Nymphéas noirs M. Bussi

Trois femmes vivent dans un village. La première était méchante, la deuxième était menteuse, la troisième était égoïste. Leur village portait un joli nom de jardin, Giverny.La première habitait dans un grand moulin au bord d'un ruisseau, sur le chemin du Roy; la deuxième occupait un appartement mansardé au-dessus de l'école, rue Blanche-Hoschedé-Monet; la troisième vivait chez sa mère, une petite maison dont la peinture aux murs de décollait, rue du Chàteau-d'Eau. Elles n'avaient pas non plus le même âge. Pas du tout. La première avait plus de quatre-vingts ans et était veuve. Ou presque. La deuxième avait trente-six ans et n'avait jamais trompé son mari. Pour l'instant. La troisième avait onze ans bientôt et tous les garçons de son école voulaient d'elle pour amoureuse. la première s'habillait toujours de noir, la deuxième se maquillait pour son amant, la troisième tressait ses cheveux pour qu'ils volent au vent. 

Le récit alterne entre trois personnages féminins, le long de 10 jours d’enquête sur un meurtre. Une jeune fille de 11 ans, une instit à la trentaine et une vieille, en point de vue interne qui voit tout ce beau monde et commente avec acrimonie.
Bon, on l’aura compris, il s’agit de la même personne, et l’on nous révèle très tard que les récits se passaient respectivement en 1937, 1963 et, donc, 2010. L’effet est joli, et la supercherie habile pour qui se serait laissé berner.  Le problème, c’est la méthode, la malhonnêteté est assez flagrante. Pendant tout le récit, on nous fait donc croire que ces personnages cohabitent. La vieille assiste à l’enterrement du type qui s’est fait descendre en 1966, et la jeune gamine est – apparemment - dans la classe de la joli instit qui se laisse séduire par l’enquêteur.

Cartes blanches Compagnie Käfig

Cartes Blanches fue creado para el veinte aniversario de la compañía (1996 -2016). Fue diseñado en un encuentro con algunos de los bailarines que han definido la trayectoria de la compañía.

Mourad Merzouki, dirección artística, coreografía y puesta en escena Bailarines: Yann Abidi, Rémi Autechaud, Kader Belmoktar, Brahim Bouchelaghem, Sabri Colin, Hafid Sour.

Una escenografía sorprendente, un salón con sofás, se confunde con los habituales, del polvo de las aceras o de los ámbitos, al aire libre, en particular. Una luz tenue ilumina una estancia diferente, al estilo que presentan. También se plantea, en “Cartes Blanches”, una pugna entre un bailarín contemporáneo y otro de los nuevos estilos. Una especie de confrontación, buscado, simplemente la evolución, que no la ruptura. Todo, intentando mostrar, la fórmula ideal, para un camino hacia el futuro.

Décevant, les danseurs ont une technique épatante, mais on ne voit pas le but du spectacle, répétitif à l'extrême. L'obscurité dans laquelle se situe la scène et les habits sombres des danseurs rendent  difficile le suivi des mouvements et des pirouettes. Ça ne dure que 55 min, mais ce fut long.

Orchestre de chambre de Lausanne

 Renaud Capuçon violin y director

Serge Prokofiev

Symphonie n°1 en ré majeur, op. 25 "Classique"

Maurice Ravel

Tzigane, rhapsodie de concert pour violon et orchestre

Hector Berlioz

Rêverie et Caprice, op. 8

Gabriel Fauré

Pelléas et Mélisande, suite d'orchestre, op. 80

Maurice Ravel

Ma mère l'Oye, cinq pièces enfantines (suite)

On s'est un peu ennuyés...

Un lugar llamado Antaño O. Tokarczuk

Antaño es un lugar situado en el centro del universo. Para cruzar Antaño de norte a sur, a paso ligero, sería una hora. Lo mismo, de este a oeste. Y, si alguien quisiera rodear Antaño, a paso lento, observándolo todo con detenimiento y atención, tardará un día entero, desde la mañana hasta la noche. Por la frontera norte de Antaño discurre un camino que va de Taszów a Kielce, transitado y peligroso, porque provoca ansia de viajes. Esta frontera la protege el arcángel san Rafael. La frontera sur la marca el pueblo de Jeszkotle, con su iglesia, su asilo de ancianos y sus casas bajas que circundan una plaza llena de barro. Este pueblo es amenazador, porque engendra el deseo de poseer y de ser poseido. Por este lado, Antaño esta protegido por el arcángel san gabriel. De norte a sur, Antaño se encuentra a ambos lados del Gran Camino, que conduce de la carretera de Kielce a Jeszkotle.

