladen al espectador unas vivencias tan lacerantes. Se cuenta mucho, pero se dramatiza poco. Por otra parte, se ha centrado en exceso en las cuestiones referidas a la homosexualidad de Eddy. Entre los actores,  Raúl Pulido y Julio Montañana Hidalgo se nota el buen rollo amistoso, ambos le ponen entusiasmo y frescura. Mucho público masculino adolescente.

Michael Schmidt Fotografías 1965-2014

El Museo Reina Sofía acoge la primera retrospectiva de Michael Schmidt (Berlín, 1945-2014) tras su muerte. Su obra rastrea las huellas de la sociedad contemporánea, intercalando instantáneas del paisaje urbano y de sus habitantes. La trayectoria del artista, desarrollada a lo largo de cinco décadas, le convierte, junto a Bernd y Hilla Becher, en una de las figuras más influyentes de la fotografía alemana de posguerra.

Nacido al terminar la Segunda Guerra Mundial en Berlín Oriental, Schmidt escapa con su familia en 1955 a la zona occidental, donde fotografió los barrios de la ciudad con un estilo sobrio derivado de la tradición documental estadounidense. De formación autodidacta, comenzó a tomar fotografías en 1965, cuatro años después de que se levantara el Muro de Berlín. En 1976 participó en la fundación del Werkstatt für Photographie [Taller de fotografía], parte del centro de educación para adultos Volkshochschule de Kreuzberg, lugar que llegó a convertirse en foro de intercambio de prácticas y saberes entre fotógrafos europeos.

Sus proyectos y la relación de su trabajo fotográfico con su ciudad natal se inició con las series de los distritos de Berlin-Kreuzberg (1969-1973) o Berlin-Wedding (1976-1978) que, junto con Berlin nach 45 [Berlín tras el 45, fotografiada en 1980, pero solo publicada en 2005], poseen un carácter documental. En Waffenruhe [Tregua, 1985-1987] usa el medio como herramienta para la expresión subjetiva, dando lugar al psicodrama de una ciudad aún dividida, en plena Guerra Fría, que forma parte de una generación alemana “sin futuro”. La inmediatez expresionista de Waffenruhe deriva en un proyecto más denso, complejo y exigente, Ein-heit [U-ni-dad, 1989-1994], presentada en el MoMA de Nueva York en la primera exposición dedicada a un fotógrafo alemán en décadas.

La atenta mirada de Schmidt se alejó de la ciudad de Berlín en series como Frauen [Mujeres, 1997-1999] o Irgendwo [En algún lugar, 2001-2004], en torno al campo alemán, y viró hacia preocupaciones más globales en su último proyecto: la serie sobre comida Lebensmittel [Alimentos, 2006-2010] (literalmente, “medios para vivir”) con la que ganó reconocimiento internacional y que le llevó a viajar por Europa para fotografiar la industria alimentaria.

Schmidt aborda las series fotográficas teniendo en cuenta el medio en el que van a presentarse, pensándolas en conjunto a modo de instalaciones para el espacio expositivo, o en cuidados fotolibros a los que aporta su detallada visión artística. La exposición incluye alrededor de trescientos cincuenta retratos, paisajes, naturalezas muertas y vistas urbanas que, junto a maquetas de libros y material de archivo, presentan el conjunto de la producción artística del fotógrafo.

Aquitania E. Gª Sáenz de Urturi

 Burdeos, 1137

"Jamás renunciarán a subestimarte. Encárgate de que paguen por ello."

Esas fueron las últimas palabras que padre me dirigió antes de partir, oculto bajo su capa de peregrino. Ahora emisarios de mirada gacha afirmaban que había muerto frente al altar mayor de la catedral de Compostela, el mismo Viernes Santo, envenenado al beber de un pozo en mal estado. Como si el agua pudiera acabar con el gigante que fue. Como si no llevara siempre encima su piedra de carbón para absorber cualquier veneno, caminante curido en mil batallas y calamidades.

Nada más empezar a leer, se siente una descolocada por lo extraño del tono y estilo de la narración, un tanto confusa  y centrada en situaciones escabrosas. Después, la sensación de extrañeza se hace mayor, dado que la historia, contada por varios personajes alternos en primera persona o tercera, según conviene, no encaja mucho en la visión que tenemos del personaje de Leonor de Aquitania ni tampoco con la forma de pensar y actuar de la época. Un premio Planeta más, comercial y sin demasiada calidad literaria.

