La república era esto. A. Al Aswani

El general Ahmad Alwani no necesitaba despertador. Tan pronto el almocrí convocaba al primer rezo, se espabilaba. Tumbado en la cama con los ojos abiertos, permanecía murmurando las palabras de la llamada a la oración. Poco después, se dirigía al baño, hacía las abluciones aprisa y se acomodaba el pelo negro, teñido con esmero, salvo por un par de mechones canosos rebeldes que dejaba a ambos lados de la frente. A continuación se ponía su elegante chándal y se dirigía a la mezquita cercana. El jefe de la guardia le había pedido más de una vez que construyera una mezquita dentro de la villa, con el fin de facilitarle su protección , pero el general Alwani declinaba la idea. Le gustaba rezar entre la gente, como cualquier otra persona normal, así que cruzaba la calle a pie, rodeado de cuatro hombres de la escolta, que vigilaban el recorrido con sus armas listas para abrir fuego en cualquier instante. Luego, a la puerta de la mezquita, se dispersaban: dos de ellos permanecían en el exterior, y los otros dos se quedaban de pie dentro del recinto, custodiando su persona mintras él rezaba...

¿Qué ocurrió durante los dieciocho días de protestas multitudinarias? Alaa al Aswani estaba allí, entre todas las personas que salieron a las calles a luchar por su futuro,  presenció toda la violencia por parte de los militares y decidió plasmarlo en su libro.

Sorolla en negro

La exposición dirige la atención hacia el color negro a partir de la aparente contradicción que supone asociar a Sorolla —pintor de la luz y el color— con el negro. De este modo, Sorolla en negro es una exposición que tiene la fuerza de un oxímoron: anuncia lo contrario que uno espera ver del pintor.

La intensa luz del Mediterráneo, las escenas llenas de color, los blancos de infinitos matices son los rasgos con los que se identifica al pintor Joaquín Sorolla y su vasta producción. Sin embargo, el negro, que puede considerarse como la antítesis del color, la oscuridad misma, también está presente de manera notoria en su paleta. 

De hecho, la exposición cuestiona la idea de que el color negro, y cuanto significa, está reñido con la poética del pintor valenciano. La propuesta curatorial niega, pues, una gran parte de la tradición crítica en torno a Sorolla, empezando por sus propios contemporáneos. Se ha reunido una cuidada selección de más de 62 obras procedentes tanto de la colección del Museo como préstamos de instituciones y de colecciones particulares. Algunas de las obras expuestas, especialmente las de coleccionistas particulares, permanecían inéditas para el conocimiento del público como María pintando, 1911 o Retrato de Manuel Bartolomé Cossío, 1908.

Picasso/Chanel

Pablo Picasso y Gabrielle Chanel colaboraron profesionalmente en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antígona (1922) y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev Le Train Bleu (1924). Se conocieron en torno a la primavera de 1917, seguramente a través del propio Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de entonces, Chanel frecuentará al matrimonio Picasso, coincidiendo con la activa participación del artista en los ballets rusos.  El museo propone una exposición que explora la relación de estos dos grandes genios creadores del siglo XX, volviendo a reunir arte y moda en un nuevo proyecto expositivo. La muestra se organiza en cuatro grandes secciones que se suceden en orden cronológico y abarcan, aproximadamente, de 1910 a 1930.

El estilo Chanel y el cubismo presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de Chanel ya desde sus primeros e innovadores diseños: el lenguaje formal geometrizado, la reducción cromática o la poética cubista del collage se traducen en trajes de líneas rectas y angulosas, en su predilección por los colores blanco, negro y beige, y en la utilización de tejidos humildes y con texturas austeras. Olga Picasso, el segundo capítulo, está dedicado a los numerosos y bellos retratos que Picasso realizó de su primera mujer, la bailarina rusa Olga Khokhlova, devota clienta de Chanel; junto a ellos, algunos vestidos de este periodo inicial de la diseñadora francesa, de los que se conservan escasos ejemplos. Antígona, adaptación moderna de la obra de Sófocles realizada por Cocteau, se estrenó en París en 1922, con decorados y máscaras de Picasso y vestuario de Chanel, que vuelven a reunirse en este capítulo para mostrar su común inspiración en la Grecia clásica. 

