La carte postale A. Berest

Ma mère a allumé la première cigarette de la journée, sa préférée, celle qui brûle les poumons au réveil. Puis elle est sortie de chez elle, pour admirer la blancheur qui recouvrait tout le quartier. Il était tombé dans la nuit au moins dix centimètres de neige. Elle est restée longtemps à fumer dehors, malgré le froid, pour profiter de l'atmosphère irréelle qui flottait sur son jardin. Elle a trouvé que c'était beau, tout ce rien, cet effecement de la couleur et des lignes. Soudain, elle a entendu un bruit étouffé par la neige. Le facteur venait de faire tomber le courrier par terre, au pied d ela boîte aux lettres. Ma mère est allée le ramasser, en faisant bien attention de regarder où elle posait ses chaussons pour ne pas glisser.

Un récit dans lequel elle part à la recherche de l'origine de sa famille. Le ressort narratif de cette carte postale est absolument fantastique à tous les sens du terme et, en même temps, assez effrayant dans ce que ça soulève de questions. C'est l'exploration d'une généalogie familiale mouvante avec cette famille de juifs errants qui va traverser toute l'Europe et qui, surtout, ne pourra jamais réellement s'installer, car toujours obligée de repartir très vite. Elle parle très bien des réactions des uns et des autres.  C'est un livre terrible sur la méticulosité effarante, effroyable, rationnelle de la solution finale et de sa mise en œuvre en France sur l'organisation des rafles, sur le zèle des autorités administratives et de la police française, sur la responsabilité de Vichy et de Pétain… "Elle redonne vraiment vie à ces quatre personnes en leur donnant une vraie épaisseur. Ces quatre noms n'étaient que des fantômes, qui venaient la hanter sans qu'elle sache vraiment pourquoi, puisque c'est une histoire qui ne s'est pas transmise. Rappelons que la principale témoin, la grand-mère, n'a rien dit, elle a gardé le silence.

Cuarentena P. Márkaris

Todo empezó con una llamada telefónica de Stela: -Señor Jaritos, lo siento pero no tengo buenas noticias.  -¿Qué pasa? pregunté inquieto. - Me he hecho la prueba del coronavirus y he dado positivo. Tendré que estar ne cuarentena los próximos catorce días. - Hizo una pausa antes de añadir, con apuro-: Por desgracia, como usted es un contacto estrecho, también tendrá que confinarse. "Pues qué bien", me dije. "En otros tiempos volvíamos de las vacaciones con regalos y souvenirs. Ahora volvemos con el coronavirus." A esta le siguió la llamada de Protección Civil: -¿El comisario Jaritos? - El mismo. -Soy Devletis, de protección Civil, señor comisario. ¿Ha hablado usted con su secretaria? -Sí, me ha informado de que ha dado positivo en el test del coronavirus y que yo también debo guardar cuarentena. -Exacto. ¿Convive usted con familiares en su domicilio? - Solo con mi esposa. - Entonces, como medida de prevención, su esposa tambièn deberá guardar cuarentena. Además, es obligatorio que ambos lleven mascarilla en el interior del domicilio.

No suelen gustarme los libros de relatos porque se me quedan cortos, cuando empiezas a meterte en la historia ya acaban, sobre todo cuando se trata de investigaciones policiales, siempre tengo la sensación que se resuelven rápido por casualidades, sin una investigación profunda, para este tipo de género prefiero novelas largas. Por eso, los dos primeros relatos no me gustaron demasiado. Sin embargo, "Los 3 caballeros" y "Centro de refugiados del coronavirus" me gustaron más, hablan sobre la mendicidad, como son los grandes olvidados, los invisibles y te hace pensar sobre ello. El último relato "Epílogo: Jalki, el vacío y la bicicleta" es muy bonito, es la evocación del autor a su infancia y la isla donde creció.

Hergé. The Exhibition

En su día, el comisario de la muestra parisiense dejó claro el enfoque: “Está consagrada al Hergé artista. No es una exposición biográfica ni un tribunal histórico. Hemos querido analizar su imaginario, su estilo y su arte, y no sus opiniones políticas ni lo que sucedía dentro de su cama” .A pesar de que, como se dijo en la presentación madrileña, “las obras de Hergé cuentan cincuenta años de historia del siglo XX” y de que tanto la vida del autor como las aventuras de Tintín están atravesadas por acontecimientos políticos, la muestra prefiere esquivar los asuntos potencialmente conflictivos y dedicarse a los aspectos formales y artísticos. Así, en el repaso a Tintín en el país de los soviets se destacan sus encuadres cinematográficos y “la belleza silenciosa del blanco y negro”, pero no su burda propaganda anticomunista, mientras que el paternalismo colonial de Tintín en el Congo se comenta brevemente como “reflejo de su contexto y su tiempo”

Además, por primera vez en España, se mostrará parte de la colección privada de arte contemporáneo de Hergé, desvelando su faceta de gran coleccionista. Se podrán ver las obras del propio Hergé, inspiradas por Modigliani, Klee, Miró y otros muchos grandes artistas. Además, se exhibirán otros muchos tesoros de las colecciones del Musée Hergé, como dibujos originales, bocetos, clips de películas, modelos y obras de arte originales de Hergé.

Lectura fácil

de Cristina Morales adaptación y dirección Alberto San Juan Duración 1h50 min Intérpretes: Desiree Cascales Xalma jueza, Desi, Mamen; Estefanía de los Santos Nati; Laura Galán/Carlota Gaviño Marga,psicóloga; Pilar Gómez Patri, profesora de baile;Anna Marchessi Ángeles;Marcos Mayo Ibrahim;Pablo Sánchez Antonio, Tío Joaquín: Voz en off Nacho Marraco 

Cuatro mujeres conviven en un piso tutelado para personas con discapacidad intelectual, en una Barcelona opresiva: la ciudad de las okupas, la Plataforma de Afectados por la Hipoteca, los ateneos anarquistas y el arte políticamente correcto. A través suyo entramos al campo de batalla de la lucha contra el heteropatriarcado monógamo y blanco, la retórica institucional neoliberal y el woke whashing que apuntala el statu quo. Y celebramos el cuerpo, la sexualidad y el deseo de la mujer, la dignidad de los estigmatizados y la capacidad transgresora y revolucionaria del lenguaje.

La oscura memoria de las armas R. Díaz Eterovic

Lo peor era no tener nada que hacer. O casi nada, porque de tanto en tanto me daba el trabajo de encender un cigarrillo, cambiar de casete en el equipo de música y humedecer mi índice derecho para dar vueltas las páginas del libro que leía, sin dejar de estar atento a los golpes que alguien pudiera dar en la puerta de mi oficina. A ratos también intentaba comunicarme con Simenon y cuando el aburrimiento me apretaba el cuello, salía del departamento y bajaba al quiosco de Anselmo a conversar sobre los programas hípicos de la semana y de los mejores ejemplares que habíamos visto correr en distintas etapas de nuestra afición por los caballos y las apuestas. Mi principal ocupación, a falta de clientes que llegaran a la oficina, y lo que me permitía ir tirando por la vida junto con las apuestas afortunadas, consistía en reseñar extensos y aburridos libros de política, sociología, economía y otras ciencias ocultas que pretendían explicar el errático comportamiento del hombre desde sus primeros pasos sobre la tierra.

