Nomadland C.Zhao

USA 2020 Drama 107 min Directora: Chloé Zhao. Intérpretes: Frances McDormand, David Strathairn, Bob Wells, Gay DeForest, Linda May, Patricia Grier, Angela Reyes, Ryan Aquino.

Nomadland es una historia de supervivencia que pasa por el dolor, la enfermedad y la muerte compartidos por aquéllos que sufren. A través de las escuetas conversaciones de la protagonista, asistimos a la narración de otras vidas al límite contadas sin culpa ni lástima. Para ello, Zhao se sirve de varios recursos cinematográficos entre los que destaca el dominio de la luz: de noche, los personajes se reúnen en torno a una fogata o a las minúsculas lámparas que iluminan sus vehículos transformados en hogares. Así confiesa Linda May sus pensamientos suicidas cuando se enteró de que debía vivir con una raquítica pensión; y así también contará Swankie, una anciana de 75 años diagnosticada con un cáncer terminal, que planea emprender su último viaje hacia una reserva de aves antes de partir definitivamente.

La puerta N. Soseki

Sosuke sacó un cojín el engawa para disfrutar del sol de mediodía y se dejó caer encima con las piernas cruzadas. Al cabo de un rato, apartó la revista que hojeaba y se tumbó de costado. Era un precioso día del veranillo de San Martín. El rítmico golpear de las geta contra el suelo de la silenciosa calle, alcanzaba sus oídos y le producía un placer añadido. Se apoyó sobre el codo para contemplar el hermoso cielo azul que se abría más allá del alero del tejado.Parecía infinito visto desde el diminuto engawa. Pensó que sería muy afortunado si pudiera contemplar un cielo así algún domingo que otro.

Obra maestra de la literatura japonesa del XX, y tercera parte de la trilogía inaugurada con «Sanshiro» y «Daisuke», «La puerta» narra la historia de Sosuke, un humilde oficinista tokiota de mediana edad que comparte su vida con su esposa Oyone, en el banal anonimato de una casa situada en la base de un barranco. La pareja, cuyo temprano matrimonio fue celebrado casi de modo clandestino, se ve abocada a aceptar bajo su techo a Koroku, el hermano menor de Sosuke, estudiante. La salud de Oyone se resiente y llega la noticia de la inesperada visita de un fantasma del pasado. Sobre la pareja se cierne entonces un periodo de crisis, y Sosuke se ve obligado a abandonar de manera temporal la tranquilidad de su vida doméstica para retirarse a un monasterio zen y allí meditar sobre su destino. Nada sabremos del misterio del que se averguenzan. Muy simbólico.

Antigona versión de David Gaitán

Texto y dirección: David Gaitán  Reparto: Irene Arcos, Fernando Cayo, Clara Sanchis, Isabel Moreno, Elías González y Jorge Mayor Diseño de escenografía y vestuario: Diego Ramos

Esta representación de ‘Antígona’ es un nuevo montaje por parte de David Gaitán (México, 1984) El director pretende acercar la obra y todo lo que se cuenta a los espectadores, que suponemos no habrán leído la obra de Sófocles. Si tras asistir a la representación les anima esa curiosidad, bienvenida sea esta farsa de la obra griega.

Gaitán "Hace algunos años que monté esta obra en México, la temperatura social estaba determinada en buena medida por un hecho oscuro de la historia reciente mexicana: la desaparición forzada de 43 estudiantes (que se sumó a la de cientos de miles de personas más) por parte -presumiblemente- del gobierno mexicano de entonces. Las salidas en masa que muchas familias hicieron con el fin de encontrar el cuerpo de sus seres queridos para encontrarlos con vida o darles la sepultura que merecían hacían que el proyecto Antígona tomara una relevancia particular desde el ángulo político y un sutil peligro desde el artístico, al correr el riesgo de ser catalogada como una apuesta oportunista frente al dolor de la sociedad." Loable, sin duda. pero el próposito de Antigona va mucho ´más allá de encontrar el cuerpo de un ser querido para darle sepultura. Y eso en la obra de Gaitán ese dilema moral está ausente. 