 

Le Train Bleu es el título del cuarto apartado y del ballet producido por Diághilev en 1924, con libreto de Cocteau, inspirado en el deporte y la moda de baño; Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), un pequeño gouache que Diághilev descubrió en el taller de Picasso, se convirtió en imagen para el telón de la obra, y el pintor aceptó también el encargo de ilustrar el programa de mano, mientras que Chanel entusiasta deportista, creó trajes para los bailarines inspirados en modelos deportivos diseñados para ella misma y para sus clientes.

Dans la mesure de l'impossible T.Rodrigues

Texte et mise en scène Tiago Rodrigues avec Adrien Barazzone, Beatriz Brás, Baptiste Coustenoble, Natacha Koutchoumov et Gabriel Ferrandini (musicien) 2h 

Écrit à partir d’entretiens avec une trentaine de collaborateurs du Comité international de la Croix-Rouge et de Médecins sans frontières, le spectacle, créé à la Comédie de Genève en février 2022, restitue l’expérience des travailleurs de l’humanitaire. Quatre comédiens s’adressent à nous comme s’ils répondaient à nos questions : comment diriger un camp de réfugiés ? Comment faire face à un choix de vie ou de mort ? Comment continuer quand on sait que l’on ne va pas changer le monde ? Loin de notre univers où les choses sont possibles, les personnages évoluent dans celui de l’impossible, où la guerre, la famine et la violence détruisent l’avenir et font basculer les existences dans une autre réalité.
Aucune indication géographique ni historique ne situe ce qui nous est raconté ; sans tomber dans le sentiment ni la morale, c’est le vécu quotidien et intime de ceux qui refusent le titre de “héros” qui est au centre de ce théâtre de la parole. Au plateau,un immense tissu est déployé pour devenir tour à tour tente, hôpital, montagne...

Convoquant plusieurs langues et porté par quatre comédiens et un musicien, le récit ouvre des images sans jamais les imposer, touche à l’insoutenable sans jamais le montrer. Et, lorsque les mots ne suffisent plus, la batterie prend le relais, comme pour approcher l’indicible. Trop long, faut il épuise les exemples de frustration dans l'humanitaire? Quatre langues ça reste un échantillon.

"La différence entre le possible et l'impossible se trouve dans la détermination". Gandhi

Entre chien et loup Jatahy

Dramaturgia, dirección y adaptación fílmica Christiane Jatahy RepartoVéronique Alain, Julia Bernat, Paulo Camacho, Azelyne Cartigny, Philippe Duclos, Vincent Fontannaz, Delphine Hecquet, Viviane Pavillon, Matthieu Sampeur y Valerio Scamuffa  Escenografía e iluminación  Thomas Walgrave Duración 1h45 aprox

Para no sufrir más la opresión de un régimen que gira hacia el fascismo, Graça se va. Encuentra refugio en una comunidad, presente en el escenario de un teatro, que quiere experimentar con el tema de la película Dogville de Lars von Trier: la acogida del otro. ¿Será acogida de forma diferente por esta comunidad? ¿Logrará escapar de los modos de explotación que el individuo despliega dentro de una sociedad capitalista? Tejiendo nuevamente vínculos entre cine y teatro, la directora brasileña Christiane Jatahy ofrece un juego inquietante con inversiones constantes, operado por las ambigüedades de los personajes y la presencia desestabilizadora de la pantalla y la cámara en el escenario. A través de este dispositivo escénico, la artista desplaza las perspectivas de la obra del cineasta danés. Nuevo teatro discursivo, con cambio de elementos, de mobiliario en escena, estático en la continuidad espectadora.