Heredia debe descubrir a los asesinos de Germán Reyes, un sobreviviente del centro de torturas de Villa Grimaldi que,acaba de ser ejecutado en las puertas de su trabajo. El detective se entromete así en una red de ex militares que lograron, como muchos, eximirse de los juicios reparatorios.

Visiones expandidas. Fotografía y experimentación

Desde sus orígenes, la fotografía ha sido objeto de numerosos y constantes desarrollos químicos y técnicos. Esta exposición reúne 172 obras de artistas que han llevado la fotografía experimental a nuevos horizontes creativos. Provienen del Musée National d’Art Moderne – Centre d’Art Georges Pompidou, están estructuradas en seis secciones temáticas: Luces, Movimiento, Alteraciones, Recrear mundos, La visión a prueba y Anatomías.

A principios del siglo xx, dadaístas, surrealistas y constructivistas exploraron los límites del lenguaje fotográfico como un medio para plasmar el espíritu de los tiempos modernos. Imágenes abstractas, fotomontajes o fotogramas obtenidos sin intervención de la cámara permitieron expresar las inquietudes formales, sociales y políticas del momento. Desde la segunda mitad del siglo xx, la experimentación fotográfica sigue desdibujando los límites entre pintura, escultura, cine y performance. 

 

Compagnie Olivier Dubois, Tragédie

Création  Olivier Dubois  Collaborateur artistique Cyril Accorsi  Musique François Caffenne Lumières Emmanuel Gary Régie générale François Michaudel  Duración 1h30 sin descanso

Interpretación: Esther Bachs Viñuela, Benjamin Bertrand, Camerone Bida, Steven Bruneau, Cairo Azad, Marie-Laure Caradec, Coline Fayolle, Karine Girard, Steven Hervouet, Sophie Lèbre, Sebastien Ledig, Matteo Lochu, Nicola Manzoni, Thierry Micouin, Mateusz Piekarski, Sandra Savin, Emiko Tamura, Mooni Van Tichel.

Vertiginosa y caótica. En gigantescos instrumentos de percusión, en un incesante flujo y reflujo, se reproduce el gran ciclo de la vida, hecho y deshecho. Es la humanidad vista como un palimpsesto, que se escribe, se borra y se vuelve a escribir… Una búsqueda interminable.

En Tragédie los intérpretes manifiestan su pertenencia a la comunidad de seres humanos. Golpean el suelo, caminan, se enderezan, se enfrentan, se deslizan, se arrodillan, aparecen, desaparecen, se mezclan para no tropezar… y dan fe de nuestro destino colectivo. El estreno en el Festival de Avignon en 2012 pareció un uppercut coreográfico e inmediatamente se convirtió en una pieza de manifiesto, un verdadero monumento de la danza contemporánea. En palabras de Olivier Dubois: «Si Tragédie habla de la Humanidad, debe cuestionar el hoy y hablar del mañana, del ser en el mundo, revelando el todos del que está hecho, la historia que llevamos y nuestra visión del futuro. Hay que crear un gran conjunto libre de diferencias para abarcar más ampliamente al espectador de hoy. ¡De binario a multinario! Con la desnudez como único vestuario, los individuos en escena se liberan de los roles de género y sus cuerpos se desexualizan. Son seres humanos que bailan y como tales se convierten en cuerpos-poéticos, cuerpos-políticos y cuerpos-obras, seguramente la mejor manera de abordar el futuro de una Humanidad.”

 Vídeo

 

La muse rouge V de Haas

Paris est en liesse; chaque quartier, chaque rue, hurle de joie. Dans les squares, sur les places, des orchestres s'improvisent, fifres, trompettes, mandolines, pianos mécaniques, accordéons, bandonéons, violes et violons, tout peine à couvrir la folle envolée des cloches des églises qui font vibrer la ville jusque dans ses pavés. Les drapeaux flottent aux fenêtres et, malgré le froid qui s'engouffre avec insolence, les balcons rugissent de cris de joie qui montent au ciel comme pour dissoudre la grisaille qui engonce la ville.

« La muse rouge » se situe juste après la Première guerre mondiale, dans un Paris miteux, minable, graveleux, apparemment pourri jusqu’à la moelle. Entre bordels de luxe, maisons « d’abattage » crasseuses jusqu’à la nausée, banlieues où vit (mal) et meurt (vite) un petit peuple sujet aux épidémies, à la recherche d’un crouton quotidien, on voit apparaître la grande faune des riches, plus préoccupée d’enrichissement que de social. Les nombreux personnages « historiques » décrits ici sont dans les dictionnaires, vous pouvez vérifier. Entre bagnes pour enfants (pauvres !) et Colonies sujettes à tous les appétits, un flic intègre et ses collègues tentent de savoir pourquoi un haut diplomate de la Chine nationaliste a été si atrocement lardé de coups de surin alors qu’il rendait à Eros un hommage vibrant, dans un bordel plus huppé que le Georges V. L'auteur a potassé son dictionnaire d’argot  et nous explique cet « argot d’époque » dont presque tous les termes sont oubliés depuis longtemps.
Au travers d’une description sociale sans concession, nos enquêteurs vont de surprise en déconvenue, pour notre plus grand ravissement. L’auteur suscite en nous une foule de sentiments, surtout de l’indignation : comment, c’était ÇA, les années folles ?

Miroir de nos peines P.Lemaitre

Ceux qui pensaient que la guerre commencerait bientôt s`´etaient lassés depuis longtemps,M.Jules le premier. Plus de six mois après la mobilisation générale, le patron de la petite Bohème, découragé, avait cessé d'y croire: A longueur de service, Louise l'avait mème entendu professer qu'en réalité "cette guerre, personne n'y avait vraiment cru". Selon lui, ce conflit n'était rien d'autre qu'une immense tractation di`plomatique à l'échelle de l'Europe, avec des discours patriotiques spectaculaires, des annonces tonitruantes, une gigantesque partie d'échecs dans laquelle la mobilisation générale n'avait été qu'un effet de manches supplémentaire.  Il y avait bien eu quelques morts ici et là-"davantage, sans doute, qu'on nous le dit!", -cette agitation dans la Sarre, en septembre, qui avait coûté la vie à deux ou trois cents bonshommes, mais enfin, "c'est pas ça une guerre!" disait-il en passant la tête par la porte de la cuisine. 

Troisième et dernier roman de sa saga romanesque "Les Enfants du désastre". Après "Au-revoir là-haut" et "Couleurs de l’incendie", il clôt sa trilogie dans la France de 1940, de la drôle de guerre à l’exode. Il y a un vrai rythme et une vraie tonalité. Son personnage, Désiré Migault, s'invente sans arrêt des identités. C'est un faux avocat, un faux médecin, un faux instituteur, un faux chirurgien, un faux préposé à la censure, à la propagande, un faux aviateur. Surtout, là où il m'enchante, c'est en faux curé : il est extraordinaire ! Et les personnages les plus attachants sont les moins recommandables, c'est ça qui est assez beau : Désiré, Raoul le voyou, Jules le bistrotier et bien sûr, Louise qui, elle, est très recommandable et qui est au-dessus du lot. Un roman passionnant dont on regrette de tourner la dernière page...