Colección Masaveu: pintura española del siglo XIX

La muestra se inicia con significativas obras de Mariano Salvador Maella, Francisco de Goya y Agustín Esteve, el corazón de la colección lo conforman algunas de las numerosas pinturas de Joaquín Sorolla. Así, el modernismo está encarnado en las figuras de Santiago Rusiñol, con cuatro pinturas representativas de todas sus épocas, Ramón Casas, con tres, y Hermen Anglada-Camarasa, con diez, lo que le convierte en el segundo artista con mayor número de obras en la colección.

Descubrí a Luis Menéndez-Pidal, un pintor con humor y su cuadro "Templo a Baco" del que no hay constancia en la red!

«Silencio», de Jaume Plensa, un relieve vertical de enormes dimensiones que representa el rostro inmaculado de una niña que se cubre la boca y cierra los ojos en actitud de silencio; creado a la vez que «Julia»,  bajo el mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson para la capital.

Acaban de estrenar en el sotano unas salas dedicadas al streetart, lienzos de Bansky, Haring, y artistas emergentes como Estudio Pedrita,  El Rey de la Ruina, Queen Andrea,  Juan Díaz-Faes...

Arte urbano enclaustrado, casi escondido y para élites, traicion? El capitalismo de todo saca ganancia. Casi todos son proyectos de encargo, otra incoherencia, sin duda dará de comer y bien a los artistas.

La Fundación tiene una magnífica coleccion de pintura, sobretodo, y las instalaciones son modernas. No dejan hacer fotos, mochila o bolso recogido delante. Ni siquiera se puede sacar un boligrafo para hacer una anotación, eso, y el que constantemente te sientas vigilado por los numerosos empleados, jovenes, rubios o morenos, uniformados, delgados, sonrientes, clonados, educadísimos... hace que el aire sea menos respirable.

El caballero y la muerte L.Sciascia

Cuando alzaba la vista de los papeles, y sobre todo cuando apoyaba la cabeza contra el borde del alto y duro respaldo, lo veía con nitidez, en todos los detalles, en todos los signos, como si su mirada se hubiera vuelto sutil y puntiaguda y el dibujo renaciese con la misma precisión y meticulosidad con que, en el año 1513, lo grabara Alberto Durero. Lo había comprado, hacía muchos años, en una subasta, por ese repentino e irreflexivo deseo de posesión que a veces lo asaltaba frente a un cuadro, un grabado o un libro.

Novela que con base en un grabado de Durero “El caballero, la muerte y el diablo” realiza un fina crítica de la sociedad siciliana y por extensión italiana u occidental. Línea a línea va goteando el amargo escepticismo de un hombre comprometido con su entorno, enfrentado siempre al poder, pero que finalmente parece rendirse a la triste pero contundente  evidencia resumida en una sola frase, para que quiere el diablo molestarse y trabajar  si ya está el hombre.

El buen patrón F. León de Aranoa

2021 España 120 min Música Zeltia Montes, Fotografía Pau Esteve Birba Guión y dirección Fernando León de Aranoa Comedia negra  Intérpretes: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo, Martín Páez y Yael Belicha 

El buen patrón sigue durante una semana a Blanco, empresario en el sector de las balanzas industriales que quiere preparar su fábrica para una inspección en la que se juega un premio a la excelencia empresarial. Los problemas se le acumulan precisamente en los días en que todo debe estar perfecto, por lo que echa mano de contactos, malas prácticas y triquiñuelas varias para intentar tapar cualquier mancha sobre lo que él considera una gestión impecable. Los tejemanejes de Blanco van desde el paternalismo irritante e hipócrita en el día a día hasta la corrupción o el soborno más o menos directos. Con el personaje de Javier Bardem como guía se acaba llevando palos todo el mundo: los medios de comunicación -y encima la aceptación de la corruptela ni se muestra, se da por supuesta-, el poder político, la inspección de trabajo, los jefes intermedios y hasta los sindicatos por omisión. Más que pesimismo antropológico, es una especie de resignación disfrutona.