Hay demasiado oportunismo, tema del feminismo-machismo, demasiadas ganas de atraer al publico joven, un rap que no se entiende y expresiones "coloquiales", dos desnudos sin contenido, sobretodo el del efebo amante de Hemon; la aparición del grupo de adolescentes alocados y mascarillados de representacion de patio de colegio a final de curso...todo ello muy politicamente correcto pero con poca "chicha". Se salva Fernando Cayo el único que con su dominio de las tablas y del espacio merece resaltar.

El arte como laberinto G. Pérez Villalta

En esta antología atípica, la más amplia individual dedicada al autor gaditano Pérez Villalta (Tarifa, Cádiz, 1948) hasta ahora en Madrid, encontraremos algunas de las obras que lo convirtieron en precursor de la renovación de nuestra pintura que acaeció en los ochenta y lienzos en los que la huella de sus estudios de arquitectura inacabados es más que patente, en forma de análisis de la representación del espacio y del vacío, de la presencia de la luz en interiores, de los juegos perspectívicos y la geometría. El artista ha partido del estudio geométrico del edificio donde se ubica la sala, ha levantado un laberinto que convierte Alcalá 31 en un recorrido lleno de fracturas, muros cruzados y callejones sin salida, que obligan al espectador a enfrentarse a sus trabajos de manera poco habitual en nuestros días, perdiéndose entre ellos. El resultado ofrece un continuo sucederse de encuentros en los que la cronología o las temáticas se reemplazan por otro orden menos evidente. Se pueden ver desde obras tempranas de los setenta hasta otras de este mismo año, pero también muebles, joyas y maquetas.

Transita Villalta con una fluidez natural entre la iconografía clásica y la actual; su influencia manierista y barroca (cuerpos y luces complejos) se sitúa sobre todo en su producción de los setenta y los ochenta; tras un viaje a Italia que resultaría decisivo, se acercó a un clasicismo más austero en los noventa y el arabesco y la curva, con ecos tanto rococós como modernistas y surrealistas, marcan su producción de los inicios de este siglo. En sus trabajos más recientes, la observación geométrica se ha hecho más rigurosa y la paleta cromática ha ganado sobriedad; optando por servirse de mezclas en lugar de utilizar colores puros. Podría parecer, a veces, que algunas de esas pinturas últimas son monocromáticas, pero no es así.

Sorprende y seduce. Mucho público.

Vientos de Cuaresma L.Padura

 Era Miércoles de Ceniza y con la puntualidad de lo eterno un viento árido y sofocante, como enviado directamente desde el desierto para rememorar el sacrificio del Mesías, penetró en el barrio y revolvió las suciedades y las angustias. La arena de las canteras y los odios más antiguos se mezclaron con los rencores, los miedos y los desperdicios de los latones desbordados, las últimas hojas secas del invierno volaron fundidas con los olores muertos de la tenería y los pájaros primaverales desaparecieron, como si hubieran presentido un terremoto. La tarde se marchitó con la nube de polvo y el acto de respirar se hizo un ejercicio consciente y doloroso.

Cierra el círculo de su tetralogía «Las cuatro estaciones». Protagonizada, como las otras tres, por el reflexivo y pesimista teniente Mario Conde —para los entendidos el Conde—, Vientos de Cuaresma es, a la vez, un thriller desconcertante y una novela de amor. En los infernales días de la primavera cubana en que llegan los vientos calientes del sur, coincidiendo con la Cuaresma, al teniente Mario Conde, que acaba de conocer a Karina, una mujer bella y deslumbrante, aficionada al jazz y al saxo, le encargan una delicada investigación. Una joven profesora de química del mismo preuniversitario donde años atrás estudió el Conde ha aparecido asesinada en su apartamento, en el que aparecen además restos de marihuana. Así, al investigar la vida de la profesora, de impoluto expediente académico y político, el Conde entra en un mundo en descomposición, donde el arribismo, el tráfico de influencias, el consumo de drogas y el fraude revelan el lado oscuro de la sociedad cubana contemporánea. Paralelamente, el policía, enamorado de la bella e inesperada mujer, vive días de gloria sin imaginar el demoledor desenlace de esa historia de amor.