La república era esto. A. Al Aswani

El general Ahmad Alwani no necesitaba despertador. Tan pronto el almocrí convocaba al primer rezo, se espabilaba. Tumbado en la cama con los ojos abiertos, permanecía murmurando las palabras de la llamada a la oración. Poco después, se dirigía al baño, hacía las abluciones aprisa y se acomodaba el pelo negro, teñido con esmero, salvo por un par de mechones canosos rebeldes que dejaba a ambos lados de la frente. A continuación se ponía su elegante chándal y se dirigía a la mezquita cercana. El jefe de la guardia le había pedido más de una vez que construyera una mezquita dentro de la villa, con el fin de facilitarle su protección , pero el general Alwani declinaba la idea. Le gustaba rezar entre la gente, como cualquier otra persona normal, así que cruzaba la calle a pie, rodeado de cuatro hombres de la escolta, que vigilaban el recorrido con sus armas listas para abrir fuego en cualquier instante. Luego, a la puerta de la mezquita, se dispersaban: dos de ellos permanecían en el exterior, y los otros dos se quedaban de pie dentro del recinto, custodiando su persona mintras él rezaba...

¿Qué ocurrió durante los dieciocho días de protestas multitudinarias? Alaa al Aswani estaba allí, entre todas las personas que salieron a las calles a luchar por su futuro,  presenció toda la violencia por parte de los militares y decidió plasmarlo en su libro.

Sorolla en negro

La exposición dirige la atención hacia el color negro a partir de la aparente contradicción que supone asociar a Sorolla —pintor de la luz y el color— con el negro. De este modo, Sorolla en negro es una exposición que tiene la fuerza de un oxímoron: anuncia lo contrario que uno espera ver del pintor.

La intensa luz del Mediterráneo, las escenas llenas de color, los blancos de infinitos matices son los rasgos con los que se identifica al pintor Joaquín Sorolla y su vasta producción. Sin embargo, el negro, que puede considerarse como la antítesis del color, la oscuridad misma, también está presente de manera notoria en su paleta. 

De hecho, la exposición cuestiona la idea de que el color negro, y cuanto significa, está reñido con la poética del pintor valenciano. La propuesta curatorial niega, pues, una gran parte de la tradición crítica en torno a Sorolla, empezando por sus propios contemporáneos. Se ha reunido una cuidada selección de más de 62 obras procedentes tanto de la colección del Museo como préstamos de instituciones y de colecciones particulares. Algunas de las obras expuestas, especialmente las de coleccionistas particulares, permanecían inéditas para el conocimiento del público como María pintando, 1911 o Retrato de Manuel Bartolomé Cossío, 1908.

Picasso/Chanel

Pablo Picasso y Gabrielle Chanel colaboraron profesionalmente en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antígona (1922) y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev Le Train Bleu (1924). Se conocieron en torno a la primavera de 1917, seguramente a través del propio Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de entonces, Chanel frecuentará al matrimonio Picasso, coincidiendo con la activa participación del artista en los ballets rusos.  El museo propone una exposición que explora la relación de estos dos grandes genios creadores del siglo XX, volviendo a reunir arte y moda en un nuevo proyecto expositivo. La muestra se organiza en cuatro grandes secciones que se suceden en orden cronológico y abarcan, aproximadamente, de 1910 a 1930.

El estilo Chanel y el cubismo presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de Chanel ya desde sus primeros e innovadores diseños: el lenguaje formal geometrizado, la reducción cromática o la poética cubista del collage se traducen en trajes de líneas rectas y angulosas, en su predilección por los colores blanco, negro y beige, y en la utilización de tejidos humildes y con texturas austeras. Olga Picasso, el segundo capítulo, está dedicado a los numerosos y bellos retratos que Picasso realizó de su primera mujer, la bailarina rusa Olga Khokhlova, devota clienta de Chanel; junto a ellos, algunos vestidos de este periodo inicial de la diseñadora francesa, de los que se conservan escasos ejemplos. Antígona, adaptación moderna de la obra de Sófocles realizada por Cocteau, se estrenó en París en 1922, con decorados y máscaras de Picasso y vestuario de Chanel, que vuelven a reunirse en este capítulo para mostrar su común inspiración en la Grecia clásica. 

 

Le Train Bleu es el título del cuarto apartado y del ballet producido por Diághilev en 1924, con libreto de Cocteau, inspirado en el deporte y la moda de baño; Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), un pequeño gouache que Diághilev descubrió en el taller de Picasso, se convirtió en imagen para el telón de la obra, y el pintor aceptó también el encargo de ilustrar el programa de mano, mientras que Chanel entusiasta deportista, creó trajes para los bailarines inspirados en modelos deportivos diseñados para ella misma y para sus clientes.

Dans la mesure de l'impossible T.Rodrigues

Texte et mise en scène Tiago Rodrigues avec Adrien Barazzone, Beatriz Brás, Baptiste Coustenoble, Natacha Koutchoumov et Gabriel Ferrandini (musicien) 2h 

Écrit à partir d’entretiens avec une trentaine de collaborateurs du Comité international de la Croix-Rouge et de Médecins sans frontières, le spectacle, créé à la Comédie de Genève en février 2022, restitue l’expérience des travailleurs de l’humanitaire. Quatre comédiens s’adressent à nous comme s’ils répondaient à nos questions : comment diriger un camp de réfugiés ? Comment faire face à un choix de vie ou de mort ? Comment continuer quand on sait que l’on ne va pas changer le monde ? Loin de notre univers où les choses sont possibles, les personnages évoluent dans celui de l’impossible, où la guerre, la famine et la violence détruisent l’avenir et font basculer les existences dans une autre réalité.
Aucune indication géographique ni historique ne situe ce qui nous est raconté ; sans tomber dans le sentiment ni la morale, c’est le vécu quotidien et intime de ceux qui refusent le titre de “héros” qui est au centre de ce théâtre de la parole. Au plateau,un immense tissu est déployé pour devenir tour à tour tente, hôpital, montagne...

Convoquant plusieurs langues et porté par quatre comédiens et un musicien, le récit ouvre des images sans jamais les imposer, touche à l’insoutenable sans jamais le montrer. Et, lorsque les mots ne suffisent plus, la batterie prend le relais, comme pour approcher l’indicible. Trop long, faut il épuise les exemples de frustration dans l'humanitaire? Quatre langues ça reste un échantillon.

"La différence entre le possible et l'impossible se trouve dans la détermination". Gandhi

Entre chien et loup Jatahy

Dramaturgia, dirección y adaptación fílmica Christiane Jatahy RepartoVéronique Alain, Julia Bernat, Paulo Camacho, Azelyne Cartigny, Philippe Duclos, Vincent Fontannaz, Delphine Hecquet, Viviane Pavillon, Matthieu Sampeur y Valerio Scamuffa  Escenografía e iluminación  Thomas Walgrave Duración 1h45 aprox

Para no sufrir más la opresión de un régimen que gira hacia el fascismo, Graça se va. Encuentra refugio en una comunidad, presente en el escenario de un teatro, que quiere experimentar con el tema de la película Dogville de Lars von Trier: la acogida del otro. ¿Será acogida de forma diferente por esta comunidad? ¿Logrará escapar de los modos de explotación que el individuo despliega dentro de una sociedad capitalista? Tejiendo nuevamente vínculos entre cine y teatro, la directora brasileña Christiane Jatahy ofrece un juego inquietante con inversiones constantes, operado por las ambigüedades de los personajes y la presencia desestabilizadora de la pantalla y la cámara en el escenario. A través de este dispositivo escénico, la artista desplaza las perspectivas de la obra del cineasta danés. Nuevo teatro discursivo, con cambio de elementos, de mobiliario en escena, estático en la continuidad espectadora.