 

Sybilla "El hilo invisible"

Estructurada en 5 plantas, la exposición incluye piezas de diferente índole, soporte y formato, desde prendas de la diseñadora hasta las imágenes de sus colecciones, catálogos de las mismas, invitaciones, desfiles y artículos de prensa que ayudan a entender y contextualizar el universo de la diseñadora, a través de unos 80 conjuntos de indumentaria y otros 80 documentos.

El discurso museográfico se distribuye en cinco secciones: El hilo que hilvana, El hilo que urde, El hilo que trama, El hilo del tiempo y Un hilo de voz, a través de las cuales el visitante podrá sumergirse en el mundo de Sybilla, desde sus inicios hasta la actualidad.

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS POR DALÍ, ERNST, LAURENCIN Y TENNIEL

“Alicia en el país de las maravillas por Dalí, Ernst, Laurencin & Tenniel”, muestra las obras que, basándose en la inmortal obra de Lewis Carroll, realizaron Salvador Dalí, Max Ernst y Marie Laurencin. La exposición también presenta una nutrida representación de las estampas de las ilustraciones originales que John Tenniel hizo para la primera edición de la novela en 1865, las dos películas pioneras basadas en la publicación y el cortometraje “Destino”, de Walt Disney y Salvador Dalí, estrenado en 2003.

 

El caso Collini F. von Schirach

Después todos se acordarían: el camarero del servicio de habitaciones, las dos ancianas del ascensor, el matrimonio del pasillo de la cuarta planta. Dijeron que el hombre era enorme, y todos mencionaron el olor a sudor.  Collini subió a la cuarta planta. Fue mirando los números, habitación 400, suite Brandenburgo. Llamó a la puerta. -¿Sí?  El hombre que apareció en el marco d ela puerta tenia ochenta y cinco años, pero parecía mucho más joven de lo que esperaba Collini, a quien le corría el sudor por la nuca.  -Buenos días. Soy Collini, del Corriere della Sera. Lo dijo de manera casi ininteligible, preguntándose si el hombre le pediría que le enseñara una acreditación. - Ya, encantado. Pase, por favor. Será mejor que hagamos aquí la entrevista. El hombre le tendió la mano y Collini reculó: no quería tocarlo. Todavía no.

Todo comienza con un salvaje asesinato  y una llamada solicitando abogado de oficio que contesta  Caspar Leinen, joven abogado inexperto con mucho entusiasmo.  ¿Cuáles fueron los motivos que llevaron al acusado a cometer el atroz crimen? El asesino reconoce su crimen y se niega a dar explicaciones. Para más dificultad la víctima resulta ser un hombre al que Leinen conoció y apreció en su infancia y que era abuelo de un antiguo amor. No está basada en ningún caso real, pero revela problemas reales de la justicia alemana. Detrás de su aparente sencillez y brevedad se esconde una historia densa y apasionante. Muy recomendable.

Hiperrealismo en la colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza

Pequeña muestra de ocho pinturas hiperrealistas,  movimiento artístico basado en la reproducción pictórica de originales fotográficos.

La presente exposición se abre con dos vistas neoyorquinas, una más clásica (People’s Flowers, 1971) y otra más reciente (Autorretrato cerca del Oculus en el World Trade Center, 2017) del representante más icónico del hiperrealismo americano, Richard Estes (1932), Charles Bell (1935-1995) pertenece, igual que Estes, a la primera generación del movimiento. Sus naturalezas muertas evocan con nostalgia el mundo de la infancia: sus temas favoritos son los viejos juguetes de hojalata, las canicas, las máquinas expendedoras de chicles y las máquinas de pinball, como la incluida aquí (Noches tropicales, 1991).

Miembro destacado de la segunda generación del fotorrealismo americano, Don Jacot (1949-2021) se dio a conocer en la década de 1980 con paisajes de su Chicago natal; después frecuentó, como Bell, los bodegones con juguetes vintage, para volver al final de su carrera a las vistas urbanas, como la incluida en esta muestra (La 49 con Broadway, 2019).

