Sur un coup de tête, Freddie, 25 ans, retourne pour la première fois en
Corée du Sud, où elle est née. La jeune femme se lance avec fougue à la
recherche de ses origines dans ce pays qui lui est étranger, faisant
basculer sa vie dans des directions nouvelles et inattendues. Personnage
principal antipathique, paumée dans sa vie, paumée dans un film
énervant où il ne se passe rien. Après si c'est le but recherché c'est
réussi.
Librement inspiré de la vie de Laure Badufl
Salimos de Dansha hacia Wereta en un autobús lleno hasta los topes donde hacía mucho calor y apestaba a sudor. El aire era denso, costaba respirar. La carretera de tierra seca era estrecha y cada vez que nos cruzábamos con otro vehículo parecía que nos íbamos a salir de ella. Había muchos baches y el conductor se veía obligado a frenar constantemente para esquivarlos y evitar volcar. El autobús se movía como un barco en medio del océano durante una tormenta. Yo iba sentada al lado de la ventana, con mi hermano pequeño en el regazo; tenía siete años y él tres, pero no me pesaba nada. Mikaele tenía mucha fiebre y estaba tan débil que ya ni lloraba. Aunque si hubiera llorado de sed o de hambre tampoco habría podido darle nada. Ya nos habíamos terminado el dabo y no nos quedaba agua.Viajábamos sin equipaje, solo con un puñado de birrs, todo lo que teníamos lo llevábamos puesto Aunque el cristal estaba bastante sucio, podía ir mirando el paisaje plano que íbamos dejando atrás.
Adoptada por una familia acomodada catalana cuando tenía siete años, Ennatu consciente de su doble identidad lucha por mantener el contacto con sus orígenes a pesar de no tener ya lazos familiares en Etiopía. Tras estudiar en Canterbury, Bruselas se especializa en resolución de conflictos. Toca temas como las identidades, el feminismo, el racismo, la pobreza y la falta de oportunidades para acceder a la educación que tanto dolor produce. En adopciones como la suya, hasta qué punto la vuelta hacía la cultura de origen puede ser una necesidad y hasta qué punto una oportunidad?
Mon existence se compose de deux parties bien distinctes: elles forment un contraste complet; la première, toute de songe et d'étude; la seconde, toute d'événements, comme si les aspirations de la période de calme avaient pris vie dans la période de lutte.
Dans ses Mémoires de 1886, on découvre une Louise Michel tour à tour adolescente facétieuse, institutrice féministe, révolutionnaire patentée, déportée en Nouvelle-Calédonie, combattante anarchiste, passionnée d’art et de science, enthousiaste de la nature... On découvre aussi la Louise Michel qui pense, qui parle et qui écrit, la plume acérée, la sensibilité à vif, la conscience intrépide.
Pintora,
escultora Leonora Carrington
(Clayton-le-Woods, Lancashire, 1917-Ciudad de México, 2011) fue una de
las artistas más relevantes en las filas del surrealismo. Su trayectoria
artística estuvo siempre marcada por su agitada biografía, que hizo de
ella una persona excéntrica y trágica. Pero su obra no debe
interpretarse sólo como la manifestación de una mente inestable. Muy al
contrario, es el fruto de una extraordinaria imaginación, creadora de un
mundo estético, simbólico y conceptual no siempre fácilmente
descifrable. Artista versátil, continuamente en busca de nuevas formas
de expresión, sus pinturas, dibujos, escritos, tapices o esculturas nos
hablan de aspectos del ser humano (el miedo, el dolor, la alegría, la
extrañeza o la felicidad) de una forma directa, que nos interpela y
enfrenta a contrastar nuestras propias certezas e incertidumbres.
La muestra se despliega a lo largo de 10 secciones en las que el relato cronológico se combina con la presentación de los temas más destacados en la obra de esta singular artista: desde su formación y las influencias tempranas que recibe en Inglaterra y Florencia hasta el contacto con los surrealistas en París, pasando por su época en Saint-Martin-d’Ardèche, su traumática experiencia en España, la emigración a Nueva York y a México como nueva patria.
El vídeo que se proyecta con entrevista a Leonora ya al final de su vida es muy interesante y da una visión inesperada de la artista que era mucho más cabal y divertida de lo que creía. No conocía esta artista y me ha resultado impactante su mundo, muy bello, lleno de fantasía y a la vez crueldad. Como un cuento infantil. (de los de antes).
In the summer of 1981, nine-year-old Cáit is one of many siblings,
living with her impoverished and neglectful parents in rural Ireland. We
see that she is afraid in some way, hiding in her bedroom. We see her
struggling at school, and being shamed when a cup of tea is spilled onto
her lap, trying to hide it. With her mother pregnant again, it is
decided to send their quiet daughter away to live with middle-aged
distant cousin Eibhlín Cinnsealach (Kinsella) and her husband Seán. Poco a poco, con el cuidado de los Kinsella, Cáit florece y descubre una nueva forma de vida. Pero en esta casa donde crece el afecto y se supone que no hay secretos, descubrirá una dolorosa verdad. Hermosa película sobre la infancia y su fragilidad.