 

Sybilla "El hilo invisible"

Estructurada en 5 plantas, la exposición incluye piezas de diferente índole, soporte y formato, desde prendas de la diseñadora hasta las imágenes de sus colecciones, catálogos de las mismas, invitaciones, desfiles y artículos de prensa que ayudan a entender y contextualizar el universo de la diseñadora, a través de unos 80 conjuntos de indumentaria y otros 80 documentos.

El discurso museográfico se distribuye en cinco secciones: El hilo que hilvana, El hilo que urde, El hilo que trama, El hilo del tiempo y Un hilo de voz, a través de las cuales el visitante podrá sumergirse en el mundo de Sybilla, desde sus inicios hasta la actualidad.

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS POR DALÍ, ERNST, LAURENCIN Y TENNIEL

“Alicia en el país de las maravillas por Dalí, Ernst, Laurencin & Tenniel”, muestra las obras que, basándose en la inmortal obra de Lewis Carroll, realizaron Salvador Dalí, Max Ernst y Marie Laurencin. La exposición también presenta una nutrida representación de las estampas de las ilustraciones originales que John Tenniel hizo para la primera edición de la novela en 1865, las dos películas pioneras basadas en la publicación y el cortometraje “Destino”, de Walt Disney y Salvador Dalí, estrenado en 2003.

 

El caso Collini F. von Schirach

Después todos se acordarían: el camarero del servicio de habitaciones, las dos ancianas del ascensor, el matrimonio del pasillo de la cuarta planta. Dijeron que el hombre era enorme, y todos mencionaron el olor a sudor.  Collini subió a la cuarta planta. Fue mirando los números, habitación 400, suite Brandenburgo. Llamó a la puerta. -¿Sí?  El hombre que apareció en el marco d ela puerta tenia ochenta y cinco años, pero parecía mucho más joven de lo que esperaba Collini, a quien le corría el sudor por la nuca.  -Buenos días. Soy Collini, del Corriere della Sera. Lo dijo de manera casi ininteligible, preguntándose si el hombre le pediría que le enseñara una acreditación. - Ya, encantado. Pase, por favor. Será mejor que hagamos aquí la entrevista. El hombre le tendió la mano y Collini reculó: no quería tocarlo. Todavía no.

Todo comienza con un salvaje asesinato  y una llamada solicitando abogado de oficio que contesta  Caspar Leinen, joven abogado inexperto con mucho entusiasmo.  ¿Cuáles fueron los motivos que llevaron al acusado a cometer el atroz crimen? El asesino reconoce su crimen y se niega a dar explicaciones. Para más dificultad la víctima resulta ser un hombre al que Leinen conoció y apreció en su infancia y que era abuelo de un antiguo amor. No está basada en ningún caso real, pero revela problemas reales de la justicia alemana. Detrás de su aparente sencillez y brevedad se esconde una historia densa y apasionante. Muy recomendable.

Hiperrealismo en la colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza

Pequeña muestra de ocho pinturas hiperrealistas,  movimiento artístico basado en la reproducción pictórica de originales fotográficos.

La presente exposición se abre con dos vistas neoyorquinas, una más clásica (People’s Flowers, 1971) y otra más reciente (Autorretrato cerca del Oculus en el World Trade Center, 2017) del representante más icónico del hiperrealismo americano, Richard Estes (1932), Charles Bell (1935-1995) pertenece, igual que Estes, a la primera generación del movimiento. Sus naturalezas muertas evocan con nostalgia el mundo de la infancia: sus temas favoritos son los viejos juguetes de hojalata, las canicas, las máquinas expendedoras de chicles y las máquinas de pinball, como la incluida aquí (Noches tropicales, 1991).

Miembro destacado de la segunda generación del fotorrealismo americano, Don Jacot (1949-2021) se dio a conocer en la década de 1980 con paisajes de su Chicago natal; después frecuentó, como Bell, los bodegones con juguetes vintage, para volver al final de su carrera a las vistas urbanas, como la incluida en esta muestra (La 49 con Broadway, 2019).

Tanto Bertrand Meniel (1961) como Roberto Bernardi (1974) y Raphaella Spence (1978) pertenecen a las últimas generaciones del hiperrealismo, convertido ya en un movimiento plenamente internacional. Bertrand Meniel cultiva el paisaje urbano;  Lucky Dragon (2009) representa una esquina de Chinatown en San Francisco, combinando lo pintoresco más cercano y cotidiano (el bazar chino) con un hito monumental reconocible (la Pirámide Transamérica al fondo). La especialidad de Roberto Bernardi son los bodegones, coloristas y brillantes, de objetos de cristal y golosinas (Conejito en la esquina, 2019). Los dos cuadros de Raphaella Spence escapan a los temas habituales del repertorio hiperrealista para mostrarnos la exuberante vitalidad de la naturaleza (El sendero, 2019) y el alarmante deterioro del medio ambiente (Schweppes, 2022).

As bestas R.Sorogoyen

2022 España 137 min Drama Thriller Dirección Rodrigo Sorogoyen Con Marina Foïs, Denis Ménochet, Luis Zahera, Diego Anido, Marie Colomb, Luisa Merelas, José Manuel Fernández y Blanco, Xavier Estévez, Gonzalo García, Federico Pérez, Javier Varela, Pepo Suevos, Machi Salgado, Emile Duthu.

Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.

Desde la muy estética escena con la que arranca la película  en la que se reproduce a cámara lenta la tradicional fiesta gallega de A rapa das bestas  –un inteligente spoiler de los que se nos viene encima– la película va planteando el conflicto con un incremento de la tensión; desde las conversaciones en el bar  o la broma maliciosa en la carretera hasta las amenazas directas, en el que se van apuntando diferentes temas como el odio al extranjero, la propiedad de la tierra, la xenofobia y, sobre todo, la violencia masculina como herramienta para zanjar los problemas. La determinación de Antoine (Denis Ménochet), en la que arrastra a su mujer, Olga (Marina Foïs), frente a los partidarios de pactar con la multinacional energética va más allá de la derivada económica para enraizarse en una consideración emocional en la que unos hombres enfrentados defienden su supervivencia, su modo de vida, apelando a los instintos  más primitivos. As bestas es un retrato ambientado en la España vaciada,  que debido a su origen en hechos reales toma forma en la Galicia rural –aunque parte de la película está rodada en el Bierzo– pero que podría estar ambientado  en cualquier otro lugar porque, partiendo de su inicial consideración localista,  las conclusiones terminan siendo universales; acrecentadas por esa querencia hacia el western –enfrentamiento plasmado como duelo, el uso de la violencia más allá de la ley, la importancia del paisaje, la autoridad moral que da la pertenencia a un territorio– que favorecen la sensación de encontrarnos ante una obra  que no tiene fronteras. Rodada en gallego, francés y español.