Tanto Bertrand Meniel (1961) como Roberto Bernardi (1974) y Raphaella Spence (1978) pertenecen a las últimas generaciones del hiperrealismo, convertido ya en un movimiento plenamente internacional. Bertrand Meniel cultiva el paisaje urbano;  Lucky Dragon (2009) representa una esquina de Chinatown en San Francisco, combinando lo pintoresco más cercano y cotidiano (el bazar chino) con un hito monumental reconocible (la Pirámide Transamérica al fondo). La especialidad de Roberto Bernardi son los bodegones, coloristas y brillantes, de objetos de cristal y golosinas (Conejito en la esquina, 2019). Los dos cuadros de Raphaella Spence escapan a los temas habituales del repertorio hiperrealista para mostrarnos la exuberante vitalidad de la naturaleza (El sendero, 2019) y el alarmante deterioro del medio ambiente (Schweppes, 2022).

As bestas R.Sorogoyen

2022 España 137 min Drama Thriller Dirección Rodrigo Sorogoyen Con Marina Foïs, Denis Ménochet, Luis Zahera, Diego Anido, Marie Colomb, Luisa Merelas, José Manuel Fernández y Blanco, Xavier Estévez, Gonzalo García, Federico Pérez, Javier Varela, Pepo Suevos, Machi Salgado, Emile Duthu.

Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.

Desde la muy estética escena con la que arranca la película  en la que se reproduce a cámara lenta la tradicional fiesta gallega de A rapa das bestas  –un inteligente spoiler de los que se nos viene encima– la película va planteando el conflicto con un incremento de la tensión; desde las conversaciones en el bar  o la broma maliciosa en la carretera hasta las amenazas directas, en el que se van apuntando diferentes temas como el odio al extranjero, la propiedad de la tierra, la xenofobia y, sobre todo, la violencia masculina como herramienta para zanjar los problemas. La determinación de Antoine (Denis Ménochet), en la que arrastra a su mujer, Olga (Marina Foïs), frente a los partidarios de pactar con la multinacional energética va más allá de la derivada económica para enraizarse en una consideración emocional en la que unos hombres enfrentados defienden su supervivencia, su modo de vida, apelando a los instintos  más primitivos. As bestas es un retrato ambientado en la España vaciada,  que debido a su origen en hechos reales toma forma en la Galicia rural –aunque parte de la película está rodada en el Bierzo– pero que podría estar ambientado  en cualquier otro lugar porque, partiendo de su inicial consideración localista,  las conclusiones terminan siendo universales; acrecentadas por esa querencia hacia el western –enfrentamiento plasmado como duelo, el uso de la violencia más allá de la ley, la importancia del paisaje, la autoridad moral que da la pertenencia a un territorio– que favorecen la sensación de encontrarnos ante una obra  que no tiene fronteras. Rodada en gallego, francés y español.

Detente instante Una historia de la fotografía

Esta exposición ensaya una de las historias posibles de la fotografía desde su nacimiento hacia 1840 hasta hoy. Sin intención exhaustiva propone un relato del medio a través de trescientas fotografías en una cuidadosa selección que ha partido del ojo original de quienes primero las reunieron y conservaron: sus coleccionistas. Las obras son copias de época procedentes de dos colecciones excepcionales, pioneras y complementarias: las que han reunido a lo largo de cuatro décadas Dietmar Siegert en Alemania y Enrique Ordóñez e Isabel Falcón en España.