La muestra, que abarca
cuarenta años de trayectoria del artista, de 1982 a 2022, se concentra
en torno a 195 fotografías en blanco y negro y en color y ofrece un
itinerario lineal, un todo continuo por la obra de Zuviría solo
interrumpido por las series «Siesta argentina», la más conocida y
política, y «Frontalismo», gran ejemplo de su inclinación por la
composición y la simetría.
La muestra está integrada por 45 obras entre pinturas, dibujos, acuarelas y esculturas, presentándose la mayoría de ellas por primera vez en València. El recorrido por la sala se articula en cinco secciones que responden a las temáticas centrales de toda su obra: carnaval, circo y baile; el plein air; naturaleza muerta; universo femenino; y el desnudo. Son todos ellos temas recurrentes en sus creaciones que están vinculados a sus raíces colombianas y a la importancia de las relaciones humanas. Las diferentes escenas que se pueden contemplar en la exposición muestran la capacidad de Fernando Botero para abordar en sus composiciones los grandes temas de la historia del arte y, al mismo tiempo, escenas de la vida cotidiana.
En sus obras, presencias inmensas se intercalan con miniaturas en espacios reales o inventados que a veces parecen decorados. Botero crea en la tela un conjunto que parece masivo y juega con los distintos planos y las proporciones de los objetos y los personajes que forman la composición, y que gozan de una integridad volumétrica. Se trata de un juego de planos y proporciones que a veces produce un efecto naif, que retrotrae a la pintura de Le Douanier Rousseau.
La muestra realiza un recorrido cronológico que revela la evolución en la producción artística de Genovés, marcada por el protagonismo de la figura humana, que ha reflejado en sus obras de distinta manera y mediante la que ha tratado temas como la vida y la muerte, la guerra, las relaciones o los comportamientos sociales.
Integrada por más de 70 obras, la exposición profundiza en un artista
que siempre estuvo comprometido con su tiempo e implicado en la
realidad política y social del momento de la que dejó un valioso
testimonio. La muestra cuenta con algunas de sus obras más icónicas como
El abrazo (1976) , así como cuadros
inéditos que se presentan por primera vez al público, entre ellos el
lienzo inacabado en el que estaba trabajando antes de su muerte en 2020.
El conjunto de obras presentadas procede de más de 25 instituciones públicas y privadas así como de colecciones particulares, de la colección de la Fundación Bancaja y de la colección de la familia del artista. Junto con las obras, se exponen fotografías de Genovés en su taller y se proyecta el audiovisual Genovés. 100×100. Encendido, realizado por Ana Morente.
La literatura siempre ha sido una fuente de inspiración para Jaume Plensa. T.S. Eliot, William Shakespeare, Dante, Goethe o Vicent Andrés Estellés son algunos de los escritores que le han acompañado a lo largo de su vida y que le han servido de inspiración para infinidad de obras. Esa influencia literaria se extiende también a la propia letra como elemento con el que compone sus esculturas. La exposición muestra cómo Plensa ha utilizado las letras de muy diversas formas, bien fuera en cortinas, en gongs o en el cuerpo humano, quizás sus obras más conocidas. Esa intersección del lenguaje con el cuerpo humano es una de las bases del trabajo de Plensa. Tal y como explica el artista, “una letra no parece nada, es algo humilde, pero unida a otras forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento”.
El escultor empezó con el alfabeto latino para ir incorporando otros alfabetos como por ejemplo el hebreo, el árabe, el chino, el japonés, el griego, el cirílico, el coreano, el hindi, etc. Para Plensa cada letra tiene una belleza única pero todas juntas son una muestra de la diversidad del mundo y de la convivencia entre distintas culturas.
La retrospectiva incluye tanto obra de gran y mediano formato como la
obra más íntima realizada por Plensa en pequeño formato. Junto con la
presencia de la literatura como fuente de inspiración, en la exposición
están presentes otras constantes temáticas en su trayectoria como el
silencio, el sueño y el deseo, la música y la familia.
L'époque (les 30 glorieuses) est narrée avec précision , les personnages sont hauts en couleurs, il y a la guerre (toujours), des meurtres, une escroquerie, quelques trahisons et de l'amour. Beaucoup d'amour. Ce roman est un véritable condensé des passions humaines par l'entremise d'une famille, les Pelletier père et mère et de leurs 4 enfants : Jean, François, Étienne et Hélène. C'est dépaysant (on voyage de Beyrouth à Paris en passant par Saïgon), virevoltant, addictif.
Ces débats, dont elle reproduit quasiment le verbatim, Diop les met en scène de façon très austère, à travers de longs monologues filmés souvent face caméra, juste entrecoupés de plans sur le public dans la salle d’audience, notamment sur le visage totalement impassible de Rama… on s’ennuie copieusement. On a hâte que le générique de fin arrive.