El agente topo M. Alberdi

2020 Alemania, Chile, España, Estados Unidos, Holanda.Documental 84 min  Dirección y guion: Maite Alberdi Con Sergio Chamy, Rómulo Aitken, Marta Olivares, Berta Ureta, Zoila González, Petronila Abarca, Rubira Olivares.

El espectador empatiza inmediatamente con Sergio, el anciano escogido por el detective privado Rómulo, para hacer de espía en el interior del centro asistencial. Ese tono burlón, la torpeza del candidato seleccionado, tras el correspondiente casting, para adaptarse al uso de las nuevas tecnologías y a las herramientas básicas de cualquier espía, como los bolígrafos con cámara o las gafas que graban lo que ve, añade un punto cómico que hace fluir la película con sencillez y agrado. El propósito con el que Sergio acepta ingresar en una residencia de ancianos fuera de la capital Santiago, y lo que Alberdi se propone con ello, se van distanciando y el espectador cuenta con armas y señales que le van avisando. Alberdi inicia su tesis como una causa contra el presunto mal trato a los ancianos que se dispensa en las residencias para ir derivando, poco a poco, pero de manera consciente y deliberada, a una crítica de las modernas sociedades que dan la espalda a sus mayores y los retiran, como muebles viejos, a espacios en los que no molestan, no ocupan, no quitan tiempo. Nuestro espía aterriza en su nueva residencia con el encargo de averiguar si la madre de quien ha contratado los servicios está siendo bien atendida o es objeto de maltrato, desnutrición, abandono médico… Desde el principio resulta evidente que no es posible la filmación sin la colaboración del propio centro asistencial, así que el espectador suspicaz pronto podrá despejar esos caminos que se abren como el propósito exclusivo del film, advirtiendo cómo la labor de la directora, con la impagable participación de su socio residente falso, busca otras ideas, reflejar otras inquietudes, señalar y acusar otras deficiencias y no las de la propia residencia.

Cádiz Pérez Galdos

En una mañana del mes de febrero de 1810 tuve que salir de la isla, donde estaba de guarnición, para ir a Cádiz, obedeciendo a un aviso tan discreto como breve que cierta dama tuvo la bondad de enviarme. El día era hermoso, claro y alegre, cual de Andalucía, y recorrí con otros compañeros, que hacia el mismo punto si no con igual objeto caminaban, el largo istmo que sirve para que el continente no tenga la desdicha de estar  separado de Cádiz. Examinamos al paso las obras admirables de Torregorda, la Cortadura y Puntales; charlamos con los frailes y personas graves que trabajaban en las fortificaciones; disputamos sobre si se percibían claramente o no las posiciones de los franceses al otro lado d ela bahía; echamos unas cañas en el figón de Poenco, junto a la Puerta de Tierra, y finalmente, nos separamos en la plaza de San Juan de Dios, para marchar cada cual a su destino. Repito que era febrero, y aunue no puedo precisar el día, sí afirmo que corrían los principios de dicho mes, pues aún estaba calentita la famosa respuesta:"La ciudad de Cádiz, fiel a los principios que ha jurado, no reconoce otro rey que al señor don Fernando VII. & de febrero de 1810."

Cádiz es la octava novela de la primera serie de los Episodios. El narrador vuelve a ser Gabriel esta vez cerca de su amada Inés. A lo largo de la trama, y entre rocambolescos duelos románticos y reflexiones, se suceden las discusiones políticas, las sesiones de las Cortes y el omnipresente conflicto entre las dos Españas.

Tomoko Yoneda

Tomoko Yoneda (Akashi, Japón, 1965), El bosque de la batalla del Somme, en la que en un solo día murieron 20.000 soldados en la I Guerra Mundial; la paradisiaca playa brasileña en la que se ahogó Josef Mengele, o la de Sword, uno de los puntos del desembarco de Normandía; la franja de tierra que separa ambas Coreas, el paralelo 38... La fotógrafa japonesa Tomoko Yoneda, nacida en 1965 en Akashi, ha desarrollado como eje de su obra la memoria, entendida esta como el retrato de los lugares, exteriores o interiores, marcados por la historia, por lo que suscitan diferentes emociones al contemplarlos tal y como son hoy. En toda su obra es fundamental la información de las cartelas y de los textos que pueden leerse en la exposición, escritos por ella, que solo así dan sentido a lo que uno ve. Como ocurre al saber que esa vista de una barriada de Beirut era la “posición de un francotirador cristiano” en la guerra civil libanesa.