Detente, instante. Una historia de la fotografía presenta un panorama general histórico, geográfico y temático muy ambicioso. Esta historia comienza con la nueva mirada al mundo que significó la invención del medio y atraviesa la segunda mitad del siglo XIX, todo el XX y los inicios del XXI entre hallazgos, juego, conquistas y creación. En su final volvemos a encontrar aquella mirada del principio fluyendo en el presente, experimentando como entonces, reinterpretando visualmente el pasado y anticipando el futuro. En este relato, el público de la muestra –un público amplio, no solo especialistas o interesados en la fotografía– hallará un imponente friso histórico por el que transitar con la ayuda del trabajo de Irving Penn, Man Ray, Samuel Bourne, Sasha Stone, Jeff Wall, Cartier-Bresson, Arbus, Brassaï, Stieglitz, Fenton, Atget, Tillmans… Divida en seis "espacios" tiene el acierto de ser cronológica y a la vez presentar visiones actualizadas de algunas fotografías.  1-  Una nueva manera de ver el mundo  2- Orbis pictus 3- La ubicuidad de las imágenes  4- Surrealismo  5- Lo densidad de lo real  6- La mirada que fluye.

Visitas guiadas gratuitas de gran calidad.

Fernando del Berro Mujer portadora 2017

Ilse Bing

Compuesta por 190 fotografías además de material documental y se estructurada en torno a diez secciones: "Descubriendo el mundo a través de una cámara: los inicios", "La vida de las naturalezas muertas", "El cuerpo danzado y sus circunstancias", "Luces y sombras de la arquitectura moderna", "El hervir de la calle: los años franceses”, “La seducción de la moda”, “Estados Unidos en dos etapas”, “Revelaciones de la autoimagen”, “Retrato del tiempo” y “Naturaleza en vivo”, que hacen un recorrido cronológico y temático por la trayectoria del artista.

Ilse Bing (Frankfurt, 1899-Nueva York, 1998) nació en el seno de una familia judía acomodada. En 1929, y después de descubrir su vocación al preparar las ilustraciones para su tesis, abandonó la universidad para dedicarse por completo a la fotografía. Lo haría durante los siguientes treinta años, en una trayectoria artística y vital apasionante. En 1930 se trasladó a París, donde compaginó su dedicación al fotoperiodismo con trabajos personales, convirtiéndose en poco tiempo en una de las principales representantes de las tendencias renovadoras de la fotografía que surgían en la efervescencia cultural del París de aquellos años. Ante el avance del nazismo, en 1941 se exilió en Nueva York junto a su marido, el pianista Konrad Wolff. Dos décadas después, a la edad de sesenta años, abandonó su trabajo como fotógrafa y dirigió su creatividad a las artes plásticas y la poesía hasta su muerte, en 1998.

Su obra está influida por Das Neue Sehen (la Nueva Visión) de Moholy-Nagy, por la Bauhaus de la República de Weimar, y por André Kertész, así como por el surrealismo de Man Ray. Tal y como señala el comisario de la exposición, Juan Vicente Aliaga: "la posición en la que se sitúa Bing escapa a cualquier norma estricta u ortodoxia visual. En este sentido, se puede afirmar que estamos ante una mirada y una concepción de la fotografía bastante singulares en la que modernidad e innovación formal van de la mano de un talante humanista en el que anida una conciencia social". Ilse Bing perteneció a una generación de fotógrafas que, por primera vez, conseguía cierta visibilidad en el mundo de las artes y la cultura, entre ellas Germaine Krull, Florence Henri, Laure Albin-Guillot, Madame de Ora, Berenice Abbott —a quien Fundación MAPFRE dedicó una exposición en 2019—, Nora Dumas y Gisèle Freund.

Tous les hommes n'habitent pas le monde de la même façon J.P. Dubois

Il neige depuis une semaine. Près de la fenêtre je regarde la nuit et j'écoute le froid. Ici il fait du bruit.Un bruit particulier, déplaisant, donnant à croire que le bâtiemnt, pris dans un étau de glace, émet une plainte angoissante comme s'il souffrait et craquait sous l'effet d ela rétraction. A cette heure, la prison est endormie. Au bout d'un certain temps, quand on s'est accoutumé à son métabolisme, on peut l'entendre respirer dans le noir comme un gros animal, tousser parfois, et même déglutir. La prison nous avale, nous digère, et recroquevillés dans son ventre, tapis dans les plis numerotés de ses boyaux, entre deux spasmes gastriques, nous dormons et vivons comme nous le pouvons.