La acción se desarrolla en el ámbito de una comunidad rural, apegada a la tierra, a los ritos ancestrales, inalcanzables para la lógica, enraizados en un pasado legendario, que han perdido su origen pero que se mantienen en nombre de una incuestionable tradición. Tal comunidad constituye un microcosmos cerrado, mítico y arquetípico, compuesto por relatos que son como celdillas de un panal, independientes pero en contacto, de carácter primordial para poder reflejar la búsqueda de satisfacción de las necesidades primarias pero imprescindibles y lo suficientemente ingenuos como para ser comprendidos por las almas sencillas El inicio del relato se sitúa en 1914, en el comienzo de la IGM, un conflicto que afecta poco, al menos de manera directa, a Antaño, que va cumpliendo los ciclos de la vida —los días, las estaciones, las cosechas, las gestaciones— con un ritmo inalterable, a tenor de sus propios acontecimientos, e insensible al paso del tiempo, con cuyos desórdenes se ven obligados a cargar sus habitantes. Unos habitantes que comparten protagonismo con los objetos y los animales, sometidos sin distinción al vaivén temporal que imprime Antaño entre lo efímero y lo permanente, sin que llegue a afectarles la confusión que parece adueñarse del mundo exterior.

Todo el mundo odia a Johan H. Witzo

2021 Noruega 92 min Comedia Dirigida por Hallvar Witzo Con Pal Sverre Hagen, Ine F. Jansen, Paul-Ottar Haga, John F. Brungot, Ingrid Bolso Berdal.

Primer largometraje del director que narra la historia de Johan, un habitante de una pequeña aldea noruega, huérfano desde niño y aficionado a los explosivos, aborda temas no tan trágicos, como el desamor o cómo encontrar un lugar donde sentirte en casa. La idea a partir de la que surgió el filme "viene de donde yo vengo", explica el director remitiéndose a sus orígenes, que comparte con el escritor Erlend Loe, con quien construyó las bases de la historia, que empezó siendo "un funeral con un mal desenlace" y que ambos fueron madurando, compartiendo historias de infancias muy similares en pueblos del centro de Noruega. Bajo su epidermis aflora una reflexión sobre la inadaptación y la humana necesidad de ser aceptado. “Me interesan las personas que son distintas y por ello les cuesta ser aceptadas”, declara el realizador. Deliciosa.

Sobre los huesos de los muertos O. Tokarczuk

He llegado a una edad y a un estado en que cada noche antes de acostarme debería lavarme los pies y arreglarme a conciencia por si tuviera que venir a buscarme la ambulancia.

Si aquella noche hubiera consultado el libro de las efemérides para ver qué sucedía en el cielo, jamás me hubiera ido a acostar. Pero en lugar de eso caí en un sueño profundo, gracias a una infusión de lúpulo que acompañé con dos grageas de valeriana. Por eso, cuando a la mitad de la noche me despertaron los golpes en la puerta -violentos y desmesurados, y por lo tanto de mal augurio-, me costó recuperar la conciencia. Salté de la cama y me puse de pie con el cuerpo tembloroso, tambaleante y a medio dormir, incapaz de pasar del sueño a la vigilia.

Janina, ingeniera de caminos retirada, astróloga,vive retirada en una region montañosa del suroeste de Polonia. De pronto empiezan a aparecer cadáveres de cazadores furtivos. Deliciosa

Los nombres de los personajes Pie Grande, Pardedios, Gandul, Abrigo negro, la Buena Nueva Cenicienta, Ojo de Lobo, incluso el Suzuki se llama Samurai. Los capítulos estan precedidos por frases llenas de contenido: "Un perro hambriento a la puerta de su amo predica la ruina de la hacienda", "Todo lo que nació bajo una forma mortal debe consumirse en la tierra", "Las prisiones estan construidas con las piedras de la ley; los burdeles, con los ladrillos de la religión". Y el bello poema de Blake "Every night and every morn/some to misery are born/every morn and every night/some are born to sweet delight,/ some are born to endless night".