 

El trabajo de Yoneda es en analógico y normalmente con cámara de medio formato, con un resultado que, en color, consigue unas tonalidades con gran contraste. Unas fotografías en general bellas, incluso pintorescas, pese a los monstruos que pueda albergar su pasado. “Es la manera en que ella logra que reflexionemos, al meternos en las imágenes de una forma tangencial”, explica Gollonet, que apunta que las series en las que trabaja Yoneda normalmente están abiertas a incluir más piezas.

Minari L.I. Chung

Dirección: Lee Isaac Chung Reparto: Steven Yeun, Han Ye-ri, Youn Yuh-jung, Alan S. Kim, Noel Cho, Will Patton Título original: Minari País: Estados Unidos Año: 2020 Fecha de estreno: 12-3-2021 Género: Drama Guion: Lee Isaac Chung Fotografía: Lachlan Milne Sinopsis: la historia de una familia coreana que, a mediados de los 80, busca un mejor porvenir en una zona rural de Arkansas en la que abren una granja para lograr alcanzar el sueño americano.

Lo que cuenta Chung en Minari. Historia de mi familia está basado en su propia experiencia. Él es ese niño pequeño, David, que llega a un terreno de Arkansas donde su padre sueña con convertirse en agricultor en los años ochenta. Sus progenitores emigraron de Corea del Sur buscando el sueño americano y lo único que encontraron fue un trabajo en un criadero de pollos donde debían separar a las hembras de los machos, descartados estos últimos por no ser de utilidad. El patriarca de la familia, Jacob (Steven Yeun) se siente igual que esos pollos machos. No ha conseguido alcanzar una estabilidad económica para los suyos y la sombra del fracaso lo persigue hasta casi convertirse en una maldición.

Se inserta dentro de la tradición de películas sobre los choques estructurales que se generan en las comunidades migrantes, que nos lleva desde la ópera prima de Ang Lee, Manos que empujan (1991) a la reciente The Farewell (2019), de Lulu Wang. En todas ellas resulta de vital importancia la figura del abuelo/a que conecta directamente con las raíces que poco a poco parecen ir desapareciendo a medida que el núcleo familiar se integra en la nueva cultura. Aquí, encontramos a Soonja (Youn Yuh-jung), que, a pesar de su delicada salud, viajará para ayudar a su hija en esa utopía rural que no termina de ver clara. Será ella la encargada de unir tradiciones, de conectar al pequeño David con todo un imaginario que tiene que ver con la sabiduría ancestral y la naturaleza para fortalecer el cuerpo y el espíritu.

En realidad, Minari. Historia de mi familia trata sobre la fe. Sobre la sombra de la religión como elemento asfixiante del que resulta imposible escapar, pero, sobre todo, sobre la confianza en uno mismo. Por supuesto, también habla de la identidad, de la pertenencia o no a un espacio determinado, algo que representa la planta que da nombre a la película, capaz de crecer en cualquier lugar y dar de comer a ricos y a pobres. Lee Isaac Chung adopta un estilo sereno y manso. En ocasiones parece tentado a abusar de tics indies, pero pronto asienta su mirada para fijarse en la pintura de escenarios y personajes de una manera muy bella y delicada.

Seules les bêtes D. Moll

France Allemagne 2019 Thriller 1h57 Réalisateur  Dominik Moll Avec Damien Bonnard, Bastien Bouillon, Valeria Bruni Tedeschi, Laure Calamy, Denis Ménochet, Nadia Tereszkiewicz.