Detente instante Una historia de la fotografía

Esta exposición ensaya una de las historias posibles de la fotografía desde su nacimiento hacia 1840 hasta hoy. Sin intención exhaustiva propone un relato del medio a través de trescientas fotografías en una cuidadosa selección que ha partido del ojo original de quienes primero las reunieron y conservaron: sus coleccionistas. Las obras son copias de época procedentes de dos colecciones excepcionales, pioneras y complementarias: las que han reunido a lo largo de cuatro décadas Dietmar Siegert en Alemania y Enrique Ordóñez e Isabel Falcón en España.

Detente, instante. Una historia de la fotografía presenta un panorama general histórico, geográfico y temático muy ambicioso. Esta historia comienza con la nueva mirada al mundo que significó la invención del medio y atraviesa la segunda mitad del siglo XIX, todo el XX y los inicios del XXI entre hallazgos, juego, conquistas y creación. En su final volvemos a encontrar aquella mirada del principio fluyendo en el presente, experimentando como entonces, reinterpretando visualmente el pasado y anticipando el futuro. En este relato, el público de la muestra –un público amplio, no solo especialistas o interesados en la fotografía– hallará un imponente friso histórico por el que transitar con la ayuda del trabajo de Irving Penn, Man Ray, Samuel Bourne, Sasha Stone, Jeff Wall, Cartier-Bresson, Arbus, Brassaï, Stieglitz, Fenton, Atget, Tillmans… Divida en seis "espacios" tiene el acierto de ser cronológica y a la vez presentar visiones actualizadas de algunas fotografías.  1-  Una nueva manera de ver el mundo  2- Orbis pictus 3- La ubicuidad de las imágenes  4- Surrealismo  5- Lo densidad de lo real  6- La mirada que fluye.

Visitas guiadas gratuitas de gran calidad.

Fernando del Berro Mujer portadora 2017

Ilse Bing

Compuesta por 190 fotografías además de material documental y se estructurada en torno a diez secciones: "Descubriendo el mundo a través de una cámara: los inicios", "La vida de las naturalezas muertas", "El cuerpo danzado y sus circunstancias", "Luces y sombras de la arquitectura moderna", "El hervir de la calle: los años franceses”, “La seducción de la moda”, “Estados Unidos en dos etapas”, “Revelaciones de la autoimagen”, “Retrato del tiempo” y “Naturaleza en vivo”, que hacen un recorrido cronológico y temático por la trayectoria del artista.

Ilse Bing (Frankfurt, 1899-Nueva York, 1998) nació en el seno de una familia judía acomodada. En 1929, y después de descubrir su vocación al preparar las ilustraciones para su tesis, abandonó la universidad para dedicarse por completo a la fotografía. Lo haría durante los siguientes treinta años, en una trayectoria artística y vital apasionante. En 1930 se trasladó a París, donde compaginó su dedicación al fotoperiodismo con trabajos personales, convirtiéndose en poco tiempo en una de las principales representantes de las tendencias renovadoras de la fotografía que surgían en la efervescencia cultural del París de aquellos años. Ante el avance del nazismo, en 1941 se exilió en Nueva York junto a su marido, el pianista Konrad Wolff. Dos décadas después, a la edad de sesenta años, abandonó su trabajo como fotógrafa y dirigió su creatividad a las artes plásticas y la poesía hasta su muerte, en 1998.

Su obra está influida por Das Neue Sehen (la Nueva Visión) de Moholy-Nagy, por la Bauhaus de la República de Weimar, y por André Kertész, así como por el surrealismo de Man Ray. Tal y como señala el comisario de la exposición, Juan Vicente Aliaga: "la posición en la que se sitúa Bing escapa a cualquier norma estricta u ortodoxia visual. En este sentido, se puede afirmar que estamos ante una mirada y una concepción de la fotografía bastante singulares en la que modernidad e innovación formal van de la mano de un talante humanista en el que anida una conciencia social". Ilse Bing perteneció a una generación de fotógrafas que, por primera vez, conseguía cierta visibilidad en el mundo de las artes y la cultura, entre ellas Germaine Krull, Florence Henri, Laure Albin-Guillot, Madame de Ora, Berenice Abbott —a quien Fundación MAPFRE dedicó una exposición en 2019—, Nora Dumas y Gisèle Freund.

Tous les hommes n'habitent pas le monde de la même façon J.P. Dubois

Il neige depuis une semaine. Près de la fenêtre je regarde la nuit et j'écoute le froid. Ici il fait du bruit.Un bruit particulier, déplaisant, donnant à croire que le bâtiemnt, pris dans un étau de glace, émet une plainte angoissante comme s'il souffrait et craquait sous l'effet d ela rétraction. A cette heure, la prison est endormie. Au bout d'un certain temps, quand on s'est accoutumé à son métabolisme, on peut l'entendre respirer dans le noir comme un gros animal, tousser parfois, et même déglutir. La prison nous avale, nous digère, et recroquevillés dans son ventre, tapis dans les plis numerotés de ses boyaux, entre deux spasmes gastriques, nous dormons et vivons comme nous le pouvons.

Cela fait deux ans que Paul Hansen purge sa peine dans la prison provinciale de Montréal. Il y partage une cellule avec Horton, un Hells Angel incarcéré pour meurtre. Retour en arrière : Hansen est super intendant a L'Excelsior, une résidence où il déploie ses talents de concierge, de gardien, de factotum, et - plus encore - de réparateur des âmes et consolateur des affligés. Lorsqu'il n'est pas occupé à venir en aide aux habitants de L'Excelsior ou à entretenir les bâtiments, il rejoint Winona, sa compagne.
Aux commandes de son aéroplane, elle l'emmène en plein ciel, au-dessus des nuages. Mais bientôt tout change. Un nouveau gérant arrive à L'Excelsior, des conflits éclatent. Et l'inévitable se produit. Une église ensablée dans les dunes d'une plage, une mine d'amiante à ciel ouvert, les méandres d'un fleuve couleur argent, les ondes sonores d'un orgue composent les paysages variés où se déroule ce roman.Une histoire d'un homme incarcéré qui aurait pu être intéressante sans ces sempiternelles digressions sur sa vie passée qui ralentissent et ennuient. Prix Goncourt 2019

Julio González, Pablo Picasso y la desmaterialización de la escultura

¿Cómo dar forma a la nada?, se preguntó Picasso cuando le encargaron realizar un monumento que conmemorara a su amigo Guillaume Apollinaire tras su fallecimiento en 1918. Esta cuestión, a la que el artista no daría respuesta hasta casi diez años más tarde, fue inspirada por un pasaje de Le Poète assassiné , una novela más o menos autobiográfica del escritor en la que el protagonista anunciaba su propia muerte. Cuando el poeta Croniamantal —que no es otro que Apollinaire— muere, «El pájaro de Benin» —que encarna a Picasso— anuncia que va a erigirle una estatua. «¿Una estatua de qué? —pregunta Tristouse, la novia del difunto—. ¿De mármol? ¿de bronce?» «No —contesta El pájaro de Benin—, tengo que esculpirle una profunda estatua de nada, como la poesía, como la gloria…»

Picasso, que conocía el trabajo de González, sabía que éste había estado investigando sobre la escultura metálica como evolución natural de su oficio como orfebre, y, sin duda, fue este hecho el que hizo que, cuando hubo de contestar a la pregunta formulada al comienzo de este epígrafe, llamara a su viejo amigo para que le ayudara. Lo primero que pensó Picasso fue en hacer una jaula, pues —como refiere Tomàs Llorens en uno de sus escritos sobre este episodio— «las jaulas dan forma al aire. Lo encierran sin encerrarlo, porque no hay nada más libre que el aire en una jaula».