Maria Chapdelaine S. Pilote

2022 Canada 159 min Drama Director Sébastien Pilote Con Sara Montpetit, Sébastien Ricard, Hélène Florent, Emile Scheneider, Antoine Olvier Oilon, Robert Naylor, Martin Dubreuil, Danny Gilmore, Gabriel Arcand, Gilbert Sicotte.

Se basa en una novela de éxito publicada en 1914 por Louis Hémon, que nos traslada a la década del diez del siglo pasado, al seno de la familia Chapdelaine, que viven a orillas del río Péribonka, al norte del lago Saint-Jean en Canadá. Una familia alejada de todos y todo, que trabaja la difícil tierra, en la que hay que talar los árboles en verano y cosechar para tener alimento para el durísimo invierno Los Chapdelaine tienen una vida muy dura, donde siempre hay algo que hacer, una vida que obliga a los hombres a pasar el invierno en las madererías para labrarse un futuro.María tiene 17 años y esta en edad de elegir esposo:  François Paradis, el amor de infancia, trampero, aventurero y guía, luego está Lorenzo Suprenant, el de la ciudad, que le ofrece una vida urbana muy alejada de su familia y su tierra, y por último, Eutrope Cagnon, el vecino, que le da una vida en el bosque, como ahora, trabajando duro la tierra y un porvenir futuro. Uno de los grandes aciertos de una película inmovilista, en la que siempre estamos en el mismo espacio, es esa idea de dentro y fuera, lo emocional con lo físico, con la interesante reflexión que hace no solo de su entorno, sino también, de los ciclos de la naturaleza y por ende de la vida, y la maravillosa construcción de las miradas y los silencios de la acción, donde se sustenta todo su entramado emocional, en el que sobresalen esos momentos impagables de los encuentros con las visitas, donde se cuentan relatos de tiempos pasados, donde asistimos a la evolución de la vida y las formas de hacer, y esos otros de puro romanticismo, como el paseo de Maria y François buscando arándanos en el día de Santa Ana como manda la tradición, y qué decir de esos otros, donde madre e hija miran desde el porche a lo lejos a los hombres trabajar la madera, un silencio solo roto por los sonidos de desbroce. La película está filmada con detalle, belleza y sensibilidad, como esa apertura en el interior de la iglesia con esa mirada, y luego, el camino de vuelta a casa con la nieve cubriéndolo todo.

El maleficio de la mariposa Ballet Flamenco de Andalucía

Dirección artística Ursula López Duración 1h45 min Julia Acosta, Ana Almagro, Gloria del Rosario, Lidia Gómez, Águeda Saavedra, Antonio López, Federico Núñez, Iván Orellana e Isaac Tovar, cuerpo de baile. Pau Vallet y Juanma Torres, guitarras. Sebastián Cruz y Vicente Gelo, cante. Raúl Domínguez “Botella”, percusión

Se cumplen cien años del estreno de El Maleficio de la Mariposa, debut de Federico García Lorca sobre las tablas y un escándalo que solo salvó La Argentinita, la mariposa blanca, luciendo su baile, efímera muerte del cisne, imagen que se pierde en el abrir y cerrar de las alas de una mariposa. En muchos sentidos, ese aleteo prodigioso de la mariposa, emblema de la imagen que desapareciendo aparece, según ha escrito Georges Didi-Huberman, eso que los modernos llaman performatividad y que siempre fue baile y danza, esa cualidad del poeta de hacer verbo del sustantivo. En fin, and
ar, bailar, vivir.

La sangre no es agua B. Quercia

No sé qué hago aquí, otra vez frente a esta puerta como cuando era chico y volvía de la escuela. A esta hora debería estar en el departamento esperando que Marina llegue de su turno de noche: hacerle un desayuno con café y huevos revueltos y decirle que la quiero, que me perdone. Pero ya es tarde para dar media vuelta; mi mamá me vio por la ventana y abrió la puerta de par en par sin importarle que entrara el chiflón del frío de la mañana. Mejor así. A ver si se limpia un poco el aire rancio de la casa.