La metáfora de la balanza como equilibrio y como justicia es uno de los leit motiv de la película en la que queda claro que al final vivimos en un mundo de apariencias en el que lo importante no es tanto que prevalezca una buena calibración que nos acerque a un resultado preciso y claro, sino más bien ese resultado... vamos, que el fin justifica los medios. Película redonda, Bardem sublime.

Fuenteovejuna Historia de un maltrato M. Morena

Una producción de la compañías Jóvenes Clásicos (Málaga) y La Morena (Uruguay) Duración: 65min Dirección: Marianella Morena  Reparto: Mané Pérez – Laurencia; José Luis Torrijo – Esteban; Cris Iglesias – Frondoso; José Carlos Cuevas – Fuente; Carmen Baquero – Pascuala.

El mundo adentro del super, el jefe adentro del empleado, los personajes adentro de los estantes, la comida adentro de la caja,  Lope adentro de la palabra.  Un grupo de empleados de un super están  mimetizados con los productos, pero no encuentran la forma de revertirlo. Laurencia se queja que tiene que portar un nombre de alguien valiente cuando ella no lo es, su padre, Esteban, ensaya eternamente el discurso para enfrentar a su jerarca, Pascuala  se evade con las series, y Frondoso que es una chica,   propone el cambio cultural desde el género fluido. Fuente(el gerente) plantea como estrategia de marketing para subir las ventas un espacio que denomina: micrófono abierto, donde su personal favorito representará  escenas de clásicos, Fuenteovejuna es la primera obra elegida. Ellos empiezan a ensayar en los descansos, hasta que la letra original les da las indicaciones sobre cómo se resuelven los siglos de maltrato.

Lope nos presta la palabra y no tenemos que devolvérsela, es el mejor concepto económico sobre préstamos, es de él y puede ser mía, y estar en mi boca, es de él, pero la vivo y la siento yo.

El poeta que rugió a la luna y se convirtió en tigre. A. Nakajima

 Corría el rumor de que Shaku, del pueblo neuri, había sido poseído. Se decía que diversos espíritus se habían apoderado de ese hombre, que los espíritus del halcón, el lobo o la nutria entraron en el desdichado Shaku y le obligaron a hablar en lenguas desconocidas.

El poeta que rugió a la luna y se convirtió en tigre es un libro que recopila varios relatos cortos, donde trata temas, desde un prisma mitológico y mediante una descripción del mundo antiguo, como el surgimiento de los primeros poetas y el lenguaje, la curiosidad, el destino o la felicidad. Mezcla lo real con lo imaginario junto a una mirada crítica de los problemas universales.

Judith Joy Ross

En 1966 Judith Joy Ross comenzó a fotografiar personas en su ciudad, como un modo de entender el mundo emocional de aquellos que la rodeaban. En la década de 1980 tras distintos viajes a Europa Ross adquiere una cámara de 8 x 10 pulgadas con el fin de retratar a “gente corriente” en lugares públicos. Influida por Lewis Hine, August Sander y Diane Arbus, la artista se ha convertido en una de las artistas más influyentes en el género del retrato demostrando que es capaz de capturar el presente, el pasado y el futuro de los individuos que se topan con su cámara.

Ross trabaja en base a un cierto impulso personal hacia la gente que conoce, sensación que luego queda reflejada en sus obras, pues en su mayor parte emanan una transparencia que tiene que ver con la relación que previamente se ha establecido entre artista y modelo. Sus retratos suelen enmarcarse en el contexto de un tema previamente escogido: Eurana Park, los visitantes del Monumento a la Guerra de Vietnam, los miembros del congreso durante el escándalo Irán-Contra (Irangate), los niños de las escuelas de Hazleton y lugares concretos como Easton, en Pensilvania, donde nació, se crio y donde aún hoy vive.

Nada C.Laforet

 Por dificultades en el último momento para adquirir billetes, llegué a Barcelona a medianoche, en un tren distinto del que había anunciado, y no me esperaba nadie.

Era la primera vez que viajaba sola, pero no estaba asustada; por el contrario, me parecía una aventura agradable y excitante aquella profunda libertad en la noche. La sangre, después del viaje largo y cansado, me empezaba a circular en las piernas entumecidas y con una sonrisa de asombro miraba la gran Estación de Francia y los grupos que se formaban entre las personas que estaban aguardando el expreso y los que llegábamos con tres horas de retraso.