Cela fait deux ans que Paul Hansen purge sa peine dans la prison provinciale de Montréal. Il y partage une cellule avec Horton, un Hells Angel incarcéré pour meurtre. Retour en arrière : Hansen est super intendant a L'Excelsior, une résidence où il déploie ses talents de concierge, de gardien, de factotum, et - plus encore - de réparateur des âmes et consolateur des affligés. Lorsqu'il n'est pas occupé à venir en aide aux habitants de L'Excelsior ou à entretenir les bâtiments, il rejoint Winona, sa compagne.
Aux commandes de son aéroplane, elle l'emmène en plein ciel, au-dessus des nuages. Mais bientôt tout change. Un nouveau gérant arrive à L'Excelsior, des conflits éclatent. Et l'inévitable se produit. Une église ensablée dans les dunes d'une plage, une mine d'amiante à ciel ouvert, les méandres d'un fleuve couleur argent, les ondes sonores d'un orgue composent les paysages variés où se déroule ce roman.Une histoire d'un homme incarcéré qui aurait pu être intéressante sans ces sempiternelles digressions sur sa vie passée qui ralentissent et ennuient. Prix Goncourt 2019

Julio González, Pablo Picasso y la desmaterialización de la escultura

¿Cómo dar forma a la nada?, se preguntó Picasso cuando le encargaron realizar un monumento que conmemorara a su amigo Guillaume Apollinaire tras su fallecimiento en 1918. Esta cuestión, a la que el artista no daría respuesta hasta casi diez años más tarde, fue inspirada por un pasaje de Le Poète assassiné , una novela más o menos autobiográfica del escritor en la que el protagonista anunciaba su propia muerte. Cuando el poeta Croniamantal —que no es otro que Apollinaire— muere, «El pájaro de Benin» —que encarna a Picasso— anuncia que va a erigirle una estatua. «¿Una estatua de qué? —pregunta Tristouse, la novia del difunto—. ¿De mármol? ¿de bronce?» «No —contesta El pájaro de Benin—, tengo que esculpirle una profunda estatua de nada, como la poesía, como la gloria…»

Picasso, que conocía el trabajo de González, sabía que éste había estado investigando sobre la escultura metálica como evolución natural de su oficio como orfebre, y, sin duda, fue este hecho el que hizo que, cuando hubo de contestar a la pregunta formulada al comienzo de este epígrafe, llamara a su viejo amigo para que le ayudara. Lo primero que pensó Picasso fue en hacer una jaula, pues —como refiere Tomàs Llorens en uno de sus escritos sobre este episodio— «las jaulas dan forma al aire. Lo encierran sin encerrarlo, porque no hay nada más libre que el aire en una jaula».

La colaboración entre González y Picasso, amigos desde los tiempos de la Barcelona modernista, comenzó en septiembre de 1928. El proceso de trabajo conjunto se fue dilatando en el tiempo y finalmente no llegó a materializarse, al menos no de la manera prevista, por las continuas diferencias con el comité, que esperaba un monumento conmemorativo de carácter tradicional. A pesar de esto, sí que dio sus frutos. González creó una serie de esculturas desmaterializadas en las que trabajaría el resto de su trayectoria y que le valdrían, póstumamente, el reconocimiento de ser uno de los padres de la escultura abstracta en hierro, a pesar de que él mismo remarcó su lejanía con respecto a esta tendencia. Picasso, por su parte, aprendió las posibilidades del trabajo de forja y de la soldadura en hierro que le enseña González, así como a llevar a cabo alguna de las esculturas más relevantes del pasado siglo, como Mujer en el jardín.