El policía Santiago Quiñones se ve envuelto en un espiral de infortunios. Una cruda decisión respecto al marido de su madre, la inesperada aparición de un medio hermano, una temible red de chinos narcotraficantes y un grupo de ultraderecha que pretende erradicar la inmigración, son solo algunas de las vicisitudes que Quiñones deberá enfrentar acompañado de su entrañable sarcasmo y pesimismo.

Un antihéroe que se entromete en los oscuros recovecos del sistema y que navega intensamente entre sus desaciertos y amores equivocados.

Ensemble Sonido Extremo

Celia Romero, cantaora; Jordi Francés, director; Patricia Cercas, recitadora.

PROGRAMA

Jesús Torres (1965) Pentesilea 

Federico García Lorca (1898-1936) - Arr. Carlos Rojo

Canciones españolas antiguas. (1914)
Mikel Urkiza (1988)

Peristylium
Gabriel Erkoreka (1969)

Ametsak 3 (Estreno en España)

El grupo define su actividad dentro de la reflexión acerca de los múltiples lenguajes del hecho musical que conviven en nuestro tiempo.

La fotógrafa de Monte Verità S. Jäger

 Suiza 2021  Drama 1h56 Director Stefan Jäger Con  Maresi Riegner, Max Hubacher, Julia Jentsch

1906, una época en la que el mundo está marcado por el miedo y la esperanza. Los primeros desertores -entre los que se encuentra el joven Hermann Hesse- buscan su paraíso y lo encuentran en el sur de Suiza, en Monte Verità. Los reformadores se despojan no sólo de sus vestimentas sino también del corsé mental que amenaza con asfixiar a la sociedad. Dividida entre los sentimientos de culpa hacia la familia que dejó atrás y la fascinación de una vida de autodeterminación, Hanna Leitner descubre no solo su pasión por la fotografía, sino que también encuentra, en medio del paisaje idílico, su propia voz.  

La historia es ficcionada, y sirve para presentar la comuna, que fue real, y una serie de fotografías, muy especiales, de las que se han rescatado unas pocas. En estos retratos el fotógrafo intenta capturar características de las personas y mágicos momentos en el tiempo. Aún con las limitadas posibilidades del instrumental de la época, el anónimo fotógrafo obtiene resultados estéticamente originales y muy sugestivos, lejos de las figuras estiradas y los posados hieráticos característicos de la época. Muchos altibajos.

Desde el mar G. Miranda

Director Gorka Miranda Easo Escolanía y Escolanía Aila de Laredo

Opera infantil con niños como protagonistas. La obra de Roger Calmel Les chants de la mer ou le petit réparateur d'étoiles es un cuento musical escrito para grupo instrumental o piano, recitador, tiple, soprano y coro infantil. Narra la historia de una niña amante del mar que un día es recogida por unos marineros. En medio de una tormenta, la niña cae al agua y es tragada por un pez enorme, que la lleva a una playa; desde allí, unas aves marinas guían a la niña hacia una ciudad gris y sin vida. Allí se encuentra con un niño que repara estrellas, y juntos emprenden la tarea de “cambiar el corazón” de los habitantes de la ciudad.

En esta producción, el entramado de la obra se presenta dramatizado y teatralizada, y los textos originales, de Didier Rimaud, han sido adaptados y ampliados para acercarlos a la realidad de nuestros mares en dos ciudades bañadas por el Cantábrico. Nos trasladamos a un universo marino de aventura, un espacio onírico en el que se aprecia el paso del tiempo: naufragios, objetos que los años han alterado, fragmentos y pedazos que tienen historias que contar.

Viaje de invierno M. Goerne

 Matthias Goerne y el pianista Alexander Schmalcz“Viaje de invierno”, de Franz Schubert.