Nada nos traslada a un mundo gris, opresivo, cerrado, pobre, sucio, a veces brutal. Andrea, que llega a Barcelona cargada de esperanzas y de ansias de independencia, se encuentra de pronto bajo la estrecha vigilancia de su tía, una beata que se encarga de poner coto a cualquier sueño de realización personal. La penuria económica también estrecha el panorama de Andrea, que pronto empieza a pasar hambre. El estómago vacío y el cerebro debilitado por la falta de alimento son en gran medida, el lector enseguida se da cuenta de ello, culpables del ambiente angustioso que envuelve a la protagonista (y a la ciudad entera) a lo largo de toda la novela. ASOMBROSO RELATO

Los Gavilanes

Música de Jacinto  Guerrero Libreto de José Ramos Martín

Dirección musical Jordi Bernàcer, Dirección de escena Mario Gas, Escenografía Ezio Frigerio, con Riccardo Massironi, Vestuario Franca Squarciapino. Duración 100 min. Orquesta de la Comunidad de Madrid  Coro del Teatro de La Zarzuela  Director: Antonio Fauró Reparto  Juan Jesús Rodríguez, Javier Franco, Mª José Montiel, Sandra Ferrández, Ismael Jordi, Alejandro del Cerro, Marina Monzó, Leonor Bonilla, Lander Iglesias, Esteve Ferrer, Ana Goya, Renata Trinidad Iglesias, Enrique Baquerizo, Mar Esteve, Raquel del Pino, Olaia Lamata, Begoña Gómez, Guiomar Cantó, Didier Otaola, Pablo Vázquez, Fernando Luzuriaga, Pedro Moreno, Sigor Schwaderer, Sylvia Mollá, Carmen Fernández.

La acción se sitúa en una aldea de la costa de Provenza en 1845. Al amanecer, Juan un indiano maduro que ha hecho fortuna en Perú, llega a su pueblo natal para quedarse para siempre. Dos pescadores que acuden a su tarea, son reconocidos por el indiano, quien se identifica, abrazándose los tres efusivamente. DE OTRA ÉPOCA

Nos richesses K. Adimi

Dès votre arrivée à Alger, il vous faudra prendre les rues en pente, les monter puis les descendre. Vous tomberez sur Didouche-Mourad, traversée par de nombreuses ruelles comme par une centaine d'histoires, à quelques pas d'un pont que se partagent suicidés et amoureux.

Descendre encore, s'éloigner des cafés et bistrots, boutiques de vêtements, marchés aux légumes, vite, continuer, sans s'arrêter, tourner à gauche, sourire au vieux fleuriste, s'adosser quelques instants contre un palmier centenaire, ne pas croire le policier qui prétendra que c'est interdit, courir derrière un chardonneret avec des gosses, et déboucher sur la place de l'Emir-Abdelkader.

Deux histoires qui s'emboîtent, la vie de l'éditeur et libraire Edmond Charlot, une histoire d'amitié à Alger et deux personnages Ryad et Abdallah, le jeune Ryad est chargé de vider la librairie "les vraies Richesses". Mi fiction- mi résultat de recherches sur la vie de Charlot. BEL HOMMAGE

Madres paralelas P. Almodovar

España,2021 Drama 123 min  Dirección y guión pedro Almodovar Reparto: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sanchez- Gijón, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Daniela Santiago, Adelfa Calvo, José Javier Domínguez, Inma Ochoa, Trinidad Iglesias, Carmen Flores, Arantxa Aranguren, Ana Peleteiro.

Dos mujeres coinciden en una habitación de hospital donde van a dar a luz. Ambas están solteras y se quedaron embarazadas por accidente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y está exultante. La otra, Ana, una adolescente, está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean por los pasillos del hospital. Las pocas palabras que intercambien en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que por casualidad se desarrolla y se complica, afectando a sus vidas de forma decisiva.

 

Cambio de bebes al nacer, victimas de la dictadura en las cunetas, bisexualidad, violacion de adolescentes, son algunos de los temas evocados en la película.   "Permanezco en plan iceberg ante la progresiva tragedia de dos amorosas y solteras madres a las que se les complica dolorosamente la existencia" Carlos Boyero. ALMODOVAR SIGUE INTENTÁNDOLO.