La colaboración entre González y Picasso, amigos desde los tiempos de la Barcelona modernista, comenzó en septiembre de 1928. El proceso de trabajo conjunto se fue dilatando en el tiempo y finalmente no llegó a materializarse, al menos no de la manera prevista, por las continuas diferencias con el comité, que esperaba un monumento conmemorativo de carácter tradicional. A pesar de esto, sí que dio sus frutos. González creó una serie de esculturas desmaterializadas en las que trabajaría el resto de su trayectoria y que le valdrían, póstumamente, el reconocimiento de ser uno de los padres de la escultura abstracta en hierro, a pesar de que él mismo remarcó su lejanía con respecto a esta tendencia. Picasso, por su parte, aprendió las posibilidades del trabajo de forja y de la soldadura en hierro que le enseña González, así como a llevar a cabo alguna de las esculturas más relevantes del pasado siglo, como Mujer en el jardín.

 

A orillas del mar A. Gurnah

Rachel dijo que vendría más tarde, y a veces, cuando lo dice, lo hace. Me mandó una tarjeta- no tengo teléfono en el piso, me niego a tenerlo- en la que me pedía que la llamara si me venía mal la visita, pero no la he llamado; no veo la necesidad de hacerlo. Ya es tarde, así que no creo que venga, al menos hoy. Pero es verdad que en la tarjeta ponía "después de las seis". A lo mejor no era más que un gesto amable, una manera de hacerme saber que ha pensado en mí con el convencimiento de que me serviría de consuelo, y así es. No importa, a estas alturas me basta con que no aparezca a altas horas de la noche, rompiendo el elocuente silencio nocturno con una batería de explicaciones y disculpas, desgranando un plan tras otro hasta consumir el tiempo de oscuridad restante.

El libro es un retrato de dos inmigrantes solitarios, que vienen de dos generaciones diferentes, cada hombre tiene una visión diferente de su antiguo país, el mayor pasó la mayor parte de su vida allí, escapando a Inglaterra cuando todas las demás esperanzas se habían ido, y el más joven se fue como un estudiante, pero aun así, añorando las conexiones que dejó atrás. A medida que los dos hombres exploran el pasado y el anciano revela información que el joven nunca podría haber conocido, el ritmo se acelera hasta que el pasado y el presente se fusionan y cada uno de los hombres descubre verdades ocultas y nuevas fortalezas.

Las cartas pérdidas A. Climent

2021 España, documental, drama 1h15 Dirigida por Amparo Climent Con Alba Flores, Marisa Paredes, Julieta Serrano, Ana Belén, Nora Navas, Luisa Gavasa, Karmele Aramburu, Gloria Vega, Resu Morales, Ana Gracia, Ana Labordeta, Rosana Pastor.

Documental ficcionado que retrata cartas reales de mujeres exiliadas o encarceladas durante la Guerra Civil. Es un homenaje a las mujeres víctimas del franquismo y que sufrieron una doble represión, por ser mujeres y por ser republicanas. Cada carta es representada en la historia por una actriz, en los lugares donde realmente ocurrieron (cárceles de mujeres, campo de concentración para mujeres en Francia, etc), o en un espacio simbólico (Cementerio de la Almudena, Belchite, etc).

Emotiva, parcial, no me pareció un acierto la aparición de las actrices y un poco ridículo la uniformidad en el color, según la parte del documental. Merece ser visto por la poca producción cinematográfica que la temática tiene.

Argentina 1985 S. Mitre

2022  Argentina  USA 2h20 Director Santiago Mitre Con Ricardo Darín, Peter Lanzani, Norman Briski, Claudio Da Passano, Héctor Díaz, Alejandra Flechner, Alejo García-Pintos, Carlos Portaluppi, Brian Sichel.

Recreación dramática del llamado en Argentina “Juicio a las Juntas”, por el que fueron acusados en 1985 tras un decreto presidencial de Raúl Alfonsín, ante un tribunal civil y por violación de los derechos humanos, nueve militares que formaron parte de distintas juntas que gobernaron el país tras el golpe de estado de 1976. Se le puede reprochar a Santiago Mitre pasar de puntillas por las sesiones del proceso para centrarse en los preparativos y en la acumulación de pruebas por parte de un grupo de jóvenes abogados idealistas que en un tiempo récord recogen la serie de testimonios necesarios para sustanciar la acusación. Le falta al espectador de Argentina, 1985 las cínicas justificaciones de los criminales juzgados, de cuyas conductas no se arrepentían por considerar que estaban por encima del bien y del mal, escuchar las alegaciones de Jorge Rafael Videla, Emilio Eduardo Masera o Leopoldo Galtieri, personajes que apenas tienen relevancia cinematográfica en una película más centrada en el trabajo contrarreloj de los voluntariosos letrados. El resultado no puede ser otro que un film emotivo para quienes ya conozcan ese lamentable episodio de la reciente historia argentina adornado con algunos pasajes de thriller (las amenazas directas que recibe el fiscal Strassera y su familia por parte del entorno cívico militar que se quiere juzgar).

La película tiene rítmo y no se hace larga, buena interpretación de Darín.

Soif A. Nothomb

J'ai toujours su que l'on me comdamnerait à mort. L'avantage d ecette certitude, c'est que je peux accorder mon attention à ce qui le mérite: les détails. Je pensais que mon procès serait une parodie de justice. Il l'a été en effet, mais pas comme je l'avais cru. A la place de la formalité vite expédiée que j'avais imaginée, j'ai eu droit au grand jeu. Le procureur n'a rien laissé au hasard.  les témoins à charge ont défilé les uns après les autres. Je n'en ai pas cru mes yeux quand j'ai vu arriver les mariés de Cana, mes premiers miraculés.

Bon, dire que j'ai été déçu par Soif relèverait de l'euphémisme.
Pour l'histoire originale, il faudra repasser. Retracer le dernier jour du Christ et son chemin de croix n'a rien de bien inédit, et en plus Amélie Nothomb nous fait profiter de poncifs affligeants entre deux réflexions métaphysiques totalement incompréhensibles. Lu jusqu'a la pag 50/151

Une rose seule M. Barbery

On raconte que dans la Chine ancienne, sous la dynastie des Song du nord, un prince faisait chaque année cultiver un carré de mille pivoines dont, à l'orée de l'été, les corolles ondulaient dans la brise. Durant six jours, assis sur le sol du pavillon de bois où il avait coutume d'admirer la lune, buvant de temps à autre une tasse de thé clair, il observait celles qu'il appelait ses filles. A l'aube et au couchant il arpentait le carré. Au commencement du septième jour, il ordonnait le massacre.