Schubert puso música a este ciclo de 24 canciones, sobre poemas de Wilhelm Müller, en sus últimos años de vida, cuando una grave dolencia iba minando ostensiblemente su salud. Bajo esa situación de enfermedad y complicadas expectativas en una persona de solo 30 años, el compositor vienés escribió en dos partes, entre febrero y octubre de 1827, esta obra para voz y piano.
Schubert se sintió atraído por esta poesía al sentir que estaba entrando ya en el invierno de la vida, a pesar de su juventud, y fue presa de un estado de ánimo melancólico y retrospectivo.

En esta composición, el talento de Schubert dio al piano un protagonismo no inferior al de la voz, ya que es el instrumento para crear las impresiones y atmósfera del paisaje invernal, sobre el cual el cantante expresa su mensaje, mientras deambula en busca de destino tras un gran desengaño amoroso. Una de las últimas tareas de Schubert antes de fallecer fue, precisamente, la corrección de las pruebas de la segunda parte de ‘Winterreise’.

 

Un autre monde S.Brizé

2021 Francia. 96 m. Drama.  Director Stéphane Brizé Intérpretes: Vincent Lindon, Sandrine Kiberlain, Anthony Bajon, Marie Drucker.   

La perspectiva del protagonista es la de un esclavo corporativo. Éste no es sólo el que tiene un trabajo precario, incluso un directivo con alta remuneración se encuentra bajo la presión y la alta exigencia de cumplir con las expectativas que las corporaciones ponen en ellos. Esperan dedicación y fidelidad absolutas. A veces exigiendo un compromiso extremo por encima de necesidades, deseos y valores. Otro gran punto interesante es el dilema familia versus trabajo. La esposa de Lindon (Sandrine Kiberlain) le reprocha haber tenido que sacrificar su propia carrera laboral. Pero principalmente que la vida familiar de ambos se haya resentido de sobre manera a causa de su entrega desmedida a la empresa. Esta visión es realmente valiosa, ya que la toma de decisiones en estos ambientes exigentes de trabajo suponen un gran peso para estos mandos directivos. Evidentemente los empleados que pierden su puesto son los grandes perjudicados, pero quien ejecuta esas órdenes puede no estar de acuerdo y soportar una carga emocional insoportable por ello.

En eso basa Brizé su nuevo episodio de tragedias laborales: un mundo empresarial deshumanizado que antepone los números a las personas. Una tiranía del consejo de dirección, los accionistas e inversores . Vincent Lindon también se opone a ajustes drásticos de plantilla habiendo otras opciones, y a las exigencias de su despiadada directora general, las grandes corporaciones no sólo quieren resultados financieros elevados y rápidos sino empleados fieles, leales y dispuestos a lo que sea menester. Obedecer por encima incluso de dilemas éticos o morales, interesante lección de vida y conclusión de su protagonista. «He sido el soldadito que querían que fuera…»

Ciudadana de segunda B. Emecheta

Todo empezó como un sueño, un sueño de los que parecen surgir por generación espontánea, aunque siempre hayamos sido conscientes de su existencia. De los que se perciben y nos guían, inconscientemente al principio, hasta que se convierten en realidad, en una presencia. 

Adah no sabía muy bien de dónde había salido el suyo ni cómo había empezado, pero la primera ancla que podía echar  en esta nada a la deriva se remontaba a cuando tenía ocho años. Tampoco estaba segura de que hubiera sido exactamente a los ocho años, porque, claro, era una niña. Era una niña que había llegado cuando todos esperaban y predecían un niño. Por eso, como fue una gran decepción para sus padres, para la familia más cercana y para la tribu, nadie se acordó de registrar su nacimiento. Era insignificante.  Lo que es seguro es que nació en plena Segunda Guerra Mundial. 

Prácticamente todos los detalles de Ciudadana de segunda (1974) coinciden con los de la vida de su autora, Buchi Emecheta, que llegaría a ser considerada la primera gran novelista negra de la Gran Bretaña de posguerra. Adah es «ciudadana de segunda» por partida doble: mujer y negra. La emigración y el racismo son temas fundamentales de la novela, pero siempre relacionados con el machismo dentro de las familias africanas inmigrantes.