Asesinato en el jardín botánico S. Piazzese

le Breton, le Breton...¿no fue él quien dijo que una historia bien ordenada debería comenzar por el nacimiento del protagonista? En mi caso, olvidadlo. No solo porque no está claro que yo sea el protagonista  de esta historia, sino también por  evitar sobresaltos a una o dos personas que temen la parte del cuaderno  de bitácora que he escrito despues de cargar con zumo de limón mi pluma Omas, que me regalaron en la Confirmación. Si necesitáis un protagonista , bueno, digamos que es lo el tiempo, entendido como weather, of course. Ante todo porque soy un "meteorópata" terminal. Pero también porque, en definitiva, la historia comienza con una ráfaga de siroco, que es a la vez la parte dramática y la parte cómica del tiempo atmosférico. ¿O es que Dios, al insuflar la vida en el Adán de barro, no la sopló desde el sureste? Así que el siroco nació antes que Adán. El Génesis no lo menciona: era demasiado evidente.

La historia inicia cuando Lorenzo La Marca, un bioquímico de un Instituto de Investigación de Palermo, que una tarde, desde la ventana de su despacho un cuerpo colgado de las ramas de un árbol milenario. El muerto es Raffaele Montalbani, un amigo, ex-compañero de trabajo e hijo además, del fundador del Instituto de Investigación. De inmediato le surgen a La Marca dudas sobre un posible suicidio, aunque todo apuntara a ello, por lo que junto a Michelle, la forense, y al comisario Spotorno, ambos amigos personales de La Marca, emprenden una investigación para desvelar el motivo de la muerte. Obviamente es una trama clásica de la novela negra,con escenario en  Palermo, con cientos de citas sobre blues y jazz, cine clásico italiano y americano, literatura y  una historia de amor. PAS TERRIBLE.

Antonio y Cleopatra W. Shakespeare

Traducción y versión Vicente Molina Foix Dirección José Carlos Plaza Producción CNTC  Reparto: Ana Belén, Ernesto Arias, Javier Bermejo, Rafa Castejón, José Cobertera,  Elvira Cuadrupani, Israel Frías,  Lluís Homar , Carlos Martínez Abarca, Luis Rallo, Olga Rodríguez, Fernando Sansegundo. 

Los versos suenan claros, los términos elocuentes y cada enunciado manifiesta las intencionalidades (aunque sean ocultas), reduciendo al máximo cualquier atisbo de hipérbaton. Pero no es esta la cuestión, sino que entre la mayor cercanía del texto (depurado) y el expresionismo, por no decir, en ocasiones, caricatura de sus protagonistas, se favorece el humor, y no leve ni anecdótico; sino persistente en sus encuentros más íntimos. Que los espectadores rían de vez en cuando, que carcajeen ante situaciones un tanto farsescas, como en la escena donde la reina viste torpemente a su amado o la poca pericia de Antonio para matarse, nos da cuenta de que la tragedia va a ser menos trágica. Que esto ocurra es una pega; no obstante, casi tres horas dan para mucho y, en general, es un montaje correcto. SE LUCEN

L'ordre du jour E. Vuillard

 Une réunion secrète

Le soleil est un astre froid. Son coeur, des épines de glace. Sa lumière sans pardon. En février, les arbres sont morts, la rivière pétrifiée, comme si la source ne vomissait plus d'eau et que la mer ne pouvait en avaler davantage. Le temps se fige. Le matin, pas un bruit, pas un chant d'oiseau, rien. Puis, une automobile, une autre, et soudain des pas, des silhouettes qu'on ne peut pas voir. Le régisseur a frappé trois coups mais le rideau ne s'est pas levé.  

En 160  pages, le livre montre comment « les plus grandes catastrophes s’annoncent souvent à petit pas » et « soulève les haillons hideux de l’histoire » pour raconter la marche vers l’abîme de l’Europe à travers deux moments.              