La condición de texto infinito hace referencia al conjunto de cuentos populares como un intento de la humanidad por dotarse de un modelo narrativo polivalente e ilimitado, en conexión con las más radicales preocupaciones del ser humano y de la sociedad. El cuento popular es el modelo más perfecto inventado por la humanidad como tentativa de un texto infinito, que lo diga y que lo explique todo, en cada tiempo y en cada circunstancia. Un laborioso sistema de cuento y contra cuento gracias al cual el propio sistema se cuestiona a sí mismo, se auto corrige y se adelanta a sus propias roturas, creando nuevos sistemas. Esta obra se llama Obra infinita porque es una obra de memorias y oralidades, de cuentos populares y canciones, que atraviesan el tiempo y pueden imaginar el futuro.
Defrauda, falta técnica, ritmo y encanto.
Tras la Semana de la moda, Carl y Yaya, pareja de modelos e influencers, son invitados a un yate en un crucero de lujo. Mientras que la tripulación brinda todas las atenciones necesarias a los ricos invitados, el capitán se niega a salir de su cabina, a pesar de la llegada inminente de la célebre cena de gala. Los eventos toman un giro inesperado y el equilibrio de poder se invierte cuando se levanta una tormenta que pone en peligro el confort de los pasajeros.
Desternillante.
Kingdom cuenta la historia de dos familias que se alejan del mundo moderno para vivir en armonía con la naturaleza. Pero tras vivir unos años en un entorno tan hostil como maravilloso empiezan a aflorar las sospechas y los resentimientos cuando discuten sobre la forma en que se dividen la tierra, que empiezan a considerar injusta, de modo que altera esa armonía precaria en la que viven y desemboca en una tragedia. Kingdom es una fábula épica sobre el reparto de la tierra, el pecado original, una historia nunca escrita, la vuelta a la vida en la naturaleza, los viandantes, los ojos vueltos hacia el río, las guerras entre familias, los helicópteros, los cazadores furtivos, los incendios… Un poco rollo
Inmenso, magnífico Carlos Hipólito en el papel de Josef K., el gerente bancario que un buen día despierta en medio de una pesadilla cada vez más incomprensible, insólita, sin sentido y claustrofóbica, que permanece en escena durante la algo más de hora y media de duración del montaje, el espectador siente como una sensación creciente de malestar se adueña de él, transmitida por el personaje protagonista de ‘El proceso’.
El ambiente siniestro, oscuro, amenazador, lo marca desde el principio la música de José María Sánchez-Verdú, que preanuncia ya el calvario que, desde el primer instante va a vivir Josef K. “…Sin haber hecho nada, una mañana fui detenido. La cocinera, la Señora Grubach, mi casera, que me traía todos los días el desayuno a eso de las ocho, no había aparecido… Esperé un rato más, y luego después, un hombre al que no había visto nunca se adentró en mi habitación. ¿Quién es usted...?”. Junto a ese primer hombre, aparece otro. Ambos van a informar a Josef K. de que se le acaba de abrir un procedimiento judicial cuya causa desconocen. Le comunican que debe presentarse de inmediato en los juzgados para aclarar su situación. A partir de ese momento, la vida de K. se va a ver atrapada en un absurdo, amenazante, asfixiante, interminable proceso que irá minando la voluntad y la fuerza del acusado. Y el espectador, que asiste con la misma impotencia que el protagonista a su proceso, no acaba de saber muy bien si forma parte del sistema que lo acusa, o puede llegar a ser el próximo acusado…
La escenografía de Mónica Boromello marca unas mamparas móviles y transparentes y conecta permanentemente el escenario con el patio de butacas. Ni siquiera la libertad condicional que el acusado Josef K. logra en un momento determinado de su proceso, al margen del letrado Huld o el pintor Titorelli le va a servir para escapar del sistema. Un sistema que no solo desconoce la verdad, sino que utiliza la mentira como arma política cotidiana contra el ciudadano porque los principios morales ya han desaparecido. Un sistema que, como ya se anuncia desde el principio, acabará con la vida del acusado de forma obscena, ilegal, cobarde, miserable… Será a las afueras de la ciudad y a manos de dos guardias, esbirros kamikazes del sistema, que lo acuchillarán sin misericordia alguna. ¿Seré yo el siguiente?, puede llegar a preguntarse el bondadoso, paciente y pacífico espectador…
La propuesta de Ernesto Caballero es soberbia, irreprochable. Una auténtica lección de teatro, que remueve, que inquieta, que denuncia y que pone al espectador frente a su propia realidad.
Texto donde se diluyen las fronteras entre realidad y
ficción en un juego de espejos que enfrenta a José Saramago y
el propio autor, para conformar una profunda reflexión sobre la escritura, la inspiración y las adversidades propias de la vida creativa. En la Lisboa de finales de los noventa, el camino de un joven
escritor en plena crisis creativa -tal vez el propio Peixoto cuando
comenzaba- se cruza con el de un gran escritor: Saramago. De esa
relación nace esta historia. Parece que el desenlace es sorprendente, no pasé de la pág 106.