Juan Muñoz. Dibujos 1982 – 2000

Juan Muñoz: Dibujos 1982 – 2000 es la primera retrospectiva de la obra dibujística del escultor español,  reúne más de 200 obras cedidas por instituciones y coleccionistas privados. Juan Muñoz, cuya trayectoria se inicia a principios de la década de 1980, fue uno de los artistas más destacados de su generación. No tardó en empezar a exponer su obra a escala internacional, con muestras en solitario en diferentes galerías y museos, pero también participó en importantes exposiciones temáticas, como la Bienal de Venecia o Documenta IX, en Kassel. Muñoz fue célebre por sus enigmáticas esculturas y por sus instalaciones de habitaciones con figuras; sin embargo, para él el dibujo desempeñaba un papel especial: el dibujo como idea, como boceto o como obra desarrollada íntegramente en papel. Sus dibujos podían formar parte de obras escultóricas o concebirse como escenas con un relato propio e independiente. Eran creaciones autónomas que le permitían crear imágenes sumamente metafóricas.

 

La exposición está estructurada cronológicamente como una serie de 12 secciones que abordan diferentes temas de la obra del artista.

Balconies (Balcones) inspirados en los estrechos balcones que sobresalen de las fachadas de las casas en las callejuelas de las ciudades españolas, objetos familiares que cumplen su función en silencio, como el atrezo de una obra de teatro que nunca llega a representarse porque faltan los personajes y los protagonistas.

Raincoat Drawings (Dibujos sobre gabardina) una serie de representaciones de interiores amueblados dibujadas con tiza blanca sobre grandes telas de algodón teñidas de negro, cuyo uso del blanco sobre fondo negro recuerda un negativo fotográfico que aguarda a ser impreso en una imagen positiva.

Conversation Pieces (Piezas de conversación) que componen grupos de figuras inspirados en los retratos de grupo del siglo XVIII, cuyos troncos se ensanchan en una protuberancia redondeada sobre la que mantienen un equilibrio inestable.

La recreación de su exposición de 1995 en el Isabella Stewart Gardner Museum de Boston, Massachusetts (EEUU) Portrait of a Turkish Man Drawing (Retrato de un hombre turco dibujando) que incluye una figura basada en una miniatura del artista renacentista Gentile Bellini de un joven dibujando en una tablilla, ataviado con ropas orientales ricamente adornadas y un turbante. La figura se presentó acompañada de cinco dibujos, cada uno de los cuales muestra una boca de tamaño natural. Envueltas en la oscuridad, esas bocas entreabiertas parecen decir algo –o quizá sonreír–, pero carecen de rasgos faciales.

La exposición finaliza con A Brief Description of My Death (Una breve descripción de mi muerte) basada en una fotografía del poeta estadounidense Ezra Pound. Muñoz utilizó ese retrato en unas cubiertas ficticias para un libro autobiográfico, como collages a la manera de un diseñador gráfico. Esos dibujos serían los últimos que Muñoz realizaría antes de su repentina muerte dos años más tarde.

Pico Reja, la verdad que la tierra esconde

2021 España 92 min Documental Memoria Histórica Dirección: Remedios Malvárez, Arturo Andújar

En el cementerio de Sevilla sigue cerrada en 2020 la fosa común de Pico Reja, que se estima que puede albergar a más de 2000 víctimas civiles de la represión franquista. En esta película la apertura de la fosa nos lleva a través de su propia historia (incluso descubriendo nuevos hechos no documentados) en un relato enraizado en el presente que se entreteje, además, con el encuentro entre la cantaora Rocío Márquez y el poeta Antonio Manuel Rodríguez para crear un cante al respecto. Un profundo análisis del pasado que sirve también para comprender el presente de un país aún con muchas deudas pendientes con la memoria de los represaliados y con la historia.

 

Saliendo de la estación de Atocha B.Lerner

La primera fase de mi investigación implicaba despertarme entre semana en un ático apenas amueblado, el primer piso que vi al llegar a Madrid, o dejarme despertar por el ruido de la plaza Santa Ana, incapaz de asimilarlo del todo en mis sueños, y luego poner la cafetera oxidada al fuego y liarme un porro mientras esperaba a que saliera el café. Cuando el café estaba listo abría la claraboya, del tamaño justo para colarme por ella subido subido de pie en la cama, y me tomaba el café y el porro en el tejado con vistas a la plaza donde los turistas se sentaban a las mesas metálicas con sus guías de viaje y el acordeonista ejercía su oficio. Hasta pág 42

Él se llama Adam Gordon y es un joven estadounidense, supuestamente poeta. Le han concedido una prestigiosa beca en Madrid para un proyecto poético sobre la Guerra Civil española y sus poetas más acreditados. En verdad, nada sabe ni sabrá sobre ello y su vida en la capital de España transcurre en fiestas entre porros, alcohol, café y tranquilizantes. También  en actos literarios que poco o nada tienen que ver con la literatura y, en concreto, con la auténtica poesía.