Le premier, c’est une réunion du 20 février 1933, où vingt-quatre puissants patrons allemands (Krupp, Opel, Siemens…), reçus par Hermann Göring et Adolf Hitler, devenu chancelier un mois plus tôt, sont exhortés à financer la campagne du parti nazi pour les législatives, et s’exécutent. « Ce moment unique de l’histoire patronale, une compromission inouïe avec les nazis, n’est rien d’autre pour les Krupp, les Opel, les Siemens, qu’un épisode assez ordinaire de la vie des affaires, une banale levée de fonds. Tous survivront au régime et financeront à l’avenir bien des partis à proportion de leur performance », écrit, grinçant, l’auteur.              
Le deuxième moment, celui auquel il se consacre le plus longuement, c’est l’Anschluss, l’annexion de l’Autriche par l’Allemagne, le 12 mars 1938. Il remonte en réalité un mois plus tôt, à la rencontre entre Adolf Hitler et le chancelier autrichien Kurt von Schuschnigg ; le 12 février, à Vienne, note Vuillard, « c’est carnaval : les dates les plus joyeuses chevauchent ainsi les rendez-vous sinistres de l’histoire ».              
Se faufiler dans les coulisses d’événements historiques, et donner à voir l’envers du décor, révéler la part secrète de grotesque, de bêtise, de contingence, d’ennui et/ou de lâcheté, qui y menèrent… Telle est la méthode Vuillard. Né à Lyon en 1968, l’écrivain, également cinéaste (L’homme qui marche, 2006, Matteo Falcone, 2008), est convaincu que « l’histoire est un spectacle », comme il l’écrit dans L’Ordre du jour, ou, comme l’annonçait l’incipit du superbe Tristesse de la terre (Actes Sud, 2014), que « le spectacle est l’origine du monde »." le Monde FICTION RÉELLE

Condor C. Férey

 L'ambiance était électrique. Plaza Italia. Fumigènes, musique, chars bariolés, les hélicoptères de la police vrombissaient dans le ciel, surveillant d'un oeil panoptique les vagues étudiantes qui affluaient sur l'artère centrale de Santiago.

Gabriela se fraya un chemin parmi la foule agglutinée le long des barrières de sécurité. Elle avait revêtu un jean noir, une cape de plastique transparent pour protéger sa caméra des canons à eau, de vieilles rangers trouvées aux puces, le tee-shirt noir où l'on pouvait lire "yo quiero estudiar parano ser fuerza especial": sa tenue de combat.

Condor, C’est l’histoire d’une enquête qui commence dans les bas-fonds de Santiago, submergés par la pauvreté et la drogue, pour s’achever dans le désert minéral d’Atacama…
Condor, c’est une plongé dans l’histoire du Chili, de la dictature répressive des années 1970 au retour d’une démocratie plombée par l’héritage politique et économique de Pinochet…
Condor, c’est surtout une histoire d’amour entre Gabriela, jeune vidéaste mapuche qui porte l’héritage mystique de son peuple, et Esteban, avocat spécialisé dans les causes perdues, portant comme une croix d’être issu d’une grande famille à la fortune controversée…

La masoneria J.A. Ferrer Benimeli

 José Antonio Ferrer Benimeli, jesuita y máximo especialista en nuestro país sobre la masonería ha pretendido desmitificar la masonería, colocarla en su sitio: "No es ni tan mala ni tan buena como pretenden unos y otros. No ha tenido ni, por supuesto, tiene la importancia que se le ha pretendido dar. Han pretendido jugar con los misterios, y esto sólo engaña a los ignorantes; a los especialistas en sociedades secretas no nos sirven los misterios.

La logia era el lugar donde trabajaban los albañiles en la obra de las catedrales, era uno de los gremios mejor organizados y más exclusivos, estaban bajo la autoridada del maestro albañil.

El termino free stone mason aparece en Inglaterra en 1350. En el siglo XVI se acaban las catedrales. sucede la construcción de palacios y castillos.  En 1717 nace la Gran Logia de Inglaterra, en  el s.XVIII la masoneria operativa es sustituida por la masoneria especulativa o filosófica y se difunde por Europa, su carácter secreto y el admitir todas las religiones  desencadena su prohibición.

En el siglo XIX la Masoneria francesa, anticlerical se diferencia de la británica que sigue siendo exclusivamente masculina, la mujer no cumplía dos requisitos obligatorios para ser masón: ser libre, no ejercer profesión/ oficio honroso, los lacayos no eran admitidos.

Perseguida por regímenes fascistas Portugal, España y por los comunistas, en España llega a tener varios ministros durante la Primera y Segunda República, tras la guerra civil, los masones huyen primero a Francia y tras la invasión nazi, a Méjico y Argentina. En 1977 vuelve a España, legalizada en 1979, a partir de 1992 admite mujeres. 