Arrivée page 36... j'ai décroché. Rose est botaniste. Elle vient d'arriver à Kyoto (Japon) pour entendre la lecture du testament de son père qu'elle n'a pas connu. Elle sera escortée pendant quelques jours par l'homme de confiance de son père à la découverte des temples selon une feuille de route préparée par celui-ci. Au cours de ce périple, au milieu des fleurs qui foisonnent et d'une culture qui se dévoile si peu, elle va aller à la rencontre de son père et d'elle-même.
Bien sûr, c'est bien écrit. Bien sûr, c'est poétique.Mais qu'est-ce que c'est ennuyeux !

La particular memoria de Rosa Masur V. Vertlib

En la cocina de un piso comunal de Leningrado, ciudad que desde hacía poco volvía a llamarse San Petersburgo, aunque todo el mundo seguía diciendo Leningrado, la prostituta Svetlana narraba a sus vecinos sobre el lejano y fabulosamente hermoso Aix-en-Provence. Les hablaba de vastas avenidas y plátanos ancestrales, de cálidas veladas al sereno, de parejas que se abrazaban a la sombra de fachadas barrocas, de bares y de cafés repletos de gente, de los placeres de la vida y del arte de no hacer nada, de opulentas frutas y de platos con nombres de impronunciable belleza. En sus relatos, Svetlana evocaba la figura del último conde de Provenza, Renato el Bueno, a cuya vera ella había deambulado por las calles, cruzando ante edificios de estampa burguesa y ante suntuosos palacios nobles...

Autobiográfico en gran medida, Vertlib nació en Leningrado, su familia judia, sufrió todas las desgracias que relata Rosa.  El 750 aniversario de la ciudad alemana de Gigricht y el premio asociado es el pretexto que lleva a Rosa a contar su vida. A partir de la pag 380 cambia la historia, el drama y las injusticias, las humillaciones acaban. Aparece un Stalin héroe, asoma la luz y el sol de Aix, el sueño se ha hecho realidad.

El burlador de Sevilla T. de Molina

 Dirección y versión Xavier Albertí  Escenografía Max Glaenzel

Reparto:  Jonás Alonso: Anfriso / Ripio / Criado, Miguel Ángel Amor: Duque Octavio, Cristina Arias: Isabela / Belisa, Mikel Arostegui Tolivar: Don Juan, Rafa Castejón: Don Gonzalo de Ulloa, Antonio Comas: Rey de Castilla / Rey de Nápoles / Músico / Criado, Alba Enríquez: Arminta, Lara Grube: Doña Ana / Mujer, Álvaro de Juan: Marqués de la Mota / Soldado,  Arturo Querejeta: Padre de Don Juan / Embajador Don Pedro Tenorio, Isabel Rodes: Tisbea, David Soto Giganto: Batricio / Criado, Jorge Varandela: Catalinón

La escenografía, una larga mesa giratoria y un cortinaje que crean un espacio abstracto e impersonal. Un purgatorio para los sentimientos en el que todo está, como decía la vieja broma, a cero grados: ni frío ni calor. Tiene el montaje algún momento de belleza, como la lluvia fina que empapa a los actores, y una apuesta por el distanciamiento a través de la farsa también: Antonio Comas, actor y músico, combina su papel de Rey con números al piano y pito de caña -ese silbato que tiene toda chirigota que se precie-, una comicidad que choca con la austeridad expresiva del montaje.Las cuatro actrices aportan el fuego que les deja el código del montaje, escapándose como pueden con algo de emoción y talento, pero sin poder, claro, dejar de ser seres gélidos a los que cuesta asociar a una desgracia. Como ocurre con casi todo el reparto, son convidados de piedra también en esta historia. Don Juan burla a las mujeres y roba su honor -era entonces la prenda más valiosa- con burdos engaños como valerse de la oscuridad para hacerse pasar por otro. Falla el ritmo, la escenografía y el verso, se hace largo.
 

La cabeza del dragón L. Miranda

Escrita por Ramón María del Valle-Inclán con dirección de Lucía Miranda. Con Francesc Aparicio, Ares B. Fernández, Carmen Escudero, María Gálvez, Carlos González, Marina Moltó, Juan Paños, Chelís Quinzá, Marta Ruiz, Víctor Sáinz Ramírez y Clara Sans Voz en off  José Sacristán Escenografía Alessio Meloni Iluminación Pedro Yagüe Vestuario Anna Tusell

“Hemos convertido el María Guerrero en un tablado de marionetas gigante donde un elenco menor de 30 años nos va a sumergir en esta historia anacrónica que habla de la lucha de la juventud ante el designio heredado”, explica Miranda. “No va a haber títeres sobre el escenario”, matiza, pero sí que hay un trabajo con objetos. Y sobre todo, hay una propuesta escénica inmersiva que inunda el patio de butacas.

Gamberra, irreverente y muy divertida. Buen principio de temporada.

Dans le jardin de l'ogre L- Slimani

Une semaine qu'elle tient.Une semaine qu'elle n'a pas cédé. Adèle a été sage. En quatre jours, elle a couru trente-deux kilomètres. Elle est allée de Pigalle aux Champs Elysées, du musée d'Orsay à Bercy. Elle a couru le matin sur les quais déserts. La nuit, sur le boulevard Rochechouart et la place de Clichy. Elle n'a pas bu d'alcool et elle s'est couchée tôt. 

Mais cette nuit, elle en a rêvé et n'a pas pu se rendormir. Un rêve moite, interminable, qui s'est introduit en elle comme un souffle d'air chaud. Adèle ne peut plus penser qu'à ça. Elle se lève, boit un café très fort dans la maison endormie. Debout dans la cuisine, elle se balance d'un pied sur l'autre. Elle fume une cigarette. Sous la douche, elle a envie de se griffer, de se déchirer le corps en deux. Elle cogne son front contre le mur. Elle veut qu'on la saisisse, qu'on lui brise le cràne contre la vitre. 

Dans une addiction (ici, sexuelle), la volonté n'est plus maîtresse, la tentation impitoyable, le passage à l'acte euphorisant, l'arrière-goût amer, le manque atrocement frustrant. Adèle se retrouve piégée par ce cercle vicieux et infernal, marquée par de profondes blessures narcissiques, un manque probant de reconnaissance affective lorsqu'elle était enfant (dont la perverse "jalousie" de sa mère). Elle souffre et, quitte à exister pour les autres, elle se regarde s'autodétruire à petit feu...

Le premier homme Ferrandez

 Jacques Ferrandez (Scénario, Dessin, Couleurs) / Albert Camus (Adapté de) 2017

Albert Camus en est le symbole: l'Algérie, ce n'était pas si simple... Algérie, automne 1913, en pleine nuit, sous la pluie. Pelotonnés sur le siège d’une petite voiture, deux hommes hâtent leur attelage pour arriver le plus vite possible à Solferino. Le plus jeune des deux, en quête d’une vie meilleure, vient s’y installer avec sa famille. Allongée à l’arrière, sa femme est sur le point de donner naissance à leur deuxième enfant.