La Fracture C. Corsini

 2021 France 99 min Drame Réalisatrice Catherine Corsini Avec Valeria bruni-Tedeschi, Marina Foïs, Pio Marmai, Aissatou Dialo-Sagna, Jean Louis Coullo'ch

C'est une fracture ouverte et multiple. D'abord celle d'un couple qui se sépare, avec un coude cassé à la clé. Puis d'un routier qui va à une manifestation de gilets jaunes, et repart avec une jambe explosée. D'une aide-soignante enfin, qui va être poussée dans ses retranchements, jusqu'au point de rupture. Mais la vraie fracture du titre est évidemment sociale, économique, politique, car derrière les plâtres du service des urgences, il y a un pays entier qui boite.

C'est précisément dans une fracture (celle d'un os, et d'une société) que le film est né : lorsque la réalisatrice Catherine Corsini s'est cassé le coude, et a fini aux urgences. C'était le soir du 1er décembre 2018, quand la capitale a tremblé et pris feu dans l'acte III des gilets jaunes, elle a alors construit une fiction sur cette double réalité, intime et politique. Que le tournage ait eu lieu en pleine pandémie, alors que le monde hospitalier étouffait entre les applaudissements polis du soir, a achevé d'en faire un film-symptôme de l'époque. La Fracture est à l'image de tout ça : un joyeux cirque tragi-comique, un petit chaos ordonné, où les personnages se retrouvent et s'entrecroisent, entre le rire et les larmes. D'où un film étonnant et détonant, d'une grande richesse.

La caverna J. Saramago

El hombre que conduce la camioneta se llama Cipriano Algor, es alfarero de profesión y tiene sesenta y cuatro años, aunque a simple vista aparente menos edad. El hombre que está sentado a su lado es el yerno, se llama Marcial Gacho, y todavía no ha llegado a los treinta. De todos modos, con la cara que tiene, nadie le echaría tantos. Como ya se habrá reparado, tato uno como otro llevan pegados al nombre propio unos apellidos insólitos, cuyo origen, significado y motivo desconocen. Lo más probable es que se sintieran a disgusto si alguna vez llegaran a saber que algor significa frío intenso del cuerpo, preanuncio de fiebre, y que gacho es la parte del cuello del buey en que se asienta el yugo.

La caverna recrea el mito platónico y lo acerca a nuestros días. La caverna, en los tiempos del fin de la historia y del triunfo global del capitalismo, no es un símbolo de la búsqueda interior de nuestro verdadero ser, sino la representación del triunfo de esa economía y de esa política: un Centro Comercial gigantesco, avasallante, creciente, que se va tragando el entorno  y lo asimila, o engulle. Relata las vicisitudes de un pobre alfarero, trabajador manual y artesano de la arcilla, cuyos productos, poco acordes con el plástico rampante y barato, van a dejar de ser asumidos por el Centro: el fantasma del paro, de la pobreza y de la soledad se cierne sobre el bueno de Cipriano (y su familia: su yerno es guardia de seguridad del Centro) que opta, a la desesperada, por la «reconversión»;  descubrimos que tampoco el esfuerzo de adaptación le servirá de nada, son otros tiempos y sus figurillas de barro y sudor no interesan ; por otro lado, el Centro da a la familia, a través del yerno, la posibilidad de ser fagocitados como personal residente dentro del complejo: se trata de un Centro-ciudad, en el que hay seguridad, diversión y realidad virtual garantizadas, y hasta cementerio. Se llega así al desenlace del descubrimiento de la «verdadera» caverna de Platón, en las catacumbas del Centro, hallazgo que alienta la huida del mismo y la busca del amor y la luz.