Hoy la masoneria en Españaes muy reducida, unos 4500 masones activos, frente a los 23000 en Italia, 25000 en Cuba o 200000 en Inglaterra. 

La Gran Logia de España es la única reconocida legalmente por la Gran Logia Unida de Inglaterra desde 1987, solo masculina y presidida por el abogado valenciano Oscar de Alfonso Ortega.

La Gran Logia Simbólica española, la segunda en importancia es liberal y mixta. En 2000 nombró a la primera mujer Gran Maestre.

El infinito en un junco I. Vallejo

La invención de los libros en el mundo antiguo

Misteriosos grupos de hombres a caballo recorren los caminos de Grecia. Los campesinos los observan con desconfianza desde sus tierras o desde las puertas de sus cabañas. La experiencia les ha enseñado que solo viaja la gente peligrosa: soldados, mercenarios y traficantes de esclavos. Arrugan la frente y gruñen hasta que los ven hundirse otra vez en el horizonte. No les gustan los forasteros armados.

Los jinetes cabalgan sin fijarse en los aldeanos. Durante meses han escalado montañas, han franqueado desfiladeros, han cruzado valles, han vadeado ríos, han navegado de isla en isla. Sus músculos y su resistencia se han endurecido desde que les encargaron esa extraña misión. Para cumplir su tarea deben aventurarse por los violentos territorios de un mundo en guerra casi constante. Son cazadores en busca de presas de un tipo muy especial. Presas silenciosas, astutas, que no dejan rastro ni huella.

Buscan libros...Se trata de un ensayo, pero no al uso sino urdido con unas particulares mimbres y dotado de un tono muy personal. No es una obra, por otro lado, que resulte ni pretenda ser erudita, aunque está perfectamente fundamentada y contiene mucha y rica información. Ante todo, destaca por la frescura y el ritmo que la autora imprime al discurso y la soltura con la que hilvana el relato.

Ama J. de Paz Solvas

España 2021 Drama 88 min Dirigida por Julia De Paz Solvas Con Tamara Casellas, Leire Marín Vara, Estefanía de los Santos, Ana Turpin, Manuel de Blas, Pablo Gómez, Chema del Barco, maría Gregorio.

Cuenta la historia de muchas mujeres expuestas en soledad a la mitificada maternidad. Tras varias advertencias, Ade harta de la irresposabilidad de Pepa, la  echa de su casa y esta termina viéndose en la calle junto a Leila, su hija de seis años. Sin nadie que las ayude, Pepa y Leila lucharán solas para encontrar un lugar donde vivir. Enfrentándose a cada obstáculo, emprenderán una búsqueda que conllevará también un acercamiento dentro de su relación antes prácticamente inexistente y distante. Se creará un nuevo vínculo entre madre e hija, dónde tendrán cabida las equivocaciones y la desidealización.

Con cámara al hombro el espectador sufre al igual que la pequeña niña los embates de esta madre con la cabeza en otras cosas consiguiendo odiar al personaje. Algo que te lleva a reflexionar sobre estas situaciones tan criticas de los pequeños que son tan inocentes y vulnerables. Estupenda interpretación de Tamara Casellas.

Akademie für Alte Musik de Berlín

La histórica partitura de Bach, cuyo espectro de instrumentos solistas va desde el violín o flautín, flautas dulces, oboes y violas hasta trompetas y cornos o trompas, forma parte del corazón del repertorio de AKAMUS desde hace más de 30 años. La formación historicista alemana, con Bernhard Forck como concertino, ofrece un programa con los seis conciertos que conforman esta obra tan representativa de la música europea del siglo XVIII.Johann Sebastian Bach.

• Concierto de Brandenburgo n. 1 en Fa Mayor BWV 1046
• Concierto de Brandenburgo n. 3 en Sol Mayor BWV 1048
• Concierto de Brandenburgo n. 4 en Sol Mayor BWV 1049
• Concierto de Brandenburgo n. 6 en Si bemol Mayor BWV 1051
• Concierto de Brandenburgo n. 5 en Re Mayor BWV 1050
• Concierto de Brandenbrugo n. 2 en Fa Mayor BWV 1047