 

A orillas del mar A. Gurnah

Rachel dijo que vendría más tarde, y a veces, cuando lo dice, lo hace. Me mandó una tarjeta- no tengo teléfono en el piso, me niego a tenerlo- en la que me pedía que la llamara si me venía mal la visita, pero no la he llamado; no veo la necesidad de hacerlo. Ya es tarde, así que no creo que venga, al menos hoy. Pero es verdad que en la tarjeta ponía "después de las seis". A lo mejor no era más que un gesto amable, una manera de hacerme saber que ha pensado en mí con el convencimiento de que me serviría de consuelo, y así es. No importa, a estas alturas me basta con que no aparezca a altas horas de la noche, rompiendo el elocuente silencio nocturno con una batería de explicaciones y disculpas, desgranando un plan tras otro hasta consumir el tiempo de oscuridad restante.

El libro es un retrato de dos inmigrantes solitarios, que vienen de dos generaciones diferentes, cada hombre tiene una visión diferente de su antiguo país, el mayor pasó la mayor parte de su vida allí, escapando a Inglaterra cuando todas las demás esperanzas se habían ido, y el más joven se fue como un estudiante, pero aun así, añorando las conexiones que dejó atrás. A medida que los dos hombres exploran el pasado y el anciano revela información que el joven nunca podría haber conocido, el ritmo se acelera hasta que el pasado y el presente se fusionan y cada uno de los hombres descubre verdades ocultas y nuevas fortalezas.

Las cartas pérdidas A. Climent

2021 España, documental, drama 1h15 Dirigida por Amparo Climent Con Alba Flores, Marisa Paredes, Julieta Serrano, Ana Belén, Nora Navas, Luisa Gavasa, Karmele Aramburu, Gloria Vega, Resu Morales, Ana Gracia, Ana Labordeta, Rosana Pastor.

Documental ficcionado que retrata cartas reales de mujeres exiliadas o encarceladas durante la Guerra Civil. Es un homenaje a las mujeres víctimas del franquismo y que sufrieron una doble represión, por ser mujeres y por ser republicanas. Cada carta es representada en la historia por una actriz, en los lugares donde realmente ocurrieron (cárceles de mujeres, campo de concentración para mujeres en Francia, etc), o en un espacio simbólico (Cementerio de la Almudena, Belchite, etc).

Emotiva, parcial, no me pareció un acierto la aparición de las actrices y un poco ridículo la uniformidad en el color, según la parte del documental. Merece ser visto por la poca producción cinematográfica que la temática tiene.

Argentina 1985 S. Mitre

2022  Argentina  USA 2h20 Director Santiago Mitre Con Ricardo Darín, Peter Lanzani, Norman Briski, Claudio Da Passano, Héctor Díaz, Alejandra Flechner, Alejo García-Pintos, Carlos Portaluppi, Brian Sichel.

Recreación dramática del llamado en Argentina “Juicio a las Juntas”, por el que fueron acusados en 1985 tras un decreto presidencial de Raúl Alfonsín, ante un tribunal civil y por violación de los derechos humanos, nueve militares que formaron parte de distintas juntas que gobernaron el país tras el golpe de estado de 1976. Se le puede reprochar a Santiago Mitre pasar de puntillas por las sesiones del proceso para centrarse en los preparativos y en la acumulación de pruebas por parte de un grupo de jóvenes abogados idealistas que en un tiempo récord recogen la serie de testimonios necesarios para sustanciar la acusación. Le falta al espectador de Argentina, 1985 las cínicas justificaciones de los criminales juzgados, de cuyas conductas no se arrepentían por considerar que estaban por encima del bien y del mal, escuchar las alegaciones de Jorge Rafael Videla, Emilio Eduardo Masera o Leopoldo Galtieri, personajes que apenas tienen relevancia cinematográfica en una película más centrada en el trabajo contrarreloj de los voluntariosos letrados. El resultado no puede ser otro que un film emotivo para quienes ya conozcan ese lamentable episodio de la reciente historia argentina adornado con algunos pasajes de thriller (las amenazas directas que recibe el fiscal Strassera y su familia por parte del entorno cívico militar que se quiere juzgar).

La película tiene rítmo y no se hace larga, buena interpretación de Darín.