Arrivé à destination, Henri Cormery installe sommairement son épouse dans la modeste maison qui sera désormais la leur, saute à cru sur un cheval, et part à la recherche du médecin le plus proche. Lorsqu’il revient, il trouve son fils Jacques né des mains de la sage-femme du village. Avant de s’endormir, il songe au travail qu’il faudra entreprendre dès le lendemain dans le domaine dont il est à présent le gérant.

 « Un homme, ça s’empêche ! Voilà ce qu’est un homme, ou sinon… Moi, je suis pauvre. Je sors de l’orphelinat, on me met cet habit et on me traîne à la guerre… Mais je m’empêche !!! »

Le dessin accompagne avec fidelité le récit de Camus, la beauté de l’image atténue presque trop l’âpreté et la rudesse véhiculées par le texte du roman.

Ali & Ava C. Barnard

2021 Reino Unido 1h35 Drama Dirección Clio Barnard Intérpretes:  Adeel Akhtar, Claire Rushbrook, Ellora Torchia, Shaun Thomas, Natalie Gavin, Mona Goodwin, Krupa Pattani, Vinny Dhillon, Tasha Connor.

Ava es mitad británica y mitad irlandesa, tiene varios hijos de distintos padres y es ayudante en un colegio. Siente que no se merece una oportunidad en el amor ni ser feliz. Pero todo cambia cuando conoce a Ali; se abre a él y le cuenta sus pasados éxitos académicos y sus relaciones, estableciendo así un vínculo que le era ajeno desde hacía mucho tiempo. Ava ofrece simpatía, empatía y comprensión en medio de tanto sufrimiento. El hecho de que su madre esté saliendo con un hombre paquistaní hace que su hijo, Callum se enfrente a ellos. Barnard muestra mucho estilo a la hora de retratar personas y lugares en Bradford. Plasma un sentido de comunidad capaz de crear problemas y encontrar soluciones. Todo está rodado con mucho gusto y bien orquestado hasta el tramo final. Se usa con inteligencia la música, que marca el “mood” del film, con temas de Karen Dalton, Buzzcocks, La Roux, Daniel Avery, The Specials o Sylvan Esso, aunque es Bob Dylan el que marca el momento en que la relación entre Ali y Ava se acerca a la madurez.

 

Otra vida por vivir T.Kallifatides

El año pasado, en invierno, unos cuantos días antes de Navidad, me invitaron a un acto literario panescandinavo en Helsingborg, la segunda ciudad más grande del sur de Suecia, con unos cien mil habitantes mñas o menos.  Estaba muy emocionado. Yo representaba a Suecia y, sentados a mi lado, había buenos y conocidos escritores, dotados además con otras virtudes. La danesa era elegantísima, la noruega muy bella y muy joven, el finlandés-sueco tenía su gracia. Yo era el más viejo de todos, algo que desde hace varios años me ocurre a menudo y que considero un privilegio. La mayor parte d ela gente me deja en paz, sólo algunos entusiastas se me acercan para que les firme libros escritos hace veinte o treinta años.

Narración aparentemente errática va centrándose en algunos conflictos importantes, el autor tiene una perspectiva privilegiada al contemplar cómo Suecia cerró la frontera a los refugiados griegos, o al ver cómo la UE exigía a Grecia la devolución del dinero de los rescates, sumergidos en su peor crisis económica. Las apostillas que Kallifatides hace a lo que significa ser griego y, por ende, a lo que significa ser europeo son irrebatibles. Todo ello le lleva también a detenerse en la libertad de expresión. En unos tiempos en que “libertad” parece definirse, ante todo, como el derecho a ofender a los demás, y en años en que es “tendencia” defender apasionadamente la libertad de expresión pero sólo a condición de que expreses lo que ellos expresan o expresarían… Kallifatides media como los viejos clásicos de su país: “Si queremos entendernos unos a otros, ante todo debemos aceptar que el otro existe y que es probable que crea en cosas distintas de las que creemos nosotros. En una relación de igualdad no hay sino derechos recíprocos y obligaciones recíprocas. Respétame para que te respete, escúchame para que te escuche. […] Una cultura no puede ser juzgada sólo por las libertades que se toma, también se juzga por las que no se toma. Hay cosas que no se prohíben, pero eso no significa que se permitan”.

Clara Campoamor Rodríguez: mujer y ciudadana (1888-1972)

La exposición se propone conmemorar el cincuentenario de la muerte de Clara Campoamor (30 de abril de 1972), una de las primeras abogadas españolas, diputada en las Cortes de la II República durante el primer bienio y activa feminista. Dedicó gran parte de su vida a la defensa de la libertad y de la igualdad, principios sagrados de la democracia, y, expresión de ellas, a la reivindicación de los derechos de las mujeres.

Clara nació en Madrid en 1888. Se cumplían cuarenta años de la reunión de Seneca Falls (New York, junio de 1848), que articuló el sufragismo anglosajón, y una década del primer debate en el Congreso de los Diputados sobre el reconocimiento del derecho electoral a las españolas. Pareciera que fuese un guiño del destino. Sin embargo, la situación femenina en ese momento no permitía aventurar que Clara llegase a convertirse en la figura de reconocido prestigio que alcanzó a ser.

Huérfana de padre muy pronto, desempeñó diversos empleos antes de cursar bachillerato ya adulta, licenciarse en Derecho (1923) e iniciar el ejercicio de la abogacía.

Dos temas le atrajeron especialmente: la lucha contra las discriminaciones legales que sufría la mujer y la defensa de la paz. A los dos dedicó su actividad pública como conferenciante, abogada, diputada y delegada de España ante la Sociedad de Naciones (1931-1933).
Feminista de arraigadas convicciones, ayudó a fundar la “Juventud Femenina Universitaria”, el “Lyceum Club” y la “Federación Internacional de Mujeres de Carreras Jurídicas”. En octubre de 1931 creó la “Unión Republicana Femenina” para combatir el ambiente adverso al voto femenino.

Clara llega a la política en las filas del Partido Radical. Es elegida diputada en las primeras Cortes de la II República por la provincia de Madrid, en las que destacó su alegato en pro del voto femenino, su intervención sobre la ley del divorcio y su apoyo a las reformas legales a favor de la mujer. Al no ser reelegida en 1933, el gobierno radical-cedista le nombró “Directora General de Beneficencia”. Dimitió tras la represión de la Revolución de Asturias (octubre, 1934) y abandonó definitivamente su partido en enero del año siguiente. Al estallar la guerra, abandonó el país, no sin antes publicar Mi pecado mortal. El voto femenino y yo, donde defiende su trayectoria política. En el exilio se dedicó a escribir: prensa, traducciones, biografías…, pero teniendo siempre en mente el regreso a España. Fracasados varios intentos, el anhelo seguía vivo cuando falleció en Lausanne en 1972. 

La muestra persigue que el visitante se acerque a la trayectoria vital de Clara Campoamor para conocer sus luchas, sus conquistas y, también, sus frustraciones. El recorrido aparece inscrito en un doble contexto: internacional, referido a los primeros movimientos feministas que informan su pensamiento, y nacional, que recoge la posición de las mujeres en la sociedad y su evolución durante los años anteriores a la guerra civil. Hacerlo así, permite entender el significado de su figura en la época, el intencionado olvido al que es sometida durante el franquismo, y la recuperación de su legado desde el retorno de la democracia como protagonista de la memoria histórica y democrática de nuestro país.