Une femme disparaît. Le lendemain d’une tempête de neige, sa voiture est retrouvée sur une route qui monte vers le plateau où subsistent quelques fermes isolées. Alors que les gendarmes n’ont aucune piste, cinq personnes se savent liées à cette disparition. Chacune a son secret, mais personne ne se doute que cette histoire a commencé́ loin de cette montagne balayée par les vents d’hiver, sur un autre continent où le soleil brûle, et où la pauvreté́ n’empêche pas le désir de dicter sa loi. 

Seules les bêtes, tiré du roman du même nom de Colin Niel, qui tisse avec délectation un récit troublant, réservant ses surprises au fur et à mesure que les personnages révèlent leur mystère. Car tout est mystérieux dans cet univers sombre, à commencer par ces paysages somptueux des Grands Causses où la neige, le froid, les fermes isolées, les gueules halées par l’air frais des paysans, font penser aux univers glauques, chéris par les films fantastiques ou d’horreur.

Peregrinatio M. Asensi

 Desde tu última misiva, llegada a esta casa poco antes de la Natividad, he recibido otras dos de tu tío Tibald, mi hermano mayor, en las cuales me ha comunicado preocupantes nuevas sobre tu vida en la corte de Barcelona a partir del momento en que fuiste nombrado caballero la pasada primavera por el rey Jaime II. Dice tu tío que no sólo malgastas el tiempo apostando a los dados y al tenis real, juegos en los que has perdido importantes sumas de monedas de las que te envío periódicamente para sufragar los gastos de tu nueva condición, sino que , al parecer has llegado al indigno extremo de pedir préstamos a tu abuelo y a tu bondadosa abuela, avergonzándome de forma lamentable, pues no les has devuelto el dinero en plazo ya que ni siquieras les visitas, perdiendo el tiempo en justas y torneos y, lo que es peor, bailando y cantando en compañía de damas y damiselas de la corte.

Año de 1324. El ex caballero hospitalario Galcerán de Born, el Perquisitore, preocupado ante las noticias que recibe acerca de la conducta inapropiada de su hijo, Jonás, y de su disoluta vida en la corte de Barcelona, decide enviarle una misiva que contiene órdenes muy precisas para el joven y se convertirá en su Liber peregrinationis. Acompañado por un caballero de Cristo (antiguos templarios), Jonás de Born iniciará una nueva andadura en su vida: prestará el solemne juramento de la caballería iniciática, convirtiéndose así en gentilhombre y adalid de la antigua Sabiduría y el Conocimiento. Para ello, recorrerá el Camino de Santiago o de la Gran Perdonanza, como un peregrino más, descubrirá toda la magia y el simbolismo que se encuentran en la ruta, reflexionará larga y seriamente sobre su futuro e irá cumpliendo, uno a uno, todos los rituales de su iniciación.

Terra Alta J. Cercas

 Melchor está todavía en su despacho, cociéndose en el fuego lento de su propia impaciencia por terminar el turno de noche, cuando suena el teléfono. Es el compañero de guardia en la entrada d ela comisaría: hay dos muertos en la masía de los Adell, anuncia.

- ¿Los de Gráficas Adell?- pregunta Melchor.

- Los mismos-contesta el agente-. ¿Sabes donde viven?

- Junto a la carretera de Vilalba dels Arcs, no?

- Exacto.

- ¿Tenemos a alguien allí?

- Ruíz y Mayol. Acaban de telefonear. 

- Voy para allá.

Hasta ese momento, la noche ha sido tan tranquila como de costumbre. A esas horas de la mañana no queda casi nadie en comisaría y, mientras Melchor apaga las luces, cierra el despacho y baja por las escaleras desiertas poniéndose su americana, la quietud de la comisaría es tan compacta que le trae a la menoria sus primeros tiempos allí, en la Terra Alta, cuando todavia era un adicto al estruendo de la ciudad y el silencio del campo le desvelaba, condenándole a noches de insomnio que combatía a base de novelas y somníferos.

Tenemos a Melchor Marín, un tipo marginal que cambió su vida tras una fortuita lectura en prisión de "Los miserables", de Víctor Hugo, pasando de delincuente a policía, casado con Olga y padre de Cosette;  y Adell, teóricamente un ciudadano ejemplar, pero que en realidad carece de escrúpulos. Polos opuestos que en realidad sí tienen puntos de conexión. Y un crimen: dos viejos atrozmente torturados, un yerno inútil y vanidoso, una única hija ajena la empresa de su padre. Los flashback a la vida de Melchor entretienen en la trama políciaca y el desenlace es un poco inverosimil.

Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach Nao Albet y Marcel Borràs

Texto y dirección   Nao Albet y Marcel Borràs   Reparto    Nao Albet, Carlos Blanco, Marcel Borràs, Irene Escolar, Alina Furman, Eva Llorach, Francesca Piñón y Vito San. Duración: 2 horas sin descanso. Teatro María Guerrero.

Dos jóvenes dramaturgos de suburbio reciben su primer gran encargo: estrenar un espectáculo en el Centro Dramático Nacional de Boris Kaczynski. El único requisito que el magnate les impone es el de escribir una obra sobre un atraco a un banco. Convencidos de haber encontrado un buen argumento, los autores dedican todos sus esfuerzos a escribir una buena función, pero hay algo en la pieza que les resulta postizo.  Todo cambia cuando deciden mandarle el texto a Maria Kapravof, la estandarte de un novedoso movimiento artístico llamado (re)productivismo, que fascinada por la historia que han escrito, les anima a representarla siguiendo sus preceptos, olvidándose del escenario del Kaczynski Theatre y llevando la función a otro terreno.

La crítica ha sido unánime para ensalzar la obra, la osadía de los muy jovenes directores, autores, actores. Ambos se interpretan a sí mismos. A lo largo de la función asistimos a varias versiones del atraco en cuestión entremezcladas con discusiones de los dramaturgos, lo que les da pie a poner en cuestión todas las convenciones teatrales, desde las más tradicionales hasta las vanguardistas, especialmente cuando aparece una artista rusa de performance que les invita a perpetrar de verdad el robo. A partir de ahí estalla la barrera que separa la realidad de la ficción y todo se mezcla. El summum llega cuando al final aparece en escena un intérprete inesperado, Mario Gas.

Hay juego escénico a tope, sin descanso, discursos en ruso/ingles de Irene Escolar con subtítulos, un subtitulador que se rebela y es despedido. ópera, rap, musica, disfraces, todo a buen rítmo y en varios niveles. Una fiesta? Quizás.

 

 

Nuevo orden M. Franco

 2020 Méjico 88 min Drama distópico Dirigida por Michel Franco Reparto: Naian González Norvind, Diego Boneta, Mónica del Carmen, Darío Yazbek Bernal, Fernando Cuautle, Eligio Meléndez, Lisa Owen, Patricia Bernal, Enrique Singer, Gustavo Sánchez Parra, Javier Sepulveda, Sebastian Silveti, Roberto Medina, Analy Castro

Una adinerada familia mexicana vivirá en primera fila ese estallido de violencia. De su galería de personajes odiosos, Franco solo salva a tres: la hija de esa privilegiada tribu, una mujer cándida pero compasiva, dispuesta a ausentarse de su propia boda para salvar a una antigua criada que está entre la vida y la muerte; y dos de sus trabajadores domésticos, indígenas que no apoyan el uso de la fuerza. Entre la violencia simbólica de los ricos y la violencia física de los pobres, Franco elige la equidistancia. “Salvo a los que tienen buenas intenciones, incluso si son ingenuos”, responde el director.

La película genera perplejidad por las intenciones del director, que nunca quedan claras, y por la imprecisa lectura ideológica de lo que muestra. El Ejército se sirve de los indígenas para dar un golpe de estado e instaurar un regimen totalitario? “No quería dar mensajes ni educar, porque el cine no sirve para eso. Mis convicciones políticas no son importantes. La ambigüedad de la película es deliberada. La quise mantener abierta, aunque no fuera fácil, para que el público de distintos países pueda proyectarse en lo que cuento”, asegura Franco, que quiso que todo fuera tan indefinido como la pintura abstracta con la que empieza su filme, obra del artista mexicano Omar Rodríguez-Graham. Su título es más ilustrativo: Solo los muertos han visto el final de la guerra.